Евгений Владимирович Краснушкин
Изобразительное искусство для дошкольников: натюрморт, пейзаж, портрет. Для работы с детьми 4 – 9 лет

Введение

   Основные цели данного пособия – познакомить детей с вершинами русского искусства в его лучших образцах, развить целостное и эмоциональное восприятие живописи, сформировать представление о пейзаже, натюрморте, портрете как жанрах живописи, дать основы художественной грамоты; сформировать умение понимать язык живописи, «высказываться» на нем, создавая собственные рисунки; развитие художественных способностей.
   Как показывает длительный опыт работы с детьми, такое сочетание «искусствоведческого» и «творческого» обучения является эффективным методом художественного образования, позволяющим прививать детям интерес к искусству, знакомя с его лучшими образцами и одновременно предоставляя возможность для собственного творчества.
   Так же, как при обучении грамоте, детей одновременно учат читать и писать текст, написанный буквами и словами, при обучении художественной грамоте наиболее эффективно одновременно учить детей читать и писать «художественный текст», написанный красками и линиями. Именно этот путь предлагается в данном пособии: рассматривать, анализировать, обсуждать с детьми произведения живописи и предлагать им на каждом занятии самим нарисовать пейзаж, натюрморт или портрет.
   Так как данное пособие создано не для работы в изостудии под руководством педагога-художника, а для использования в семье или в группе детского сада под руководством родителей или воспитателя, мы существенно упрощаем задачу рисования: дети рисуют не «из головы» и не с натуры, а выполняют свободную копию с репродукции, которую подробно обсуждают перед этим.
   В каждом разделе пособия, посвященном одному из жанров живописи, представлено 10 занятий. Каждое занятие (кроме первого – вводного и последнего – заключительного) посвящается одной картине и состоит из двух частей: «искусствоведческой» и «творческой». Первая часть посвящена обсуждению репродукции картины, вторая – ее свободному копированию.
   Очень важно рассадить детей таким образом, чтобы каждому была хорошо видна репродукция (она должна постоянно находиться в поле зрения детей).
   После завершения занятий желательно сходить с детьми в музей, рассмотреть и обсудить прямо перед холстами ряд заранее выбранных картин (не более восьми). Для москвичей задача упрощается: нужно пойти с детьми в Третьяковскую галерею и свободно поговорить перед каждой из приведенных в пособии картин. Хорошо, если дети вспомнят то, о чем говорилось на занятиях, а также скажут что-то новое, выходящее за рамки обсуждавшегося. Посвятите посещение галереи только выбранным произведениям – другие картины можно посмотреть при следующем посещении.
   Тем родителям, дети которых проявляли повышенный интерес к «теоретическим» частям занятий, порекомендуйте чаще водить детей в музеи и на выставки, а также на совместные лекции для детей и родителей, которые проводятся в некоторых музеях. Родителям ребят, проявивших интерес ко второй, практической части занятий (независимо от их успехов), порекомендуйте записать детей в изостудию.

Знакомство с пейзажем

Пейзаж в русской живописи

   Пейзаж – один из основных жанров живописи и, вероятно, самый популярный. Слово «пейзаж» французского происхождения (в переводе – страна, местность), но давно обрусело, стало органичной частью русского языка и имеет два значения: вид какой-либо местности и особый жанр живописи, посвященный изображению таких видов.
   Пейзажная живопись очень разнообразна: тихая осень и экзотические страны, маленький уютный дворик и непривычные для нас высокие горы, бурное море и обычный деревенский вид, городская архитектура и широкие многоплановые виды природы. Художников привлекают разные времена года, состояния погоды и освещения и т. д.
   Как и в других жанрах живописи, главной задачей пейзажа никогда не было просто изображение той или иной местности, а сейчас, в век фотографии, это было бы совсем нелепым. Художник в любой картине пытается с помощью красок выразить свои чувства, вызванные открывающимся перед глазами видом, а иногда использует этот вид для передачи каких-то своих глубоких мыслей или эмоций. Пейзаж – жанр, наиболее подходящий для передачи чувств и настроения автора. И мы, зрители, когда смотрим на пейзаж, всегда должны задумываться о том, что чувствовал художник, когда брался за кисть. При более тщательном разглядывании полотна мы можем узнать что-то новое о конкретной местности, ее природе и т. д. и, конечно, оценить красоту картины в целом и отдельных ее частей (фрагментов).
   Дети старшего дошкольного и младшего школьного возраста наиболее охотно и часто выбирают пейзаж для собственных рисунков. Во-первых, потому, что пейзаж – самый эмоциональный жанр, что особенно им близко. Во-вторых, пейзаж не требует серьезной подготовки в рисунке, как, например, портрет, и высокой точности рисунка, что всегда сложно для детей. И, наконец, дети видят вокруг себя самые разные пейзажи, часто ощущают их красоту, особенно на природе (оценить красоту натюрморта ребенку достаточно трудно).
   В пособии рассматриваются следующие произведения:
   1. Левитан И. И. «Золотая осень», 1895. Холст, масло, 82x126 см. Государственная Третьяковская галерея.
   2. Сарьян М. С. «Финиковая пальма. Египет», 1911. Картон, темпера, 106x71 см. Государственная Третьяковская галерея.
   3. Поленов В. Д. «Московский дворик», 1878. Холст, масло, 64,5x80,1 см. Государственная Третьяковская галерея.
   4. Рерих Н.К. «Канчэндзона. Гималаи», 1933. Картон, темпера, 30,6x45,6 см. Государственная Третьяковская галерея.
   5. Айвазовский И. К. «Радуга», 1873. Холст, масло, 102x132 см. Государственная Третьяковская галерея.
   6. Саврасов А. К. «Грачи прилетели», 1871. Холст, масло, 62x48,5 см. Государственная Третьяковская галерея.
   7. Лентулов A.B. «Звон. Колокольня Ивана Великого», 1915. Холст, масло, бронза, серебро, наклейки из тисненой фольги на бумаге, 211x213 см. Государственная Третьяковская галерея.
   8. Шишкин И. И. «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии», 1872. Холст, масло, 117x165 см. Государственная Третьяковская галерея.

Методические рекомендации

   В первой части занятия, при обсуждении картины, расскажите детям, как звали художника, когда и где он жил, какое место занимал пейзаж в его творчестве.
   В беседе с детьми 4 – 5 лет подчеркните красоту пейзажа, обсудите время года, время дня, состояние природы и погоды на картине; детально обсудите, что именно изобразил художник, каким элементам пейзажа он придавал главное значение. Спросите у детей, хотелось ли им оказаться в том месте, которое написал художник, что бы они там делали, чем именно нравится им этот пейзаж, а если не нравится, то почему.
   С детьми 6 – 7 лет дополнительно обсудите, чем привлек данный пейзаж художника, что он чувствовал, какие мысли могли у него возникнуть, какие чувства и мысли вызывает это пейзаж у ребят. Спросите, какими художественными средствами добился автор красоты и выразительности пейзажа (композиция [1 - Размеры, взаимное расположение и соотношение основных элементов картины.], цвет, рисунок [2 - Здесь: линии, контуры, пропорции частей картины и их светотеневые отношения.]), обсудите их на конкретных примерах в данной работе. Обязательно нужно сопоставить этот пейзаж с пейзажами, рассмотренными на предыдущих занятиях, обратить внимание на сходства и различия.
   Вторая часть занятия проводится после перерыва и включает два этапа. Сначала дети на небольшом листе бумаги (формат А5 или А6 (1/2, 1/4 формата A4)) фломастером (не маркером!) какого-нибудь одного цвета (кроме желтого) выполняют упрощенный набросок пейзажа, пытаясь передать композицию – взаимное расположение и относительные размеры основных частей изображения (предварительно обсудите с детьми, какие части картины главные, а какие – второстепенные). Категорически нельзя использовать несколько цветных фломастеров или закрашивать фломастером отдельные части рисунка. Репродукция пейзажа должна постоянно находиться в поле зрения детей.
   Дети выполняют несколько таких быстрых упрощенных набросков (но не более 10), показывая каждый педагогу, чтобы в каждом следующем рисунке учесть полученные замечания. Постоянно напоминайте детям: прежде чем проводить линию, нужно посмотреть, как эта линия проходит на картине. Основное внимание при этом уделяется именно композиции, а не рисунку, то есть не более точному вырисовыванию дерева, корабля или дома. Если ребенок более или менее справился с композицией, последние наброски можно посвятить уточнению рисунка, не обращая внимания на мелкие детали изображения и не рисуя их. На каждом наброске обязательно показывайте ребенку не только ошибки, но и удачные моменты. Этот этап занимает примерно половину второй части занятия.
   На втором этапе дети выполняют сильно упрощенную, очень свободную копию репродукции красками.
   Материалы, необходимые для работы:
   • один лист плотной белой бумаги формата A3 (30x40 см);
   • краски – гуашь художественная (набор из 12 цветов, желательно – «Мастер-класс» Петербургского завода художественных красок);
   • кисть круглая, №9 или 10, из материала «ушной волос»;
   • небьющаяся банка для воды емкостью около 1 литра;
   • тряпка;
   • 20 листов белой бумаги формата А6 (10x15 см) для подготовительных набросков;
   • 3 пластмассовых ножа или 3 плоские деревянные палочки. Плоскими палочками достают из банок светлые краски:
   белила, желтую и охру светлую, остальные краски берут кистью, предварительно сполоснув ее в воде и отжав двумя пальцами.
   Карандаши, ластики и палитры не требуются! Для смешивания красок используются крышки от баночек с красками, при смешивании в крышку сначала накладывается более светлая краска, а затем в нее небольшими порциями добавляется более темная. Напоминайте детям, что нужно как можно чаще мыть кисть в банке с водой, отжимать двумя пальцами с кисти лишнюю воду, а пальцы промокать тряпкой. Кисть должна быть не сухая, но и не слишком мокрая, консистенция краски или смеси красок должна напоминать хорошую сметану.
   Приступая к живописи, глядя на репродукцию и на свой лучший (не обязательно последний) набросок, ребенок повторяет этот набросок на большом листе уже кистью, тонкой, даже прерывающейся линией одного любого цвета [3 - Лучше охрой светлой, потом для исправлений можно взять другой, более темный цвет.]. Очевидные ошибки нужно исправлять, проводя рядом вторую, более правильную линию. В крайнем случае можно начать рисунок заново на обороте листа.
   После внесения рекомендованных педагогом исправлений можно приступать к живописи, то есть к работе цветом. Помогите детям открыть банки с красками и удобно расположить все на столе. Учитывайте, что первые опыты живописи для ребят – большая психологическая нагрузка, следите за их состоянием, старайтесь не отбить интерес к искусству.
   Обсудите с детьми цвет основных, самых больших пятен – частей пейзажа (обычно это небо и земля или вода, деревья и т. д.). Именно с них и нужно начинать.
   Помогите детям развести первые смеси красок в крышечках от банок, учитывая пожелания каждого ребенка относительно выбора краски и цвета. Разведя цвет, например, для неба, нужно сделать один мазок этим цветом по бумаге или прямо по небу на рисунке, при необходимости уточнить цвет смеси или сменить краску. На первых порах ребята могут писать отдельные фрагменты пейзажа «открытым цветом», то есть краской прямо из банки, и лишь для светлых частей (небо, вода и др.) смешивать краски с белилами.
   Советуйте детям не отвлекаться на мелкие детали изображения, периодически показывать педагогу, как идет работа, ничего не исправлять, пока весь лист не заполнен цветом: неудачное место высохнет и его легко можно будет переписать заново (исправлять нужно только грубые ошибки и только после совета педагога). Не добивайтесь от детей цветовой близости рисунка и репродукции – не забывайте, они создают свободную копию! Но желательно хотя бы приближенно отразить основные цветовые отношения: теплое – холодное, темное – светлое. Главная задача взрослого – увлечь детей живописью.
   В конце занятия обязательно похвалите каждую работу, найдя в ней что-то удачное.
   Перед началом занятий с детьми мы рекомендуем родителям и воспитателям, пользуясь изложенной выше методикой, попробовать самостоятельно выполнить несколько свободных копий репродукций, приведенных в пособии.

Занятие 1. Вводное

   В процессе занятия нужно постепенно перевести внимание детей от самых общих вопросов искусства к тем конкретным практическим опытам, которые им предстоят. Цель вводного занятия – показать ребятам, как интересно, даже увлекательно все, что связано с искусством.
   Занятие можно начать с вопросов о том, что общего есть у людей и животных и чем люди отличаются от животных.
   Предложите детям пофантазировать на эти темы, подчеркните, что во многих физических отношениях человек проигрывает в сравнении с животным (попросите привести примеры).
   Расскажите, что принципиальные различия лежат не в физической, а в духовной сфере: это мышление и наука, речь и письмо, совесть как инструменты различения добра и зла, мораль как основной закон поведения по отношению к другим людям, религия как вера в наличие высшей доброй силы, которая помогает людям, наконец, искусство. Остановитесь подробнее на искусстве. Расскажите детям, что искусство в разных формах есть у всех народов, каждому человеку присуще чувство прекрасного, или ощущение красоты.
   Перечислите разные виды искусства, связанные с разными способами восприятия окружающего нас мира: красота движений – танец, красота звуков – музыка и пение, красота речи и слов (текста) – литература, красота зрительных образов – живопись и скульптура и т. д. Попросите детей продолжить этот список. Обсудите, например, как в опере соединяются музыка, пение, литература и живопись.
   Расскажите о разных жанрах живописи: портрет, пейзаж, натюрморт, жанр (сцены из жизни), композиции на исторические и литературные темы. Говоря о разных пейзажах, показывайте репродукции. Немного расскажите о материалах и инструментах живописи: холст, натянутый на подрамник, бумага, картон, масляные, гуашевые и другие краски, кисти и т. д. Каждый раз просите ребят продолжить перечень обсуждаемых объектов.
   Во второй части занятия предложите детям познакомиться с работой гуашью, помогите удобно разложить на столе все материалы, необходимые для работы, открыть баночки с краской; посоветуйте, увлажнив кисть, сделать несколько мазков на бумаге, не забывая мыть и отжимать кисть, перепробовать все краски набора. Затем покажите детям, как смешивают две краски в крышке от баночки, например, белую и синюю, и, отдельно, желтую и синюю. Предложите научиться проводить кистью тонкие линии (это достаточно сложно для дошкольников); следите за тем, чтобы дети проводили вертикали сверху вниз, а горизонтали – слева направо.
   Предложите детям на том же листе нарисовать одним цветом простое небольшое изображение, например цветок.
   В конце занятия предложите ребятам самостоятельно тщательно закрыть банки с красками, вылить воду, вымыть кисть и руки, протереть влажной тряпкой стол (можно перед практической частью занятия расстелить на столе газету или клеенку).

Занятие 2. Золотая осень

   Левитан Исаак Ильич (1860—1900). «Золотая осень», 1895. Холст, масло, 82x126 см.
   Великий русский художник Исаак Ильич Левитан жил в Москве. Художник прожил всего сорок лет, но значение его творческого наследия огромно.
   Своими картинами И. И. Левитан открыл для всех нас необыкновенную лирику [4 - Лирика – выражение в произведении искусства преимущественно эмоций автора.] среднерусского пейзажа. Художник писал самые простые пейзажи и передавал в них весь диапазон человеческих чувств: от тихой радости, как в картине «Золотая осень», до безысходной тоски и грусти; изображал самые разные уголки природы: от трогательного ручейка до величия безграничного волжского простора.
   Картины И. И. Левитана написаны легко и свободно, кажется, что для их создания не требуется никаких усилий, настолько все просто и естественно на его полотнах.
   Предложите детям внимательно рассмотреть картину «Золотая осень»: пусть дети 4 – 5 лет перечислят, что они видят, а дети 6 – 7 лет расскажут, какие чувства вызывает этот пейзаж.
   На картине представлен заурядный среднерусский мотив – маленькая речушка среди молодых березок, но этот вид не просто красив, он несет в себе необычайное умиротворение, ощущение немотивированной радости и спокойствия – то, что называется благодатью, или, проще, счастьем. Каким образом художник сумел передать эти чувства в нарочито скромном пейзаже, объяснить трудно, но предложите ребятам 6 – 7 лет попытаться сделать это.
   При выполнении свободной копии посоветуйте детям форсировать желто-оранжевую гамму, но деликатно выбирать цветовые смеси для воды, земли и неба, легко, одним движением наносить белые стволы березок.

Занятие 3. Финиковая пальма. Египет

   Сарьян Мартирос Сергеевич (1880—1972). «Финиковая пальма. Египет», 1911. Картон, темпера, 106x71 см.
   Мартирос Сергеевич Сарьян прожил долгую жизнь, большей частью в Армении. Он был новатором в живописи, работал в разных жанрах: портрет, пейзаж, натюрморт, открывая новые возможности художественного языка живописи. Художник не только обогатил русское искусство своим новаторским творчеством, но и был основоположником армянской живописи XX века. Предложите детям сравнить его картину «Финиковая пальма. Египет» с картиной И. И. Левитана «Золотая осень» (сравнить не в смысле «лучше – хуже», а перечислить сходства и различия).
   На обеих картинах изображен яркий солнечный день, но на этом сходство заканчивается. Хотя их разделяет всего пятнадцать лет, художественный язык этих полотен совершенно различен – такие быстрые и значительные изменения происходили в русском искусстве в конце XIX – начале XX века. Многоплановый пейзаж Левитана построен на тонких нюансах цвета и передает такую же тонкую гамму человеческих чувств. Пейзаж Сарьяна построен на цветовом контрасте (оранжевый – синий) и контрасте по светлоте (очень темные тени рядом с ярко освещенными светлыми местами), что удачно передает ощущение зноя от палящего египетского солнца. Несмотря на изображение уходящей вдаль улочки, пейзаж выглядит плоскостным и декоративным благодаря четким контурам, одноцветным заливкам без нюансировки цвета, графичности рисунка – в начале XX века это было совершенно новым в живописи. Обратите внимание детей на красоту и зрительную активность сарьяновского пейзажа.
   Предложите детям сопоставить два пейзажа: лирический и декоративный. Поясните, что второй пейзаж – не просто декорация, то есть украшение чего-либо, – он тоже действует на наши чувства, вызывая в сознании не столько высшие эмоции, сколько воспоминания о сильной жаре и поисках тени в жаркие летние дни.
   При выполнении свободной копии посоветуйте детям отразить контрасты цвета и света в полную силу красок. Людей и верблюда рисовать не нужно.

Занятие 4. Московский дворик

   Поленов Василий Дмитриевич (1844—1927). «Московский дворик», 1878. Холст, масло, 64,5x80,1 см.
   Для Василия Дмитриевича Поленова основной темой была земная жизнь Христа, однако и пейзаж занимал в его творчестве важное место. Художник оставил прекрасные серии при-окских, греческих, палестинских пейзажей. (Можно рассказать детям о географии этих мест.) Широко известно полотно В.Д. Поленова «Московский дворик» (1878). Обыденная картинка тогдашней Москвы: летний день, двор на углу арбатских переулков: Трубниковского и Дурновского, где жил художник.
   Рассмотрите с детьми репродукцию. Попросите ребят 4 – 5 лет рассказать, что делают четверо детей на первом плане картины: девочка гадает на ромашке, двое играют на траве, а совсем маленький обижен, что на него не обращают внимания, и поэтому плачет. Этот солнечный дворик выглядит провинциальным, но каким спокойствием наполнен обычный летний день в нем. Уже давно нет этого дворика, да и ни в одном московском дворе нет такой травы с ромашками. И люди, которые сегодня живут в Москве, не имеют ничего общего с теми, кого мог встретить художник (обсудите это с детьми 6 – 7 лет).
   Эта работа В. Д. Поленова пользуется особой популярностью именно сегодня, может быть, потому, что раньше дети были гораздо ближе к природе, чем в современной Москве (детей 6 – 7 лет попросите назвать и другие причины, например, ностальгию-сожаление о том, что такой тихий прекрасный дворик уже никогда в Москве не увидеть).
   При выполнении свободной копии скажите детям, что детей, женщину, телегу с лошадью и другие мелкие детали пейзажа (например, колодцы, ромашки, тропинки, вторую церковь на дальнем плане) рисовать не нужно. Обратите внимание ребят на основные части пейзажа: небо и облако, траву на земле и растительность слева за забором, белый усадебный дом и бурую крышу сарая. Сильно упрощая, нужно наметить церковь Николы на Песках в центре картины.

Занятие 5. Канчэндзона. Гималаи

   Рерих Николай Константинович (1874—1947). «Канчэндзона. Гималаи», 1933. Картон, темпера, 30,6x45,6 см.
   После поленовского «Дворика» очень непривычным кажется горный пейзаж Николая Константиновича Рериха.
   Вторую половину жизни художник провел в Индии, он жил в предгорьях Гималаев – самых высоких гор в мире. Нам кажутся странными цвета на его пейзаже («Канчэндзона. Гималаи», 1933), но нужно учесть, что в высокогорных районах особые условия освещения. Н.К. Рерих писал горные пейзажи чистыми насыщенными красками, что соответствовало этим необычным условиям света и цвета.
   Спросите у детей 4 – 5 лет, обитаемы ли эти горы, какие животные и растения могут там жить. Детям 6 – 7 лет предложите рассказать, какие мысли вызывает у них этот пейзаж и почему.
   При выполнении свободной копии посоветуйте ребятам смело выбирать самые яркие краски, сочетания которых на рисунке кажутся им красивыми. Не нужно стремиться точно повторить цветовую гамму картины Н. К. Рериха.

Занятие 6. Радуга

   Айвазовский Иван Константинович (1817—1900). «Радуга», 1873. Холст, масло, 102x132 см.
   Морские пейзажи Ивана Константиновича Айвазовского (1817—1900) изображают море при различном состоянии погоды и освещении: дневное спокойное, освещенное луной ночное, иногда бурное, под несущимися по небу тучами. Художник писал морские сражения и парады кораблей, кораблекрушения и людей на берегу. И. К. Айвазовский жил в Крыму, в Феодосии, на самом берегу, но свои морские пейзажи он писал, не глядя на море, – так хорошо он его знал.
   Пейзаж И. К. Айвазовского «Радуга» (1873) относится к творчеству зрелого мастера, морские пейзажи которого получили мировую известность. Художника увлекают необычные и трудно воспроизводимые светоцветовые эффекты в морском пейзаже, например изображение радуги и волны, освещенной случайным солнечным лучом, прорвавшимся сквозь тучи во время бури. (Не все знают, что радуга бывает только в той стороне неба, которая противоположна солнцу, причем без солнца радуги не бывает.) Однако не радуга является главной темой картины, представляющей трагический момент гибели корабля, который, так же как и шлюпку с людьми, волны сносят на прибрежные скалы. Здесь представлена непобедимая мощь стихии, перед лицом которой человек оказывается бессильным. Так художник «расправлялся» с романтическими представлениями о герое, бросающем вызов природе, характерными для искусства начала XIX века. К середине XIX века романтизм как направление в искусстве устарел.
   Попросите детей рассказать, какие чувства вызывает у них эта картина. С детьми 6 – 7 лет обсудите, что общего есть у картин Н.К. Рериха и И. К. Айвазовского, а детям 4 – 5 лет расскажите об опасности плавания по морю на старинных парусных судах. При выполнении свободной копии главное – это волны, небо и радуга, корабль нужно только наметить, не обязательно рисовать береговые скалы и лодку, ни в коем случае не рисовать людей в ней.

Занятие 7. Грачи прилетели

   Саврасов Алексей Кондратьевич (1830—1897). «Грачи прилетели», 1871. Холст, масло, 62x48,5 см.
   Московский художник Алексей Кондратьевич Саврасов одной лишь картиной «Грачи прилетели» (1871) открыл необыкновенную духовность русского пейзажа, присутствие в нем высшего, не выразимого словами значения.
   Что-то подобное мы имеем в виду, когда говорим, что у человека есть душа. Именно об этом еще раньше, в 1855 году, писал Федор Тютчев в своем знаменитом стихотворении:

     …Эти бедные селенья,
     Эта скудная природа —
     Край ты мой долготерпенья,
     Край ты русского народа…

   Нужно сказать, что одухотворенность и душевность присутствуют и в ряде других пейзажей А. К. Саврасова, но картина «Грачи прилетели» занимает в русском пейзаже совершенно уникальное место. Так как духовность пейзажа практически невозможно выразить словами, не пытайтесь сделать это, тем более не требуйте этого от детей. Более продуктивно обсудить с ребятами каждую строку из приведенной выше строфы Ф. И. Тютчева и попытаться найти соответствие каждой строке в пейзаже А. К. Саврасова. С детьми 4 – 5 лет обсудите две первые строчки, с детьми 6 – 7 лет – все четыре.
   При выполнении свободной копии обратите внимание детей на основное цветовое отношение: снега и неба. На этот раз обязательно нужно нарисовать деревья, грачей (но не всех!), 2 – 3 дома и церковь.
   Лужу растаявшего снега, куст за ней и пейзаж на дальнем плане изображать не следует.

Занятие 8. Звон. Колокольня Ивана Великого

   Лентулов Аристарх Васильевич (1882—1943). «Звон. Колокольня Ивана Великого», 1915. Холст, масло, бронза, серебро, наклейки из тисненой фольги, 211x213 см.
   Аристарх Васильевич Лентулов был одним из основных участников общества московских художников, носившего странное название «Бубновый валет» (1910—1917), члены которого так же смело обновляли художественный язык живописи, как М.С. Сарьян, но несколько в ином направлении.
   В картине М.С. Сарьяна мы видели плоскостное решение с контрастными цветовыми заливками. Участники «Бубнового валета», наоборот, искали тонкие градации цвета, а форму изображаемых предметов делили на множество небольших объемов. Эти особенности ярко проявились в картине A.B. Лентулова «Звон. Колокольня Ивана Великого» (1915).
   На ней изображена колокольня Ивана Великого и стоящая рядом с ней Ивановская звонница Московского Кремля. А точнее, темой картины является сам звон колоколов – покажите детям, как качаются архитектурные объемы в ритм с ударами колокола.
   Эта работа трудна даже для свободного копирования. Посоветуйте ребятам пренебречь всеми мелкими деталями (окнами, фигурой звонаря и т. д.), но сохранить основные цветовые плоскости и самые крупные архитектурные объемы (не следует пытаться передать их объем, пусть на рисунках они будут плоскими), нужно упростить цветовое решение.
   Главная задача – создать красивый по цвету смелый рисунок. На этом занятии, пренебрегая копированием, даже свободным, важно постараться раскрепостить детей как художников.

Занятие 9. Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии

   Шишкин Иван Иванович (1832—1898). «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии», 1872. Холст, масло, 117x165 см.
   В русской живописи пейзаж как самостоятельный жанр начал развиваться с конца XVIII века, поначалу под влиянием итальянской живописи. Русские художники ездили в Италию, учились там и писали красивые итальянские пейзажи. Италия – южная страна, там много моря и солнца. Вернувшись домой, художники писали русские пейзажи похожими на итальянские. Так продолжалось почти полвека, пока Иван Иванович Шишкин не открыл своими картинами красоту русского пейзажа: от поросшей снытью лесной опушки до глухого мощного леса («Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии», 1872). И. И. Шишкин прекрасно знал природу и передавал ее на своих полотнах абсолютно точно. Он очень любил именно русский пейзаж, эта любовь проявлялась в картинах, придавая пейзажам особую красоту. Художник обычно писал «чистый» [5 - «Чистый» пейзаж – пейзаж без построек, человеческих фигур и пр.] пейзаж в летний солнечный день, но есть у него и зимние пейзажи.
   Предложите сравнить эту картину с картинами Н. К. Рериха и И. К. Айвазовского. Все три полотна выражают мощь природы. Спросите, чем же они отличаются. Внимание ребят 4 – 5 лет направьте на географические различия, детей 6 – 7 лет – на символическое выражение темы «природа и человек». В горном пейзаже – полная отстраненность природы от человека, горы как обиталище таинственных духов, недоступных познанию человека. В морском пейзаже – неодолимая мощь стихии, власть которой над собой человек должен признать. И только в лесном пейзаже И. И. Шишкина природа предстает как прекрасная, не чуждая и грозная, а близкая и родственная человеку среда обитания, которая щедро обеспечивает его почти всем необходимым: пищей (охота, бортничество и пр.), теплом (дрова, уголь), строительным материалом для жилья и даже для кораблей. Природу необходимо беречь (побеседуйте об охране природы).
   При выполнении свободной копии нужно выделить три части пейзажа: лес, земля и небо (ручей, пни и камни рисовать не нужно). В лесу следует прорисовать несколько стволов и веток и отличить по цвету кроны сосен в тени и на солнце.

Занятие 10. Заключительное

   Заключительное занятие целесообразно проводить в присутствии родителей.
   Вспомните вместе с детьми все жанры живописи, особенности пейзажа.
   Просмотрите последовательно все репродукции, с которыми познакомились на занятиях, каждый раз предлагая детям назвать художника и рассказать что-нибудь о картине. Попросите каждого ребенка назвать те пейзажи, которые ему больше понравились, и объяснить почему.
   Вторая часть занятия начинается с того, что каждый ребенок раскладывает на полу все свои восемь рисунков в том порядке, в каком они были выполнены (репродукции следует убрать).
   Поставьте детей перед рисунками так, чтобы они всем были хорошо видны, и обсудите их вместе, пытаясь выделить наиболее удачные работы и отметить наиболее красивые отдельные фрагменты (критиковать не нужно).
   Обязательно похвалите каждого ребенка, а его лучшие рисунки отметьте на обороте (для родителей).
   Обсудите последовательно рисунки каждого ребенка.

Знакомство с натюрмортом

Натюрморт в русской живописи

   Натюрморт – жанр живописи, объектом изображения в котором служат, как правило, бытовые предметы: посуда, музыкальные инструменты, вазы с цветами, мебель; иногда – часть интерьера, орудия ручного труда и т. д.
   Слово «натюрморт» – французского происхождения и в буквальном переводе значит «мертвая природа», но это слово давно обрусело и потеряло свой первоначальный смысл. Предметы, которые изображены в натюрморте, могут многое рассказать зрителю – стоит только внимательно смотреть и на них, и, главное, на картину в целом.
   Рассказывают не сами предметы – рассказывает художник, написавший натюрморт, но не словами, а с помощью изображения специально отобранных и поставленных определенным образом предметов.
   В пособии рассказывается о том, какие натюрморты создавали художники в разные эпохи – с XVIII по XX век; о том, как развивался жанр натюрморта в русской живописи. Рассматриваются следующие произведения:
   1. Неизвестный художник. «Листы из книг и картинки», 1783. Холст, масло, 86x81,8 см. Государственная Третьяковская галерея.
   2. Хруцкий И. Ф. «Цветы и плоды», 1839. Холст, масло, 65,9x88,8 см. Государственная Третьяковская галерея.
   3. Коровин К. А. «Гвоздики и фиалки в белой вазе», 1912. Холст, масло, 91,5x73,5 см. Государственная Третьяковская галерея.
   4. Кончаловский П. П. «Сухие краски» (фрагмент), 1912. Холст, масло, коллаж, 105,6x86,6 см. Государственная Третьяковская галерея.
   5. Фальк Р. Р. «Красная мебель» (фрагмент), 1920. Холст, масло, 105,6x122,8 см. Государственная Третьяковская галерея.
   6. Петров-Водкин К. С. «Розовый натюрморт» (фрагмент), 1918. Холст, масло, 57,5x71 см. Государственная Третьяковская галерея.
   7. Герасимов С. В. (1885—1964). «Колокольчики» (фрагмент), 1945. Холст, масло, 90x70 см. Государственная Третьяковская галерея.
   8. Стожаров В. Ф. «Хлеб, соль и братина» (фрагмент), 1964. Холст, масло, 100,5x130 см. Государственная Третьяковская галерея.

Методические рекомендации

   В первой части занятия, при обсуждении картины, нужно рассказать детям, как звали художника, когда и где он жил, какое место занимал натюрморт в его творчестве. В беседе с детьми 4 – 5 лет следует подчеркнуть красоту натюрморта, обсудить состав предметов, их взаимное расположение; детально обсудить, каким элементам натюрморта художник придавал главное значение. Спросить у детей, чем нравится им этот натюрморт, а если не нравится, то почему.
   С детьми 6 – 7 лет дополнительно нужно обсудить, что, по их мнению, чувствовал художник, когда писал натюрморт, какие чувства и мысли вызывает у них этот натюрморт. Спросить, какими художественными средствами добился автор красоты и выразительности картины (композиция [6 - Размеры, взаимное расположение и соотношение основных элементов картины.], цвет, рисунок [7 - Здесь: линии, контуры, пропорции основных частей картины и их светотеневое решение.]), обсудить их на конкретных примерах в данной работе. Обязательно нужно сопоставить натюрморт с натюрмортом, рассмотренным на предыдущем занятии, обратить внимание на сходства и различия.
   Вторая часть занятия посвящается самостоятельной творческой работе детей по созданию свободной копии рассмотренного произведения. Для упрощения создания свободной копии и для большего разнообразия используемых приемов применяется смешанная техника: аппликация из бумаги, живопись (гуашь) и графика (фломастер и тонкая линия кистью).
   Основное внимание взрослого должно быть обращено не на точность копирования и не на отдельные мелкие детали изображения. Гораздо важнее – общие художественные характеристики картины: композиция (место основного зрительного центра, основные составные части: цветовые пятна, главные линии, их взаимное расположение и зрительная уравновешенность), колорит (основной цвет работы), форма крупных цветовых пятен, наличие или отсутствие контрастов по светлоте (темный – светлый) и по цвету (теплый – холодный). Все эти характеристики следует обсудить с детьми, выстраивая беседу в форме вопросов и ответов, сделать их понятными дошкольникам (особенно детям 6 – 7 лет). При любом обсуждении, как в первой, так и во второй части занятия, нужно подчеркивать красоту натюрморта в целом, его фрагментов и их сочетаний.
   Материалы, необходимые для работы:
   • один лист плотной белой бумаги формата А2 (40x60 см) или A3 (30x40 см);
   • краски – гуашь художественная (набор из 12 цветов, желательно – «Мастер-класс» Петербургского завода художественных красок);
   • кисть круглая, №9 или 10, из материала «ушной волос»;
   • небьющаяся банка для воды емкостью около литра (наполнять до половины);
   • тряпка;
   • набор цветной бумаги для аппликации;
   • ножницы;
   • клей ПВА (если упаковка клея без капельницы, то потребуются небольшая плошка и щетинная кисть);
   • набор тонких фломастеров – 6 цветов (не маркеры!);
   • 20 листов белой бумаги формата А6 (10x15 см) для подготовительных набросков;
   • 3 пластмассовых ножа или 3 плоские деревянные палочки.
   Плоскими палочками достают из банок светлые краски:
   белила, желтую и охру светлую, остальные краски берут кистью, предварительно сполоснув ее в воде и отжав двумя пальцами.
   Для смешивания красок используются крышки от их баночек: сначала в крышку кладется более светлая краска, а затем в нее небольшими порциями добавляется более темная.
   Следует напоминать детям как можно чаще мыть кисть в банке с водой, отжимать с нее лишнюю воду а пальцы промокать тряпкой. Воду в банке менять несколько раз в ходе занятия. Кисть должна быть не сухая, но и не очень мокрая. По густоте краски и их смеси должны напоминать хорошую сметану, высохшие краски использовать нельзя. Карандаши, ластики, палитры и акварельные краски на занятиях не понадобятся.
   Вторая часть занятия проводится после перерыва и включает два этапа.
   На первом этапе дети фломастером любого цвета, кроме желтого, выполняют упрощенный набросок натюрморта на небольшом листе бумаги. Этот композиционный набросок должен отразить взаимное расположение и относительные размеры основных частей изображения (предварительно нужно обсудить с детьми, какие части картины главные, а какие – второстепенные), начинать набросок нужно с самого большого предмета, мелкие предметы рисовать не следует. Категорически нельзя использовать несколько цветных фломастеров или закрашивать фломастером части рисунка.
   Дети выполняют несколько быстрых упрощенных набросков (не более 10), показывая каждый руководителю и пытаясь в следующем наброске учесть полученные замечания. Постоянно напоминайте детям: прежде чем провести линию, нужно обязательно посмотреть, как эта линия проходит на картине. Основное внимание при этом уделяется именно композиции, а не рисунку, то есть не более точному вырисовыванию конкретного предмета, а определению его места и размеров. Если ребенок более или менее справился с композицией, последние наброски можно посвятить уточнению рисунка, как и прежде не обращая внимания на мелкие детали изображения и не рисуя их. На каждом наброске обязательно показывайте ребенку не только ошибки, но и удачные моменты. Этот этап может занять примерно половину второй части занятия.
   Длительность первой и второй части занятий, как правило, не одинакова – вторая часть может быть значительно больше первой. Тем не менее, прежде чем переходить ко второй части, обязательно сделайте небольшой перерыв. Вторую часть лучше проводить без перерыва, но иногда, для отдыха детей, можно отвлечь их внимание каким-нибудь рассказом или общим разговором, далеким от темы занятия.
   На втором этапе дети создают свободную копию натюрморта на большом листе бумаги. При этом они руководствуются не только репродукцией натюрморта, но и лучшим из набросков, выполненных на первом этапе. Весь лист постепенно должен быть покрыт изображением натюрморта: частично с помощью аппликации (большие пятна), частично с помощью гуаши.
   Сначала вновь обсудите с детьми колорит картины, предложите им подобрать цветную бумагу для самых крупных цветовых пятен (часто ими бывают фон, стол, самый большой предмет). Затем дети вырезают из цветной бумаги куски, близкие по форме и размерам цветовым пятнам, и раскладывают их на белом листе (можно составлять одно пятно из нескольких кусков бумаги, если так проще).
   Следите за техникой безопасности: дети должны сидеть свободно, брать ножницы только на время работы с ними, не держать ножницы открытыми, не общаться друг с другом с ножницами в руках.
   Цветные вырезки могут частично перекрывать друг друга, желательно не оставлять между ними белые полоски, однако не обязательно самые большие пятна закроют весь лист.
   Добиваясь композиционного сходства с наброском натюрморта, дети передвигают вырезки по листу, а потом по очереди их приклеивают, тонким слоем клея (следует помнить – дети склонны наносить избыточное количество клея!) промазывая вырезку снизу по контуру. На большую вырезку можно положить несколько мазков клея в середине, аккуратно наложить вырезку на нужное место и разгладить руками. Клей ПВА, нанесенный тонким слоем, схватывает бумагу очень быстро, поэтому делать перерывы для просушки не требуется. Подобную операцию можно повторить и для менее крупных частей изображения, которые есть на наброске.
   Напоминайте детям, что нужно периодически смотреть на репродукцию натюрморта и постоянно использовать его упрощенную схему на наброске.
   Цвет аппликации не будет соответствовать цвету натюрморта, кроме того, на листе останутся достаточно большие белые пятна и части, для которых не удалось подобрать близкую по цвету бумагу. Цветовая доработка свободной копии производится с помощью гуаши: красками покрывают все белые места, все части, для которых не нашлось цветной бумаги, частично или полностью корректируя цвет наклеенных вырезок. При этом не нужно строго придерживаться границ вырезок, их можно пересекать и даже игнорировать, уточняя форму пятен и постепенно превращая цветовые пятна в изображения предметов натюрморта. Также, как правило, не следует искать различные оттенки цвета в пределах одного цветового пятна.
   На этом этапе важно обратить внимание детей не только на цветовые отношения, но и на световые (темнее – светлее). Посоветуйте детям утемнить (желательно без использования черной и коричневой красок) или высветлить (смесями красок с белилами или охрой светлой) некоторые части изображения. Периодически при работе с цветом предлагайте ребенку сопоставить его работу с репродукцией натюрморта, после чего внести уточнения. На этом живописная часть работы по созданию свободной копии заканчивается и остается только ее графическое завершение.
   Итак, сначала дети занимались искусствоведческим анализом натюрморта, затем прорабатывали его композицию, выполняя композиционный набросок, далее добивались цветового сходства (используя аппликацию из цветной бумаги и живопись гуашью) и в конце перешли к графике.
   При завершении работы нужно тонкими, но достаточно яркими линиями подчеркнуть и уточнить границы цветового пятна или частично контур предмета (но не весь контур!), а также изобразить линейные объекты, например ручку кувшина, стебель цветка и пр., ограничиваясь только главными для данного натюрморта деталями.
   На всех этапах создания свободной копии присутствует овладение рисунком: в наброске – передача формы основных частей изображения, в аппликации – уточнение контура, в живописи гуашью – форма менее крупных частей натюрморта, затем свето-теневая коррекция и в конце – собственно графическая доработка контуров и прорисовка линейных элементов изображения.
   По окончании работы по созданию свободной копии разложите все рисунки на полу, расставьте детей так, чтобы каждому были видны все работы, и обсудите рисунки. При этом не нужно останавливаться на недостатках, тем более нельзя анализировать сходство детских работ с репродукцией или друг с другом. Важно найти в каждой работе что-то удачное, красивое, смелое, отметить это и похвалить каждого ребенка. Следует хвалить детей и в процессе работы, помня, что для ребят их рисунки – не копии известных картин, а результат упорного труда по созданию собственного художественного произведения. Так же должны к ним относиться родители и воспитатели. Овладевая художественными средствами в процессе создания собственных творческих работ, дети учатся понимать художественный язык искусства и развивают свои способности.
   Перед началом занятий с детьми мы рекомендуем родителям и воспитателям, пользуясь изложенной выше методикой, попробовать самостоятельно выполнить несколько свободных копий репродукций, приведенных в пособии, но не демонстрировать их детям.
   В процессе занятий следует постоянно показывать детям на их работах, как следует выполнить то или иное действие: сделать или поправить набросок, вырезать бумагу, приклеить ее, смешать краски, вымыть и отжать кисть, покрыть краской часть листа, откорректировать цвет и свет, провести линию и прочее, причем показывать не на одной работе, а на разных, чтобы в чем-то помочь каждому ребенку.
   Все выполненные детьми работы нужно сохранять – они потребуются на заключительном занятии, которое проводится в присутствии родителей.

Занятие 1. Вводное

   Это занятие должно проложить тропинку от замечательных картин, написанных известными художниками и хранящихся в музеях, к тому, что хорошо знакомо каждому ребенку – детскому рисунку. Расскажите детям о том, что всем людям без исключения присуще чувство прекрасного: всем нравятся красивые пейзажи, красивые лица, одежда, дома, любые красивые предметы. Но вкусы у всех разные, и мнения о том, какие именно лица или предметы красивы, тоже могут быть разными, к тому же вкусы меняются со временем.
   С древних времен люди украшали себя и окружающие их вещи, а потом стали специально создавать предметы, главное назначение которых – украшать окружающий мир, доставлять людям особое эстетическое удовольствие. Такую деятельность людей называют искусством, а человека, который создает произведение искусства, – художником. Художники пишут картины, лучшие из которых помещают в музеи, чтобы каждый мог прийти и полюбоваться ими. Все картины, написанные красками, называют живописью.
   В зависимости от того, что изображено на картине, различают жанры живописи: портрет, пейзаж, натюрморт и другие. Картины, на которых изображены виды природы, называются пейзажами, изображения человека называются портретами. А картина, на которой изображены различные предметы, окружающие нас в жизни, например посуда, фрукты, ваза с цветами, называется натюрморт. Наши занятия будут посвящены натюрморту как одному из основных жанров живописи. (Далее расскажите детям о натюрморте.)
   По сравнению с другими жанрами живописи в натюрморте художнику предоставлена полная свобода. Если кто-то попросит написать портрет, художник, конечно, не будет рисовать нос вместо уха или наоборот – заказчику такой портрет не нужен. На летнем пейзаже художник не будет изображать снег, а на зимнем цветущие розы, деревья не станет рисовать вверх ногами. А вот если художник собирается писать натюрморт, он волен выбрать те предметы, которые захочет, и расставить их так, как ему нравится. Портретируемый человек не сможет долго сидеть неподвижно, в пейзаже в течение дня меняется освещение, погода. А предметы стоят неподвижно, как их поставили, и безропотно позируют художнику. Поэтому натюрморт – это самый простой жанр живописи для начинающих рисовать. Не все дети знают об этом и редко рисуют натюрморты.
   Покажите детям представленные в пособии репродукции натюрмортов, не останавливаясь на них подолгу: позже каждому натюрморту будет посвящено отдельное занятие. Попросите детей назвать основные изображенные предметы, перечислить различия, которые они видят в натюрмортах. Отметьте красоту картин.
   Расскажите детям, что на занятиях они будут не только рассматривать и обсуждать натюрморты, созданные знаменитыми художниками, но и попробуют сами написать несколько натюрмортов, что еще интереснее. На первых порах не нужно придумывать свои натюрморты – можно взять за основу уже известные картины и делать их свободные копии. Слово «свободные» здесь очень важно: это значит, что не нужно точно повторять картину художника, да это и нелегко. Гораздо проще нарисовать красивый рисунок, более или менее напоминающий тот натюрморт, который изображен на репродукции. Чтобы было еще легче, нужно часто смотреть на репродукцию, которая постоянно находится перед глазами как подсказка.
   Во второй части занятия предложите детям познакомиться с теми техническими средствами и приемами, которые они будут использовать на последующих занятиях при создании свободных копий натюрмортов: рисование наброска фломастером, выполнение аппликации, живопись гуашью.
   Поставьте перед детьми предварительно выполненный взрослым на листе формата A4 (30x20 см) широким маркером черного цвета крайне упрощенный рисунок любого простого предмета, например чашки (без блюдца и ложки). Предложите детям выполнить быстрый набросок с этого рисунка на листах формата А6. Путем многократных повторений и уточнений дети приходят к правильному выбору масштаба изображения, расположения рисунка на листе, пониманию того, какие части рисунка являются главными, а какими – можно пренебречь.
   Подобным образом ребята выполняют аппликацию, глядя на другое, цветное изображение той же чашки, созданное взрослым заранее. (Изображая чашку, нужно провести горизонтальную линию, отделяющую стол (плоскость под чашкой) от задника (фона); выбрать три цвета: для стола, чашки и задника. Затем следует выполнить рисунок, сделать аппликацию из цветной бумаги (контуры специально не обводятся) или гуашью (более или менее равномерно закрасить эти три пятна).
   Предложите детям сначала выполнить свободную копию рисунка в технике аппликации (на листе формата A4), а затем на другом таком же листе – гуашью.
   Помогите детям удобно разложить на столе все материалы, необходимые именно на данном этапе работы, убрав все лишнее. Перед работой гуашью нужно помочь ребятам открыть баночки с краской, посоветовать, увлажнив кисть, сделать несколько мазков на отдельном листе бумаги, не забывая мыть и отжимать кисть, перепробовать все краски набора. Мазки (ширина мазка 1 – 2 см, длина 2 – 5 см) направляют слева направо, сверху вниз или под углом примерно 45°. Затем покажите, как можно смешать две краски в крышке от баночки, например белила и синюю или желтую и синюю.
   Предложите детям научиться проводить кистью тонкие линии (это достаточно сложно для дошкольников). Для этого нужно вымыть и так отжать кисть, чтобы она имела тонкий острый конец, взять на конец кисти немного краски и провести линии длиной 5 – 10 см, держа кисть перпендикулярно листу бумаги, вертикальные сверху вниз, а горизонтальные – слева направо.
   Дети рисуют сетку из параллельных линий, затем дуги – полуокружности; дети 6 – 7 лет изображают концентрические окружности, постепенно увеличивая их диаметр. Окружности рисуют не одним движением, а двумя полуокружностями. Затем дети выполняют одним цветом тонкой линией простой рисунок (на листе формата А6), например цветок или домик; закрашивать ничего не нужно. В конце занятия дети тщательно закрывают банки с красками, выливают воду, моют кисть и руки, протирают влажной тряпкой стол.

Занятие 2. Обманка неизвестного художника

   Неизвестный художник. «Листы из книг и картинки», 1783. Холст, масло, 86x81,8 см.
   В XVII—XVIII веках натюрморта как отдельного жанра в русской живописи еще не существовало, но многие художники писали натюрморты, которые в то время назывались «обманками». Обманка – это курьезный обман зрения, создающий иллюзию реальности. Однако талантливый автор не только удовлетворял модную прихоть заказчика, а был новатором, открывателем, изобретателем, создавая новый жанр живописи – натюрморт. В эпоху, когда в живописи доминировали парадные портреты царских особ, вельмож и их жен, такой живописец как бы говорил своей работой: «Посмотрите, как прелестно выглядит этот фрагмент стены над бюро в небогатом усадебном доме, как удобно и уютно расположились за тесемками циркуль-измеритель, печатные листы, оттиск гравюры, какой спокойный быт и, следовательно, характер имеет скромный дворянин, не лишенный интеллекта и чувства прекрасного». С тех давних времен до нас не дошли имена и фамилии многих художников, но главное – сохранились их работы. В таких случаях вместо фамилии автора перед названием картины пишут «неизвестный художник».
   После перерыва, во второй части занятия предложите детям сделать свободную копию картины. Обсудите с детьми композицию картины, обратите внимание на ее почти квадратный формат.
   Предложите детям листы для набросков квадратной формы. На них дети рисуют прямоугольники примерно одного размера: по три в двух верхних рядах и два в нижнем ряду (младшим детям сделать это непросто – придется выполнить несколько таких набросков).
   Обратите внимание детей на равномерность заполнения поля картины. Все поле белого листа (также квадратной формы) закрывают бумагой цвета светлой охры или прокрашивают гуашью этого цвета, направляя мазки в основном сверху вниз (плотность цвета может колебаться). Следите за тем, чтобы дети не проводили кистью два раза по одному месту. Аппликацию для шести верхних пятен делают из газеты, наклеивая на каждое пятно (неровно!) по 2 – 3 вырезки, для двух нижних пятен – из белой бумаги.
   Затем дети переходят к графической доработке: прямо по газете рисуют цветок, колосок и циркуль, крайне упрощенно, каждый предмет одним своим цветом, тонкой линией, цветок – розовой, колосок – желтой, циркуль – синей краской, красной краской нужно нарисовать тесемки, каждую – одной линией. Затем коричневой краской обводят два нижних прямоугольника, на первом из них той же краской, как получится, рисуют корову, на второй – дерево.
   Важно проследить за тем, чтобы дети ничего не исправляли сами – только с вашего согласия; чем меньше исправлений, тем лучше. На этом работа по созданию первой свободной копии заканчивается. Помогите детям аккуратно разложить еще не высохшие работы на полу и обсудите их, похвалив каждую.

Занятие 3. Цветы и фрукты

   Хруцкий Иван Фомич (1810—1885). «Цветы и плоды», 1839. Холст, масло, 65,9x88,8 см.
   До XIX века натюрморт не считали жанром живописи. И только в первой половине XIX века благодаря творчеству Ивана Фомича Хрупкого натюрморт получил равноправие с другими жанрами живописи.
   И. Ф. Хруцкий родился и большую часть жизни жил в Белоруссии. В 1839 году он был удостоен звания академика Императорской академии художеств «за отличные труды в портретной, пейзажной и особенно по живописи плодов и овощей». В то время в искусстве господствовал торжественный, монументальный стиль, который назывался ампир (от слова «империя»).
   Натюрморты художника торжественны, праздничны и статичны (устойчивы), их композиция почти симметрична, как фасад дворца. Пышный букет в нарядном кувшине, лежащие рядом фрукты – все говорит об изобилии, красоте и богатстве даров природы.
   Предложите детям внимательно рассмотреть натюрморт. Пусть дети 4 – 5 лет перечислят изображенные на нем фрукты, а ребята 6 – 7 лет скажут, что является главным, а что – второстепенным в композиции картины и каким способом художник выделил главное (с помощью яркого освещения), в чем заключается симметрия композиции этого натюрморта. Анализируя композицию, посоветуйте детям прищуриться и решить, какие цветовые пятна являются главными частями картины (возможно, таких частей семь).
   Во второй части занятия результаты обсуждения закрепляются в композиционном наброске. Рекомендуйте детям рисовать только самые важные части изображения, сильно упрощая их контур, например букет в виде круга.
   Когда будет получен приемлемый набросок, можно прямо на нем уточнить форму отдельных пятен или предметов. Напоминайте детям, что не следует изображать второстепенные и мелкие части натюрморта: разрезанный персик, стакан с лимоном, отдельные виноградины, мелкие цветы, рельефный рисунок на кувшине и т. д. При выполнении аппликации не нужно пытаться найти цветную бумагу для всех частей работы. Например, для многоцветного букета лучше оставить место на белом листе. Не следует пытаться точно выбрать цвет отдельных элементов изображения, например, для цветов достаточно трех красок: желтой, голубой и красной.
   Многие части работы потребуют светотеневой коррекции, особенно темные места фона. Отдельные цветы и фрукты нужно выделить яркими красками, не стремясь к точности рисунка, – важнее не слишком ошибаться в размере и местоположении цветового пятна рядом с другими пятнами. Гораздо больше внимания, чем на предыдущем занятии, нужно уделить графической проработке изображения. При этом цвет самих линий не имеет большого значения. После каждого этапа взрослому следует просматривать все работы, если требуются радикальные исправления – показывать, как их сделать. Важно больше помогать детям – и кистью, и психологически.
   Завершается занятие коллективным просмотром работ, выделением удачных, красивых, смелых решений.
   Постарайтесь вызвать у ребят радость и удовлетворение тем, что они справились с такой сложной работой. Предложите детям рассказать дома родителям за что их похвалили.

Занятие 4. Вечер в Париже

   Коровин Константин Алексеевич (1861—1939). «Гвоздики и фиалки в белой вазе», 1912. Холст, масло, 91,5x73,5 см.
   Искусство никогда не стоит на месте, в нем все время что-то меняется, развивается. Это совсем не значит, что новое всегда лучше старого, просто оно – другое. И живопись развивалась вместе со всем русским искусством: менялись художественные вкусы людей, изменялся художественный язык, то есть те приемы, которыми пользуется художник, когда пишет картину, и самое главное – изменялись цели, которые художник ставит перед собой, берясь за кисть. Правда, одна цель оставалась неизменной – художники всегда хотели создать что-то красивое, но представления о красоте тоже менялись.
   Так, в XVIII веке неизвестный автор словно хотел обмануть зрителя, показывая написанную на холсте картину, создать впечатление, что это часть стены, к которой прикреплены листы из книг, картинки и цветок. Конечно, художнику всерьез никто не верил, но и ему, и зрителям было интересно играть в эту игру с красивой картиной. Примерно через полвека художник Иван Фомич Хруцкий написал свой нарядный, торжественный натюрморт, который мог украсить любое большое помещение: и жилую комнату, и зал для бальных танцев. А далее целых полвека натюрморты писали не для «обмана» и не для украшения стен, а для того, чтобы рассказать, в каких условиях жили и действовали те или иные люди, особенно известные исторические личности. Поэтому натюрморт писали не отдельно, а как часть картины, на которой были изображены люди – главные герои картины, а предметы натюрморта играли вспомогательные роли. Но в начале XX века жанр натюрморта наконец выдвинулся на первые места в живописи, благодаря Константину Алексеевичу Коровину и другим художникам, которым будут посвящены следующие занятия.
   Великий русский художник Исаак Ильич Левитан показал, что пейзаж наилучшим образом подходит для выражения человеческих чувств и особенно чувств и настроений самого художника. К. А. Коровин жил в Москве, но бывал в Париже, притягивавшем живописцев и скульпторов всего мира.
   Покажите детям репродукцию натюрморта «Гвоздики и фиалки». Поясните, что цветы в этом натюрморте – не главное, они даже не являются композиционным центром картины (центр композиции – белое пятно вазы). А что же главное? Серебряный кувшинчик, апельсины, виноград – нет, конечно. Главное – это прелесть тихого вечера в уютной комнате в далеком шумном Париже; пускай там, внизу, за окном, мимо ярких витрин течет бесконечный людской поток парижан и туристов… Как хорошо здесь, за маленьким столиком у окна, в теплой красивой комнате, полной спокойствия и любви. Подчеркните, что ни «обманка» неизвестного автора, ни торжественный натюрморт И.Ф. Хрупкого такие чувства выразить не могли.
   Во второй части занятия перед выполнением композиционного наброска обсудите с детьми главные и второстепенные части натюрморта. Главные: синее пятно вечернего города за окном, темное пятно букета (целиком), белое пятно вазы, большое пятно стола, круглый поднос и два апельсина. Второстепенные: огни в окнах, коробка (может быть, это кофейная мельница), ваза с виноградом, кувшинчик, ложка, оконная рама и тени от всех предметов. Аппликацию здесь используют для синего пятна, остальное нужно написать красками, но очень обобщенно и упрощенно по форме. Например, по синей аппликации провести широкие голубые полосы оконной рамы, смесью белил и охры светлой с небольшой добавкой синего покрыть стол, оставить незакрашенное белое пятно – белую вазу, цветы не вырисовывать, а написать двумя крупными пятнами: темно-синим и красным, желто-оранжевой краской короткими тонкими мазками наметить огни за окном, а более широким мазком – апельсины. (Для того чтобы помогать детям при выполнении живописной части этой работы, взрослому желательно выполнить это задание самостоятельно в процессе подготовки к занятию.)
   Важно увидеть в этом натюрморте соседство ярких, сочных цветовых пятен и приглушенных, неопределенного цвета светловатых пятен. Необходима и графическая доводка: дети 6 – 7 лет могут наметить кувшинчик, вазу с виноградом, частично – границы пятен, внимательно разглядев все это в натюрморте.
   Дети не должны огорчаться, если не все получится, – передать колористическое богатство коровинских натюрмортов почти невозможно. Не забудьте, тем не менее, найти что-то хорошее в каждом детском рисунке.

Занятие 5. Банки с красками

   Кончаловский Петр Петрович (1876—1956). «Сухие краски», 1912. Холст, масло, 105,6x86,6 см.
   Картина, которая будет обсуждаться на этом занятии, совсем не похожа на предыдущую, но написана в то же самое время. В 1910-х годах группа молодых московских художников организовала объединение «Бубновый валет». Эти художники не нагружали свои работы никакими чувствами, кроме одного – восхищения перед красотой живописи, самые обычные сюжеты они превращали в праздник. Они писали яркими красками, использовали контрасты по цвету и свету (напомните детям, что это такое) и часто обращались к жанру натюрморта, который дает художнику большую свободу. Характерный пример – работа Петра Петровича Кончаловского «Сухие краски». Самый прозаичный сюжет: сухие краски, которые нужно тщательно перетереть с льняным маслом, чтобы использовать их для живописи, превращен в праздничное многоцветное зрелище.
   Предложите детям найти контрасты светлого и темного, теплого и холодного: темная фиолетовая драпировка и светлый деревянный стол, синяя краска в окружении оранжевой, желтой и красной в композиционном центре картины, белая ваза с кистями на темном фоне слева наверху и незаметная вначале светлая палитра справа внизу, белые блики и темная обводка банок и т. д. Обратите внимание детей, что светлые пятна по периметру и одно в центре придают работе сверкающий вид. Живопись и была праздником для художников «Бубнового валета» – так сильно они были увлечены ею.
   Во второй части занятия предложите детям среди обилия предметов выделить основные цветовые пятна и только их отразить в композиционном наброске. Затем сделать аппликацию, закрывая цветной бумагой сначала большие, а потом и более мелкие, но яркие пятна (кроме бликов – их нужно сделать на последнем этапе, при графической доработке).
   При живописной проработке нужно использовать самые яркие краски, не смешивая их; не пользоваться коричневой краской; все этикетки на банках сделать чистыми белилами.
   При графической доработке белилами выполнить только основные блики (блик лучше делать одним коротким движением кисти), а темно-синей, фиолетовой или черной – наметить основные темные места по краям предметов.

Занятие 6. Красная мебель

   Фальк Роберт Рафаилович (1886—1958). «Красная мебель», 1920. Холст, масло, 105,6x122,8 см.
   Роберт Рафаилович Фальк так же, как и П. П. Кончаловский, был участником объединения «Бубновый валет», однако натюрморт «Красная мебель» он написал уже после того, как объединение распалось. В XX веке жизнь менялась очень быстро, может быть, поэтому натюрморт Р. Р. Фалька не похож на его прежние работы – это совсем не радостная праздничная живопись, а скорее напряженная, даже драматичная.
   Сначала обсудите с детьми жанр этой картины: на ней изображена мебель, но тем не менее эта работа Р. Р. Фалька относится к жанру натюрморта, а не интерьера. В натюрморте основным объектом изображения служат предметы, которые окружают человека, а в интерьере – внутреннее пространство, внутренний вид помещения, где находятся обычно те или иные предметы.
   В натюрморте «Красная мебель» мы ничего не знаем о помещении, в котором стоит эта мебель, да нас это и не интересует. Все, что хотел сказать нам художник, он выразил именно с помощью предметов, в данном случае – предметов мебели, совершенно игнорируя особенности комнаты. Поэтому рассматриваемая нами картина с полным правом относится к жанру натюрморта.
   Обратите внимание детей на то, что вместо цветового богатства предыдущего натюрморта здесь использовано всего три цвета: красный, белый и черный и их смеси. Подчеркните, что сами по себе изображенные предметы – стол, стулья, диван, скатерть – ничего мрачного в себе не содержат, это обычная мебель. Редкая в жанре натюрморта эмоциональная напряженность никак не связана с самими предметами, а достигнута здесь чисто живописными средствами – цветовой гаммой и контрастами по светлоте. Так, музыка может выражать сильные чувства, не связывая их с какими-либо зрительными или литературными образами и при этом эмоционально воздействовать на человека.
   На композиционном наброске желательно наметить стол и основные предметы мебели, некоторые нужно объединять в одно пятно, например два стула слева.
   При выполнении аппликации достаточно только красной бумаги для мебели, причем красное пятно для упрощения стоит составить из нескольких, любым темным цветом изобразить стол. Основной этап в создании свободной копии этого натюрморта – светотеневая проработка смесью белил с черной краской (для стены, пола и скатерти). Для мебели используется смесь красной и черной красок. Нужно стараться оставлять как можно меньше темных мест для графической доработки, при которой останется написать белую часть скатерти и бутыль, сделать блик на ней, когда бутыль высохнет, а также подчеркнуть самые темные места натюрморта.

Занятие 7. Пища для ума

   Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878—1939). «Розовый натюрморт», 1918. Холст, масло, 57,5x71 см.
   Художник Кузьма Сергеевич Петров-Водкин родился в семье сапожника в маленьком городке Хвалынске на берегу Волги и стал одним из лучших русских художников первой половины XX века. Он работал во всех жанрах живописи. Его натюрморты красивы и оригинальны, но в отличие от большинства натюрмортов не столько пробуждают в нас те или иные чувства, сколько заставляют задуматься.
   Покажите детям «Розовый натюрморт» К. С. Петрова-Водкина. Обратите внимание на композицию: предметы на столе показаны сверху, как видит их человек, стоящий у края стола, – обычно художники пишут, стоя за мольбертом на некотором расстоянии от постановки. Особенности колорита: смягченный контраст холодных и теплых тонов и контраст оттенков каждого цвета. Открытый красный – помидоры, холодный и теплый розовый – бумага и рисунки на столе; яркий зеленый на яблоках и рядом тепловатый зеленый на листьях и приглушенный голубой на столе.
   Так же тонко решена и тема натюрморта: плоды земли на переднем плане, плоды творчества – рисунки художника на втором плане и вершины духа – религиозный сюжет на правом рисунке. Не нужно даже пытаться объяснять детям такие сложные категории, как творчество, искусство, духовность, религия и т. д., но пояснить их на простых примерах все же можно. Например, рассказать, что чувство любви может проявляться на трех уровнях: любовь к мороженому вызвана потребностями нашего организма в сладком – это первый уровень. Любовь к животным, например к своему щенку или котенку, уже не связана с потребностями нашего тела, в ней проявляются лучшие свойства нашей души. Наконец, на высшем уровне находится любовь к своим близким, к своей Родине, вера в Бога – то, за что люди готовы отдать свою жизнь; этот уровень обычно называют духовным.
   Во второй части занятия дети выполняют наброски. Предварительно нужно обсудить с ними основные части натюрморта (основные для композиции натюрморта, а не по смыслу) и попутно перечислить второстепенные части, например листья на ветке, мелкие плоды на столе, детали изображений на рисунках, грани стакана, складки бумаги. От занятия к занятию старайтесь проводить подобные обсуждения в форме вопросов и ответов, пытаясь вовлечь в беседу всех детей.
   Затем выделите вместе с детьми пятна для аппликаций – их всего четыре: холодное розовое, два теплых розовых и голубое. Вряд ли найдется цветная бумага для розовых пятен, скорее придется, обведя их тонкой линией, покрыть смесью белил и двух красных красок – алой и охры красной. Когда эти пятна просохнут, дети должны, глядя на репродукцию и свой набросок, написать более мелкие части: сначала провести линию ветки, потом написать в виде одноцветных пятен плоды, затем широкие белые поля на рисунках, далее – листья (не все).
   При графической доработке белилами крайне упрощенно нарисовать стакан, не показываая грани и воду, обозначить на зеленых плодах темные стороны. Изображения на рисунках и тени от предметов выделять не нужно.

Занятие 8. Лето без войны

   Герасимов Сергей Васильевич (1885—1964). «Колокольчики», 1945. Холст, масло, 90x70. см.
   Все рассмотренные нами натюрморты были специально поставлены, чтобы их писать. Художник выбирал предметы, стол, где их поставить с учетом освещения, думал о цвете задника, долго переставлял предметы, заменяя одни другими, двигал то один, то другой немного вправо или влево, вперед или назад, пока не получал натюрморт, который казался ему красивым.
   Только после этого художник делал эскиз или набросок, иногда еще что-то уточнял в постановке и начинал писать.
   Создается впечатление, что Сергей Васильевич Герасимов случайно увидел на подмосковной даче этот букет колокольчиков, стоящий на столе напротив открытого окна. Изменять тут было нечего, может быть, потребовалось придвинуть стул немного ближе к столу. Солнечный день, зеленый сад за окном, свежесть букета простых полевых цветов вполне отвечали настроению художника – он писал этот натюрморт летом 1945 года. Первое лето после окончания страшной войны, полное радостью победы и надеждой на счастливую мирную жизнь. Два года назад, когда шла война, художник не стал бы писать такой букет, даже если бы и увидел его. Окружающая жизнь влияет на творчество художников: многие из них чутко слушают голос этой жизни и отвечают своими картинами.
   Обсудите с детьми довольно простую композицию картины. Букет в центре полотна служит и композиционным центром картины. По диагонали от него расположены зеленый прямоугольник окна и довольно светлая столешница. По другой диагонали расположены темная спинка стула и такая же темная рама открытого окна, а внизу спинка стула уравновешена темным предметом на столе. Холодные «чистые» цвета букета и зелени сада подчеркиваются теплыми цветами предметов в комнате. Светотеневой контраст выбеленного солнцем подоконника и темной спинки стула обостряет композицию.
   Обратите внимание детей на то, как свободно, широкими мазками, без исправлений написан этот натюрморт. Цветы так и нужно писать – «на одном дыхании», чтобы они были живыми. Сравните картину С.В.Герасимова с натюрмортом И. Ф. Хруцкого – их разделяет примерно сто лет, но как изменился художественный язык живописи за это время!
   Во второй части занятия дети выполняют относительно простой композиционный набросок и переходят к аппликации. Напомните им, что букет нужно сделать одним пятном. Для светлых пятен вряд ли найдется подходящая бумага, их нужно написать, разведя смеси красок из белил, охры светлой и синей. Темные части нужно написать, смешивая синюю и охру красную, возможно, с добавкой охры светлой. Приклеенную зеленую бумагу нужно оживить темно– и светло-зелеными мазками, придавая им то же направление и величину, что и на репродукции. Затем чистыми белилами написать подоконник. Неопределенно темным цветом упрощенно изобразить вазу и стебли колокольчиков. В самом конце свободными фиолетово-голубыми мазками написать колокольчики.
   Напоминайте детям о необходимости следить за направлением и величиной мазков на картине. Как всегда, мелкими деталями следует пренебречь, но несколько мазков, изображающих отделенные от букета колокольчики, можно сделать. В завершение белилами и желтой краской нужно наметить 2 – 3 ромашки (легкими, как бы «небрежными» движениями).

Занятие 9. Народный обычай

   Стожаров Владимир Федорович (1926—1973). «Хлеб, соль и братина», 1964. Холст, масло, 100,5x130 см.
   Всем известен старинный русский обычай встречать гостя хлебом и солью. И хлеб, и особенно соль были на Руси большой ценностью. (Сейчас этой традиции придерживаются редко, только в костюмированных представлениях при встрече важного начальства, посещающего провинцию.) Гостю предлагали умыться и подавали вышитое полотенце – рушник, чтобы вытереть лицо. Хозяйка надевала красный сарафан или фартук (слово «красный» раньше означало «лучший», «красивый», а также название цвета). Гостя сажали за стол, на котором стояла бутылка с постным маслом – обмакивать хлеб, и братина (ударение на первом слоге) – большой деревянный сосуд, в который наливали питье (не обязательно хмельное), с ковшиком, чтобы его разливать. В натюрморте В. Ф. Стожарова «Хлеб, соль и братина» все эти предметы находятся на деревенском кухонном столе, приготовленные, чтобы накрывать большой обеденный стол. Рядом стоит чернолощеный сосуд, сделанный из задымленной в процессе обжига глины, а потом украшенный простым орнаментом, нанесенным лощением – шлифовкой твердым камнем агатом.
   Московский художник Владимир Федорович Стожаров писал пейзажи северных деревень и предметы народного быта. Этот натюрморт он написал в 1964 году, когда в обществе пробудился интерес к народному искусству, архитектуре, обычаям. Глядя на картину, мы не только любуемся изделиями народного творчества: братиной, рушником, ковшиком и солонкой. Одновременно вспоминаются черты народного характера: гостеприимство (хлебосолие), доброта, открытость, искренность, бескорыстие, любовь к красоте – стремление украсить почти каждый бытовой предмет и т. д. Натюрморт наполнен символами – изображениями, которые помимо видимого зрительного образа несут более важный дополнительный смысл. Так, композиция отличается статичностью, устойчивостью, предметы аккуратно стоят на прочном деревянном столе около стены, сложенной из мощных брусьев. Все это исподволь говорит нам о силе народа, его стойкости в тяжелые годы испытаний, которыми так богата наша история.
   Во второй половине занятия обсудите с детьми основные части композиции – их нелегко выделить среди обилия зрительно активных предметов. Например, соль, по смысловому значению вынесенная в название картины, композиционно не имеет большого значения. На наброске не нужно показывать вышивку, отрезанные ломти хлеба, веревку, ковшик и т. д. Выполняя аппликацию, следует выделить светлое охристое пятно стены, темное пятно столика, белый рушник, алый сарафан, зеленую занавеску вверху, темные хлеба на столе. При живописной проработке нужно уточнить цвет отдельных пятен, например хлебов, братины. Посоветуйте детям больше внимания уделить графической доработке натюрморта, во время которой можно нарисовать и более мелкие элементы композиции.

Занятие 10. Заключительное

   Это занятие желательно проводить в присутствии родителей, которые приносят все восемь выполненных ребенком работ. Рисовать на этом занятии дети не будут, так что бумага, краски и т. д. не потребуются. Детские рисунки до начала занятия развесьте по стенам, прикрепив к каждому листок с именем автора. С воспитательной точки зрения рисунки лучше развесить в произвольном порядке: ни дети, ни родители, ни тем более руководитель не должны сравнивать рисунки по качеству. Репродукции картин развешивать не нужно, чтобы родители не сравнивали рисунки ребенка с картинами знаменитых художников.
   В первой части нужно кратко рассказать родителям о целях и методах проведения занятий.
   Затем для закрепления пройденного материала, используя вопросы к детям и их ответы, повторить основные понятия, термины и сведения, освоенные ребятами на занятиях, а также фамилии художников и время их жизни. Дети могут вспомнить, какие именно натюрморты им особенно понравились и запомнились, что было самым интересным в процессе занятий.
   Во второй части заключительного занятия (занятие проводится без перерыва) руководитель постепенно обходит все детские работы вместе с детьми и родителями. Кратко обсуждается каждая работа (без исключения). Проводя обсуждение, нужно отмечать только удачные моменты в каждой работе, полностью игнорируя недостатки, и отвечать на вопросы родителей.

Знакомство с портретом

Портрет в русской живописи

   В пособии приведены репродукции восьми портретов из собрания Государственной Третьяковской галереи, написанных крупнейшими русскими художниками в XIX—XX веках, они могут дать детям начальное представление об историческом развитии портрета в отечественной живописи. При подборе репродукций мы попытались охватить разнообразие жанра, включая выбор модели, художественные особенности, такие как композиция и колорит картины, конкретные задачи, стоявшие перед автором портрета, отношение художника к своей модели.
   В пособии рассматриваются следующие произведения:
   1. Боровиковский В. Л. Портрет М. И. Лопухиной, 1797. Холст, масло. 72x54,5 см. Государственная Третьяковская галерея.
   2. Тропинин В.А. «Кружевница», 1823. Холст, масло, 74x59 см. Государственная Третьяковская галерея.
   3. Брюллов К.П. «Всадница», 1832. Холст, масло, 291,5x206 см. Государственная Третьяковская галерея.
   4. Брюллов К. П. Портрет В.А. Перовского, 1837. Холст, масло, 247x152 см. Государственная Третьяковская галерея.
   5. Крамской И.Н. «Пасечник», 1882. Холст, масло, 57x45 см. Государственная Третьяковская галерея.
   6. Серов В. А. Мика Морозов, 1901. Холст, масло, 62x70 см. Государственная Третьяковская галерея.
   7. Серебрякова 3. Е. «За туалетом». Автопортрет, 1909. Холст на картоне, масло, 75x65 см. Государственная Третьяковская галерея.
   8. Лентулов A.B. Автопортрет, 1915. Холст, масло, наклейки из цветной бумаги, 142x104,5 см. Государственная Третьяковская галерея.

Методические рекомендации

   Обсуждение портретов следует проводить в той последовательности, в которой они приведены в пособии, это закрепит в сознании детей характер исторического развития жанра. Каждое занятие посвящается одному портрету, но в начале занятия стоит просмотреть последовательно те портреты, с которыми дети познакомились на предыдущих занятиях.
   При обсуждении портрета с детьми 4 – 5 лет особое внимание нужно уделить целостному эмоциональному восприятию портрета, красоте картины в общем и в деталях, личному отношению ребенка к портретируемому (нравится ли портрет и портретируемый; хотелось бы поговорить с этим человеком, о чем его можно спросить; если не нравится – то почему и т. д.). С детьми 6 – 7 лет, кроме вышеперечисленного, нужно обсудить отношение автора к своей модели, психологическую и социальную характеристику модели, сравнить этот портрет с рассмотренными ранее картинами (сходство и различия), рассмотреть и сравнить художественные средства, использованные автором.
   Рекомендуем обсуждение портрета на каждом занятии дополнять активными действиями детей, связанными с данным портретом. Например, попросить детей принять позу и попытаться повторить выражение лица портретируемого, нарисовать портрет по памяти (фломастером, гуашью), обсудить рисунки (не касаясь темы портретного сходства).
   Для облегчения восприятия живописи занятия включают (особенно в работе с детьми 6 – 7 лет) и собственную практику детей в этом виде искусства – первые шаги в обучении рисунку, композиции и живописи путем свободного копирования обсуждаемых портретов. Это усилит интерес детей к живописи, а у некоторых ребят вызовет желание рисовать или учиться живописи.

Занятие 1. Вводное

   На первом занятии проводится беседа с детьми о портрете как жанре живописи.
   Живопись – это вид искусства, в котором художник выражает свои чувства и мысли с помощью красок и линий на картине. В зависимости от того, что представлено на картине, различают жанры живописи: пейзаж, натюрморт, портрет, жанровые и исторические композиции. Портрет – картина, на которой представлен конкретный человек, – один из древнейших жанров живописи, он существует по крайней мере две тысячи лет.
   В русском искусстве портретный жанр появился в XVII веке и с тех пор постоянно изменяется и развивается вместе с искусством живописи. Вначале портрет носил условно-символический характер, но в XIX веке в портрете, так же как и в других жанрах живописи, постепенно стал преобладать реализм. Художники начали отражать на картинах не только внешность или социально значимые характеристики портретируемого, но и его личность – то неповторимое единство психики, сознания и поведения, которое позволяет нам отличать одного человека от другого. Изменялись со временем и художественные средства портрета: композиция, колорит, изображение среды, окружающей портретируемого и т. д. Особенно много нового появилось в портретной живописи в начале XX века: традиционный для XVIII и XIX веков погрудный портрет отошел в прошлое, композиция портретов стала разнообразной, обычно с включением элементов окружающей среды, характерной для портретируемого; изменился колорит: ушел нейтральный темный фон, резко высветлилась и стала более цветной палитра художника; большинство портретов стали представлять человека как бы выхваченным из обычной жизни, а не специально позирующим художнику.
   Портретная живопись так же разнообразна, как и другие жанры живописи. Она включает, например, и торжественный парадный портрет размером в несколько метров, предназначенный для экспозиции в зале для больших собраний, и небольшого размера камерный детский портрет, который родители ребенка хотят иметь в своем доме. В этом пособии приведены очень разные портреты. На вводном занятии нужно обратить внимание детей на разнообразие портретов, а также на то общее, что объединяет их в единый портретный жанр живописи.
   Портрет – это не просто изображение человека, человек присутствует на многих картинах – в пейзажах, композициях. Главная задача портрета – представить конкретного человека именно таким, каким его воспринимает художник, то есть выразить на картине и донести до зрителя отношение художника к портретируемому.
   Обязательно следует подчеркнуть в беседе с детьми, что необходимым признаком портрета, как и любой другой картины, является живописная красота и индивидуальность творческой манеры автора. В процессе занятия нужно несколько раз продемонстрировать детям все репродукции, не останавливаясь подробно на каком-либо одном портрете – каждому из них будет посвящено отдельное занятие.

Занятие 2. Молодая женщина

   Боровиковский Владимир Лукич (1757—1825). Портрет М.И. Лопухиной, 1797. Холст, масло, 72x53,5 см.
   Владимир Лукич Боровиковский – один из крупнейших русских портретистов конца XVIII – начала XIX века. Портрет Марии Ивановны Лопухиной он написал в 1797 году, когда ей было всего 18 лет. Она уже была замужем, ее муж имел довольно высокое придворное звание егермейстера – начальника царской охоты. На портрете мы видим обаятельную, красивую, молодую, уверенную в себе женщину.
   Поясной портрет (изображение по пояс) имеет традиционную для того времени композицию: модель (человека, которого пишет художник, принято называть «модель» вместо длинного слова «портретируемый») облокотилась рукой на стол, на заднем плане – пейзаж, ствол огромного дерева затеняет правую часть картины. Двести лет назад, когда был написан портрет, художники писали портреты не на воздухе, на фоне настоящего пейзажа, а в мастерской или в доме портретируемого. А пейзаж придумывали из головы, причем довольно однообразно: кусочек голубого неба, часть поля, несколько деревьев с густой кроной. С большой долей условности написаны силуэт плеча, рука, розы на столе, однако выражение лица и особенно глаз дают острую индивидуальную характеристику личности модели, а красота и живое выражение лица позволяют считать это произведение одним из красивейших женских портретов в русской живописи.
   Почти через сто лет, в 1885 году, поэт Я. П. Полонский посвятил этой картине стихотворение «К портрету М. И. Лопухиной»:

     …Но красоту ее Боровиковский спас.
     Так часть души ее от нас не улетела,
     И будет этот взгляд и эта прелесть тела
     К ней равнодушное потомство привлекать…

   Спросите у детей, нравится ли им портрет, чем он привлекает, похож ли наряд модели на современную одежду, как связаны модель и пейзаж на заднем плане картины: солнечный день, буйная растительность, спелые колосья говорят о спокойствии, красоте и изобилии природы – эти качества зрители невольно распространяют и на личность портретируемого.
   Попросите девочек принять позу и выражение модели, а мальчиков – оценить сходство.

Занятие 3. Кружевница

   Тропинин Василий Андреевич (1780—1857). «Кружевница», 1823. Холст, масло, 74,7x59,3 см.
   Покажите детям репродукцию картины В. А. Тропинина «Кружевница». Спросите, кто изображен на портрете, что делает девушка. Расскажите детям, что она плетет кружево – узорную сетку из ниток. В XIX веке и прежде кружево было украшением нарядной одежды. Кружева плели вручную специальные мастерицы – кружевницы.
   На картине мы видим миловидную девушку-кружевницу, она на минутку оторвалась от своей работы и смотрит прямо на нас. Перед ней на столе на наклонной подставке лежит подушка, к которой булавками крепится кружево. В руках она держит коклюшки – палочки, к которым привязаны нитки. Перебирая коклюшки, кружевница протягивает нитки между булавками, образуя узор кружева.
   Спросите у детей, сколько лет девушке, красивая ли она, как она одета (подчеркните, что она одета скромно и удобно для работы), какое у нее настроение, нравится ли ей плести кружево (уточните, что для нее это не развлечение, а работа).
   Расскажите, что автор этой картины, Василий Андреевич Тропинин, жил в Москве почти двести лет назад. Он писал портреты (про работу художника говорят не «рисовал», а «писал») разных людей, своих современников; в том числе создал портрет великого русского поэта Александра Сергеевича Пушкина. Спросите, какие стихи или сказки Пушкина знают ребята.
   Тропинин писал не только известных, но и простых людей, таких, как эта кружевница. Спросите, как относился художник Тропинин к своей модели. Она очень нравится художнику своей скромностью, трудолюбием, аккуратностью, милым выражением лица. Может быть, Тропинин даже немного приукрасил ее на портрете – в его время это было принято в портретной живописи. Новым в то время было изображение простого человека во время работы, а рядом с ним – орудий труда (в данном случае это подставка, ткань, коклюшки). Однако комнату художник показывать не стал – тогда было принято писать портреты на «нейтральном», ничего не изображающем фоне.
   Спросите, какие краски использовал художник: холодные (синий, зеленый, фиолетовый) или теплые (красный, желтый, коричневый), каков колорит (общий цвет) картины.
   Колорит теплый, мягкий, спокойный, без резких переходов от светлого к темному (это называется «без контрастов»). Эти художественные средства и позволяют художнику выразить свое теплое отношение к модели.
   Предложите детям что-нибудь сплести из ниток – нет, конечно, не кружево – этому нужно долго учиться, а что-нибудь попроще. Например, девочки могут сплести браслет-косичку (фенечку), а мальчики – закладку для книжки из цветных ниток мулине. Нитки нужно взять трех цветов и такой длины, чтобы ниткой можно было три раза обернуть руку. Концы ниток завязать в узел и прикрепить кусочком скотча к краю стола, разделить нитки на три части, по цветам, и сплести косичку, а на конце косички связать нитки в общий узел.
   В конце занятия снова предложите детям посмотреть на репродукцию «Кружевницы». Уточните фамилию автора.

Занятие 4. Всадница

   Брюллов Карл Павлович (1799—1852). «Всадница», 1832. Холст, масло, 291,5x206 см.
   Автор этого портрета – художник Карл Павлович Брюллов – жил в первой половине XIX века. Картина «Всадница» написана тридцатитрехлетним художником в Италии. Брюллов был в расцвете своего таланта, через год ему принесла европейскую известность картина «Последний день Помпеи», над которой он уже работал. (Помпеи – небольшой античный город в Италии, располагавшийся у склона вулкана Везувия. Почти две тысячи лет тому назад, 24 августа 79 года, во время извержения вулкана город Помпеи вместе со всеми жителями был засыпан восьмиметровым слоем камней и горячего пепла – выше, чем крыши двухэтажных домов.) Брюллов известен не только этой картиной, он написал много прекрасных портретов своих современников и был очень популярным художником.
   Судьба улыбалась молодому художнику. Праздник жизни, молодости и счастья отражает двойной портрет «Всадница». На нем изображены две итальянки: Джованнина (всадница) и Амацилия (младшая девочка) – воспитанницы графини Ю. П. Самойловой. Нарядная молодая девушка на благородной лошади, рядом прелестная девочка и две породистые собаки – все свидетельствует о полноте жизни под безоблачным небом – такой видел Италию художник, приехавший из северного Петербурга.
   Спросите у детей, сколько персонажей представлено на картине (включая животных), кто из них самый красивый, о чем думает девочка, как относятся девушка и девочка к домашним животным. Снова покажите репродукцию картины В. А. Тропинина «Кружевница». Предложите детям перечислить признаки, которые отличают скромную девушку-кружевницу от всадницы – воспитанницы богатой графини.

Занятие 5. Портрет генерала

   Брюллов Карл Павлович (1799—1852). Портрет В. А. Перовского, 1837. Холст, масло, 24x152 см.
   Продемонстрируйте детям «Кружевницу» В. А. Тропинина и сообщите, что сегодня они познакомятся с совсем другим портретом того же автора – портретом генерала Василия Алексеевича Перовского, участника Отечественной войны 1812 года. Спросите, знают ли дети, с кем была эта война, такая большая, что ее назвали Отечественной, то есть войной за спасение Отечества.
   Расскажите, что это была война с Наполеоном. Из далекой Франции он привел огромную армию и хотел завоевать Россию. Самое большое сражение произошло недалеко от Москвы, около села Бородино:

     Изведал враг в тот день немало,
     Что значит русский бой удалый,
     Наш рукопашный бой!..
     М. Ю. Лермонтов «Бородино»

   Французы вступили в покинутую жителями Москву, но затем русская армия, которой командовал М.И. Кутузов, разгромила французскую армию, и Наполеон бежал назад во Францию.
   Во время Отечественной войны Перовский был восемнадцатилетним храбрым офицером, генералом он стал гораздо позже.
   Предложите детям внимательно рассмотреть портрет и рассказать, что в нем самое главное, чем он отличается от «Кружевницы». Эти портреты совсем разные: на первом представлена милая девушка, а на втором – боевой офицер.
   Спросите, почему офицер изображен на фоне мрачной грозовой тучи. (Это напоминание о грозной войне 1812 года.) На заднем плане изображен разгоряченный белый конь – Перовский был кавалерийским офицером. Обратите внимание детей на то, какие нарядные мундиры были у военных в то время.
   Перовский представлен на портрете в спокойной позе, у него серьезный, вдумчивый взгляд – Брюллов писал этот портрет, когда Перовскому было уже 43 года и война давно закончилась. К этому времени он был произведен в генералы, управлял большой Оренбургской губернией и был членом Государственного совета – высшего органа управления России.
   В этой картине художник выразил свое уважение и восхищение личностью портретируемого: красавец офицер, герой войны, в мирное время – заслуженный генерал, проявивший незаурядные организаторские способности и государственный ум. Портрет большого размера – 2,5x1,5 метра – предназначался для установки в главном зале города Оренбурга. Перовский изображен в полный рост, в парадном мундире и наградах. Колорит, построенный на световом и цветовом контрасте (темные холодные тона и горячие красные), придает портрету торжественность и монументальность.
   Предложите мальчикам встать в позу генерала, обратите внимание на поворот головы, выражение лица (гордое, но не надменное), на положение ног, рук, попросите взять что-нибудь в левую руку. А девочки пусть оценят, насколько поза и выражение лица похожи на позу генерала Перовского на портрете.

Занятие 6. Портрет крестьянина

   Крамской Иван Николаевич (1837—1887). «Пасечник», 1882. Холст, масло, 57x45 см.
   Покажите детям репродукции картин, которые они рассматривали на предыдущих занятиях. Вместе вспомните фамилии художников. Подчеркните различия портретов: разные авторы, модели, композиции (поясной и в рост), колорит (теплый на сближенных тонах и контрастный по светлоте и цвету), размеры и назначение (камерный и парадный). Отметьте сходство: каждый портрет красив, дает яркую индивидуальную характеристику модели, написан не только высокопрофессионально, но и талантливо.
   Покажите детям портрет пасечника кисти И. Н. Крамского. Подчеркните, что этот портрет совсем не похож на рассмотренные ранее. Предложите рассказать об этом портрете: что за человек представлен на портрете, сколько ему лет, чем он занимается, легко ли ему живется.
   И. Н. Крамской называл свою картину по-разному: «Пасечник», «Старик на пчельнике», «Стар стал». Эти названия говорят нам, что на портрете изображен старый крестьянин, работающий на пасеке. Пасека – это место, где стоят ульи: деревянные домики, в каждом из них живет семья пчел. Старику стал не по силам обычный крестьянский труд – пахать землю, собирать урожай, и ему поручили ухаживать за пчелами, но даже эта работа уже тяжела для него. В руках у старика коса – он косил траву на пасеке (высокая трава мешает пчелам находить дорогу к своим ульям), но устал и присел отдохнуть на пустой улей. На поясе у старика висит ключ от кладовки, в которой хранится собираемый из ульев мед.
   Сутулая фигура старого уставшего человека с опущенной головой по настроению противоположна яркому летнему дню, залитой солнцем опушке леса и цветам на переднем плане картины. Этот контраст усиливает нашу симпатию к старому пасечнику. С большим сочувствием к своему герою относится и художник. Он написал правдивый портрет простого человека, прожившего нелегкую трудовую жизнь. Теплый золотистый колорит картины, пейзаж, наполненный солнцем и ароматом лесных трав, подчеркивают очевидную симпатию художника к своему герою.
   Иван Николаевич Крамской был одним из лучших русских портретистов второй половины XIX века. Ему не нравилось, что в Петербургской академии художеств учили приукрашивать изображаемых людей и окружающую жизнь, показывать ее лучше, чем она была на самом деле. H.H. Крамской хотел, чтобы портрет был абсолютно правдив, представлял человека таким, каков он есть, а жизнь – со всеми ее сложностями и радостями. Четырнадцать молодых художников, разделявших его взгляды, отказались продолжать учебу в Академии художеств и образовали собственное художественное общество.
   Эти художники-новаторы проводили выставки своих картин в разных городах России («передвигали» их по стране), и поэтому их назвали передвижниками. Постепенно передвижники завоевали всеобщее признание, а их правдивая, реалистическая манера стала основным направлением русской живописи.
   Предложите детям нарисовать фломастером крестьянина-пасечника, два-три улья вдали и немного травы на переднем плане. Дайте каждому ребенку лист обычной бумаги формата A4 и один фломастер любого цвета, кроме желтого. Рисовать можно только контурной линией. Сначала нужно легко наметить на листе расположение фигуры пасечника и ульев. После этого нарисовать общий силуэт фигуры, выделить косу, голову, руки, ноги, волосы и бороду. Ни в коем случае не надо рисовать черты лица, пальцы рук, детали одежды. Так же упрощенно-обобщенно нужно нарисовать ульи. Главная задача – постараться выдержать расположение и пропорции частей изображения по отношению к размеру листа бумаги и друг к другу: размер фигуры, ширину плеч, длину ног и рук, расположение ульев, их размер.
   В процессе рисования советуйте детям, прежде чем провести линию, посмотреть, где и как она проходит на портрете. На рисунке можно делать исправления, игнорируя неправильно проведенную линию – не нужно при первой же ошибке сразу брать новый лист. Нельзя ничего закрашивать фломастером – весь рисунок должен быть выполнен тонкой линией. Конечно, с первого раза получится не очень точно. Обязательно похвалите детей, но укажите им на основные ошибки. Так как линейный рисунок выполняется быстро, каждый ребенок может сделать несколько рисунков, постепенно уточняя композицию и пропорции. (Прежде чем проводить это занятие, воспитателю следует выполнить данное задание самостоятельно.)
   В связи с тем что выполнение рисунка представляет для детей значительные трудности, потребует нескольких попыток и займет много времени, рекомендуется увеличить время занятия вдвое (с обязательным перерывом).

Занятие 7. Детский портрет

   Серов Валентин Александрович (1865—1911). Мика Морозов, 1901. Холст, масло, 62,3x70,6 см.
   Покажите детям портрет пасечника, который рассматривали на прошлом занятии, попросите вспомнить и назвать художника, спросите, кто такие передвижники. Затем покажите портрет Мики Морозова (так в семье Морозовых называли маленького Мишу).
   Детский портрет – наиболее сложный и поэтому редкий вид портрета. Портрет четырехлетнего Миши Морозова, написанный Валентином Александровичем Серовым, является едва ли не лучшим детским портретом в русской живописи.
   Сын известного коллекционера живописи и мецената М.А. Морозова (меценат – это богатый человек, который тратит часть своих денег на помощь художникам, артистам, музыкантам) представлен в живом непосредственном движении в момент общения с близкими ему людьми. Очаровательный мальчуган написан художником не просто с любовью, но с нескрываемым восхищением. Во время сеанса маленький Мика спросил В.А. Серова: «Дядя, а тяжело ли красить?» и в ответ услышал: «Если бы ты только знал, как тяжело!» Такой вопрос мог задать только смышленый мальчик – в дальнейшем Мика Морозов получил прекрасное образование и стал профессором, лучшим в нашей стране знатоком творчества великого английского драматурга Шекспира.
   Обратите внимание детей на то, как свободно, широким мазком написан этот портрет, покажите тропининский портрет кружевницы, написанный «гладко», сравните, как на обоих портретах написаны складки одежды и фон. Расскажите, что художественные средства живописи: рисунок, композиция (расположение и взаимосвязь частей изображения на картине), колорит, цвет, мазок и т. д. – все это вместе называется стилем – постоянно меняются, а технические средства: краски, холст, кисти – остаются неизменными в течение многих веков.
   Спросите у детей, какими красками они рисуют дома или в детском саду, как называются эти краски. Расскажите, что кроме знакомых им акварели и гуаши существуют и другие краски. Большинство художников пишут свои картины масляными красками. Это краски, в которых цветной порошок перетерт с льняным маслом. Такими красками художники пишут не на бумаге, а на ткани – льняном холсте, туго натянутом на специальную деревянную раму (ее называют подрамником, потому что готовую картину помещают потом во вторую, красивую наружную раму, а подрамник зритель не видит). Отметьте, что на всех репродукциях указана техника, в которой выполнена картина: «холст, масло», то есть написана на холсте масляными красками, а также размер картины в сантиметрах. Например, портрет Мики Морозова имеет размер 62x70 сантиметров (первая цифра всегда обозначает высоту, а вторая – ширину картины).
   Попросите детей по очереди принять позу Мики Морозова, обратите внимание, куда направлен взгляд мальчика (не на зрителя или художника, а на собеседника). Сравните с другими портретами: кружевница смотрит на художника, В.А. Перовский – на стоящих перед ним людей, пасечник ни на кого не смотрит, а поглощен своими думами. Даже в этом проявилось развитие живописи в течение XIX века: на более ранних портретах модель очевидно позирует, на более поздних – художник представляет своего героя в одном из естественных состояний, свойственных именно данному человеку.

Занятие 8. Женщина перед зеркалом

   Серебрякова Зинаида Евгеньевна (1884—1967). «За туалетом». Автопортрет, 1909. Холст на картоне, масло, 75x65 см.
   Напомните детям, что на предыдущем занятии (покажите портрет Мики Морозова и спросите у детей, кто его автор) говорилось о том, как модель и художник взаимодействуют друг с другом во время сеанса живописи (период работы художника с моделью называют сеансом). Модель может специально позировать художнику, а может заниматься своим делом – художник работает над портретом где-то рядом, не привлекая внимания модели. Предложите рассмотреть портрет «За туалетом», написанный художником Зинаидой Евгеньевной Серебряковой.
   На картине изображена молодая женщина, которая рано утром, стоя перед зеркалом, приводит себя в порядок – расчесывает волосы. Причем на картине показана не сама женщина, а ее отражение в зеркале – мы обычно держим расческу в правой руке, а в зеркале она отражается как левая. Предложите ребятам подумать, где находится художник. Чтобы видеть отражение женщины, он должен быть рядом с ней, но почему-то в зеркале его не видно. Дело в том, что художник и модель здесь одно и то же лицо: художник Зинаида Евгеньевна Серебрякова пишет свой собственный портрет (это называется автопортрет, то есть портрет автора картины), свое отражение в зеркале. Справа от зеркала стоит мольберт с холстом, лежат краски и кисти. Зинаида Евгеньевна то посмотрит на себя в зеркало, то возьмется за кисть, потом снова посмотрит и т. д.
   Свои автопортреты писали многие художники. Этот автопортрет написан в начале XX века, и в нем появилось много нового по сравнению с портретами XIX века. Портрет выполнен в непривычной жанровой манере – героиня не позирует художнику, она полуодета и занята самым обыденным делом: расчесывает волосы, что не предполагает каких-либо свидетелей. Позировать художнику или писать свой портрет в таком виде в XIX веке было совершенно неприличным (так же как, например, красить волосы, глаза или губы). Новым является и очень светлый, почти белый колорит картины – 3. Е. Серебрякова училась живописи в Париже, который в то время был центром новых приемов в живописи.
   Предложите детям заняться живописью (на позапрошлом занятии они занимались рисунком) и выполнить свободную, упрощенную копию автопортрета З.Е. Серебряковой. Сначала нужно сделать линейный рисунок фломастером на бумаге формата A4 (примерно три наброска) – только силуэт героини, никакие предметы и черты лица рисовать не надо. После этого дайте каждому ребенку лист более плотной бумаги большого размера (формата A3), круглую кисть №9 или 10 из ушного волоса, большую банку с водой, тряпочку и гуашевые краски только трех цветов: белила, охра светлая и ультрамарин, а также три пластмассовых ножа, чтобы доставать краски из баночек.
   Смешивать краски нужно в крышках от баночек. Напоминайте, что следует часто мыть кисти и отжимать с них лишнюю воду.
   Сначала ребенок должен повторить свой последний, самый удачный набросок тем же фломастером на большом листе. Затем приготовить с помощью воспитателя три нужные смеси красок (светло-голубую с добавкой охры для фона, светло-охристую для лица и рук, темную охристо-синюю для волос), свободно и быстро покрыть ими рисунок, не оставляя нигде белой, незакрашенной бумаги. Потом тонким кончиком кисти одной краской (охрой или ультрамарином) кое-где подправить линию контура. Ни в коем случае не следует рисовать черты лица, пальцы и предметы. Главная задача этого занятия – композиционно-цветовая. По окончании работы обязательно похвалите детей.
   Воспитателю рекомендуется до начала занятия выполнить задание самостоятельно, а время занятия увеличить вдвое.

Занятие 9. Автопортрет художника

   Лентулов Аристарх Иванович (1882—1943). Автопортрет, 1915. Холст, масло, наклейки из цветной бумаги, 142x104,5 см.
   Напомните детям, что на предыдущем занятии они познакомились с автопортретом З.Е. Серебряковой. Автопортрет – очень древний вид портрета, он существует более пяти веков. Художники часто, особенно в молодости и в старости, испытывают желание рассказать зрителю не только о других людях, но и о себе самом. Естественно, что автопортреты так же разнообразны, как любые другие портреты, даже более разнообразны, так как в свой портрет художник может внести усмешку, юмор, самоиронию, которые неуместны по отношению к другому человеку. Именно самоирония, гротеск (юмористическое утрирование) характерны для автопортрета Аристарха Васильевича Лентулова – одного из крупнейших русских художников первой половины XX века.
   A.B. Лентулов входил в небольшое объединение молодых художников-живописцев, носившее странное название «Бубновый валет» (1910—1917). В начале XX века русское искусство, как и все европейское искусство, переживало бурное обновление художественных средств, которое особенно сильно проявилось в живописи. Художники «Бубнового валета» использовали в своих картинах очень яркие краски в необычных цветовых сочетаниях, невиданных в многовековой истории живописи. Так же смело они обращались и с формой изображаемых предметов, причем делали это не для того, чтобы подразнить, или, как тогда говорили, «эпатировать» публику, а в поисках новых способов выражения своих представлений о красоте живописи. История показала, что эти художники создали свой стиль, расширивший художественные средства русской живописи.
   Тридцатитрехлетний А. В.Лентулов в 1915 году, когда написал автопортрет, был в расцвете своего таланта. Портрет выполнен с большой долей самоиронии: художник представил себя в виде богатыря, подобного тем, которые демонстрировали свою силу в балаганах на народных гуляньях. Мощная фигура, серьезное, но добродушное выражение лица, яркий золотистый цирковой костюм и фон (художник использовал в картине помимо красок наклейки из цветной бумаги) – все это слабо ассоциируется с привычным обликом художника. А яркая, контрастная по цвету (синий и желто-оранжевый) палитра не имеет ничего общего с колоритом рассмотренных ранее портретов. Сам художник называл эту свою работу «Ах ты, портрет!».
   Предложите детям снова заняться живописью, но на этот раз – используя любые из имеющихся в наборе гуашевых красок, а по желанию и аппликацию из кусочков цветной бумаги. Предварительный рисунок фломастером может не отличаться точностью, главное – чтобы он был во весь лист (формат A3), а цвет не обязательно повторял репродукцию, но был ярким и праздничным. По-прежнему не нужно рисовать черты лица, стоит лишь выделить волосы. Обратите внимание детей на соответствие темных фрагментов: синий фон и волосы вверху картины и брюки – внизу.

Занятие 10. Итоговое

   Завершая знакомство с портретной живописью, нужно подвести итоги того, что узнали дети. Лучше всего это сделать в форме вопросов и ответов, но сначала стоит еще раз просмотреть с детьми все репродукции.
   Приведем примерные вопросы к детям.
   Итак: что такое портрет, чем он отличается от других жанров живописи – пейзажа, натюрморта? Какая главная задача стоит перед художником, когда он пишет портрет? Нет, не изображение внешнего, так называемого портретного сходства – это техническая задача, требующая умения, мастерства, но не таланта. Даже бездушный фотоаппарат прекрасно справляется с такой задачей, а художники, тем не менее, продолжают почему-то писать портреты. Главная задача художника, как мы уже говорили, – выразить с помощью цвета и линий те чувства и мысли, которые возникают у автора в связи с портретируемым.
   Похожи ли портреты, которые вы видели, друг на друга? Чем они различаются, что у них общего?
   Спросите у каждого ребенка, какой портрет понравился ему больше всех и почему. Расскажите, что самому рисовать портрет еще интереснее, чем рассматривать его на репродукции или в музее. Отметьте, что репродукция (то есть уменьшенная и искаженная копия) не может создать такое же впечатление, как портрет, написанный художником, на холсте, масляными красками, оформленный в красивую раму, выставленный на хорошо освещенной стене музейного зала.

Знакомство с детским портретом

Детский портрет в русской живописи

   Детский портрет, пожалуй, самый сложный вид портрета. Причин этого две. Первая – чисто техническая: каждая лишняя линия, каждый чуть более темный мазок кисти сразу же увеличивают возраст модели. В то же время нельзя «зализывать» портрет, писать одни розовые щечки – получится сладко и фальшиво. Вторая причина гораздо серьезнее: на детский портрет распространяются все требования портретной живописи, главное из них – передать в портрете личность модели. Какая личность у ребенка? Не менее сложная, чем у взрослого. Не зря психологи считают, что основные черты личности формируются до 5 лет. Как передать на холсте личностные особенности человека – неизвестно, это тайна творчества. Портретист должен не только отразить личность модели, но и передать свое отношение к ней. Допустим, что отношение к ребенку обычно окрашено положительно, но как найти меру, чтобы портрет не стал приторным, чтобы эта окраска не закрыла личность? Как и любой портрет, детский портрет должен отражать не только субъективный взгляд художника на личность модели, но и объективные характеристики модели: возраст, особенности внешности, национальность, социальную принадлежность, черты места и времени и т. д., а также стилевые художественные особенности времени написания и индивидуальной манеры автора. (При обсуждении с детьми приведенных в пособии портретов желательно останавливаться на каждом из перечисленных признаков.)
   В XVIII веке русское светское искусство, делая свои первые шаги, естественно испытывало западное влияние, но к концу века постепенно освободилось от него. Наши лучшие художники-портретисты успешно преодолели все перечисленные выше трудности, и детский портрет занял свое достойное место в отечественной портретной живописи.
   Не следует думать, что эти трудности отодвигали детский портрет на периферию портретного жанра. Раньше яснее, чем сейчас, понимали, что дети, вырастая, определят завтрашнюю жизнь не только своих родителей, но и страны и народа в целом. Например, в Манифесте Николая I от 13 июля 1826 года говорилось: «Да обратят родители все их внимание на нравственное воспитание детей… Тщетны будут все усилия, все пожертвования правительства, если домашнее воспитание не будет приуготовлять нравы и содействовать его видам». Государство в то время полностью брало на себя задачи образования, но воспитание возлагало на родителей. Во всех слоях общества родители старались передать детям понятия долга и чести, так необходимые в личной и общественной жизни и несколько забытые в настоящее время.
   Детские портреты, написанные лучшими художниками, доносят до нас не только индивидуальные черты изображенных на них детей, но и значение каждого ребенка как той части общества, от которой зависит будущее.
   В данном пособии рассматриваются девять детских портретов XVIII—XX веков, преимущественно из собрания Государственной Третьяковской галереи:
   1. Вишняков И. Я. (1699—1761). Портрет князя Ф.Н.Голицына в детстве, 1760. Холст, масло, 119x68 см. Государственная Третьяковская галерея.
   2. Тропинин В. А. (1780—1857). Портрет А.В.Тропинина, около 1818. Холст, масло, 40x32 см. Государственная Третьяковская галерея.
   З.Венецианов А. Г. (1780—1847). «Захарка», 1825. Картон, масло, 39x30 см. Государственная Третьяковская галерея.
   4. Лемох К. В. (1841—1910). «Гимназистка», 1885. Дерево, масло, 17x11 см. Государственная Третьяковская галерея.
   5. Серов В. А. (1865—1911). «Девочка с персиками», 1887. Холст, масло, 91x85 см. Государственная Третьяковская галерея.
   6. Истомин К. Н. (1886—1942). «Дочь рыбака», 1924. Холст, масло, 88x71 см. Государственная Третьяковская галерея.
   7. Лактионов А. И. (1910—1972). «За вышиванием» (фрагмент), 1954. Бумага на холсте, пастель, 116x100 см. Национальная картинная галерея. Индия.
   8. Пластов А. А. (1893—1972). Ванюшка Репин, 1958. Холст, масло, 105x59 см. Государственная Третьяковская галерея.
   9. Пластов А. А. (1893—1972). Валя Репина (фрагмент), 1958. Холст, масло, 69x49 см. Собрание семьи художника.

Методические рекомендации

При обсуждении каждого портрета старайтесь показать, чем изображенный на нем ребенок отличается от современных детей и чем схож с ними. В его жизни были те же радости и печали, но есть и различия. Начинайте обсуждение с различий – их легче увидеть, а затем выявляйте сходство.
Обязательно рассказывайте детям о художниках, повторяйте их имена и время жизни для лучшего запоминания. В конце каждого занятия кратко рассмотрите сходства и различия данного портрета с предыдущим. Давайте детям возможность свободно высказывать свое отношение к портрету и обсуждать связанные с ним темы. Старайтесь вовлекать всех ребят в общую беседу о портрете.

Занятие 1. Вводное

   Расскажите детям подробнее о портретном жанре живописи. Детский портрет несет все признаки портретного искусства и должен соответствовать всем его требованиям, но по сравнению с портретом взрослого человека создает дополнительные трудности. Поэтому так мало хороших детских портретов написано за три века русской живописи. Среди детских портретов есть замечательные работы, которые по праву относятся к лучшим образцам портретного искусства.
   История русского детского портрета насчитывает всего три века. Кратко расскажите детям об основных событиях каждого века, обращая внимание, главным образом, на позитивные моменты: развитие государства, культуры, науки, техники, экономики, победоносные войны, но не забывая и негативные моменты: военные потери, тяжелую жизнь простых людей, агрессивные соседние страны, социальные катаклизмы.
   Во все времена именно дети доставляли особенную радость людям – в первую очередь своим родителям, были их основной заботой и утешением. Именно с детьми люди связывали свои надежды на будущее. Родители всегда хотят, чтобы жизнь детей была лучше, легче и счастливее, чем их собственная, отдают им всю свою любовь. Но не только родители, каждый человек знает, что завтрашний день нашей страны зависит от того, какими вырастут сегодняшние дети, как они будут относиться друг к другу, как будут учиться, а потом работать, и ради чего будут жить – ради игрушек и развлечений или ради своих родных и близких, ради своей страны и своего народа. Ілядя на портреты детей, написанные крупнейшими русскими художниками, можно надеяться на лучшее.
   Покажите детям репродукции портретов, приведенные в пособии, называя художника, время написания портрета, но не задерживаясь на каждом из них. Показывать портреты нужно в той хронологической последовательности, в которой они расположены во вкладке. Коротко расскажите о каждом портретируемом, отвечайте на вопросы детей, но не вступайте в дискуссию. Каждому портрету будет посвящено отдельное занятие.
   Кратко расскажите детям о технике и материалах масляной живописи, в которой выполнено большинство портретов. Краски – перетертые на льняном масле пигменты (минеральные красители), разбавитель – скипидар (продукт перегонки смолы хвойных деревьев), основание – натянутый на подрамник льняной холст, покрытый грунтом (составом, не пропускающим масло), кисти – плоские жесткие, из щетины.
   Оборудование: мольберт, на который ставится подрамник во время работы над картиной (художник пишет стоя, чтобы чаще отходить от полотна и смотреть на работу издали), палитра – плоская ровная дощечка для смешивания красок. Подчеркните, что эти материалы остаются неизменными на протяжении многих веков, а картины, которые пишут художники, в разные эпохи – разные. Не останавливайтесь на художественных средствах портретной живописи – в детском портрете в течение последних двухсот лет они почти не изменялись.

Занятие 2. Девятилетний князь

   Иван Яковлевич Вишняков (1699—1761). Портрет князя Ф.Н.Голицына в детстве, 1760. Холст, масло, 119x68 см.
   В XVIII веке художники писали только заказные портреты и лишь иногда автопортреты или портреты своих родителей. Заказать портрет стоило дорого, это могли себе позволить только самые богатые люди: родовитая аристократия (высшая привилегированная часть общества), придворные (служащие при императорском дворе), сановники (крупные чиновники в системе государственного управления) и вельможи (самые знатные и богатые сановники). Они гордились своей родовитостью, знатным происхождением и любили демонстрировать это, выставляя на стенах парадных комнат живописные портреты своих предков, не забывая и свои портреты, а также портреты своих детей. Многие из таких портретов сохранились до наших дней. Написанные хорошими художниками, они представляют не только художественную, но и историческую ценность, так как доносят до нас облик людей, давно ушедших в историю. Например, из таких портретов известно, что мальчиков до пяти лет одевали так же, как девочек – в платья. Детям старше пяти лет для позирования художнику шили специальные костюмы, такие же, как у взрослых: мальчикам обычно военные мундиры, а девочкам – нарядные бальные платья.
   Девятилетний князь Федя Голицын написан художником И. Я. Вишняковым в мундире Конной гвардии, в состав которой юный князь был записан с младенчества. На нем парадный вышитый золотом костюм, шпага с позолоченным эфесом, рядом лежат треугольная шляпа и сумка. Он принял уверенную позу молодого офицера, положив руку на эфес шпаги.
   Иван Яковлевич Вишняков родился в Москве в 1699 году в семье зодчего (строителя-архитектора), учился в Петербурге у известных художников А. Матвеева и Л.Каравака, писал портреты и иконы, участвовал в оформлении Зимнего дворца, Петропавловского собора и др. Портрет князя Голицына в детстве Вишняков написал за год до смерти, будучи уже известным художником.
   А Федя Голицын вырос, получил прекрасное образование сначала дома, потом за границей, владел основными европейскими языками, переводил французского философа и писателя Монтескье. Федор Николаевич Голицын служил при дворе, имел высокое придворное звание камергера, выполнял дипломатические поручения. Любитель литературы и искусства, меценат (богатый человек, покровитель людей искусства), он на свои деньги издал собрание сочинений крупнейшего русского поэта XVIII века Гаврилы Романовича Державина, переписывался с историком Н.М. Карамзиным и писателем A.C. Грибоедовым, написал мемуары (воспоминания о своей жизни).
   Несмотря на юный возраст Феди Голицына, его портрет носит все признаки торжественного парадного портрета: композиция и колорит, костюм и поза модели – все это говорит о высоком положении и родовитости маленького князя. Однако лицо мальчика написано под влиянием иконографической (портретной) схемы, пришедшей с Запада: правильный овал лица, высокий лоб, крошечный подбородок, яркие губы, большие темные глаза. Эта условная схема продержалась до конца XVIII века, но встречается в работах известных художников вплоть до середины XIX века.

Занятие 3. Портрет сына художника

   Василий Андреевич Тропинин (1780—1857). Портрет A.B. Тропинина, около 1818. Холст, масло, 40x32 см.
   В конце XVIII – начале XIX века портретная галерея перестает быть непременной частью убранства богатых особняков, и портрет, в том числе детский портрет, выходит из моды у высших слоев общества. Художники получают все меньше заказов на детские портреты, а упомянутая выше иконографическая портретная схема перестает удовлетворять как заказчиков, так и художников. Именно в это время перед русским искусством открываются необозримые просторы реализма, живопись уходит от стилевых канонов (обязательных правил) к жизненной правде. Естественно, художникам хотелось использовать новые возможности и в труднейшем виде портрета – детском портрете. Лучшие художники-портретисты первой половины XIX века: В. А. Тропинин, А. Г. Варнек, А. Г. Венецианов и его ученики – оставили нам целый ряд замечательных реалистических детских портретов.
   Василий Андреевич Тропинин (1780—1857) был крепостным, но при этом учился в Императорской Академии художеств в Петербурге. Писал портреты, пейзажи, иконы. В 1823 году получил вольную, а через год был удостоен звания академика Императорской Академии художеств. В 1827 году он написал широко известный теперь портрет A.C. Пушкина.
   Портрет своего девятилетнего сына Арсения художник написал в 1818 году.
   Данный портрет абсолютно лишен признаков портретной схемы, которую использовали художники XVIII века. Это портрет серьезного, миловидного, доброго мальчика, написанный с большой любовью. Портрет лишен также какой бы то ни было парадности: мальчик одет скромно, за ним виден фрагмент небогатого интерьера, можно заметить отбитый кусок штукатурки на откосе окна. Поза живая: голова немного повернута, взгляд направлен в сторону. В модели на портрете тонко сочетаются очарование уходящего детства и первые черты подростка. Пожалуй, только один социальный признак достаточно ярко показал художник в портрете своего сына – это мальчик из культурной семьи. Портрет сына В.А. Тропинин написал в расцвете своего таланта, в 38 лет. Это один из лучших детских портретов в русской живописи.

Занятие 4. Крестьянский мальчик

   Алексей Гаврилович Венецианов (1780—1847). «Захарка», 1825. Картон, масло, 39x30 см.
   Алексей Гаврилович Венецианов родился в московской купеческой семье в 1780 году. Он работал чертежником, землемером и пр. Рисунком и живописью занимался сначала самостоятельно, потом брал уроки у известного художника, много копировал в Эрмитаже. В 1811 году удостоен звания академика Императорской Академии художеств. В 39 лет он оставил службу и переехал из столицы в деревню, чтобы целиком посвятить себя живописи. Там Венецианов основал художественную школу, учеников которой «по бедности их» брал на свое содержание, в том числе учил и крепостных. Он воспитал целый ряд талантливых художников, которым привил принципы реализма, письма с натуры, любви к простым людям.
   А. Г. Венецианов первым в русском искусстве часто писал портреты крестьян и жанровые сцены с крестьянами. Художник нередко идеализировал крестьянские, особенно женские образы. Но эта идеализация не была данью модного тогда в искусстве сентиментализма (повышенной чувствительности и красивости), она присутствовала далеко не на всех полотнах художника и использовалась им, чтобы подчеркнуть высокие духовные качества простых людей. Достаточно взглянуть на автопортрет Венецианова (написан в 1811 году), хранящийся в Русском музее в Петербурге, чтобы понять, как глубоко чувствовал художник драматизм окружающей жизни.
   Никакой идеализации нет в портрете крестьянского мальчика Захарки. Ему 10—12 лет, но он уже работает вместе со взрослыми – тогда дети взрослели раньше, чем теперь, да и сейчас в деревне взрослеют раньше, чем в городе. У Захарки серьезное, немного напряженное выражение лица с еще припухшими по-детски губами, деловой, сосредоточенный вид, в руке он держит топор. Конечно, Захарка не ходит в школу, даже в начальную – церковно-приходскую: крестьянскому пареньку его возраста уже нужно было работать, помогать отцу и старшим братьям, к тому же, школы могло и не быть поблизости от деревни. Все это достаточно ясно написано в его лице. Написано не само собой – ведь живого Захарки нет перед нами, а художником Алексеем Гавриловичем Венециановым почти двести лет назад для нас с вами. Понятно, что никто Венецианову портрет Захарки не заказывал и не оплачивал.
   Когда говорят, что художник пишет что-то для себя, это не совсем верно: художник пишет не «для себя», а из потребности своей души, пишет всегда для людей, хотя не всегда представляет себе, для каких именно.

Занятие 5. Портрет или жанровая сценка?

   Кирилл Викентьевич Лемох (1841—1910). «Гимназистка», 1885. Дерево, масло, 17x11 см.
   Во второй половине XIX века реализм уже стал основным направлением отечественной живописи, вытеснив упоминавшийся выше сентиментализм, классицизм, говоривший устаревшими образами античного искусства, и романтизм, воспевавший «героев», не связанных никакими обязанностями и стремившихся к оторванным от жизни «высоким целям». В живописи появился новый «бытовой» жанр, изображавший будничную жизнь людей из разных слоев общества абсолютно правдиво, но несколько приземленно.
   Портрет не потерял своего значения, но теперь художники писали не вельмож, а духовных лидеров нации – писателей, поэтов, композиторов и т. д. Дети в живописи встречались только на камерных (предназначенных для домашнего использования) портретах любимого ребенка и на жанровых полотнах. Однако изображения детей на жанровых картинах нельзя считать портретами, так как там каждый персонаж служил только исполнителем своей роли в соответствии с сюжетом картины.
   Работа Кирилла Викентьевича Лемоха (1841—1910) «Гимназистка», написанная в 1885 году на маленькой деревянной дощечке (17x11 см), носит одновременно черты портрета и жанровой картинки. Без сомнения, это портрет конкретной девочки, примерно четырнадцати лет, у нее приятное курносое личико, хороший открытый характер, она скромна и аккуратна. Так же четко выражены и признаки бытовой сцены: девочка – ученица гимназии, об этом говорит не только название картины, но и форменное платье с белым воротничком и черным фартуком. Она пришла в незнакомое ей помещение с каким-то поручением, может быть, в приемную директора гимназии, сразу после занятий – на коленях у нее ученический ранец. Девочка присела на край предложенного ей стула и ждет, когда ее позовут. Судя по скромности поведения, она не принадлежит к избалованным детям из высших слоев общества – в 1885 году когда был написан портрет, в гимназию принимали детей всех сословий.
   Гимназии – средние общеобразовательные учебные заведения, первая гимназия в Москве была открыта в начале XVIII века. В гимназию принимали с 10 лет по результатам собеседования, подтверждающего уровень знаний, который давала трехлетняя начальная школа. Курс обучения в гимназии был рассчитан на четыре года. Сеть гимназий постепенно расширялась, с 1804 года срок обучения увеличен до восьми лет. Гимназии были классические (с изучением греческого и латинского языков), полуклассические (с изучением латыни) и реальные (позже переименованные в реальные училища). Классические и полуклассические гимназии давали усиленную гуманитарную подготовку и право поступления в университет (без экзаменов). Реальные училища давали усиленную естественнонаучную и физико-математическую подготовку и право поступать в специализированные высшие учебные заведения. Гимназисты и реалисты вне дома носили форму, которой очень гордились.

Занятие 6. Серов в Абрамцевском кружке

   Валентин Александрович Серов (1865—1911). «Девочка с персиками», 1887. Холст, масло, 91x85 см.
   В конце XIX – начале XX века произошло резкое обновление художественных средств живописи, которое коснулось всех жанров, в том числе и портрета. Причем в портретном жанре это обновление в меньшей степени затронуло именно детский портрет, по-видимому, в связи с уже упомянутыми трудностями данного вида портрета. Великий русский художник Валентин Александрович Серов был смелым новатором в живописи, в том числе и в детском портрете. Посмотрите на четыре детских портрета, которые мы рассматривали на предыдущих занятиях. На всех портретах ребенок изображен на нейтральном темном фоне, и только лицо и фигура модели освещены, общий колорит картин выдержан в теплых тонах. На серовском портрете девочка изображена на светлом фоне в легко узнаваемом интерьере – столовой усадебного дома, в светлый летний день. Написана она «против света»: свет от окна падает на ее спину, а лицо остается в тени. Общий колорит картины выдержан в светлых, скорее холодных, чем теплых тонах. В 1887 году, когда двадцатидвухлетний художник писал портрет, это было совершенно необычным и даже вызвало возмущение некоторых критиков на открывшейся через год выставке.
   На портрете изображена двенадцатилетняя Веруша Мамонтова (так ее звали в семье), дочь промышленника и мецената Саввы Ивановича Мамонтова, который прославился тем, что в своем подмосковном имении Абрамцево создал кружок талантливых московских художников, подолгу гостивших в дружной творческой семье Мамонтовых, занимаясь живописью. Среди них был и молодой Серов.
   Смуглая девочка с румяными щечками, как все девочки в этом возрасте, хочет казаться серьезней и старше своих лет, особенно под взглядом молодого художника.
   Залитый солнцем сад за окном, спелые персики на белой скатерти, естественная поза сидящей девочки – все говорит о спокойствии и счастье.

Занятие 7. Дочь рыбака

   Константин Николаевич Истомин (1886—1942). «Дочь рыбака», 1924. Холст, масло, 88x71 см.
   Художник Константин Николаевич Истомин родился в Москве, в 1906—1909 годах учился в Германии, в Мюнхене, являвшемся одним из центров европейской живописи, потом в Московском университете, в 1913—1922 годах служил в армии, после демобилизации снова занялся живописью, писал портреты и пейзажи. В портретных работах Истомин не пытался дать социальную или личностную характеристику модели, как делали большинство художников, а старался передать красоту человеческой фигуры, используя, в основном, эффекты света и тени при весьма сдержанном цветовом решении картины.
   Все эти признаки присутствуют в детском портрете «Дочь рыбака», где, может быть помимо воли художника, отразилась и эпоха: голодные и холодные 1920-е годы накладывали свою печать не только на взрослых, но и на детей. Поза девочки, ее большие, уже натруженные руки, равнодушное выражение детского личика говорят гораздо больше, чем указание на то, что она дочь именно рыбака. Никакими элементами окружающей среды это не подтверждается, портрет написан скорее всего в мастерской. Как оказалась дочь рыбака в Москве? Может, и рыбака уже нет. Темный колорит картины, световой контраст черной драпировки и бледного лица, цветовой контраст коричневого платья и глухого синего цвета стены создают эмоциональную атмосферу, точно соответствующую жизни основной части населения России в этот период.
   Талантливый художник живописными средствами донес до нас то, что выраженное словами вряд ли производило бы такое сильное впечатление.
   К. Н. Истомин много преподавал, был профессором живописи, в 1930-е годы подвергался незаслуженной критике за «формализм», в действительности – за несоответствие его живописи канонам «социалистического реализма».

Занятие 8. Девочка, освещенная солнцем

   Александр Иванович Лактионов (1910—1972). «За вышиванием» (фрагмент), 1954. Бумага на холсте, пастель, 116x100 см.
   На предыдущем занятии упоминался термин «социалистический реализм». Это направление, которому должны были соответствовать произведения всех видов искусства, создававшиеся в СССР в период 1930 – 1950-х годов. В своих картинах художники должны были прославлять то, что хвалили в газетах, критиковать то, что ругали, и не показывать того, о чем в газетах не писалось. Художественный язык живописи должен был обеспечивать иллюзорное подобие натуре. Конечно, при таких странных требованиях искусство нормально развиваться не может, поэтому их выполняли далеко не все художники; картины таких художников не выставляли на выставках и в музеях. Нередко художники писали одни картины – «для выставки», а другие – «для себя». А некоторым художникам удавалось писать хорошие картины, которые в то же время полностью отвечали требованиям «социалистического реализма».
   К таким картинам вполне можно отнести работу Александра Ивановича Лактионова «За вышиванием», на которой изображена девочка, занятая вышиванием на пяльцах. Она сидит на подоконнике открытого окна высотного дома. Ясный летний день, все пронизано солнцем, милая курносая девочка сосредоточилась на вышивке, рядом с ней цветочный горшок. Художник мастерски, с фотографической точностью передает каждую деталь, рисуя картину «счастливого детства под мирным небом».

Занятие 9. Дети колхозной деревни

   Аркадий Александрович Пластов (1893—1972). Ванюшка Репин, 1958. Холст, масло, 69x49 см. Валя Репина (фрагмент), 1958. Холст, масло, 105x59 см.
   Жесткие рамки «социалистического реализма» не могли остановить развитие искусства. Подлинное искусство будет существовать, пока существуют люди. В советские годы, наряду с теми, кто приспосабливался к требованиям «социалистического реализма», теряя при этом свой талант, работали замечательные художники, продолжавшие великие традиции русского искусства. К их числу принадлежит Аркадий Александрович Пластов (1893—1972) – художник, творчество которого подняло детский портрет на новую ступень.
   A.A.Пластов летнее время неизменно проводил в своем родном селе Прислонихе Ульяновской области, где писал пейзажи и портреты односельчан, собирал материал и начинал работу над большими произведениями. В зимнее время он жил в Москве, где в просторной мастерской дорабатывал наполненные светом и цветом многофигурные выставочные композиции, за некоторые из которых он получил государственные премии и звания. Эти картины, написанные, без сомнения, талантливо, прославляют нелегкий каждодневный труд колхозного крестьянства.
   В Прислонихе за сорок лет творчества, с 1930 по 1970 год, A.A. Пластов написал многочисленные портреты крестьян в обычной будничной обстановке. Собранные вместе эти портреты мужчин и женщин, стариков и старух, подростков и детей доносят до нас подлинную жизнь русской деревни в советскую эпоху. Галерея детских портретов A.A. Пластова – это не только образы отдельных детей, но и дети как часть народа.
   Таковы и портреты Ванюши и Вали Репиных. Ване лет 7 – 8, Валя года на два постарше. У мальчика сдержанный, вдумчивый взгляд, у девочки напряженно-настороженное выражение лица. Отцовская фуражка и белый воротник оживляют цветовое однообразие крестьянского двора: стена сарая, забор, вытоптанная земля, телогрейка на Ване (тоже с чужого плеча). Несмотря на широту и эскизность письма, цвет тонко и точно передан художником. Еще более изысканно цветовое решение портрета девочки, построенное на смелом сочетании оранжевого пятна рыжих волос и холодновато-красного цвета платья. А общее у детей на портретах A.A. Пластова одно: они смотрят на мир не по-детски серьезными глазами.
   Художественный язык A.A. Пластова продолжает реалистическое направление конца XIX века в его высших достижениях – портретах В. А. Серова: широкий мазок, сдержанный цвет, заостренная индивидуально-психологическая характеристика каждого ребенка.
   В конце занятия попросите детей дома, глядя на репродукцию из пособия или по памяти, нарисовать любой из рассмотренных портретов, используя любую технику (фломастеры; краски: гуашь, акварель; цветные карандаши и т. д.), но желательно на листе большого размера (формата A3 – примерно 40x30 см) и принести на следующее занятие, на которое целесообразно пригласить родителей.

Занятие 10. Заключительное

   Цель этого занятия – обобщить и закрепить результаты предыдущих занятий, посвященных детскому портрету в русской живописи. Расставьте или развесьте перед детьми все портреты в хронологической последовательности их создания авторами. Попросите ребят по памяти назвать художников и героев картин, а также примерное время их написания. В процессе дальнейшего обсуждения постоянно предлагайте детям приводить примеры, задавайте вопросы «а почему?» и «чем этот портрет тебе нравится?». Постарайтесь превратить заключительное занятие в общий разговор о живописи.
   Напомните детям, что на предыдущих занятиях они познакомились с прекрасными детскими портретами, созданными художниками в течение двух веков развития живописи – с XVIII по XX. Портреты рассматривались в хронологическом порядке, начиная с вишняковского портрета маленького князя Голицына, написанного в 1760 году, и заканчивая портретами деревенских ребят – Вали и Вани Репиных, написанными A.A. Пластовым в 1958 году. За это время коренным образом изменилась жизнь в стране, изменились и сами люди, а вот дети изменились меньше. На всех портретах (за исключением портрета Феди Голицына, в котором принятая тогда иконографическая схема не позволила даже талантливому художнику Ивану Вишнякову показать индивидуальные черты мальчика) мы видим живых детей, которых вполне можно принять за наших современников, если не знать, когда они жили.
   Этот первый общий признак всех портретов – следствие того, что они написаны в стиле реализма, важнейшего, как мы считаем сегодня, художественного направления, задача которого – рассказывать правду о жизни людей.
   Второй общий признак связан с художниками, авторами портретов. Понятно, что в качестве моделей художники выбирали тех детей, которые им нравились, да художники и не скрывали этого: на каждом портрете видно, с какой симпатией и сочувствием относится автор к своему герою. Но это не все: почему-то художники выбирали в качестве моделей серьезных, думающих, умных детей, независимо от того, в каких условиях жили эти ребята: в высококультурных и обеспеченных семьях в столицах или в простых крестьянских семьях в деревне. Вероятно, художники тоже имели что-то близкое в душе и в отношении к детям.
   Наконец третий общий признак – это талант художников, позволивший им донести до нас то, о чем говорилось выше, и много того, о чем мы еще не сказали. (Предложите детям добавить что-нибудь про те портреты, которые им особенно понравились.) И не просто донести, а написать красивые и очень разные портретные картины, высокие художественные достоинства которых мы не обсуждали. (Попросите старших детей рассказать, как изменялся художественный язык живописи на примере детских портретов.)
   Созданные детьми рисунки разложите или выставьте, но не рядом с репродукциями из пособия. Кратко разберите эти рисунки по схеме: соответствие задаче – портрет (но не сравнивайте с оригиналом из пособия!), композиция (как портрет вписан в лист), рисунок (можно ли считать, что нарисован именно ребенок), цвет (гармонично ли выбраны основные цвета на рисунке). При этом не критикуйте, а в каждом детском рисунке хотя бы по одной из указанных позиций найдите что-то хорошее и похвалите автора (неудачи обсуждать не нужно).

Приложение

Левитан И. И. «Золотая осень», 1895. Холст, масло, 82x126 см. Государственная Третьяковская галерея.

Сарьян М. С. «Финиковая пальма. Египет», 1911. Картон, темпера, 106x71 см. Государственная Третьяковская галерея.

Поленов В. Д. «Московский дворик», 1878. Холст, масло, 64,5x80,1 см. Государственная Третьяковская галерея.

Рерих Н. К. «Канчэндзона. Гималаи», 1933. Картон, темпера, 30,6x45,6 см. Государственная Третьяковская галерея.

Айвазовский И.К. «Радуга», 1873. Холст, масло, 102x132 см. Государственная Третьяковская галерея.

Саврасов А.К. «Грачи прилетели», 1871. Холст, масло, 62x48,5 см. Государственная Третьяковская галерея.

Лентулов А. В. «Звон. Колокольня Ивана Великого», 1915. Холст, масло, бронза, серебро, наклейки из тисненой фольги на бумаге, 211x213 см. Государственная Третьяковская галерея.

Шишкин И. И. «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии», 1872. Холст, масло, 117x165 см. Государственная Третьяковская галерея.

Неизвестный художник. «Листы из книг и картинки», 1783. Холст, масло, 86x81,8 см. Государственная Третьяковская галерея.

Хруцкий И.Φ. «Цветы и плоды», 1839. Холст, масло, 65,9x88,8 см. Государственная Третьяковская галерея.

Коровин К.А. «Гвоздики и фиалки в белой вазе», 1912. Холст, масло, 91,5x73,5 см. Государственная Третьяковская галерея.

Кончаловский П. П. «Сухие краски» (фрагмент), 1912. Холст, масло, коллаж, 105,6x86,6 см. Государственная Третьяковская галерея.

Фальк P.P. «Красная мебель» (фрагмент), 1920. Холст, масло, 105,6x122,8 см. Государственная Третьяковская галерея.

Петров-Водкин К.С. «Розовый натюрморт» (фрагмент), 1918. Холст, масло, 57,5x71 см. Государственная Третьяковская галерея.

Герасимов С. В. «Колокольчики» (фрагмент), 1945. Холст, масло, 90x70 см. Государственная Третьяковская галерея.

Стожаров В.Φ. «Хлеб, соль и братина» (фрагмент), 1964. Холст, масло, 100,5x130 см. Государственная Третьяковская галерея.

Боровиковский В.Л. Портрет М.И. Лопухиной, 1797. Холст, масло, 72x54,5 см. Государственная Третьяковская галерея.

Тропинин В.А. «Кружевница», 1823. Холст, масло, 74x59 см. Государственная Третьяковская галерея.

Брюллов К.П. «Всадница», 1832. Холст, масло, 291,5x206 см. Государственная Третьяковская галерея.

Брюллов К. П. Портрет В.А. Перовского, 1837. Холст, масло, 247x152 см. Государственная Третьяковская галерея.

Крамской И.Η. «Пасечник», 1882. Холст, масло, 57x45 см. Государственная Третьяковска! галерея.

Серов В.Α.
Мика Морозов, 1901. Холст, масло, 62x70 см. Государственная Третьяковская галерея.

Серебрякова З.Е. «За туалетом». Автопортрет, 1909. Холст на картоне, масло, 75x65 см. Государственная Третьяковская галерея.

Лентулов A.B. Автопортрет, 1915. Холст, масло, наклейки из цветной бумаги, 142x104,5 см. Государственная Третьяковская галерея.

Вишняков И. Я. Портрет князя Ф. Н. Голицына в детстве, 1760. Холст, масло, 119x68 см. Государственная Третьяковская галерея.

Тропинин В. А. Портрет А. В. Тропинина, около 1818. Холст, масло, 40x32 см. Государственная Третьяковская галерея.

Венецианов А. Г. «Захарка», 1825. Картон, масло, 39x30 см. Государственная Третьяковская галерея.

Лемох К. В. «Гимназистка», 1885. Дерево, масло, 17x11 см. Государственная Третьяковская галерея.

Серов В. А. «Девочка с персиками», 1887. Холст, масло, 91x85 см. Государственная Третьяковская галерея.

Истомин К. Η. «Дочь рыбака», 1924. Холст, масло, 88x71 см. Государственная Третьяковская галерея.

Лактионов А. И. «За вышиванием» (фрагмент), 1954. Бумага на холсте, пастель, 116x100 см. Национальная картинная галерея. Индия.

Пластов A.A. Ванюшка Репин, 1958. Холст, масло, 69x49 см. Государственная Третьяковская галерея.

Пластов A.A. Валя Репина (фрагмент), 1958. Холст, масло, 105x59 см. Собрание семьи художника.

Евгений Владимирович Краснушкин Изобразительное искусство для дошкольников: натюрморт, пейзаж, портрет. Для работы с детьми 4 – 9 лет

Введение

Знакомство с пейзажем

Пейзаж в русской живописи

Методические рекомендации

Занятие 1. Вводное

Занятие 2. Золотая осень

Занятие 3. Финиковая пальма. Египет

Занятие 4. Московский дворик

Занятие 5. Канчэндзона. Гималаи

Занятие 6. Радуга

Занятие 7. Грачи прилетели

Занятие 8. Звон. Колокольня Ивана Великого

Занятие 9. Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии

Занятие 10. Заключительное

Знакомство с натюрмортом

Натюрморт в русской живописи

Методические рекомендации

Занятие 1. Вводное

Занятие 2. Обманка неизвестного художника

Занятие 3. Цветы и фрукты

Занятие 4. Вечер в Париже

Занятие 5. Банки с красками

Занятие 6. Красная мебель

Занятие 7. Пища для ума

Занятие 8. Лето без войны

Занятие 9. Народный обычай

Занятие 10. Заключительное

Знакомство с портретом

Портрет в русской живописи

Методические рекомендации

Занятие 1. Вводное

Занятие 2. Молодая женщина

Занятие 3. Кружевница

Занятие 4. Всадница

Занятие 5. Портрет генерала

Занятие 6. Портрет крестьянина

Занятие 7. Детский портрет

Занятие 8. Женщина перед зеркалом

Занятие 9. Автопортрет художника

Занятие 10. Итоговое

Знакомство с детским портретом

Детский портрет в русской живописи

Методические рекомендации

Занятие 1. Вводное

Занятие 2. Девятилетний князь

Занятие 3. Портрет сына художника

Занятие 4. Крестьянский мальчик

Занятие 5. Портрет или жанровая сценка?

Занятие 6. Серов в Абрамцевском кружке

Занятие 7. Дочь рыбака

Занятие 8. Девочка, освещенная солнцем

Занятие 9. Дети колхозной деревни

Занятие 10. Заключительное

Приложение

Евгений Владимирович Краснушкин
Изобразительное искусство для дошкольников: натюрморт, пейзаж, портрет. Для работы с детьми 4 – 9 лет