Щеглова Анна Вячеславовна
В помощь учителю рисования при подготовке к уроку

Об авторе

Закончив обучение в детской школе искусств на художественном отделении, а затем и в индустриально-педагогическом техникуме, я начала работать преподавателем в той же художественной школе, которую некогда посещала сама. Естественно, что на первых порах мне пришлось столкнуться с проблемой нехватки материала для своих уроков и почти полного отсутствия новых методических пособий. Следовательно, чтобы подготовить интересный и в то же время познавательный урок, мне приходилось часами просиживать в библиотеках, посещать все ближайшие музеи и выставки.
С точно такой же проблемой сегодня приходится сталкиваться и многим другим преподавателям изобразительного искусства в школах, ведь похвастать большим опытом и знаниями способны немногие молодые преподаватели. Желая хоть как-то облегчить им задачу по поиску и подбору информации для своих уроков, я собрала наиболее интересный, на мой взгляд, материал и оформила его в виде пособия, в котором изложила собственный взгляд на методику проведения занятий. Надеюсь, что многим начинающим учителям, да и тем, кто посвятил школе большую часть своей жизни, эта книга поможет дать учащимся наиболее полную информацию о предмете и пробудить интерес к изобразительному искусству.

Щеглова А. В.

Раздел 1. Общие методические рекомендации при планировании занятий

Пояснительная записка

   Художник-педагог может научить своего ученика только тому, чем он сам владеет, что знает, во что верит, чему предан. Отсутствие теоретических знаний и профессионального мастерства в педагогической работе недопустимо.
И. Е. Репин

   Как не обидно это осознавать, но предмету «Изобразительное искусство» на протяжении последних нескольких лет отводилось самое последнее место в общеобразовательной системе обучения. Ведение «Изо» в школе, как правило, брали на себя те, кому просто-напросто не хватало часов, а потому о том, чтобы относиться к предмету с полной серьезностью, не было и речи. Рисование было лишь уроком развлечения и отдыха для школьников, да и для учителей тоже.
   И только в последние годы школа осознала, что урок изобразительного искусства не просто времяпрепровождение, предназначенное для отвлечения и отдыха от более нужных и сложных предметов, а одна из составных частей эстетического воспитания школьников. Именно ему предназначено ознакомить учащихся с эстетической культурой восприятия прекрасного в жизни и в искусстве, дать знания об истории изобразительного искусства и выдающихся мастерах русского искусства, научить видеть прекрасное в окружающем мире.
   Ведь если подумать, так о том, кто является в России лучшим мастером-маринистом или живописцем бытового жанра, вот так сразу способны ответить только единицы. И уж не имеет смысла говорить о том, что о художниках дети знают лишь то, что они что-то там рисовали, и хорошо, если они могут назвать по одному-два их произведения (что порой можно отнести и к самим преподавателям «Изо»). Между тем за рубежом истории развития и становления своего искусства и культуры отводится роль гораздо более важная, чем всем остальным точным предметами и наукам. Во многих странах давно поняли, что только через ознакомление детей с родной культурой и искусством можно привить им любовь к прекрасному и научить бережно относиться к достояниям своей культуры.
   Вот в этом и состоит сегодня задача учителя изобразительного искусства: научить не только рисовать, это едва ли не самая последняя цель данного предмета, а научить видеть красоту окружающего мира, сформировать художественный вкус и дать возможность наслаждаться произведениями живописи настолько же, насколько все вокруг наслаждаются произведениями литературы и музыки. Донести художественное наследие до молодого поколения, обозначив ее как главную духовную летопись человечества, его путь к познанию правды и поиску истины, – вот наша главная задача и цель.
   Очень правы те преподаватели «Изо», которые утверждают, что литература, музыка и изобразительное искусство самым тесным образом переплетены между собой и изучать их по отдельности не имеет смысла. Это действительно так, ведь все три предмета призваны открывать глаза на прекрасное, переносить в мир чистоты и гармонии. Смотреть произведения живописи без музыки – все равно что видеть ноты, но не слышать их звучания, читать произведения литературы и не представлять себе в воображении описанное. Словом, механистическое восприятие не принесет желаемого удовлетворения.
   Музыка есть в душе каждого человека. А потому, едва приступив к просмотру картин, она сразу же, очень тихо, начинает звучать где-то в душе. То же самое можно сказать и о других предметах: воображение помогает оживить описанное в литературе, а картины мастеров живописи – перенестись в мир, созданный поэтом, вспомнить строки из полюбившихся стихов. Все здесь переплетено и взаимосвязано, но при этом во всех случаях перед преподавателями ставится одна-единственная задача: сформировать художественный вкус детей и развить их творческое воображение.
   Именно с учетом этого требования и создано данное пособие. В нем учитель изобразительного искусства сможет найти для себя не только справочный материал о жизни и творчестве наиболее известных и признанных мастеров живописи, но и получит методическую помощь в подборе ряда музыкальных и литературных произведений, объединенных общим настроением, идеей и тематикой; сможет проследить связь всех трех предметов и влияние, оказываемое ими друг на друга. Правильно сочетав все это в уроке, умело подобрав его структуру и вариант проведения, преподаватель сможет достичь поставленных перед ним задач и целей.
   Но вот найти в этом пособии пояснения о том, как изобразить тот или иной предмет, как научить видеть композиционный центр и соблюдать законы воздушной перспективы, преподавателю «Изо» не удастся, т. к. это совсем отдельный разговор, требующий гораздо большего времени. Практическими знаниями учитель «Изо» и без того должен владеть в полной мере, иначе задача передать все это ученикам и научить их правильно выражать свои замыслы живописными средствами ему будет не под силу.
   В пособие же даны только советы по составлению содержательных уроков, на которых учитель не просто объясняет детям задание, и они приступают к его выполнению, не имея даже четкого представления о правильности изображения заданных предметов, а в первую очередь развивает эстетический вкус детей, их наблюдательность и воображение, показывает взаимодействие искусства с жизнью. А уже на основе этого подводит к заданию и приступает к практической части урока. Использование данного здесь материала поможет преподавателю разнообразить уроки, сделать их более интересными как для учеников, так и для самого себя.

1. Дидактические принципы обучения

   К дидактическим принципам обучения изобразительного искусства относят следующее: научность, систематичность (последовательность), а также наглядность и прочность усвоения учебного материала. Только при соблюдении их всех можно без труда решить поставленные цели и задачи.
   Принцип научности – один из наиболее важных принципов дидактического обучения изобразительному искусству. Он предусматривает изучение законов, правил и требований перспективы, светотени, цветоведения, композиции и истории искусства. При исключении из цепочки одной из тем знание материала не будет целостным.
   Следующий принцип – систематичности – строится на том, что весь процесс обучения должен происходить последовательно, материал – быть логичным, подтверждаемым предыдущим и постепенно усложняющимся (в соответствии с возрастными особенностями учащихся). Он должен напоминать изучение азов русского языка и литературы: сначала знакомить с буквами, затем пробовать их соединять и только после этого переходить к чтению. Нельзя научить писать красками, не познакомив учащихся со светотенью и цветоведением, как и нельзя переходить к графике, не освоив рисунка.
   Принцип наглядности говорит сам за себя: чтобы материал был воспринят надлежащим образом, он должен подтверждаться наглядным материалом, образцами, таблицами и этюдами. Данный принцип способствует повышению интереса учащихся к изучаемому предмету и теме. Без его соблюдения проведение уроков изобразительного искусства, особенно в младших классах, невозможно. Ребенок обязательно должен видеть то, о чем говорит учитель, будь то произведения определенного жанра, изучаемого на протяжении нескольких уроков, или же работы того или иного художника, с чьим творчеством он знакомится.
   Последний принцип – прочность усвоения учебного материала – является как бы подведением итогов по пройденному и позволяет выявить пробелы в изучении, а при необходимости и восполнить их. Если тема усвоена некачественно, переходить к следующей нельзя, т. к. количество пробелов с каждым новым материалом будет только увеличиваться.
   Умение учитывать все эти принципы при изучении основ изобразительного искусства позволяет учителю дать ученикам более глубокие знания и добиться успехов при решении поставленных перед ним педагогических задач.

2. Цели обучения изобразительному искусству

   Цели каждого урока изобразительного искусства хоть и объединены общей задачей, но все же весьма различны. Для каждого предстоящего урока они определяются, исходя из темы и ее содержания. Приведенный ниже список наиболее распространенных из них поможет учителю подобрать для себя то, что ему необходимо.
   • Привить учащимся интерес к рассмотрению картин и иных произведений изобразительного и декоративно-прикладного искусства. Научить подмечать в них самое главное, наиболее значимые детали и средства выразительности (цвет).
   • Воспитывать эмоциональный отклик на произведения мастеров искусства и работы своих коллег (одноклассников).
   • Познакомить учащихся с художественной речью, дать словесный набор, используя который, можно с легкостью охарактеризовать любое произведение живописи.
   • Научить при рассмотрении репродукций и произведений живописи выделять их главную мысль и содержание.
   • Научить детей эмоционально откликаться на цвет как на средство, создающее настроение, понимать это настроение и делать его описание.
   • Научить чувствовать атмосферу художественных произведений и сопоставлять их с музыкой. Сформировать умение сравнивать звучность красок и мелодий.
   • Сформировать у учащихся умение образно мыслить. Научить использовать литературные образы при создании собственных произведений.
   • Дать учащимся представление о единстве трех видов искусств: музыки, живописи и литературы. Научить использовать это единство для достижения поставленных перед собой целей.
   • Научить детей находить общее между произведениями живописи и литературы, выделять основные средства выражения главной мысли в этих видах искусств.
   • Научить детей устанавливать связь между реальной действительностью и ее изображением в искусстве.
   • Научить соотносить изображенное художниками в картине с реальной действительностью.
   • Научить видеть красоту цвета и различных цветовых сочетаний в природе и произведениях изобразительного искусства.
   • Научить понимать роль цвета в картине, устанавливать связь между содержанием и выразительными средствами.
   • Научить замечать в произведениях живописи средства выразительности: цвет – от яркого до темного, форму – от мелкой до крупной, – и в полной мере использовать эти знания при создании собственной работы.
   • Научить видеть и оценивать взаимоотношения между главными и второстепенными персонажами картины.
   • Сформировать умение воспринимать различные образы в сравнении.
   • Сформировать умение понимать эмоциональный настрой произведения и откликаться на него.
   • Научить видеть красоту природы в различных состояниях. Понимать роль цвета в пейзажной живописи при изображении этих состояний.
   • Воспитывать бережное отношение к природе. Формировать умение подмечать красоту в самых обыденных и мало примечательных предметах (листьях, рисунка крыльев насекомых и т. д.).
   • Сформировать умение воспринимать образ Родины и видеть красоту природы через пейзажи.
   • Познакомить с красотой родной природы через произведения русских художников. Научить выделять цвет как средство выразительности.
   • Воспитать интерес к искусству через пейзажную живопись. Научить эстетически воспринимать природу в пейзаже, сравнивать работы различных авторов по использованным ими средствам выразительности, запечатленному настроению.
   • Дать навыки правильного расположения изображения на листе. Познакомить с линейной и воздушной перспективой.
   • Научить понимать содержание произведений, описывать действия изображенных на них людей. Научить выделять оси, композиционный центр и основную цветовую гамму.
   • Развить интерес учащихся к произведениям искусства. Научить их выделять главную мысль произведения и средства ее выражения, самостоятельно делать анализ картин.
   • Научить делать анализ логических связей в произведении.
   • Научить находить в произведениях живописи общее между содержанием, композицией и формой изображенных предметов.
   • Научить видеть красивые формы предметов и их сочетания. Развить стремление и желание подражать художникам.
   • Научить детей связно и последовательно излагать свои мысли, описывая ощущения и ассоциации от произведений живописи.
   • Научить выделять главную мысль произведения, давать психологическую характеристику изображенным образам.
   • Развить умение выделять основную идею произведения, устанавливать связи между его содержанием и средствами выразительности.
   • Научить оценивать социальную значимость произведения.
   • Научить видеть и понимать роль пейзажа в передаче состояния героя. Развить творческую фантазию и воображение учащихся.
   • Сформировать у учащихся эстетическое видение произведений живописи и окружающего мира.
   • Показать красоту в сочетании форм и цвета через натюрморт.
   • Научить оценивать состояние и настроение человека, изображенного на портрете, и подкреплять свои выводы используемыми при работе средствами выразительности.
   • Сформировать умение оценивать настроение человека через его движение и позу, познакомить с правилами изображения этих движений.
   • Закрепить умение сравнивать различные произведения живописи, находить сходство и различие в манере их исполнения, подборе и использовании выразительных средств, а также в содержании.
   • Научить сопоставлять собственные наблюдения с изображением на картине.
   • Научить правильному анализу произведений, использованию в своем рассказе стихотворных выражений и литературных описаний. Сформировать умение сравнивать произведения разных видов искусств (музыки, литературы, живописи), находить общее между ними.
   • Научить чувствовать основное содержание картины, видеть ее композиционное построение.

3. Планирование занятий

   Планирование занятий – это сложный, но, между тем, необходимый процесс. Без грамотно спланированной структуры урока невозможно достичь поставленных перед предметом целей и дать учащимся по-настоящему твердые знания по изобразительному искусству. Между тем последовательное и тщательно продуманное его проведение избавляет от нежелательных пробелов в изучении материала, помогает вызвать у учащихся интерес к уроку и повысить свое собственное педагогическое мастерство.
   Планирование уроков изобразительного искусства – занятие довольно трудоемкое, т. к. перед преподавателем ставится задача не только научить детей правильно и красиво рисовать карандашами и красками, познакомить с линейной и воздушной перспективой, но и дать им минимальные знания о художниках, видах и жанрах изобразительного искусства, привить любовь к живописи и воспитать по-настоящему эстетичного и культурного человека. Все это легко донести до ученика при помощи целого ряда предметов, преподаваемых в художественных школах: рисунка, живописи, композиции, истории художеств, декоративно-прикладного искусства. Но как быть, если на все это дается так мало часов, а охватить нужно очень много информации, да и само обучение изобразительному искусству не индивидуальное, а массовое?
   Следовательно, чтобы охватить все эти сферы и не упустить ничего, преподавателю просто обязательно нужно тщательнейшим образом спланировать свои занятия. Его уроки должны быть в первую очередь интересными и увлекать, заставлять учащихся продолжать обучение изобразительному искусству самостоятельно. Ведь школа – это лишь основа, учащая азам и знакомящая с тем, как познать больше, где взять нужный материал и как с ним работать. Желание же делать это может возникнуть только в том случае, если материал, даваемый преподавателем, будет увлекательным, интересным и ранее незнакомым.
   Наиболее часто используемым методом обучения изобразительному искусству и в то же время наиболее продуктивным считается метод «забегания вперед и постоянного возвращения назад». Суть состоит в том, что во время уроков учитель периодически проводит своего рода разведку уже известного детям материала и на основе этого планирует следующее занятие. Кроме того, при самом изучении материала он опирается не на только что рассказанное, а на уже известное учащимся, благодаря чему в очередной раз укрепляет знание пройденного материала.
   Обращение к этому методу очень эффективно и сразу же дает свои плоды. Во-первых, поскольку опора осуществляется на уже известное, новый материал не вызывает у учащихся никаких затруднений, а во-вторых, и старый материал постепенно закрепляется на последующих уроках.
   Во время планирования занятий следует учитывать еще и то, что большое количество использованных на уроке фамилий, лишних фактов из биографий и дат создания произведений живописи перегружает память детей и отвлекает их от главного. А потому все, что не так необходимо для полного усвоения темы, лучше сразу отсеивать. В свою очередь, интересные факты, истории, музыкальные и литературные произведения, напротив, следует использовать в полной мере. Они позволяют не только разнообразить урок и сделать его не настолько скучным, но и закрепляют основной материал. Услышав очередной раз то или иное музыкальное произведение вне стен школы, учащиеся невольно будут вспоминать репродукцию картины с соответствующим настроением, а читая литературные произведения, станут ассоциировать их с изображенными эпизодами в произведениях известных мастеров.
   Любой урок, конечно же, следует начинать со вступительной темы, а затем постепенно усложнять ее, вводить дополнительные подробности и факты. Данное пособие как раз и построено по этому правилу: в нем дан краткий справочный материал о зарождении и развитии изобразительного искусства, предложены музыкальные и литературные ряды, подходящие для изучения выбранных тем, указаны и сами темы. Преподаватель же сам определит, какие данные и эпизоды из жизни и творчества того или иного художника ему следует использовать при знакомстве с определенной темой, на какой музыке остановиться и какие литературные произведения использовать, чтобы наиболее полно донести до учащихся основную мысль урока.

Структура урока, его варианты

   С каждым новым учебным годом преподаватели разрабатывают все новые и новые варианты уроков. Это и урок-сказка, и урок-беседа, урок-игра, открытый урок, урок-путешествие, урок-викторина, урок-КВН и т. д. Все это делается для того, чтобы найти оптимальный, наиболее интересный учащимся вариант урока, дающий более глубокие знания. Естественно, что для какого-то предмета будет подходить что-то одно, для другого – совершенно иное. Но вот что касается уроков изобразительного искусства, то тут все варианты удачны, особенно если преподаватель умело применяет их на практике.
   Чем же отличаются друг от друга все эти уроки? Во-первых, методом преподнесения нового материала. Так, на уроке-сказке учащиеся будут узнавать новый материал постепенно, незаметно для самих себя, поскольку он будет переплетаться с фантастическим сюжетом. На уроке-путешествии новый материал предстанет в четкой последовательности, будто собираемый по крупинкам, шаг за шагом, а на уроках-играх тема будет раскрываться самими учащимися, с той лишь разницей, что на это их умелой рукой направит преподаватель.
   Во-вторых, данные варианты уроков дают различные возможности использовать при их проведении дополнительный музыкальный и литературный и иной материал, подчеркивать связь изобразительного искусства с тем или иным видом искусства. Урок-сказка просто немыслим без литературы, урок-игра и путешествие – без музыки, а в некоторых случаях и без знания географии или иных предметов. Объединяет же уроки их направленность и общая цель, достижению которой они способствуют. Открытый же урок – это к тому же и еще одна ступенька в повышении методического уровня каждого учителя, своего рода и подведение итогов, и сравнительный анализ достигнутого опыта.
   Следовательно, прежде чем приступить к окончательному планированию урока рисования, необходимо определиться с его вариантом, оценить, какой из них лучше всего позволяет использовать все интересные элементы и запоминающуюся информацию темы. А уже на основе этого можно делать дальнейшую работу: подбирать основной материал для урока, окончательно прорабатывать его структуру.
   Далее я привожу вариант обычного плана-конспекта урока, наиболее часто используемого при подготовке. На его основе, заменив или преобразив некоторые пункты, можно разработать и структуру более редко используемых форм уроков.
   Первым пунктом при составлении любого плана-конспекта всегда является тема. Она стоит в основе всего остального материала, и именно к ее полному раскрытию и следует стремиться. Иными словами, если темой урока является знакомство с пейзажем, то ни в коем случае после него на вопрос о том, что это такое, дети не должны пожимать плечами. Определение пейзажа должно быть первым, что следует привлечь к запоминанию.
   Чаще всего на изучение одной темы в школе дается 2–3 урока, или 80-120 учебных минут (исходя из расчета в 40 минут). Задача учителя – суметь распределить это время самым рациональным образом. Особо следует заметить, что количество времени на тот или иной этап урока должно определяться до, а не во время него самого, что чаще всего и происходит. Иначе не хватит времени ни на объяснение до конца нового материала, ни на самостоятельную работу или домашнее задание.
   Заранее стоит определить также и необходимый для урока наглядный материал и оборудование. Это поможет сохранить время для более важной части урока, а не тратить его на поиск в стопке папок репродукций для показа учащимся. Обозначение необходимого оборудования и материалов для учащихся исключит вероятность его полного отсутствия у детей, естественно, если учитель поспешит об этом позаботиться заранее и предупредит учащихся о необходимом им для следующего урока материале.
   После выявления необходимого оборудования к уроку следует установление целей. Для каждого урока их непременно должно быть три: образовательная, развивающая и воспитательная. В основе образовательной цели лежит решение вопроса о том, как научить детей конкретным действиям (изображению природы, человека и т. д.), в основе развивающей – развитие умений, навыков, формирование определенных чувств (эмоциональной отзывчивости и т. д.), а в основе воспитательной – общая цель предметов искусства, т. е. воспитание культурного и нравственного человека, привитие любви к творчеству. Чаще всего некоторые из этих целей перекликаются между собой, что говорит о том, что преподаватель сумел правильно их подобрать.
   Ход обычного, стандартного урока, как правило, состоит из 7 этапов, каждому из которых отводится определенное количество времени. Суть этих этапов видна из их названия. Примерный план-конспект урока будет выглядеть так.

//-- Тема урока: «***» --//
   Количество часов на изучение данной темы: 40 минут (80 и т. д.) Необходимое оборудование:
   – для учителя;
   – для учащихся.
//-- Цель урока --//
   – образовательная цель;
   – развивающая цель;
   – воспитательная цель.
//-- Вид урока --//
   – урок-сказка, рисование с натуры и т. д.
//-- Ход урока --//
   1 этап: организационная часть (3 мин)
   Сообщение классу темы и цели урока, проверка готовности рабочего места.
   2 этап: подготовка учащихся к активному и сознательному усвоению материала (4–5 мин)
   Повторение пройденного материала, проведение небольшой беседы или упражнений.
   3 этап: изложение нового материала (10 мин) Этап состоит из следующих ступеней:
   – организация внимания учащихся;
   – сообщение им нового материала (рассказ учителя);
   – обобщение этого материала.
   4 этап: проверка понимания учащими нового материала (15 мин)
   Проведение беседы по пройденному материалу, установление осмысления учащимися содержания новой темы, ее глубины. Устранение обнаруженных пробелов в понимании нового материала (вопросы по пройденному материалу). Выполнение учащимися задания, закрепляющего изучаемую тему.
   5 этап: сообщение домашнего задания (2 мин) Сообщение домашнего задания и разъяснение методики его выполнения, т. е. инструктаж.
   6 этап: подведение итогов (1 мин)
   Подведение итогов урока: организация мини-выставки, выставление оценок учащимся.
   7 этап: уборка рабочего места (5 мин)
   Приведение рабочего места в надлежащий порядок.

   Следуя этому плану, учитель рисования сможет рационально использовать все отведенное ему на изучение того или иного материала время, донесет до учащихся материал в краткой и доступной форме, а также предотвратит возможность плохого усвоения новых тем и быстрого их забывания.

Методы проведения беседы

Пояснение

Во время бесед на уроках по изобразительному искусству и особенно на самых первых из них учащиеся еще не имеют представления о том, как правильно описывать произведения живописи. Вот именно в эти моменты и требуется использование метода пояснения, заключающегося в том, что после ответа ученика учитель делает необходимые пояснения, позволяющие детям точнее понять суть произведения.
Приведу пример. Когда младшие учащиеся описывают пейзаж, они, как правило, замечают следующее: на картине есть солнце или луна, деревья наклонены, на воде рябь. Следовательно, после такого рассказа учителю необходимо пояснить, что если присутствует солнце, можно определить, в какое время дня художник писал эту картину: солнце, располагающееся высоко, указывает на середину дня, у горизонта – на рассвет или закат и т. д., наклон деревьев и рябь на воде говорит нам о том, что дует ветер. Так что, описывая аналогичные работы следующий раз, дети уже будут указывать и на время написания картины, и на состояние природы в этот момент.

Сравнение

Весьма целесообразно прибегать к такому методу, как сравнение. Именно оно стоит в основе развития у детей образных ассоциаций, учит анализировать, сравнивать и делать определенные выводы. Во время сравнения музыкальных и художественных, литературных и художественных произведений между собой необходимо обращать внимание на выявление не только сходства, но и различия в цветовой (музыкальной, словесной) гамме, запечатленном настроении, главной мысли. В процессе этих сравнений учащиеся должны сами осознать, что даже во многом похожие между собой произведения могут иметь совершенно различное настроение и нести полностью противоположную мысль.

Акцентирование деталей на главном

Во время беседы следует использовать также метод акцентирования деталей. Суть его состоит в том, чтобы при рассмотрении репродукций картин научить детей быстро определять главное, выделять композиционный центр и основную мысль произведения. Добиться этого можно при помощи наложения на основную деталь малоизвестной картины однотонной карточки и определения т. о. недостающей детали. Так, если на картине присутствует природа и часть частокола, то дети непременно догадаются, что недостает дома, и т. д. При этом важно, чтобы они сами пришли к выводу, что если с картины удалить главное «действующее лицо» или основную деталь, несущую главную мысль, произведение станет незаконченным и бессмысленным.

Вызывание адекватных эмоций

При воспитании эмоциональной отзывчивости у детей на первый план во время беседы выходит именно этот метод. Он позволяет развить их заинтересованность в рассмотрении произведений живописи, а следовательно, вызовет у них соответствующее настроение, эмоции и чувства. В данном случае очень подходит выражение на языке искусства: «Познать – значит прочувствовать».
При рассмотрении репродукций первоначально следует опираться не на то, какие эмоции вызывает у детей эта картина, а на то, что они испытывают в те же самые моменты: во время дождя, при сильном ветре, осуществляя поездку, наблюдая за пейзажем через окно, обижаясь или злясь на кого-то (портрет) и т. д. Это научит детей сопоставлять реальные переживания с изображенным на картине, а значит, и сделает их анализ более полным.

Повторное возвращение к пройденному материалу

Во время беседы также необходимо постоянно возвращаться к уже пройденному материалу, чтобы закрепить его. Обращение может выражаться через сравнение с уже изученными произведениями.

Игровые заставки на уроке

   Все дети любят играть. Об этом преподавателям при разработке структуры своего урока стоит помнить. Введение в урок даже небольшой игры позволяет не только его разнообразить и заинтересовать учащихся изучаемой темой, но и дает возможность еще раз подвести итог и закрепить новый материал. Некоторые игры постепенно могут стать основными (понравившиеся детям), а потому их стоит использовать на всех последующих уроках, связанных одной тематикой.
   Какие же игры можно использовать на уроках изобразительного искусства? Во-первых, ассоциативные, развивающие у детей фантазию и образное мышление. В основе этих игр будут лежать используемые во время уроков музыкальные и литературные произведения, к которым учащимся необходимо будет выбрать картины художника, передающие то же самое настроение или основную мысль.
   Например, преподаватель может поставить отрывок из любой музыкальной композиции, а после его прослушивания предложить детям найти в представленных взору репродукциях ту, с которой эта музыка наилучшим образом сочетается, а затем кратко сформулировать причину такого вывода. Если же мнения нескольких опрошенных детей будут расходиться, задание может быть оставлено на конец урока. При этом необходимо заинтересовать детей вопросом и заставить их задуматься. Это можно сделать при помощи поощрительного приза, который достанется тому, кто правильно ответит и разъяснит задание в конце урока.
   Та же самая игра может быть использована и во время сравнения живописных и литературных произведений, характеристик образов главных героев, описаний природы. Здесь важен уже не просто подбор правильного произведения, но и определение его связей и тех литературных оборотов, при помощи которых автору удалось создать впечатление, аналогичное изображенному. После каждой такой игровой минутки учитель совместно с детьми может выписывать на доске основные словесные обороты, подчеркивающие настроение произведения. Благодаря этому дети будут их запоминать, а при дальнейшей работе и использовать, делая самостоятельно описание живописных полотен. Эти выделенные слова стоит пробовать вспомнить на следующем уроке или через урок. Это поможет развить память учащихся, особенно если в выполнении данного задания они будут заинтересованы.
   Еще одной разновидностью может быть игра на разгадывание. Задачей преподавателя здесь является придумывание таких вопросов по просматриваемым произведениям живописи, которые потребуют у детей разгадывания. Можно, например, поинтересоваться названием незнакомой детям картины. Естественно, версий по этому поводу будет очень много, не исключено, что дети даже найдут ее настоящий вариант. Во время этого отгадывания следует задавать наводящие вопросы: «Какой является главная цель произведения?», «Что является композиционным центром картины?».
   В виде загадок могут быть взяты и такие обобщающие задания, как, например, выявление лучших художников в том или ином жанре или напоминание о наиболее часто повторяющихся образах в произведениях живописи и названиях этих полотен. Это могут быть образы одних и тех же былинных и сказочных героев в разных или похожих ситуациях, образ женщины с ребенком и т. д. Еще одно из заданий – определение произведений, выполненных в схожей цветовой гамме, или воспроизведение в памяти портретов известных деятелей искусств и написавших их авторов (кто написан и каким художником?).
   Очень интересной является и игра «Потерянный кусок». Суть ее состоит в том, что преподаватель демонстрирует учащимся кусок (угол, эпизод) любой известной по предыдущим темам картины, а учащиеся пытаются вспомнить и ее название, и содержание, и автора. Естественно, что определить, какой кусок из картины им показан, дети смогут, если при изучении этой темы они были очень внимательны и хорошо рассмотрели и запомнили демонстрируемые им произведения.
   Данная игра обычно настолько увлекает учеников, что они просят преподавателя устраивать ее ежедневно – и тем самым дают учителю возможность не только проверить прочность их знаний и внимательность, но и повысить собственную внимательность к показываемым полотнам. Постепенно ученики смогут все более и более быстро определять название и автора произведения, а потому придется усложнять задание: показывать менее примечательные элементы картины или же демонстрировать вовсе неизвестную картину, предлагая им определить ее автора, опираясь на знание манеры письма художников и предпочитаемую ими тематику. Кроме того, можно давать словесные описания картины, по которым учащимся также предстоит определить загаданное произведение.
   Как правило, дети любят кому-то подражать. Эту особенность тоже можно использовать в игре, например предложив школьникам воспроизвести сцену, изображенную на картине, придумать ей продолжение или же описать ощущения изображенного человека в момент после его «пробуждения». Что он видит, слышит, о чем думает? Очень много возможностей в этом плане дают картины бытового содержания или с изображениями людей: «Опять двойка», «Бой Ильи Муромца со Змеем» и т. д.
   Во время урока стоит проводить и игры-конкурсы. Это позволяет увлечь детей и в очередной раз дает возможность закрепить пройденный материал. В виде конкурса можно провести игру «Я экскурсовод». Перед классом выставляется ряд репродукций, объединенных одной темой, а затем все учащиеся поочередно обыгрывают роль экскурсовода и предлагают зрителям свой рассказ о выставленных произведениях. По окончании игры голосованием выбирается победитель. А когда дети уже будут иметь основные навыки составления рассказа по картине, репродукции художников можно заменить на работы самих учащихся. Это даст возможность услышать о впечатлениях всего класса по поводу каждой из представленных работ, т. е. узнать их мнение на этот счет.
   Аналогичным этому конкурсом может стать и игра «Я выдумываю». Проводится она следующим образом: учитель задает ученикам любую тему, дает время на обдумывание (можно поставить в этот момент музыку с необходимым настроением), а затем ученики рассказывают о той вымышленной картине, которую они нарисовали в своем воображении. По окончании игры также может быть проведена оценка рассказов. Естественно, выиграет только тот ребенок, который умеет передавать свои фантазии литературно и связно. Данную игру хорошо использовать в том случае, когда необходимо развить у детей фантазию и умение составлять последовательный рассказ.
   Очень привлекают детей и игры, похожие на те, какие они сами придумывают. К ним относится, например, игра «Ярмарка». Ее можно провести следующим образом: устроить в классе большую выставку. При этом каждый стенд должен быть посвящен работам одного из школьников. Затем совместно с классом напишите объявление о том, что на протяжении всего дня в кабинете рисования будет проходить ярмарка, на которой можно «купить» любой рисунок, и всего-то за несколько добрых слов в адрес самого произведения.
   Когда же на переменах в класс потянутся учащиеся других классов, учитель должен объяснить, что авторы «продадут» свои работы тем, кто сможет правильно описать понравившееся ему произведение, определить его главную мысль и придумать по нему рассказ. Кроме того, автору дается право задавать «покупателю» дополнительные вопросы на свое усмотрение. При помощи этой игры учитель рисования сможет не только привлечь к своим урокам учащихся других классов, но и продемонстрирует необходимость применения детьми полученных знаний на практике.
   Если всевозможные игры и конкурсы проводятся в школе постоянно, то можно приготовить специальные медали лучшим ученикам и победителям: «Мастер натюрморта», «Специалист в области живописного письма» и т. д. В конце года может быть подведен общешкольный итог, где по собранным медалям и будет определен, а затем и награжден лучший художник школы.

4. Оформление выставок и стендов к урокам

   Буквально все дети любят рисовать. Но, не видя положительной реакции со стороны окружающих и не чувствуя морального поощрения своего творчества, они очень быстро способны потерять всякий интерес к изобразительному искусству. Относится это и к уроками «Изо». Даже в тех случаях, когда все занятия интересны и занимательны для детей, их интерес к ним постепенно снижается, т. к. они не получают эмоционального заряда для создания дальнейших работ, не слышат отзывов окружающих о своих художественных фантазиях.
   Чтобы этого избежать, учитель рисования должен организовывать в школе различные выставки, выбирать и награждать лучших художников четверти и года. Это привлечет к урокам рисования даже тех, кто не умеет и не любит этот вид искусства, не говоря уже об истинно увлеченных и действительно одаренных детях. При этом не следует забывать, что о своих успехах школьники прежде всего стремятся рассказать в семье. Порой это стремление приводит к тому, что, приберегая удачные работы для показа родителям, ученики отказываются оставлять их для выставки, чем нарушают все планы преподавателя и подводят других ребят. Исправить все можно, только пригласив на просмотр работ самих родителей. Следовательно, организованные преподавателем выставки не следует делать строго классными. Напротив, возможность посещать их должны иметь все желающие. Только тогда удастся по-настоящему приобщить детей к творчеству и искусству и привлечь к достижению общей цели их родителей и членов семьи.
   Темы выставок возможны совершенно любые, но лучше всего выбирать более обобщенные, при оформлении которых можно использовать работы не только одного класса, но и других. Наиболее подходящими считаются темы: «Школьный музей», «Мир глазами детей», «Родителям об искусстве», «Образы зимы в творчестве русских художников», «Новогодняя сказка», «Золотя осень», «Весна-красна», «Музыка капели», «Архитектура вокруг нас», «Родина в творчестве художников пейзажистов», «В мире сказок», «Война в творчестве живописцев», «Наши мечты», «Путешествие по огромной планете», «Традиции и современность» и т. д.
   При подготовке и оформлении выставок необходимо привлекать к этому и преподавателей других предметов: учителей музыки, труда, литературы, истории и т. д. Благодаря этому выставка получится гораздо интереснее, ведь на ней будут присутствовать не только рисунки, но и скульптура, керамика, поделки, созданные на уроках трудового обучения: из листьев, соломки, мозаики из стекла на цементной основе, маски и т. д. Правильно и точно подобранные музыка и литературные произведения, объединенные общей тематикой, привлечение не только любителей искусства, но и детей, которым полюбился тот или иной предмет, сделают мероприятие значимым и запоминающимся для всех.
   Словом, когда выставка будет полностью оформлена, следует выбрать для нее наиболее подходящий музыкальный и литературный фон. Данная задача должна полностью лежать на учениках. Это поможет им закрепить полученные знания и применить их на практике.
   Помимо музыки и литературных заставок, для каждой выставки необходим экскурсовод. Им также следует назначить наиболее успевающего по предмету ученика. Его задачей будет рассказать родителям и другим школьникам, пришедшим посмотреть на работы, о том, какова цель этого мероприятия, чьи работы представлены на выставке, что они показывают и подчеркивают. Кроме того, ему придется кратко проанализировать работы всех учащихся.
   Время проведения выставки не следует ограничивать одним днем, т. к. не все сразу смогут ее посетить, да и родители не имеют возможности побывать на ней в одно и то же время. На выставку должно отводиться около недели, за это время каждый день желательно менять экскурсовода, а значит, все желающие смогут попробовать себя в его роли и гораздо большее число желающих сможет с ней ознакомиться. При желании, для родителей и просто посторонних почитателей искусства могут организовываться вечерние просмотры, во время которых тот же экскурсовод поведает об особенностях выставки или каждый ребенок самостоятельно расскажет о том, что он стремился запечатлеть на своем рисунке, какой была его главная цель.
   В промежутках между рассказами экскурсовода целесообразно зачитывать эпизоды из литературных произведений, наиболее точно передающих настроение и событие, запечатленное в картине (это относится и к работам, созданным учащимися). Да и сам осмотр должен обязательно проходить на фоне тихо звучащей музыки. Иными словами, в зале должна быть воссоздана атмосфера той тематики, которая лежит в основе всего мероприятия. Очень хорошо, если на каждой выставке будет присутствовать книга отзывов, где все желающие смогут оставить свои заметки и наблюдения.
   В конце года неплохо провести отчетный урок, а затем и выставку, на которой представить самые лучшие работы учеников школы, созданные на протяжении года. Такая выставка может носить название «Искусство нового времени», «Россия в XXI веке» и т. д. К ней учащиеся могут сочинить сказки, стихи, песни, подготовить театрализованные представления, представляющие собой этюды на основе сцен, запечатленных художниками в своих картинах.

   Музей – довольно простое и обширное понятие, объединяющее в себе не только произведения изобразительного искусства, но и предметы быта, достижения техники и науки, кулинарные творения и природные дары, а также много чего еще. Оказывается, слово «музей» пришло к нам из Древней Греции, и означало оно «храм муз». Название это не случайно, т. к. греки называли музами всех богинь, покровительствующих искусству и наукам, а в самих храмах располагали предметы, находящиеся под их зорким взглядом.

   Полезно устраивать в школе и фестивали изобразительного искусства или искусства вообще. Так, в определенные дни может быть проведен день поэзии, через неделю – день музыки или изобразительного искусства. Такое разделение по видам искусства вовсе не означает, что к каждому фестивалю будут готовиться только дети, увлеченные определенными предметами. Совсем наоборот, фестивали искусства – это прежде всего очередной способ показать взаимосвязь между музыкой, литературой и живописью, подчеркнуть их взаимопроникаемость друг в друга. Ведь для того же фестиваля литературы необходимы оформление сцены (задник), зарисовки к читаемым стихам и рассказам, определенный музыкальный фон, а сделать это намного проще тем, кто посвятил себя именно какому-то определенному искусству.
   Все это касается выставок. Но процесс обучения изобразительному искусству невозможен без наглядного материала, который необходим преподавателю для проведения уроков и просто для оформления класса рисования. Этот наглядный материал лучше всего размещать на стендах, тем более что некоторые темы уроков проходят через весь год, а к иным приходится обращаться довольно часто на протяжении всего времени обучения.
   Ниже приводятся варианты оформления стендов, наиболее часто использующихся во время уроков рисования.

1-й стенд: «Жанры и виды изобразительного искусства»

На стенде необходимо сделать несколько разделительных полос (на участки), в каждом из полученных промежутков расположить репродукции картин одного жанра живописи и дать к ним краткую аннотацию. Рассматривая стенд, окружающие должны сразу понять, что характерно для каждого из перечисленных жанров изобразительного искусства и какие художники мастерами какого жанра являлись.
Иными словами, под названием «Графика» должны присутствовать работы, выполненные карандашом, пером, углем или цветными карандашами, под названием «Скульптура» – фоторепродукции объемных произведений, созданных из глины, камня, дерева, гипса и т. п. Живопись должна объединять воедино жанры – пейзажный, портретный, анималистический, бытовой, батальный, маринистику, натюрморты. Заголовок «Архитектура и зодчество» – подкрепляться фотографиями старинных построек, церквей и иных зданий. И наконец, декоративно-прикладное искусство может быть представлено в работах мастеров Жостова, Гжели, Хохломы, Полхов-Майдана, Городца и Дымково.

2-й стенд: «Изречения и мысли об искусстве»

Этот стенд может представлять собой «сборник» высказываний, цитат и рассуждений искусствоведов, художников, критиков, педагогов об искусстве и его влиянии на жизнь людей и на духовный мир человека. Некоторые из этих высказываний вы можете встретить в приведенных ниже разделах.

3-й стенд: «Мир искусства»

Этот стенд-выставка призван содержать не только лучшие работы всех учащихся класса, но и быть дополнен пояснениями учителя, его заметками об успехах школьников, чтобы все учащиеся могли увидеть свои ошибки и при последующей работе не допускать их повторения. Рассматривая его, дети будут учиться правильному изображению предметов уже не по работам прославленных мастеров, а по рисункам друзей, одноклассников и других школьников. Словом, стенд представит собой своеобразную доску успеваемости и достижений в области искусства.

4-й стенд: «Родителям об изобразительном искусстве»

Этот стенд предназначен для родителей. Его задача – познакомить пап и мам с изобразительным искусством, обратить их внимание на взаимосвязь предмета с другими видами искусства. На стенде должны присутствовать материалы о том, какую литературу родителям и их детям стоит использовать, чтобы поближе познакомиться с творчеством любого художника, на чем заострить внимание ребенка при изображении им природы или человека.

5-й стенд: «Живопись нашего города»

   Этот стенд представляет собой материал о художниках и мастерах декоративного искусства – выходцах из данного населенного пункта. В каждом, даже самом маленьком селе непременно имеются если не настоящие мастера живописи, то хотя бы любители искусства, художники-самоучки и ремесленники.
   Чтобы собрать о них материал и оформить его в виде краеведческого стенда, можно устроить вместе с детьми поход к этим художникам, провести с ними беседу в классе и познакомить детей с их работами. Благодаря этому учащиеся смогут понять, что великие мастера – это не только в прошлом студенты Академии художеств, но и простые любители искусства, живущие среди нас, о которых хоть и очень мало известно, но это тем не менее не означает, что они не заслуживают признания. Вполне возможно, что именно работы этих людей через несколько десятков лет будут вспоминать потомки.
   На данном стенде могут быть расположены фотографии художников вашей местности, их первые рисунки, картины, заметки из газет и даже сочинения учащихся, рассказывающие о впечатлениях, полученных в результате беседы и знакомства с творчеством художников родного края.

6-й стенд: «Природа – художник»

Данный стенд, в отличие от остальных, не просто напомнит о видах и жанрах живописи и биографических данных художников, а скорее станет ознакомительным и познавательным. Причем познавать дети будут сами, а стенд расскажет об их выводах и наблюдениях.
Иными словами, подбирать материал для данного стенда следует не учителю, а учащимся, которым необходимо пояснить, что для оформления в классе уголка на тему «Природа – художник» им следует быть очень наблюдательными и внимательными, примечать самое неприметное для глаза, собирать красочные и оригинальные по рисунку листья деревьев, необычайно, художественно изогнутые веточки, фотографии различных состояний природы, делать ее зарисовки и т. д. Когда же достаточное количество материала будет в наличии, совместно с классом преподаватель может спланировать расположение предметов на стенде и оформить его.

7-й стенд: «Декоративно-прикладное искусство в жизни человека»

Сама по себе тема очень обширна, а потому требует отдельного внимания. На этом стенде могут располагаться не только фотографии изделий мастеров Жостова, Гжели, Городца, но и современные изделия: деревянные игрушки, восковые и тряпичные куклы, металлические кованые изделия и т. д. Данный материал можно расположить на стенде в хронологическом порядке: сначала деревянные поделки, а затем постепенное их преображение до современной интерпретации.

5. Определение уровня усвоения материала учащимися

   В конце каждой четверти желательно выявлять самых знающих учащихся и организовывать их награждение, чтобы тем самым стимулировать остальных детей на дальнейшее изучение материала. При этом следует проводить все так, чтобы сами учащиеся заинтересовались оценкой собственного уровня знаний.
   Всего, образно, можно выделить три уровня: хорошее знание материала, средний уровень знания и недостаточный. Хороший уровень подразумевает быстрый ответ на заданные учителем вопросы, без наводящих вопросов осуществляемый анализ произведения, умение доказывать правоту своего утверждения, а также определять основную цветовую гамму, композиционный центр, настроение и тему произведений. Средний уровень отличается от предыдущего тем, что учащийся не может доказать свою точку зрения или затрудняется в подборе образных сравнений. И, наконец, недостаточное знание материала характеризуется неумением учащегося осуществлять характеристику произведений и находить ответы на вопросы без помощи преподавателя.
   Это определение степени знания материала позволяет учащемуся увидеть свое слабое место, а значит, иметь представление о том, к чему следует стремиться в дальнейшем. Все данные желательно оформить в виде графика или таблицы и поместить на доске в классе, чтобы дети имели возможность сами ознакомиться с ним. Кроме того, желание быть лучше вызовет у учащихся желание стремиться к достижению этого.

6. Организация родительского собрания

   Прочитав заголовок данной подтемы, вы, возможно, невольно подумаете: а зачем, собственно, учителю рисования родительское собрание? Как-никак, это вовсе не основной предмет, не что-то важное, на что следует отвлекать и без того занятых людей. И все же без подготовки к родительскому собранию преподавателю изобразительного искусства не обойтись.
   Начну с того, что в каждом классе обязательно проводятся хотя бы раз в месяц встречи с родителями. На них классный руководитель решает все возникшие общие вопросы, и, конечно же, если это и в самом деле квалифицированный преподаватель, он не забудет сказать об успехах своих учеников по всем предметам, т. е. подчеркиваются достижения каждого учащегося по тому или иному предмету, который дается ему наиболее легко и не вызывает затруднений. И это вполне нормальное явление, т. к. каждый родитель идет на собрание только для того, чтобы услышать о своем собственном ребенке, а не о чьих-то еще, пусть даже и самых великолепных детях. Об этом следует помнить.
   Услышать что-то о своем ребенке мамам и папам, конечно же, всегда приятно, т. к. у них возникнет гордость за малыша. Но еще больше радости доставит родителем выступление на собрании учителя рисования, который поведает, чего успели достичь их дети, в каких школьных художественных конкурсах они одержали победу, и продемонстрирует работы учеников. Таким выражением внимательности к их детям преподаватель, с одной стороны, вызовет у них интерес к увлечению ребенка, а во-вторых, позволит учителю найти в лицах родителей необходимых для себя помощников. В дальнейшей работе, когда будут проводиться вечера искусства, иные мероприятия, имеющие отношение к рисованию, он без проблем при необходимости получит от родителей помощь в подборе нужного материала, изготовлении оформления сцены (задника) и т. д.
   Словом, участие в классных и общешкольных родительских собраниях для учителя изобразительного искусства – занятие очень важное и необходимое, составляющее часть его методической работы, а потому отнестись к нему стоит с особой серьезностью.

Задачи родительского собрания

В чем же состоит основная задача выступления и участия преподавателя рисования на родительском собрании? Главной целью данного мероприятия следует ставить привитие интереса родителей к предмету, сообщение им минимума знаний, необходимых для осуществления самостоятельного обучения изобразительному искусству своего ребенка.
Кроме того, именно на собраниях родители должны в очередной раз, но теперь уже от самого преподавателя, а не ребенка, услышать о его достижениях.

Темы выступления преподавателя рисования на родительском собрании

   Приступая к подготовке речи для родительского собрания, преподавателю изобразительного искусства следует обратить внимание на то, что действительно будет интересно узнать родителям по данному предмету. Такими темами будут, скорее всего, рассказ о том, как научить ребенка правильно смотреть картину, находить выразительные средства в живописи, разъяснение правил правильного рассмотрения картин в кругу семьи или во время посещения музея.
   Особенно заинтересует родителей рассказ о том, как организовать в доме свой собственный музей, как красиво оформить альбомы малыша. Здесь учителю следует представить родителям образцы распределения в альбоме открыток с репродукциями произведений живописи, по аналогии с которым можно создать и свой собственный альбомный музей. Или же дать пояснения о том, как расположить произведения, созданные своими руками, на стене в комнате ребенка. Это может быть распределение по временам года, жанрам, настроению и т. д.
   При этом во время каждого собрания непременно следует подчеркивать, что «изобразительное искусство – это средство воспитания», а потому относиться к нему небрежно не следует.

Структура проведения

   Свой краткий рассказ на родительском собрании учителю можно построить по следующему плану.
   1. Краткое знакомство с изучаемыми на протяжении года темами.

   2. Перечисление списка запланированных мероприятий и конкурсов.

   Это необходимо сделать, чтобы родители заранее знали, к чему дети будут готовиться, и помогли им, когда придет время. Здесь же может быть дан справочный материал по поводу того, каким образом можно вызвать у ребенка интерес к этим темам, ведь если он заинтересует родителей, то и интерес к ним ребенка будет несомненным.

   3. Краткая характеристика успехов каждого учащегося.
   О каждом из учеников обязательно следует сказать хоть сколько-нибудь хороших слов. Если же имеются какие-то замечания или требуется заострить внимание родителей на каких-то проблемах ребенка (о постоянной неподготовленности к уроку, торопливости и т. д.), беседу на эти темы следует вынести за пределы собрания и поговорить наедине. Иначе родитель невольно станет испытывать к учителю антипатию и вряд ли попытается помочь в решении проблемы, после того как только что во всеуслышание было заявлено о плохом поведении или иных нарушениях их чада.

   4. Знакомство родителей с тематической выставкой, подготовленной к собранию.
   Здесь необходимо продемонстрировать работы каждого из учеников и пояснить, где и у кого что получилось лучше, чем у остальных.

   5. Ответы на вопросы родителей.
   И последним этапом, конечно же, следует сделать ответы на задаваемые родителями вопросы. В тех случаях, когда родители стесняются что-то высказать вслух или поделиться своими впечатлениями и мыслями, следует подготовить небольшую книгу заметок или отзывов, где каждый сможет оставить свои замечания и дать советы.

Раздел 2. Зарождение и дальнейшее развитие изобразительного искусства

1. Первые рисунки древних художников

   Рисовать – не значит просто воспроизводить контуры: рисунок не состоит из одних только очертаний.
Энгр

   Рисовать человек начал очень давно. Первыми его рисунками были наскальные изображения, выбитые в глубине пещер и промазанные, для большей сохранности, глиной, смешанной с животным жиром; небольшие нательные рисунки, наносимые как для украшения тела, так и для устрашения своих врагов. Рисовали они и на глиняной посуде, выдавливая на ней палочками странные иероглифы и значки, и даже наносили краски на кожу животных, тем самым клеймя их.
   Как это ни странно, но уже тогда древние художники имели свои особые правила изображения и близкий и понятный только им материал: камень, глину, золу, раскаленные копья. Изображаемые ими символы и рисунки были не просто простым украшением, но и своеобразным заклинанием, способным отпугнуть врага (рисунки на теле), поспособствовать удачной охоте (рисунки исколотых копьями животных) и т. д. Древних художников можно было бы даже назвать магами и шаманами, ведь именно от их умения рисовать зависело, будет ли племя сыто, сможет ли одолеть врагов и избежать болезней.

   Значение слова «рисунок» трактуется по-разному: это и основа языка всех видов изобразительного искусства, и беседа художника с натурой, и рассуждение о жизни, и даже лепка предметов светом и тенью. Хотя суть его значения от этого не меняется. Иными словами, рисунком можно назвать все, что изображено карандашом от руки, так, как это видит человеческий глаз.

   Самыми первыми красками, открытыми нашими предками, стали глина и сажа. Первая составляла палитру из следующих цветов: желтого, красного, слегка зеленоватого и белого, а вторая выполняла роль черного цвета. Именно этими материалами природного происхождения долгое время выполнялись все рисунки. Чуть позднее эта краска получила название «охра» – т. е. краска, растертая с маслом. В дальнейшем она хоть и претерпела некоторые изменения, но название за собой все же сохранила.
   Спустя несколько веков появилась необходимость в поиске более стойкого художественного материала, который не смывался бы с одежды, стальных предметов и домов. Этим материалом стали растения. Человек научился добывать из них соки, перерабатывать их и превращать в краску. Первоисточником желтого цвета стали соки молочая и шелковицы, отвары луковой шелухи до сих пор дают нам коричневый, многие ягоды – красный. Все эти накопленные веками знания все еще находят применение в сельской местности, где натуральными красками так и продолжают расписывать пасхальные яйца, подкрашивать всевозможную выпечку. Не смогли вытеснить природных красителей и появившиеся химические краски.

Зрительный ряд

Наглядным материалом при изучении искусства древних художников, конечно же, будут слайды с изображением первых наскальных рисунков, глиняных табличек, украшенной изображениями посуды и даже варианты нательной росписи некоторых племен. Все это можно обнаружить в стандартных учебниках по истории.
Неплохо продемонстрировать детям и первые натуральные краски, приготовленные из соков растений (сока свеклы, отвара луковой шелухи, сока молочая), а также кусочки разноцветной глины. Эту краску учащиеся могут попробовать нанести на бумагу. Как правило, зрительное видение предметов, о которых здесь рассказано, позволяет на длительное время закрепить материал в сознании учащихся.

Литературный ряд

Литературным фоном для урока будут служить стихи и рассказы о быте древнего человека, его повадках, манере поведения, внешности и т. д. Его могут подобрать и сами учащиеся.
Полезно также зачитать в начале урока стихотворение Олега Тарутина «Иероглифы», дающее представление о том, как при помощи символических рисунков наши предки передавали друг другу информацию.

Музыкальный ряд

Тематика урока, конечно же, накладывает отпечаток на выбор музыкального ряда. В данном случае почувствовать атмосферу древности помогут народные и былинные музыкальные произведения, песни жителей севера и индейских племен, игра на бубнах и других первоначальных музыкальных инструментах.

Применение материала

Знакомство учащихся с первыми художественными материалами и искусством живописи в произведениях древних мастеров лучше всего проводить на вводном занятии. Это позволит не только заинтересовать уроками, сконцентрировать внимание школьников, только что вернувшихся с летних каникул, на материале, но и настроить их на дальнейшую работу. Кроме этого, дети получат знания о первых красках и изобразительных материалах, что поможет им при дальнейшей работе.

Проведение беседы с учащимися

Проведение беседы при изучении этого материала лучше всего начать с опроса учащихся о том, какие натуральные краски используют их мамы при необходимости подкрасить выпеченные изделия, крем, пасхальные яйца и каким образом они это делают? Этот ход привлечет учеников к беседе, заинтересует будущей темой и заданием. Чтобы слегка разнообразить урок, во время беседы можно привести небольшой рассказ о том, как были обнаружены человеком те или иные краски, какие соки растений русичи использовали в качестве косметики. Детям наверняка будет интересно узнать, что сажей женщины рисовали брови, свеклой подкрашивали щеки и губы. К следующему уроку им можно дать задание расспросить своих бабушек и дедушек о том, какие соки растений и как они использовали в молодости.

2. Иконопись как фундамент изобразительного искусства в России Традиция иконописи и символика цвета

   Цвет – материал живописи: цвета в своем уединении плачут и смеются, мечтают о счастье, о любви, они поют волшебные хоралы, они оживают и умирают.
Эмиль Нольде

   Уже давно люди стали ассоциировать цвета с различными состояниями природы (весна – зеленые, осень – желтые), настроением, состоянием души (горечь и печаль – черные, радость – нежно-голубые и розовые). То, что цвет оказывает разностороннее влияние, ни у кого не вызывает сомнений. Каждый знает, что если долго любоваться желтым цветом, то в душе зарождается беспокойство, зеленый же, напротив, успокаивает и расслабляет, красный будоражит кровь и возбуждает. Не только любой цвет, но и его оттенок несет определенную смысловую нагрузку.

   Если опросить какое-то число людей, задавая им вопрос, какой цвет был самым известным более длительное время, чем другие, то все их ответы будут приблизительно одинаковыми: золотой – как цвет роскоши и богатства, красный – как цвет славы и силы, черный – как неоспоримая классика и постоянна тайна. На самом же деле таким цветом является голубой. Именно он привлекает к себе взоры мечтателей, любующихся небесным простором, очаровывает художников своими возможностями. Под действием связанных с ним ассоциаций в России появляются целые организации любителей искусства. Их названия говорят сами за себя: «Голубая роза» (художественное объединение), «Синий всадник» (группа любителей холодных оттенков). Да и само творчество во времена Пикассо очень сильно поддается влиянию охватившего художников «голубого периода».

   Стремление сравнивать и сопоставлять все с цветом появилось очень рано. При этом каждая эпоха толковала символику цвета по-своему. Так, в древности красный цвет символизировал кровь. Возможно, именно поэтому у многих народов было принято покрывать умерших красной тканью или посыпать краской. Он же олицетворял одну из сторон света, а именно – запад. А у некоторых народов его даже сравнивали с женщиной. Чуть позднее к этим ассоциациям присоединились еще и страсть, слава и сила.
   Белый относили к цветам божественным и чистым. В одежду этого цвета всегда облачали невест, тем самым подчеркивая их невинность и чистоту. Тем же, кто до брака имел плотские связи, венчаться в белом запрещалось. Белый в современном искусстве – это центр внимания и концентрация на главном.
   Голубой считали цветом неба и водной стихии, мечты и одновременно холода. Этот цвет был единственным, который удостаивался звания «божественного». Объяснить это можно тем, что вода являлась символом крещения, отсюда и такое восприятие данного цвета. Как и голубой, многие другие цвета тоже имели свое объяснение, основанное на божественном к ним отношении. Так, зеленый стал символом надежды, фиолетовый – душевного страдания и раскаяния, коричневый указывал на отрешение от мира, серый характеризовался как смирение, желтый был цветом предательства и измены, черный же закрепил за собой звание цвета смерти и тьмы. А вот цветом рая стала комбинация золотого, зеленого и красного.
   На основе этого довольно легко понять, что именно пытались подчеркнуть на своих иконах древние иконописцы, на чем концентрировали внимание зрителя, на какое отношение их настраивали. Все, что имело отношение к крови, они окрашивали в красный. Красный фон на иконах расценивался как кровь Христа, красными были и сосуды со священной водой. Желтым окрашивали одеяния предателей (изображения Иуды). Но понимание цвета у каждого художника различное, а потому очень большой была вероятность возникновения серьезных разногласий в написании одного и того же святого, а этого церковь допустить никак не могла.
   Желая хоть как-то упорядочить распределение цветов при изображении образов святых, папа Иннокентий III ввел единую цветовую символику для иконописи, составленную на основе взаимосвязи цветов с Богом. В соответствии с канонами, белым рисовали все, что имело отношение к рождению и вознесению, красным писали предметы, окропленные кровью (распятия, мучеников). Зеленый цвет стал символизировать праздники, синий – близость к Богу, возвышенность, черный так и остался цветом тьмы, горечи и скорби. Опорными же цветами иконописи стали красный, синий и зеленый. Именно они составляют основную цветовую гамму Святой Троицы.
   Система написания икон стала настолько упорядоченной, что, еще не приступив к работе, художник уже знал, что и в какой последовательности следует делать. Сначала он деревянную заготовку покрывал левкасом, иначе говоря, меловым грунтом, по поверхности которого и велась вся остальная работа. Готовое произведение художник-иконописец сверху покрывал ровным слоем олифы или иной масляной смеси, которая, к сожалению, быстро темнела и приводила иконы к порче. Естественно, что от таких ненужных икон следовало как-то избавляться. Лучшим вариантом для уничтожения святых предметов древние люди посчитали сплав их по реке ликом вверх. Они полагали, что икону по пути непременно подбирает Бог и помещает в свои хоромы, вернув ей былой вид. Чуть позднее христиане стали сжигать иконы по окончании молебна на перекрестке или же использовали их для создания новых, нанося прямо на старый рисунок что-то иное.
   Для икон церковь определяла не только цвета, но и правила самого их изображения, ведь иконные образы считали первообразами, т. е. не просто придуманными человеком, а заданными свыше. Церковники установили нормы написания каждого святого: как он должен быть изображен, в какой позе, что держать в руках, каким должен быть его взгляд. Эти нормы назывались канонами (строгими правилами). В связи с возникновением этого значения образовались и его составляющие: брацы и прориси. И те, и другие схожи по значению и представляли собой контурные рисунки на кальке, которую накладывали на заготовку и переводили. Иначе говоря, художники попадали в полную зависимость от строгих рамок и не имели возможности отклониться от правил.

   Многие, если не сказать все, иконы дошли до нас написанными на одном и том же материале – дереве, чаще всего липовых или сосновых пород. Почему древние художники предпочли именно его, а не бумагу, понять просто. Во-первых, изображения, написанные на бумаге, очень быстро портились, выцветали на солнце и были неудобны для постоянного использования. Во-вторых, дерево на Руси всегда считалось самым дешевым материалом, чего нельзя сказать о бумаге, производство которой в большом количестве началось очень поздно и было неспособно обеспечить нужды всей страны. Деревьев же было хоть отбавляй, да и хлопот они требовали не особенно много.

   Вносить что-то свое в изображение древние художники не имели права, а потому старательно срисовывали уже существующие образы святых с икон, написанных ранее. Вот и выходило, что все иконы получались очень похожими, порой даже совершенно идентичными не только по цветовым комбинациям, но и по образу изображенного на них святого.
   Церковь же вела тщательный надзор за иконописцами, а найдя расхождения в написании божественных ликов, могла жестоко расправиться с ослушником. Ни о каком дальнейшем развитии живописи в этот период ограничений и строгих рамок просто не могло быть и речи.

Зрительный ряд

Для понимания, что передает через себя цвет, какую смысловую нагрузку он несет, его необходимо сравнить с наиболее яркими образами: огнем, листвой, солнцем, водой, землей и т. д. Именно изображение этих стихий и иных, свойственных природе различных состояний (тумана, рассвета и т. д.) в произведениях известных художников помогает почувствовать настроение и символику цвета. Глядя, например, на картину Ф. Марка «Башня синих лошадей», зритель чувствует холод и дрожь, созерцая пейзаж И. Левитана «Осень», начинает ощущать жар от ярко-желтых и оранжевых красок. Словом, все репродукции для урока необходимо подбирать по одному принципу: они должны давать четкое представление о цвете и быть написанными в одной цветовой гамме.

Литературный ряд

Цветовые ассоциации прослеживаются в творчестве буквально всех писателей и поэтов. Много сравнений можно увидеть в стихах С. Есенина, сопоставление музыки и цвета вы найдете в сонете А. Рембо «Гласные». Очень сильное ассоциативное восприятие и гармонию цвета с предметами показывает в своем произведении «Наоборот» Гюисманс. Во время урока полезно зачитать эпизод с оформлением дома главного героя в черной гамме. Учащимся не помешает представить себя в описываемой автором черной бархатной гостиной, где гостей обслуживают негры, да и на столе присутствуют только блюда, имеющие черный цвет (икра, хлеб), пройти вместе с ним по тропинкам, посыпанным золой, и понять силу воздействия цвета на человека. Чтобы учащиеся лично соприкоснулись с символикой цвета, можно дать им задание самостоятельно подобрать выдержки из недавно прочитанных произведений, в которых четко видны сопоставления цвета с явлениями, поступками, настроением.

Музыкальный ряд

Подбирая музыкальное сопровождение для своего урока, следует помнить о том, что каждый цвет имеет собственную музыку. Например, черный подчеркивает музыкальные композиции, пронизанные грустью и тяжестью, зеленый – музыка, воспроизводящая атмосферу весны, голубой – звонкая мелодия капели и журчания ручейков. Оптимальным вариантом может быть зрительный ряд П. И. Чайковского, воспроизведенный во «Временах года», а также эпизоды из произведений М. Чюрлениса и Н. Римского-Корсакова, посвященные различным состояниям природы.

Применение материала

Материал по символике цвета может стать великолепным помощником на занятиях, проводимых по следующим темам: «Художник как выразитель идей, мечтаний, мыслей и чувств всего человечества», «Древние корни народного искусства», «Знакомство с ахроматическими и хроматическими цветами», «Цвет как средство выражения», «Теплые и холодные, глухие и звонкие цвета», а также «Иконы в твоем доме», «Наследие предков», «Представление жителей Древней Руси о духовной красоте человека», «Цвет как основа языка живописи» и т. д.

Проведение беседы с учащимися

   Чтобы проверить и закрепить данный материал, во время беседы с учащимися следует задавать им наводящие вопросы, в процессе решения которых они могли бы еще ярче осознать значение цвета в жизни и творчестве человека. Задаваемые им вопросы могут быть различными. Чуть ниже приводятся несколько их вариантов.
   1. Цвет сегодня ассоциируют буквально со всем: с темпераментом, с состоянием души, со сторонами света. А с какими цветами, на ваш взгляд, ассоциируются образы мужчины и женщины? Обоснуйте свой ответ.
   Выслушав ответы детей и обсудив их, можно поведать о том, что некоторые страны пошли несколько иным путем, и их символика цвета относительно пола человека значительно отличалась и отличается от распространенной. Так, в Древней Греции цветом мужчин считают синий, а потому часто подкрашивают им бороды и статуи. В Египте таким цветом является темно-коричневый, в то время как образы изображаемых женщин окрашивают гораздо более светлыми тонами.
   2. Некоторое время назад цвет был ассоциирован с четырьмя сторонами света. В результате золото стало характеризовать север, такой же холодный, как и оно само, серебро – восток, сияющий и искрящийся поутру или на вечерней зорьке, словно серебро. Цветом юга стала лазурь, а запада, куда чаще всего уходит солнце, красный. Согласны ли вы с этим распределением? Какие бы цвета вы сами соотнесли с данными сторонами света и почему?
   3. Для детей, уже имеющих знакомство с цветом, вопросы можно усложнить. Например, попросите их выбрать цвет, соответствующий каждому из четырех типов темперамента. Обсудите эти утверждения, а только затем ознакомьте их с установленной символикой. (Красный цвет характеризует сангвиника, желтый – холерика, белый – флегматика, а черный – меланхолика).
   4. Как вам известно, традиции написания икон были тщательно отточены и выверены. Назовите мне несколько основных правил, отражение которых можно найти во многих иконах?
   5. Опишите последовательность создания иконы.

«Троица» А. Рублева (ок. 1360 – ок. 1430)

   Рисовать – значит видеть пропорции.
Н. Н. Ге

   Вряд ли можно встретить человека, который не знал бы и ни разу не видел произведения Андрея Рублева «Троица». Эта икона знакома всем с детства. Изображенные на ней три образа как бы говорят нам о дружбе, любви и согласии, дают веру в лучшее и возвращают в старину.
   О создателе «Троицы» известно очень мало, т. к. он жил шесть столетий назад, во времена частых монголо-татарских набегов. Ученые-библиографы выдвигают различные версии о его жизни. Одни утверждают, что Рублев – это не настоящая фамилия художника, а всего лишь его прозвище, данное по месту рождения, деревни Рублево близ Москвы-реки. Другие считают, что художник начал свой путь как иконописец в городе Старице Тверской губернии и почти до 40 лет проработал в мастерской великокняжеского двора, где его работа заключалась в написании икон и внутреннего интерьера церквей. Третьи уверены, что свои юные годы Рублев коротал в Троице-Сергиевой лавре. Когда же достиг совершеннолетия, постригся в монахи. К концу жизни ему удалось продвинуться по этой линии и стать иноком Андроникова монастыря.
   Кто прав в своей версии, определить сложно, уж слишком мало упоминаний о художнике дошло до наших дней. В любом случае, совершенно ясно, что всю свою жизнь Рублев занимался написанием икон, украшал стены храмов и церквей (Успенский собор во Владимире, Троице-Сергиеву лавру, Благовещенский собор Московского кремля). На его счету роспись самых известных храмов Московской Руси.
   Не вызывает сомнений также и его дружба с такими художниками, как Феофан Грек, Прохор и Даниил Горные, очень известными в свое время иконописцами. Черты их творчества, под влиянием которого развивался Рублев, заметны во многих его произведениях. Вместе с двумя из этих учителей (Феофаном и Прохором) Андрей создавал украшение интерьера Благовещенского собора Московского кремля, где их труды были большей частью уничтожены во время пожара.
   Рублев мечтал сделать жизнь людей счастливее, а потому во всех его работах чувствуется душевная теплота, надежда на светлое будущее. Его «учителями» были иконы старых мастеров, которые он часами рассматривал, стараясь прочувствовать их, понять мечты и надежды, запечатленные художниками. Но уже тогда Рублев начал понимать, что живопись требует развития и что скоро художники смогут писать лица людей гораздо свободнее и совершенно иначе, чем в его времена. Самому же ему мирские сюжеты пока еще не были свойственны, хотя начинало уже прослеживаться соприкосновение с реальностью, выражавшееся в первую очередь в том, что художник делил в иконах добро и зло и подчеркивал это при помощи цветовой гаммы.

Зрительный ряд

Знакомя учащихся с жизнью и творчеством иконописца Андрея Рублева, необходимо продемонстрировать им различные работы, позволяющие понять, что «Троица» – это не единственное произведение художника, заслуживающее внимания. Дети должны запомнить, что такие иконы, как «Пророк Даниил» (фреска собора Успения), «Благовещение», «Вознесение», «Преображение», «Страшный суд» (фреска собора Успения во Владимире), «Апостол Павел», – это тоже произведения рук замечательного иконописца Андрея Рублева.

Литературный ряд

В знакомстве учащихся с иконами и их историей поможет детская Библия, в которой школьники сами или при помощи преподавателя смогут найти рассказы о некоторых святых. Этот же материал ответит и на многие возникающие у детей в процессе урока вопросы (Кем был данный святой при жизни? За какие заслуги он причислен к лику святых? и т. д.).

Музыкальный ряд

Изучение иконописи просто немыслимо без церковных песнопений, которые помогают гораздо острее почувствовать атмосферу возвышенной духовности, веры в Бога и преклонения перед всем прекрасным.

Применение материала

История иконописи, манера письма художников Древней Руси является сегодня одной из главных тем на уроках изобразительного искусства, позволяющих понять истоки живописного искусства и намного ближе познакомиться с символикой цвета. В связи с этим справочный материал по данной теме может быть использован как после знакомства учащихся с основными цветами, так и в качестве итогового урока по ряду тем, знакомящих с цветом как средством выражения и способом передачи различных состояний природы и души.

Проведение беседы с учащимися

Рассматривая иконы, созданные Андреем Рублевым, не следует сводить всю беседу к самой известной его работе – «Троице». Ее дети знают и без того с малых лет, а потому гораздо продуктивнее поговорить об иных его работах, манере их написания, сходных и отличительных чертах. Дети должны обратить внимание на то, какие требования и каноны повторяются во всех работах (цвет, поворот головы и т. д.), что отличает иконы, написанные иными художниками, от работ Рублева.

Строгановы и их вклад в иконопись и коллекционирование

   Многие любители искусства и просто сторонние обыватели считают, что первым коллекционером картин и основателем галерей в России был П. М. Третьяков. На самом же деле коллекционирование произведений живописи началось гораздо раньше. Первые его корни можно встретить еще в 1584 г., когда по желанию Аника Федоровича Строганова (1497–1570) был возведен Благовещенский собор. Именно для его украшения потребовалось собирательство со всей страны работ мастеров иконописи и фрески.
   Желание же Аника было немаленьким – храм намеревалось сделать в два раза лучше, чем покои самого московского царя. Этому делу Строганов отдался полностью. Он не только приглашал к себе лучших мастеров, делал заказы царским художникам, тратил на создание картин массу денег (это подтверждает наличие на иконах большого количества золота, серебра и камней), но и построил возле своего дома специальные мастерские, для того чтобы творчеству иконописцев ничто не мешало.

   Оформление этого собора длилось очень долгое время. Но это и понятно, ведь чтобы запечатлеть эпизоды из очень редких библейских сказаний, необходимо было их хорошо изучить, чем и занимались сами Строгановы. Представители их рода обладали не только великолепным художественным вкусом, но и просто огромными знаниями в области богословской литературы. Потому все иконы храма индивидуальны, и это при том, что существовали строгие каноны иконописи, эти произведения богаты по содержанию и хранят в себе все древние традиции живописи.

   Оформляя собор Богоматери, Строгановы многие работы доверяли своим собственным иконописцам. В их число обычно входили принадлежащие семье крестьяне – Истома и Назарий Савины, Богдан Соболев, Истома Лазарев, Прокопий Чирин и другие. Эти мастера в совершенстве владели манерой строгановского письма, особенность которого заключалась в его миниатюрности.
   Первым же человеком, по-настоящему увлеченным коллекционированием, стал Сергей Григорьевич Строганов, известный граф и государственный деятель. Его увлечение не являлось чем-то случайным и нужным лишь для того, чтобы развеяться и развлечь себя. Григорий Строганов испытывал глубокую любовь к живописи. В 1825 г. им была даже основана «Школа рисования в отношении к искусствам и ремеслам», позднее ставшая Строгановским училищем, в котором готовили художников декоративно-прикладного искусства.

   О происхождении такой известной фамилии, как Строгановы, давно уже существует много мнений. Одни считают, что их предками были знатные мурзы Спиридоны, плененные, а затем и застроганные татарами. Оставшегося же в живых после этих событий мальчика окружающие прозвали Строгановым. Иные утверждают, что Строгановы – это крестьяне, открывшие месторождение соли у речки Вычегды. За это они были приближены к царскому двору и с тех пор стали одними из главных советников самого государя. Так и продолжая свою солевую торговлю, Строгановы быстро разбогатели. Известен даже случай, когда на выкуп у татар московского князя Василия Темного сумели собрать нужную сумму только Строгановы.

Зрительный ряд

Во время урока могут быть использованы следующие иконы Строгановской школы: «Страшный суд» (конец XVI в.), «Воскресение Христово» (XVI в.), «Никита-воин», а также многие другие работы.

Литературный ряд

   При знакомстве с искусством иконной миниатюры на основе Строгановской школы живописи можно использовать произведения различных поэтов, пишущих об иконах, фресках и древних художниках. Очень хорошо вписываются в данную тему стихотворения «Ожившая фреска», написанное Б. Пастернаком, и «Всадник» В. Рождественского. Последнее приводится ниже:

     Темнолицый и огневолосый,
     Весь в лучах уходящего дня,
     Порываясь сквозь сумрак белесый,
     Над обрывом он вздыбил коня.
     И глаза его в сумрачном блеске,
     Разгораясь, как темный алмаз,
     С полустертой столетьями фрески
     Неотступно летели на нас…
     Живописца в монашеской келье,
     Видно, мучили страшные сны,
     Если он не ушел от похмелья
     Забродившей в душе старины.
     И, должно быть, каноны святые
     Нарушая, он вспомнил о том,
     Как рубился с ордою Батыя
     На таком же коне боевом…
     И возник перед ним, как виденье,
     Этот всадник на голой стене,
     Уносящийся вихрем в сраженье
     Со стрелою, застрявшей в броне.
     Он схватил свои кисти в восторге,
     Чтоб навеки тот миг удержать,
     Словно некогда сам, как Георгий,
     Вел на недругов русскую рать…
     В полумраке пустого собора,
     Про еду забывая и сон,
     Он писал то, что встало для взора
     Из клубящейся дали времен.
     Он писал – не для тьмы и покоя,
     Не для нимбов и ангельских крыл, —
     Он в отважное сердце героя
     Неуемную страсть перелил.

Музыкальный ряд

Учитывая то, что изучение икон Строгановской школы обычно следует за несколькими другими темами, имеющими отношение к иконописи, подбор музыки для данного урока можно возложить на учащихся.
Прослушав на предыдущих уроках различные церковные мелодии и напевы, колокольные перезвоны, дети легко смогут сориентироваться и найти такое произведение, которое объединит иконы разных мастеров иконописи воедино.

Применение материала

Строгановскую манеру письма, образно, можно воспринимать как задатки миниатюры в русском искусстве. В связи с этим вышеизложенный материал может использоваться не только как продолжение темы иконописного письма, но и как предшествующий изучению миниатюры.

Проведение беседы с учащимися

Построение беседы по иконописи лучше всего строить не по принципу вопрос-ответ, а немного иначе. Наверняка у каждого учащегося дома имеется несколько икон, именно на них и следует опираться при закреплении материала. Попросите учащихся принести на урок иконки или зарисовки с них, а затем, в виде соревнования, попросите в нескольких словах охарактеризовать данные работы. Пусть они расскажут, какие цвета использовал при их написании художник и что при их помощи он хотел подчеркнуть? Есть ли у этих икон сходство с иконами, созданными строгановскими мастерами? Благодаря такому наполнению урока класс не просто перескажет ранее услышанное, но и сам переосмыслит новые для него сведения.
В виде домашнего задания к уроку может служить и сбор материала об истории выбранной детьми ранее иконы, ответов на вопрос о том, что за святой или святая изображен(а) на иконе и за какие заслуги данный человек был возведен в этот ранг.

3. Первые шаги к портретной живописи. Творчество С. Ушакова (1626–1686)

   После Андрея Рублева наиболее известным иконописцем можно считать жителя Москвы и руководителя иконописной мастерской (1664) Симона Ушакова. Кроме заслуг в области иконописи, ему по праву принадлежит слава за первую сделанную попытку в развитии портретной живописи, т. е. шаг к переходу от средневекового и религиозного к светскому искусству. Именно он осознал, что новое время влечет за собой и новое искусство, искусство, которое будет не просто копировать мастерство старинных иконописцев, но и устремится к совершенствованию изображаемых образов.

   Живопись на сегодняшний день является одним из главных видов изобразительного искусства. Она настолько разносторонняя, что объединяет в себе множество различных произведений, созданных на основе использования цвета. Именно при помощи цвета художникам удается образно отразить окружающий их предметный мир.

   Желая писать все так, как это есть на самом деле, Симон старается изображать все предметы и образы святых такими, каковы они на самом деле. Но вековые традиции живописи тормозят этот процесс, а потому все, что ни начнет изображать художник, получается по-прежнему декоративным и напоминающим иконную живопись. Лица людей все такие же задумчивые, склоненные в одну сторону, лишенные легкости. Художнику, привыкшему все время срисовывать с икон, не удается понять, как сделать изображение разных людей не иконоподобным, а действительно разным, как подчеркнуть ту или иную отличительную черту своей модели. От этого все, что он пишет, делается еще грубее, все слабые места в этих работах еще более усиливаются. Но все же уже начинает просматриваться сочетание традиций иконописного письма с объемной светотеневой лепкой формы.

Причина возникновения «парсуны»

   Впервые древние иконописцы обратили внимание на образ живого человека после появления зеркал. Это чудо, отражающее каждого человека в точности, как ничто более, привлекало к себе художников. Глядя в него, они думали о том, чтобы научиться сохранять увиденный образ таким же, каким он являлся на самом деле. По этой причине художники начинают делать попытки писать с живой натуры, как выражались в древности, с «живства». Все они сажали перед собой модель и начинали срисовывать. Выходило же все равно однообразно и весьма напоминающе икону, хотя срисовывали не с лежащей на столе иконы, а с живого человека. Увы, его еще никто и никогда не рисовал, и заготовленных контуров на него не существовало.

   О появлении слова «живопись» есть несколько версий. Наиболее же вероятной является следующая: делая попытки писать с натуры, художники называли новое творчество писанием с «живства», т. е. они делали живописную работу. Постепенно слово «живопись» искоренило все остальные, первоначальные значения.

   На первые попытки художников писать «с живства», конечно же, сразу обратили внимание царствующие государи и наиболее знатные особы, которым так хотелось оказаться на холсте и запечатлеть свой образ для потомков. По этой причине первыми моделями художников старины стали именно персоны высокочтимые. Только вот первые их изображения все равно продолжали походить на иконы, ведь писали-то их по-старому, правда, некоторые проблески реализма слегка просматривались: поза приобретала щегольский характер, вводились праздничные и парадные атрибуты, менялись наряды. Но это никого не обижало, а даже напротив, позволяло знатным особам верить, что они ближе к Богу, чем простой люд. В это самое время и появляется понятие «парсуна», возникшее от латинского слова «персона» (лицо). Позднее оно было заменено на «портрет».

Зрительный ряд

Чтобы учащиеся сразу смогли увидеть сходство парсуны с иконой, необходимо подготовить для урока репродукции произведений художников древности, делающих попытки писать образы государей. Одной из наиболее ярких таких работ является парсуна князя М. В. Скопина-Шуйского.
Из работ Симона Ушакова лучше всего заострить внимание на его «Троице» и сопоставить ее с Рублевской. Сравнив эти два произведения, учащиеся смогут понять, что эта икона совершенно иная. В ней просматриваются объемность, перспектива и реализм. Полезно остановиться и на самой его известной иконе «Спас Нерукотворный» и произведении иконного характера «Насаждение древа государства Российского». В этих работах уже более четко прослеживается влияние времени и отхождение от существующих канонов.

Литературный ряд

   После того как будет собран ряд репродукций с парсунами государей, на основании имеющегося материала можно приступать к подборке литературного ряда. Здесь наиболее подходящими заставками будут произведения, воспевающие славу и заслуги изображенных на парсунах людей. Это могут быть былины, сказания, песнь о том или ином событии в их жизни и т. п.
   К материалу о творчестве Симона Ушакова можно приурочить и знакомство с написанным им лично произведением «Слово к люботщателям иконного писания», в котором он изложил свои собственные взгляды на новое письмо, на разрыв со старыми традициями и канонами. Художник надеялся, что, прочтя его книгу, новое поколение пойдет по другому пути и усовершенствует художественное мастерство.
   Помимо этого, во время урока можно зачитать и стихотворение «С чистого листа», написанное Михаилом Матусовским. Анализируя это стихотворение, учащиеся быстрее поймут, что живопись как таковая начинается с обычного чистого листа: с листа, на котором появляются первые черточки и точки, постепенно преображающиеся в замысловатый рисунок. С этого же самого листа начинаются и некоторые иные искусства: музыка и литература.

Музыкальный ряд

При проведении уроков по истокам портретной живописи подходящим фоном может стать народная музыка, а также музыкальные произведения, созданные в честь изображенных на парсунах личностей и посвященные им.

Применение материала

Приступая к изучению портретной живописи, в первую очередь необходимо познакомить учащихся с историей ее появления, а следовательно, и с парсуной. Это поможет детям понять, как происходило становление жанра портрета, кто был его первым «основателем», какие перемены произошли с того времени.
Необходима эта тема еще и потому, что она позволяет заострить внимание детей на некоторых ошибках при изображении человека, свойственных им самим. Ведь, как правило, все школьники рисуют лица по одному шаблону. Здесь, конечно, отражаются возрастные особенности ребенка и его восприятие окружающих людей: он смотрит на старших снизу вверх, а потому ноги нарисованных им людей оказываются намного длиннее туловища, и т. д., но задача учителя как раз и состоит в том, чтобы сразу настроить ребенка на правильное восприятие человеческого образа, обратить внимание на то, что все люди различны, и эти отличительные черты необходимо выделять перед началом изображения в первую очередь.

Проведение беседы с учащимися

Проводя беседу по данной теме, прежде всего следует тщательно рассмотреть и обсудить вместе с учениками, в чем состояли основные и самые большие ошибки первых портретистов, что им удавалось хуже всего. При этом лучше построить беседу т. о., чтобы каждый ребенок имел возможность высказать свое мнение и объяснить, почему он так считает. Ну а после этого учитель должен пояснить, в чем же ребята были правы, что они сумели точно подметить, а в чем допустили ошибки. Но следует помнить, что чем больше поощрений получит каждый ребенок лично, тем сильнее будет его желание работать на следующих уроках, выполнять заданный на дом материал и принимать участие во всех беседах.

Раздел 3. Мастера изобразительного искусства в России

Не количество деталей делает картину законченной, а верность общего.
Теодор Руссо

1. Декоратор императорских театров И. И. Фирсов (ок. 1733 – после 1785)

Надо рисовать беспрестанно, рисовать глазами, когда нет возможности рисовать карандашом…
Энгр

Биография художника

Иван Иванович Фирсов знаком нам по одному-единственному произведению «Юный живописец», которое, впрочем, и подарило русской живописи это имя. Более ни единой работы художника до сих пор не обнаружено, да и в самой его биографии все еще остается очень много пробелов. Известно лишь, что художник родился в семье московского купца примерно в 1733 г. Когда юноша повзрослел, он был принят на работу в Канцелярию живописцем-декоратором. Некоторое время спустя Фирсов переводится в дирекцию Императорских театров и приступает к оформлению церковных и царских палат, написанию театральных декораций. В конце 1750 г. Фирсов становится придворным художником. В его обязанности входит написание икон, театральных декораций и панно теперь уже только для петербургских театров. Через некоторое время его направляют в Париж для обучения мастерству живописи. Вернувшись оттуда, Фирсов становится подмастерьем и приступает к работе над оформлением Императорских театров. Умирает художник в полной безвестности и нищете. Никаких сведений о семье и детях история для нас не сохранила.

История создания произведений

   Фирсов первым из русских художников обращается к жанру бытовой живописи и начинает писать образы обыкновенных людей, что было совершенно не принято делать.
   Самая известная его картина «Юный живописец» долгое время считалась написанной А. Лосенко. Именно его фамилия стояла в углу произведения. Искусствоведы и ученые не сразу обратили внимание на несоответствие дат и различие в технике письма, а обнаружив это, сделали попытку стереть верхнюю надпись. И каково же было всеобщее удивление, когда под подписью «Лосенко» они увидели другую, гласящую на латинском: «И. Фирсов». Именно его перу и принадлежит эта мастерски написанная картина.
   Возникает вопрос: каким же образом на картине появилась подпись А. Лосенко? Ученые на это выдвинули версию, что, желая продать подороже работу мало кому известного на начальном этапе творчества автора, ее хозяин решил прибегнуть к обману и, закрасив подпись автора, нанес на нее иную, более известную.

Зрительный ряд

Какие картины были созданы художником на протяжении жизни, истории неизвестно, но вот работа «Юный живописец» знакома всем с детства. На ее основе и следует знакомить детей с творчеством И. И. Фирсова.

Литературный ряд

К картине «Юный живописец» просто сами собой напрашиваются стихи о живописи, о работе художников, материалах (красках, кистях) и т. д. Здесь могут быть использованы стихотворение «Если видишь на картине», загадки о материалах художника и о нем самом.

Музыкальный ряд

Картина «Юный живописец» лучше всего будет воспринята, если ее просмотр осуществить под тихую, мелодичную народную музыку или песни.

Применение материала

Без использования справочного материала о жизни и творчестве И. И. Фирсова очень сложно представить переход к изучению бытового жанра живописи. Поэтому такие темы, как «Бытовой жанр в живописи», «Реальность и ее отражение в искусстве», следует начинать именно с ознакомления с данным материалом.

Проведение беседы с учащимися

   Поскольку никаких работ, написанных Фирсовым, кроме «Юного живописца», неизвестно, беседу, естественно, придется строить по этой картине. Задаваемые же детям вопросы могут быть такими:
   1. Что запечатлел на своей картине художник? Какова главная мысль данного произведения?
   2. Почему возле модели юного художника стоит мать? (Девочка устала позировать, и мать ласково уговаривает ее потерпеть еще немного.)
   3. Почему на картине присутствует гораздо больше теплых и нежных тонов, нежели холодных? Что хотел этим показать художник? (Подчеркнуть возраст детей и их восприятие мира в розовом свете можно только такими тонами и цветами.)
   4. Опишите интерьер вокруг юного живописца. Что в нем выделено особенно, а что погружено в тень? Для чего это требовалось?
   5. Какое настроение навевает на зрителя картина? Что вы добавили бы в нее или, наоборот, убрали и почему?

2. Портреты Ф. С. Рокотова (1735–1808)

Биография художника

Федор Степанович Рокотов родился в семье крепостного крестьянина, принадлежащего некогда князю И. Репнину. О жизни самого художника известно очень мало. Нет сведений о том, у кого учился Федор Рокотов, очень мало известно и о его дальнейшей судьбе. По данным, дошедшим до нас, можно сказать только следующее: в 1762 г. Федор получает звание адъюнкта, а через 3 года – звание академика. В этом же году переезжает жить в Москву, где большей частью выполняет заказы царского двора, в том числе и самой Екатерины Второй, чей портрет художнику было позволено написать. Такой чести удостаивались немногие. Кроме работы при дворе, много писал для себя, пытаясь выразить свое, индивидуальное восприятие мира.

Слово «художник» известно всем и каждому, только вот о его изначальном значении практически никто не имеет ни малейшего представления. Оказывается, «художник» в переводе со старославянского означает «искусный» («худог»). И это действительно так, ведь только по-настоящему близким к искусству людям дано тонко чувствовать и видеть красоту простых вещей, творить прекрасное и тем самым украшать жизнь.

История создания произведений

   Во время жизни Ф. С. Рокотова задачей художников-портретистов уже не является написание человеческого образа по-настоящему живым и реальным, эту проблему к данному времени уже удалось решить. Теперь образ жизни индивида диктует свои собственные правила, а именно: представление людей о важности той или иной личности и ее заслугах выражается через одежду. Именно ей и начинает отводиться особая роль при написании портретов. Ведь по тому, во что облачен человек, сразу можно понять, князь перед тобой или простой крестьянин, царь или его холоп. Это приводит к тому, что художники начинают тщательно выписывать медали, типы тканей и гораздо меньшее значение придают передаче характера человека через его лицо.
   И только Ф. С. Рокотов не принял этого правила. Он ставил перед собой более глубокую задачу – передать через лицо человека его духовный мир. Глядя на его работы, трудно сказать, о чем думает его модель, что у нее творится на душе в сию минуту, – к этому художник не стремился. Напротив, он делал попытки запечатлеть всю сложность человеческой натуры, ее разносторонность, умение быть как грустным, так и веселым, как добрым, так и злым. Вот и выходило, что все изображенные им люди для окружающих представлялись загадкой, полной тайн и не раскрытых художником черт характера.
   Работая над портретом великой императрицы Екатерины Второй, художник также не подчинился правилам, отобразив лицо государыни в профиль. Постепенно взгляд Рокотова на портретную живопись значительным образом меняется. Его привлекает душа, а не внешняя оболочка. С этого момента Рокотов выдвигает на передний план написание лица, глаз, поворота головы и все более небрежно относится к одежде. Но обнаружить, что художник почти малевал двумя мазками одеяния своих моделей и в подробностях прописывал их лица, очень сложно, т. к. многолетние навыки давали о себе знать, и любой мазок художника сразу превращался в легкое кружево или нежный шелк.
   Еще одной особенностью позднего периода творчества Рокотова являлось то, что он наносил краску на холст прозрачными слоями, добиваясь т. о. ее свечения и невероятных цветовых комбинаций. В связи с этим все в картинах строилось на оттенках и полутонах, а потому каждый новый портрет Рокотов писал в каком-то определенном эмоциональном и колористическом ключе. Так, портрет «Неизвестной в розовом платье» написан им в розовых тонах, «Портрет Струйской» изобилует серебристо-пепельными оттенками, в «Портрете Обрезковой» преобладают золотистые и охристые тона, а «Неизвестный в треуголке» выполнен в богатой гамме черного цвета.

Зрительный ряд

Лучше всего характеризуют творчество художника такие его произведения, как «Портрет Струйской», «Неизвестная в розовом платье», «Неизвестный в треуголке», «Портрет В. Е. Новосильцевой», «Погрудный портрет поэта В. И. Майкова», «Портрет Ланской». Именно репродукции этих картин лучше всего использовать при изучении портретного жанра на основе работ Ф. С. Рокотова.

Литературный ряд

   Знакомство с портретной живописью художника можно сопроводить прочтением отрывка из стихотворения «Если видишь на картине». Кроме того, при рассмотрении «Портрета Струйской» желательно зачитать стихотворение Николая Заболоцкого, посвященное этой самой картине: «Любите живопись, поэты!»:

     Любите живопись, поэты!
     Лишь ей единственной дано
     Души изменчивой приметы
     Переносить на полотно…
     Ты помнишь, как из тьмы былого,
     Едва закутана в атлас,
     С портрета Рокотова снова
     Смотрела Струйская
     Ее глаза – как два тумана,
     Полуулыбка, полу плач,
     Ее глаза, как два обмана,
     Покрытых мглою неудач.
     Соединенье двух загадок,
     Полувосторг, полуиспуг,
     Безумной нежности припадок,
     Предвосхищенье смертных мук.
     Когда потемки наступают
     И приближается гроза,
     Со дна души моей мерцают
     Ее прекрасные глаза.

   А просмотр портрета поэта В. И. Майкова сопроводите отрывком из его произведений, например из поэмы «Раздраженный Вакх» или стихотворения «Елисей».
   К женским портретам, написанным с такой любовью и нежностью, подойдет и отрывок из всем известного стихотворения А. С. Пушкина:

     Я помню чудное мгновенье:
     Передо мной явилась ты,
     Как мимолетное виденье,
     Как гений чистой красоты.

Музыкальный ряд

Ф. С. Рокотова иногда называют певцом человеческой души, а не его заслуг. А потому при изучении его творчества на уроках необходимо подбирать в виде звукового фона такие музыкальные композиции, которые четко передавали бы черты характеров людей и помогали детям осознать, что не только живописные, но и музыкальные краски способны точно передать особенности человеческой личности. Одним из таких произведений является работа Д. Кабалевского «Три подружки» («Резвушка», «Плакса», «Злючка»). Кроме того, женские портреты лучше всего рассматривать под звуки лирической музыки – такой же нежной, воздушной и легкой, как и те, кто изображен Рокотовым.

Применение материала

Приступая к изучению материала по темам «Жанр портрета», «Изображение человека», «Изображение друзей с натуры» и т. д., не ставьте задачу охватить все сразу, потому что не всегда удается одним приемом дать ученикам понимание, что при изображении человека главное – не его внешние качества, а душевное состояние, характер, который и следует передавать прежде всего. Репродукции Рокотова и беседы о его творчестве помогут преподавателю справиться с этой задачей.

Проведение беседы с учащимися

При проведении беседы по жанру портрета необходимо обсудить наиболее частые состояния человека (грусть, радость, злость, коварство), а затем побеседовать о том, каким образом все это можно подчеркнуть, приступая к его изображению. Желательно, чтобы дети сами предлагали варианты акцентирования внимания на той или иной черте, демонстрировали карандашные зарисовки того, как они представляют себе эти выражения. Очень полезно провести сравнение музыкальной характеристики с характеристикой художественной и проанализировать произведения различных видов искусства.
Кроме того, при рассмотрении портретов, созданных Рокотовым, обязательно необходимо задавать учащимся вопросы, выходящие за рамки основного содержания картины. Иными словами, спрашивайте не просто о том, кто изображен и что на нем одето, но и о чем думает изображенный на картине человек, что его тревожит, какое настроение передал художник через его глаза, позу и т. д. Полезно заострять внимание и на колористическом решении портретов, беседовать о том, почему художник остановил свой выбор на данной цветовой гамме при изображении именно этого человека.

3. Первый исторический живописец в истории России – А. П. Лосенко (1737–1773)

Ищите материалы для своего творчества всюду в том, что вас окружает.
Леонардо да Винчи

Биография художника

   Антон Павлович Лосенко родился в 1737 г. в крестьянской семье, но спустя несколько лет стал сиротой. Первые годы его жизни совершенно не указывали на то, что Антону предстоит стать в будущем первым русским историческим живописцем. Его больше привлекало пение, да и голос у мальчика был просто замечательный. Услышав его лишь однажды, чиновник придворного хора забрал Антона, которому не так давно исполнилось 7 лет, в Петербург, где и отдал в певчие. Все ожидали, что через несколько лет мальчик затмит всех своим голосом, но случиться этому было не суждено, т. к. во время полового созревания происходит ломка голоса, и не всегда сохраняются вокальные данные, восхищавшие в юные годы. Так было и с Антоном, и о том, чтобы петь дальше, не могло идти и речи.
   Это событие выбивает Антона из колеи, ведь он был уверен, что его судьба предрешена, но теперь предстояло искать себе другое занятие. Решение о том, чем заняться Антону дальше, приняли за него чиновники, и они не ошиблись, послав несостоявшегося певца обучаться «малярству». Попав в школу «обучения живописи», мальчик обнаруживает у себя дар к рисованию и осознает, что именно живопись является его судьбой. С этого момента начинается его становление как художника исторического жанра живописи.
   Лосенко много работает, изучает историю Древней Руси, посещает театральные постановки на исторические темы. Театр помогает ему проникнуться нужной атмосферой для создания своих произведений, зрительно перенестись во времена действия этих событий. Вскоре в числе его друзей оказывается большое число лучших русских артистов, мнение которых порой играет решающую роль при выборе некоторых деталей костюмов, предметов быта.
   В 1764 г., когда Академии художеств, открытой в Петербурге в 1757 г., присваивается звание Императорской, он становится сначала профессором, а затем и директором. Ему приходится участвовать в решении вопросов завершения строительства здания, украшения его интерьера, установления отопительной системы. Усложняется все тем, что полной власти Антон Павлович не имел, а стоящие над ним вельможи, не сведующие в искусстве, лишь только все усложняли и портили, суя нос во все, везде внося свои советы и раздавая глупые приказания.

История создания произведений

Обращение Антона Павловича Лосенко к историческому жанру начинается с картины, изображающей событие тысячелетней давности. На этом полотне воспроизводится эпизод из жизни князя Владимира, который прибыл свататься к половецкой княжне Рогнеде. Это творение, не похожее ни на что, созданное ранее, приводит окружающих в восторг, а в светских журналах появляются высказывания критиков и писателей о том, что работы Лосенко «приводят зрителей вне себя». Первый успех и признание дали художнику толчок к продолжению создания картин на темы русской и античной истории.
При написании исторических картин художник большое значение отводит образам людей, одежде, которая, на его взгляд, непременно должна передавать не только эпоху, но и указывать на социальную принадлежность. Эту трудоемкую работу по изучению человеческого образа А. П. Лосенко излагает в учебном пособии «Изъяснение краткой пропорции человека», написанном им в 1772 г.

Зрительный ряд

Творчество художника и его принадлежность к историческому жанру лучше всего читаются через следующие произведения: «Владимир перед Рогнедой» (1773), «Прощание Гектора с Андромахой» (17 7 3) и т. д. Рассматривая их, учащиеся как бы переносятся в древний, не виданный ими мир и знакомятся с его искусством, образом жизни, одеждой, интерьером.

Литературный ряд

В связи с тем, что исторический жанр А. П. Лосенко большей частью касался древних, частично мифологических сюжетов, при подборе литературного ряда именно на этом следует заострять внимание. В той же самой мифологии можно найти описания запечатленных художником сюжетов и использовать их при знакомстве с картиной.

Музыкальный ряд

Любовь художника к музыке очевидна, ведь если бы не срыв голоса, то русское искусство вполне могло бы лишиться замечательного мастера живописи. Если брать за основу то, что А. П. Лосенко пел в церковном хоре, то можно понять, какая именно музыка навевала ему образы будущих произведений на исторические темы – музыка духовная и тонкая, в которой чувствовалась любовь к народу и Родине.
В связи с этим, делая подборку музыкального ряда к уроку, следует обратить внимание на творчество П. И. Чайковского и А. Прокофьева. Их музыка более точно передаст настроение работ Лосенко и подчеркнет их главную мысль.

Применение материала

Материал о творчестве А. Лосенко станет незаменимым помощником на уроках по изучению, прежде всего, тем, связанных с историческим жанром в живописи, таких как: «История на полотнах мастеров живописи», «Портрет как составная часть произведений исторического жанра», «Художник– хранитель родной истории» и т. д.

Проведение беседы с учащимися

   При проведении беседы по творчеству Лосенко лучше всего сочетать вопросы из его биографии с вопросами о самом творчестве. Так, на уроке могут быть использованы следующие вопросы:
   1. Почему работы художника воспринимались разными слоями населения не одинаково? Что в них поражало, а что настораживало?
   2. Какое событие стало поворотным в жизни художника?
   3. Что именно, на ваш взгляд, приводило зрителей, созерцающих произведения художника, «вне себя»?
   4. Почему в своем творчестве Лосенко обращается именно к историческому жанру, а не к какому бы то ни было еще?
   Подходящими при изучении данных тем будут и вопросы, касающиеся средств выразительности, используемых художником при работе над картиной. Учитель с их помощью может обратить внимание детей на фон картины (почему и какой выбран), ее построение и композицию и т. д.

4. Академия художеств

…В нашем деле бесконечное количество упражнений есть одно из условий успеха… Поэтому я ограничусь только одним советом: упражняйтесь, упражняйтесь и упражняйтесь, не щадя своих сил и времени.
Д. Н. Кардовский

История основания Петербургской Академии художеств

   История основания Петербургской Академии художеств очень интересна. Идея ее создания пришла в голову царю-реформатору Петру Первому, лично составившему в 1724 г. перечень предметов, которые следовало бы изучать в данном учебном заведении. В число таковых входили не только живопись, скульптура, рисунок и архитектура, но и гравировка, столярное и плотницкое дело, слесарное и многие другие. Петр, как всегда, мыслил масштабно, полагая, что из академии должны выходить не просто художники, но и мастера на все руки, которые так нужны России. К сожалению, создать академию государю не удалось, и планы так и остались планами, не привлекшими его последователей ничем.
   Дальнейшая история основания академии делится на несколько периодов и примечательна тем, что, во-первых, ее открывали дважды (в 1918 г. ее закрыли, преобразовав в другие учебные заведения, и вновь открыли только в 1947 г.), а во-вторых, она стала настоящей кузницей мастеров русской живописи.
   Видя необходимость создания собственной школы изобразительного искусства и отказа от иностранного искусства, заполонившего страну, царствующая Елизавета Петровна принимает решение открыть в Петербурге Академию художеств. Ее строительство начинается сразу же после этого решения, но длится очень долго. Наконец, трехэтажное здание академии, построенное в виде прямоугольника, в центре которого заключен еще один корпус в виде кольца, открывается (в 1757). Перед этим для его украшения из Египта по высочайшему заказу привозят каменных сфинксов, число лет которых насчитывает более трехсот. Эти фигуры устанавливаются по обеим сторонам огромной лестницы, заканчивающейся почти у Невы.
   Но после открытия академии ей все же приходится обратиться за помощью за границу, т. к. своих собственных преподавателей живописи Россия еще не имеет. Наконец, академия приступает к работе и начинает жить полной жизнью. За очень короткий срок из нее выходит огромное количество великих художников, каждый из которых оставляет после себя богатое наследие. А университет переименовывается в «Академию трех знатнейших искусств», иначе говоря, живописи, скульптуры (ваяния) и архитектуры (зодчества).
   Вскоре к власти приходит другая императрица – Екатерина Вторая. Именно по ее приказу академия становится Императорской. Словом, Екатерина желала приписать всю славу по созданию академии себе, но обмануть историю ей не удалось, хотя она внесла несомненно большой вклад в ее развитие. Место директора академии занимает русский художник Антон Лосенко, преподавателями многих дисциплин становятся бывшие его ученики, другие известные художники.

Правила обучения в академии

   Система обучения в академии была довольно своеобразной. В нее набирали только мальчиков 5—6-летнего возраста, которым предстояло обучаться живописи в течение 5 лет. Весь день в академии был расписан по часам. В 5 подъем и утренние процедуры, в 6 молитва, а затем скверный завтрак из каши-размазни, приготовленной из гречки, и горбушки черствого хлеба. После него начинались научные классы, где ученикам преподавали грамоту, арифметику, иностранные языки, анатомию, мифологию и т. д. И только в 9 ученики академии приступали к художественным занятиям. Длились они до 7 часов вечера, прерываясь лишь на обед со все той же кашей и маленький отдых, предназначенный для прогулок. На все это, как правило, отводилось 1 ч 30 мин. Спать будущие художники отправлялись в 9 часов, когда заканчивались последние рисовальные классы.
   Рисовать учеников учили поэтапно. На начальном этапе мальчики пробовали рисовать простые геометрические фигуры и тела, освоив это, приступали к срисовыванию гравюр мастеров прошлого или лучших работ старших учеников академии. Попав в старшие классы, ребята принимались за освоение рисования гипсовых скульптур, а оттуда, при положительных знаниях, их переводили в натурный класс, в котором работа велась с живых моделей.
   Вся жизнь учащихся в академии напоминала армейские уклады. Здесь в чести было хорошее поведение, а за непослушание преподаватели-надсмотрщики брались за розги, запасы которых в каждом кабинете были предостаточными. Даже одежда юных художников – и та была строго определена. Начавшие обучение должны были носить синие куртки и штаны, сшитые из сукна, более старшие облачались во фраки, коротенькие панталоны поверх белых чулок и массивные башмаки с такими же пряжками.

Зрительный ряд

При знакомстве учащихся с Петербургской Академией художеств необходимо показать им, как выглядело это здание, какие картины висели в его залах и каким был внутренний интерьер школы живописи. Уместно использовать слайды с изображением экстерьера и интерьера академии, наиболее известные работы Карла Брюллова, автопортрет директора академии А. Лосенко, открытки с фигурами древних сфинксов и античными скульптурами, которых часто копировали ученики академии. Подходящим материалом могут стать также и портреты двух императриц – основательниц академии.
При обращении во время урока к Петру Первому как инициатору создания собственной Академии художеств можно продемонстрировать детям работы мастеров, созданные в его время, а особенно мозаичные композиции, созданные М. Ломоносовым, – «Петр Первый» и «Полтавская баталия».

Литературный ряд

   Совершая подборку литературного ряда для занятий по данной теме, можно опираться как на материал о биографиях преподававших в академии художниках, так и на некоторые выдержки из их работ о собственных взглядах на живопись. Несколько наиболее ярких описаний можно обнаружить в высказываниях великого художника Иордана. А в виде вступительной части к теме может быть использовано стихотворение М. Ломоносова:

     О вы, которых ожидает
     Отечество от недр своих,
     И видеть таковых желает,
     Каких зовет от стран чужих.

Музыкальный ряд

Подборку музыкального ряда к уроку по Академии художеств осуществить очень просто, т. к. за время изучения многих тем у детей уже появляются любимые мелодии и композиции, во время звучания которых им нравится созерцать произведения живописи. Именно их и следует взять за основу в данном случае.

Применение материала

Очень часто дети интересуются у преподавателей изобразительного искусства, почему им дают те или иные темы, почему они сначала рисуют карандашом, а только потом красками, для чего им нужно изображение скульптур и геометрических фигур? Ответ на эти вопросы как раз и поможет дать урок по теме «Академия художеств». Во время занятия ребята смогут понять, что только пройдя тот же самый путь, какой прошли великие художники, можно научиться мастерству живописи. Данный справочный материал может быть применен на любом заключительном уроке по тому или иному циклу тем.

Проведение беседы с учащимися

   Подытоживая знания по данной теме, преподавателю необходимо не только задавать вопросы по прослушанному материалу, но и дать детям возможность мыслить самостоятельно. Сделать это поможет творческая игра «Академики». Для нее класс нужно разделить на несколько небольших команд, а затем всем им дать подбор заданий: во-первых, предложить командам вспомнить обо всех художниках, чье творчество изучено ранее, которые в свое время закончили Петербургскую Академию художеств.
   Вторым заданием и одновременно и самостоятельной работой может стать создание цикла на тему «Последовательность обучения в академии». В ее ходе каждая команда должна нарисовать геометрические фигуры, сделать копию гравюры, эскизы гипсовых фигур и изображение с натуры. Им может быть портрет друга или любого предмета, находящегося в классе.
   И, наконец, можно задать классу на дом задание – определить тех художников, которые жили и творили в годы правления Петра, а следовательно, не заканчивали Академии художеств. Попытаться ответить на вопрос, заслуживают ли они славы, равной славе тех, кто прошел в свое время эту школу живописи. При этом можно не останавливаться именно на художниках, пусть дети вспомнят всех мастеров фрески, мозаики (М. Ломоносов как основатель первой в России мозаичной мастерской) и т. д.

5. Крепостной художник М. Шибанов (? – после 1789)

Трудно примирить в сознании два таких несогласуемых понятия, как художник и крепостной. Думаешь об этих одаренных людях с особенной симпатией. Хочется верить, что именно в творчестве они черпали силы, чтобы сохранить в себе человеческое достоинство.
М. Алпатов

Биография художника

Художник Михаил Шибанов – выходец из крепостной крестьянской семьи, все мужчины которой были архитекторами или живописцами. Истории неизвестно его отчество, да и биография его довольно расплывчата. Единственное, что не вызывает сомнений, – так это то, что Михаил стал первым, кто обратил взор на простых людей, выходцев из таких же крестьянских семей, как и он сам. Он не просто посвятил себя крестьянскому бытовому жанру в искусстве, но и вложил в изображаемые им образы всю свою любовь к простому народу, с нежностью воспроизвел крестьянский быт и окружающую народ атмосферу.
О жизни художника можно сказать лишь то, что Михаил Шибанов жил в столице при своем господине графе Потемкине. Писал то, что ему приказывали, чаще всего портреты милых хозяину лиц. А в свободное время уединялся в своей мастерской и начинал старательно выписывать то, что ему было ближе всего: крестьянские лица, интерьер сельской избы. Получив вольную, полностью посвятил себя искусству.

История произведений

   В те годы, когда жил Михаил Шибанов, очень многие художники были крепостными, а потому чаще всего им приходилось писать портреты своих владельцев, их детей и родственников. О том, чтобы сделать героем произведения простого крестьянина, никто даже и не думал. Богачи же считали, что дар художникам дан только для того, чтобы они запечатлевали в своих работах все самое красивое, и уж с грязными и вечно оборванными крестьянами слово «красота» никак не сочеталось. Даже в Академии художеств одним из правил было написание только богатых и знатных особ.
   И тут, неожиданно для всех, появляется картина, на которой изображены эти самые «грязные» крестьяне. А на обратной ее стороне надпись: «Сия картина представляет Суздальской провинции крестьян. Писал в 1774 году Михаил Шибанов». Простому народу это произведение пришлось по душе сразу же, ведь никогда раньше никто не пытался нарисовать их, да еще с такой любовью. А вот преподавателей Академии художеств она привела в ужас, ведь они только и делали, что следили за тем, чтобы их ученики не смели даже бросать взгляды в сторону бедняков и тем более думать об их срисовывании. Большинство из них полагало, что обращение к образам простых людей способно испортить тонкий художественный вкус будущих мастеров, воспитанных на копировании античных скульптур и произведений прошлых лет.
   Но не побоялся нарушить эти правила Михаил Шибанов. Выросший и всю жизнь проживший бок о бок с простыми крестьянами, он просто не мог не обращать на них внимания, а потому в свободное от барских заказов время писал для себя. Писал тех, кто ему был близок, кто проживал по соседству, и писал не так, чтобы зрелище походило на экзотическое и привлекательное для барских глаз, а так, как воспринимала это его душа. Все герои его картин – это непременно реальные люди, с которыми художник лично общался. Боясь, что этой реальности зрители не поймут, Шибанов на обратной стороне своих произведений всегда оставлял надпись, гласящую, что картина написана им, а изображены на ней такие-то крестьяне, проживающие по такому-то адресу.

Зрительный ряд

Изучение бытового жанра лучше всего осуществлять по наиболее известным произведениям художника: «Крестьянский обед», «Празднество свадебного договора», «Сговор».

Литературный ряд

Бытовой жанр, а тем более крестьянский, в литературе представлен в виде множества произведений о крестьянском быте. Это и фрагменты из былин, и отрывки из стихов Н. Некрасова, в том числе и «Есть женщины в русских селеньях…», всевозможные поговорки, пословицы, частушки и прибаутки.

Музыкальный ряд

Созерцание картин бытового крестьянского жанра просто немыслимо без музыкального фона, воссоздающего соответствующую атмосферу и настроение. А потому, подготавливая материал к уроку, используйте как можно больше народных песен и былинных напевов. Подойдет к теме творчества художника и фрагмент из оперы Римского-Корсакова «Садко», воспроизводящий звон колоколов Ростова Великого, и часть шестой симфонии П. Чайковского.

Применение материала

Справочный материал по жизни и творчеству Михаила Шибанова может стать великолепным дополнением к урокам изобразительного искусства на основе народного творчества и бытового крестьянского жанра. В русском искусстве раннего периода не так много картин, передающих реальность жизни простого народа с такой душевностью и правдивостью. Материал же о творчестве Михаила Шибанова как нельзя более точно отвечает этим требованиям, а потому просто необходим при знакомстве учащихся с такими темами, как: «Быт крестьян», «Величие русского народа», «История государства Российского в живописи» и т. д.

Проведение беседы с учащимися

   При анализе полотен, созданных Шибановым, следует задать учащимся вопросы следующего содержания:
   1. В чем вы видите величие русского крестьянина? При помощи чего сумел подчеркнуть это Михаил Шибанов?
   2. Почему Михаила Шибанова прозвали не просто художником бытового, но еще и крестьянского жанра?
   3. Просмотрев работы Шибанова, что вы можете рассказать о жизни простых людей того времени? (Что носили, употребляли в пищу, какую работу выполняли, как отдыхали и т. д.)
   Это позволит определить основную идею и мысль произведений, главными героями которых становились простые крестьяне.

6. Художники графов Шереметевых – семья Аргуновых

Родословная художников

   Знаменитость князей Черкасских, а затем, с 1743 г., и графов Шереметевых – это во многом заслуга принадлежащих им художников Аргуновых. Обладая великолепными способностями и даром от самого Бога, Аргуновы создавали самые великие проекты дворцов и зданий, писали отличные картины и тем самым прославляли своих хозяев, оставаясь лишь их тенью и рабами.
   Так, Иван Петрович Аргунов (1729–1802), бывший домоуправителем в графском доме в Петербурге и создавший множество парадных камерных портретов, всю жизнь испытывал на себе капризы своего господина. Капризный барин то призывал его к себе и восхвалял по заслугам, поручал написание портретов своих друзей, а однажды и императрицы, то отправлял в людскую да на сельские работы. Тут уж было не до живописи.
   Но любящий искусство Иван все же вымаливал у своего хозяина немного времени и с упоением принимался за близкую сердцу работу. В эти моменты он писал то, что ему было ближе, чего просила душа. Граф же считал, что вдохновение художника принадлежит ему, а потому без его указаний создать что-то путное холопу вряд ли удастся. Но Шереметев глубоко ошибался, ведь именно в эти моменты и была создана самая известная его картина «Портрет неизвестной крестьянки в русском костюме». Глядя на него, зритель видит гордую осанку, прямой взгляд и сильные руки, а потому кокошник на голове девушки больше походит на корону. Все работы художника были полностью реалистичны, включая и те, какие он писал по заказу графа. Не побоялся Аргунов выставить на суд зрителей и лысину хозяина, посчитав, что если он ее скроет, то это уже не будет портрет заказчика.
   Дело отца продолжил его сын, тоже крепостной крестьянин, Николай Иванович Аргунов (1771 —после 1829).
   До сих пор чудом из чудес считается Останкинский дворец, творение рук Павла Ивановича Аргунова, жившего около 1768–1806 гг. Жизнь великого архитектора была очень сложной. Создавая один за одним шедевры, он так и не заслужил не только никакого признания, но даже впал в немилость своего владельца. Уставший тешить себя постройкой дворцов, граф Шереметев отослал Павла от себя, дав ему иную работу: покупать все необходимое для своих нужд. При этом мастеру архитектуры было даже запрещено попадаться господину на глаза, а потому все поручения ему передавались через слуг. Даже в конце жизни никаких положительных перемен не произошло. Творца Останкинского шедевра отправили в сад наблюдать за порядком и сохранностью произрастающих там плодов. Умер Павел Аргунов в 1806 году, так и не получив признания при жизни.
   Оставил свой след в архитектуре и Федор Семенович Аргунов (ок. 1732 – ок. 1768). Им созданы павильон «Грот» и усадьба Кусково. И как и все остальные крепостные таланты, Федор не был удостоен никакой почести, да и умер он в полной нищете. Граф Шереметев не посчитал нужным даже выделить денег на его похороны.

История создания произведений

Говоря об истории создания многих произведений художников семьи Аргуновых, невольно приходится вновь обращаться к графам Шереметевым, в некотором роде являющимся основными заказчиками тем картин и иных заданий для художников. Писать без их ведома Аргуновым было почти невозможно. А графы, конечно, предпочитали собственные портреты, портреты своих родственников и детей, а не изображения грязных крестьян. Времени на творчество для души почти не оставалось, а потому можно судить о том, что писались известные произведения крестьянско-бытового жанра Аргуновыми в спешке, урывками. Но если обращать внимание на их итог, то становится понятно, что для создания в таких условиях подобных шедевров живописи необходимо было обладать настоящим даром и отточенным мастерством. И оно у художников семьи Аргуновых несомненно присутствовало.

Зрительный ряд

Рассказ о творчестве и жизни художников из рода Аргуновых целесообразно сопроводить показом их работ. Это позволит учащимся гораздо быстрее запомнить имена художников и оценить их вклад в развитие русской живописи и архитектуры. Демонстрируемые работы могут быть следующими: фотография Останкинского дворца (Павел Иванович Аргунов); «Портрет крестьянки в русском костюме», «Парадный портрет В. А. Шереметевой», «Портрет П. Б. Шереметева», «Портрет старухи Лазаревой» (Иван Петрович Аргунов); фоторепродукции павильона «Грот» и усадьбы Кусково (Федор Семенович Аргунов).

Литературный ряд

   О крестьянской жизни написано очень много стихов, но вот произведений, посвященных архитектуре, вспомнить сразу чаще всего не удается. Между тем они существуют, и знание о них ученикам совсем не помешает. Поэтому во время знакомства с данной темой учителю стоит зачитать наиболее, на наш взгляд, яркий фрагмент из стихотворения Дмитрия Кедрина «Зодчие», а также стихотворение Леонида Мартынова «Имена мастеров». Вот отрывок из него:

     Гении
     Старого зодчества —
     Люди неясной судьбы!
     Как твое имя и отчество,
     Проектировщик избы…

   Замечательным дополнением к уроку станет и стихотворение Дмитрия Брынского, начинающееся строками:

     В грубые передники одеты —
     У кого в деревне ни спроси, —
     Вечно мои прадеды и деды
     Плотниками были на Руси…

Музыкальный ряд

Перед тем как приступать к выбору музыкального фона для урока о семье архитекторов и живописцев, оставивших после себя огромное наследие, следует закрыть глаза и представить себе древнюю стройку: стук топоров, хруст дерева и веток. Это настоящая музыка, очень точно передающая настроение и атмосферу. Чтобы суметь передать ее на уроке, необходимо подобрать музыкальные зарисовки о том, что было только что представлено.

Применение материала

Сложно определиться, во время изучения каких тем следует использовать материал о целой и тем более такой разносторонней семье художников.
Но выбрать все же можно, и этот выбор будет зависеть от того, чье именно творчество рассматривается. Справочный материал об архитекторах Павле, Иване и Федоре Аргуновых просто необходим на уроках, дающих основы архитектурного творчества. Его следует использовать при изучении таких тем, как: «Архитектура и ее стили», «Первые русские архитекторы в истории страны» и т. д. Материал же о живописце Павле может быть с легкостью введен в изучение крестьянско-бытового жанра и народного творчества.

Проведение беседы с учащимися

В отличие от обычного построения урока, изучая архитектуру и зодчество на основе материала семьи Аргуновых, беседу необходимо перенести на самое начало урока. Значит, перед тем как рассказывать о том, как и что оставили нам после себя древние мастеровые, преподавателю следует расспросить учащихся о том, что известно им. Наверняка дети знают из рассказов, какими были первые постройки, что русские избы были большей частью срубные (построенные без единого гвоздя), а также много других интересных подробностей. Ну а когда почва будет подготовлена, следует переходить к работам Аргуновых и постепенно вводить новый материал.

7. Плэнерная живопись С. Ф. Щедрина (1745–1804)

Задача искусства не в том, чтобы копировать природу, а в том, чтобы ее выражать.
Делакруа

Биография художника

   Художник Семен Федорович Щедрин, как и П. Аргунов, принадлежал к семье живописцев и скульпторов. Его брат, Феодосии Федорович (1751–1825), был скульптором и создал такие известные работы, как «Морские нимфы, несущие глобус», впоследствии установленную у здания Адмиралтейства в Санкт-Петербурге, и мифологическую статую «Венера». А сын Феодосия, Сильвестр Феодосиевич (1791–1830), входил в число родоначальников пейзажного жанра. Многие его работы носят декоративно-видовый характер или представляют монументальные панно.
   Сам же Семен Федорович Щедрин прославился тем, что первым из русских художников обратился к плэнеру и четко выделил два типа русского пейзажа: видовой и декоративный.
   Родившись в солдатской семье, мальчик сразу обнаружил страсть к живописи, а потому его отправили обучаться в Академию художеств. Закончив ее на «отлично», Щедрин был удостоен чести отправиться в Италию для продолжения занятий живописью у иностранных мастеров. Именно оттуда Семен привозит новые правила изображения живой природы – писание с натуры. Вернувшись на Родину, Щедрин получает звание придворного художника и вынужденно начинает писать излюбленные места петербургского светского общества: парки, аллейки, дорожки и т. п. В свободное же от этого занятия время художник пишет сельскую местность и окрестности.

История создания произведений

   В конце XVII в. многие жанры живописи достигли огромного развития. Наконец, были преодолены традиции иконописи в портретной живописи, и люди стали изображаться реальными. Появилась масса исторических и мифологических произведений. Не сдвинулся с места только жанр пейзажа. Он так и продолжал занимать ту ступень развития, на которой был и раньше.
   Но это и понятно, ведь пейзажи писали из головы, выдумывая и сочиняя или вспоминая работы прежних мастеров. А если и возникали сложности с изображением какой-либо детали, то художники отправлялись за ответом не на природу, а за стены музея, отыскивая и срисовывая там нужный им элемент. И это считалось правильным, ведь сами преподаватели, давая задание студентам, заранее оговаривали, что они хотят увидеть на их пейзаже. Что еще оставалось делать ученикам, если преподаватель четко разъяснял, что к завтрашнему дню он хочет видеть поляну, залитую солнцем, на которой пасется стадо коров, а возле дерева дремлет юный пастух. Искать такой вид в деревне ни у кого не было желания. А ведь именно там пейзаж был реальным, а не надуманным.
   Потому-то Семен пренебрег правилами академии и начал писать с натуры. Первые такие опыты он проделал, будучи в Италии, откуда привез множество живописных работ. Работа с натуры помогла ему постичь игру солнечного света, морских волн и колебаний воздуха, добиться «горения» красных оттенков в разгар дня и тени, падающей от освещенных солнцем предметов.
   Применительно к пейзажу очень часто используется понятие «плэнер». Это слово французского происхождения, переводится как «полный воздуха» и указывает на то, что данное произведение выполнено на свежем воздухе, а не за стенами здания.

Зрительный ряд

Для сравнения лучше использовать на уроке репродукции не только работ Семена Щедрина, но и его семьи. Из творчества Сильвестра Щедрина можно использовать картины «Терраса» и «Новый Рим», «Колизей», а из работ самого художника – русские парковые ансамбли Петергофа и Гатчины, картины «Дорога в Коннетабль», «Вид Гатчинского парка».

Литературный ряд

   Наиболее приближенными по настроению к работам Щедриных являются произведения итальянских поэтов и писателей.
   Учитывая то, что Семен Щедрин – первый изучаемый художник-пейзажист, во время урока может быть зачитан отрывок из стихотворения Теофиля Готье «Пейзаж»:

     Нигде ни единой птицы,
     Нигде не качнется лист,
     И только дрожат зарницы,
     И запад багров и мглист…

   После прочтения стихотворения можно предложить учащимся найти среди произведений художника такое, которому бы данное описание соответствовало.

Музыкальный ряд

Здесь, как и в предыдущем случае, следует использовать музыку итальянских композиторов. Подойдет для урока и произведение композитора М. Глинки «Венецианская ночь», один из великолепных примеров итальянской музыки, а также композиция П. И. Чайковского «Времена года».

Применение материала

Жанр пейзажа, особенно плэнерного, просто немыслим без упоминания имени Семена Щедрина, человека, пренебрегшего правилами академии и начавшего писать с живой природы, а не с работ, уже давно всем известных, тысячи раз перекопированных, а потому довольно однотипных. Справочный материал о нем может быть использован как на ознакомительных занятиях по теме «Жанр пейзажа в произведениях живописи», так и во время выполнения детьми практических работ на плэнере. Это отвлечет школьников от разговоров и поможет сосредоточиться на своих собственных работах.

Проведение беседы с учащимися

   Закрепляя материал по плэнерной живописи, можно использовать различные методы: беседу, игровой материал, собственные рисунки и т. д. При этом беседа, опрос и игра могут быть тесно переплетены, как в приведенном ниже случае.
   Урок по пройденной теме начинается с опроса:
   1. Какой была система обучения пейзажной живописи в Академии художеств? В чем состояла ее ошибка?
   2. Могли ли быть на самом деле предметы, срисованные с разных картин, освещены так, как они освещены на завершающей работе ученика академии? Почему?
   В данном случае необходимо, чтобы дети поняли, что если взять копию стога сена с работы, выполненной вечером, и коровы, изображенной поутру, то между ними не будет никакой гармонии. Проверить это можно при помощи игры. Из нескольких репродукций надо вырезать различные детали и наложить их на какой-либо пейзаж, а затем охарактеризовать, что же получилось.
   Чтобы ученики на себе почувствовали, что пейзаж с натуры и созданный в воображении резко отличаются друг от друга и что в последнем непременно будет гораздо больше ошибок, обязательно следует дать задание нарисовать к уроку один пейзаж с натуры, а второй – по описанию в книге или со слов учителя. По полученным работам можно устроить итоговый урок по теме пейзажа. Во время его проведения ученики должны поочередно рассказать, что и как в обеих работах они изображали и какие ошибки сделали в том и ином случае. Конечной целью урока должно стать подтверждение неэффективности данного метода обучения.

8. Работы В. А. Тропинина (1776–1857)

Портрет человека пишется для памяти ему близких людей, людей, его любящих.
В. А. Тропинин

Биография художника

   Василий Андреевич Тропинин родился в семье крепостного и уже в детстве был разлучен с родителями и подарен дочери барина как необходимое дополнение к приданому. В новом доме мальчика назначили лакеем и сразу же завалили работой. Свободного времени у него почти не было, а когда случалось, что его никто не звал, Тропинин ускользал в парадные залы и начинал рассматривать висящие в них на стенах картины мастеров живописи. Его привлекали краски и сама работа художника, но, не имея возможности иметь собственные и учиться рисованию, юный лакей начинает собирать все кусочки бумаги, какие ему попадаются, и делать на них собственные рисунки. Его учителями были картины, какие он видел. Через некоторое время юный самоучка уже мог с закрытыми глазами создать их копии.
   Но его «малевание» никому в доме не было нужно, а посему его владелец, граф Морков, отсылает юношу обучаться кулинарному искусству. Правда, потом понимает, что кондитером Тропинину не стать, так пусть хоть собственный художник будет, и определяет его в Академию художеств «посторонним учеником». В это время юноше было чуть более 21 года. Академия пришлась Тропинину по душе. В ней он чувствовал себя в своей стихии, но продолжаться этому долго было не суждено, т. к., видя успехи своего крепостного, граф испугался, что потеряет дарование, если государь потребует отпустить его на свободу. И, не закончив обучения, Валентин возвращается в хозяйский дом, а оттуда отправляется в самое дальнее имение графа – село Кукавку (Украина).
   Оказавшись в полной изолированности от бурлящего мира, полного искусства, Тропинин пал духом. Но граф не дал ему заскучать и загрузил работой. Художнику было поручено написать портреты своих хозяев и их детей, оформить интерьер имеющейся в селе маленькой церквушки. А если работы не было, его заставляли печь куличи и пироги, украшать кушанья к графскому столу и даже помогать в буфете.
   Возможно, что художник так бы и прожил в полной изолированности от развивающегося мира искусства, если бы в имение графа не приехал гость. Им оказался какой-то иностранец, явно почитающий искусство, т. к., осмотрев весь дом и увидев мастерскую художника, он решил, что в доме живет еще один гость, какой-то незаурядный мастер. Когда же иностранец вновь столкнулся с художником, а это произошло во время ужина, где Тропинин выполнял свою вторую обязанность – прислуживал хозяевам, гость пришел в ужас и едва не усадил его за стол рядом с собой, выказывая т. о. ему свое уважение. Это стало толчком к решению графа о запрете выполнять Тропинину работу лакея. Теперь времени на занятия живописью оставалось больше.
   Дарить же свободу художнику графу Моркову было жалко. Тропинин был нужен и ему самому. И лишь когда художник стал стареть, граф соизволил дать ему свободу. Тропинину было 47 лет. Обрадованный художник уезжает в Москву, уединяется в своей мастерской и полностью посвящает себя своему любимому делу, ведь теперь он мог писать все, что ему хочется.

История создания произведений

Работы Тропинина – это особый тип жанрового, несколько идеализированного изображения человека из народа. При этом любое его произведение – это и картина, и одновременно самостоятельный портрет, где каждый человек изображен в самом близком ему образе, таким, какой он есть. Его работы характерны отсутствием фанфаронства и блеска, дорогих одежд и неописуемых причесок. Художник этого не писал. Его стремлением было передать душевную теплоту человека, его спокойствие и глубину, что можно было сделать, только облачив изображаемую модель в простой домашний халат, раскрывающий все тайны и снимающий груз проблем, расстегнув вороты рубах и давая вздохнуть полной грудью.
За время своей жизни он создал целый ряд портретов, из которых можно оформить отдельную галерею, состоящую из образов простых дворовых детей, сельских девушек, друзей. Его работы совершенно лишены лести, и если в них и есть что-то привлекательное, то только потому, что художнику удавалось усмотреть в любой своей модели что-то примечательное, доброе.

Зрительный ряд

Произведения, созданные В. Тропининым, сегодня всемирно известны. Это и его ошеломляюще русская «Кружевница», и «Золотошвейка», и такие картины, как «Портрет сына Арсения Тропинина», «Портрет А. С. Пушкина», а также собственный «Автопортрет». Именно эти работы должны присутствовать на уроке изобразительного искусства при изучении творчества художника.

Литературный ряд

Чтобы подчеркнуть особенность передачи характера человека, изображенного Тропининым, необходимо сопроводить просмотр репродукций его картин стихами и отрывками из литературных произведений, посвященных величию русского народа, духовной красоте обычной русской женщины.

Музыкальный ряд

При просмотре картин «Золотошвейка» или «Кружевница» просто сама напрашивается мелодия из музыки С. Прокофьева к балету «Золушка». Музыка словно воссоздает атмосферу чистоты души девушек и их легкость в работе. Кажется, что кружево само собой сплетается в прекрасный узор, да и игла скользит по ткани, будто лодочка по волнам.
Остальные портреты и картины, написанные художником, также вполне сочетаются с этой музыкой, ведь во всех них чувствуется чистота, легкость и какое-то убаюкивающее спокойствие.

Применение материала

Образы простых людей в живописи не так уж редки. Крестьян и тружеников писали едва ли не все мастера прошлого, но только Тропинину удалось показывать величие человека в самом обыденном образе: в домашнем халате, расслабленным и отрешенным от забот, увлеченным любимым делом, сделать крестьян подобным царственным особам и не уступающим ни одному императорскому портрету. В связи с этим справочный материал о его творчестве и жизни может быть использован при изучении таких тем, как «Портретная живопись», «Характер человека и его передача посредством изобразительных средств», «Образы крестьян в русской живописи», «Парадный и бытовой портрет» и т. д.

Проведение беседы с учащимися

   Используя на уроках материал о Тропинине, стоит уделить как можно больше внимания анализу его картин: рассмотреть и выделить отличительные черты его творчества, найти главные различия в изображении им портретов людей – от манеры изображения их же иными мастерами живописи. Кроме того, ненадолго желательно остановиться на следующих вопросах:
   1. Почему художник избрал необычный способ изображения человека (не парадный портрет, а бытовой)?
   2. Почему образы его «Кружевницы» и «Золотошвейки» кажутся нам образами поистине королевскими и практически не вызывают мысли о том, что это всего-навсего обычная труженица или крестьянка? Какими средствами Тропинину удалось этого добиться?

9. Основоположник русской живописи А. Г. Венецианов (1780–1847)

Я постоянно питаюсь природой. Иногда я преувеличиваю, изменяю видимое, но никогда не выдумываю картину. Наоборот, я нахожу ее в природе уже готовой, хотя и требующей раскрытия.
Ван Гог

Биография художника

   Алексей Гаврилович Венецианов родился 18 февраля 1780 г. в семье московского купца. Отец сразу заметил склонность мальчика к рисованию и отдал его в частный пансионат обучаться живописи. Получив там поверхностные знания, юноша в 1807 г. уезжает в Петербург и начинает там почти ежедневно посещать Эрмитаж, в котором срисовывает все понравившиеся ему картины, делает копии картин мастеров живописи.
   Некоторое время спустя он увлекается графикой и мечтает создать собственный сатирический журнал. Первый его выпуск под названием «Журнал карикатур на 1808 год в лицах», не успев появиться, запрещается правительством. Но своего стремления передать жизнь так, какой он ее видит, высмеять основные пороки, он не оставляет, буквально через 4 года выпустив в свет созданные совместно с друзьями сатирические листовки.
   В 39 лет (1819 г.) Венецианов впервые выезжает в сельскую местность и сталкивается с жизнью, совершенно отличной от виденной им ранее. С этого момента он обращается к образам простых крестьян, пишет их портреты, бытовые картины. При этом пишет Венецианов только с натуры, несмотря на то, что Академия художеств не признавала такого способа работы. Осознав, что все его творчество отныне будет связано именно с деревней, Венецианов в 1815 г. покупает себе имение в Сафонково, в котором и проживает всю оставшуюся жизнь.
   Но просто жить и творить для художника было недостаточно и не очень интересно. Хотелось осознавать свою пользу и дарить людям радость. В конце концов Венецианов основывает в этой же деревеньке свою собственную художественную школу. Получить обучение в ней мог любой крестьянский ребенок, вход для которого в ту пору в академию был совершенно закрыт. В образовании школы ему помогает Общество поощрения художеств.
   Художник настолько увлекается этой затеей, что буквально посвящает воспитанию нового поколения художников всю оставшуюся жизнь, тратит на это все свои заработки. Он сам разъезжает по деревням и отбирает наиболее талантливых мальчиков, затем поселяет их в своем доме, где все лето они, не прекращая, работали, а с наступлением зимы везет своих подопечных в залы Эрмитажа, давая им возможность не только познакомиться с произведениями великих мастеров, но и сделать с них копии.
   С самого начала Венецианов вырабатывает свою собственную систему обучения, состоящую из нескольких ступеней. Сначала все его ученики тщательно изучают натюрморт, постепенно переходят к интерьеру, затем к письму с натуры и, наконец, осваивают плэнерную живопись. Этот метод сам Венецианов называл методом преподавания с натуры. Все его ученики в дальнейшем так и не окончили академии, но работы многих становятся известными.

История создания произведений

   Первые работы Венецианова носили чисто графический характер. Он делал много шаржей и карикатур, во время Отечественной войны 1812 г. написал несколько листовок «на злобу дня». А побывав в сельской местности, резко изменил свои пристрастия.
   Все последующие его произведений были написаны в Тверской губернии, в небольшой деревеньке под названием Сафонково. Попав в деревню лишь однажды, он был просто покорен ею.
   В первый же день он был настолько переполнен впечатлениями, что ему сразу захотелось перенести их на полотно, но как это сделать, как перейти от сатирической графики к живописи, он не в силах был понять. И тут художнику на глаза попадается работа, написанная французским художником и изображающая внутреннее убранство русской церкви. Внимательно осмотрев картину, художник решается сделать аналогичную, заменив только церковь на сарай. Так появляется картина «Гумно».

   Какую ни возьми книгу по искусству, непременно встретишь в ней французское слово «жанр». Это понятие рассматривается как объединяющее, т. е. оно связывает воедино произведения, имеющие сходную тематику: пейзажи, портреты, сюжетные работы, натюрморты и т. д.

   Создавая «Гумно», Венецианов долго не мог найти правильного сочетания цветов. Сделав несколько неудачных попыток, он решает убрать одну стену сарая, чтобы с наибольшей силой передать освещение. Это ему удается. Следом за «Гумном» появляются и другие картины на крестьянскую тему. В числе них и наиболее известная его картина «Жнецы», которую считают парным портретом крестьянской семьи: матери Анны Степановой и ее сына Захара.
   Приступая к работе над очередной картиной, художник всегда писал только с натуры, делая героями простых русских крестьян и окружающую его северную природу. Он одним из первых из среды художников отказался от правил письма, принятых в академии (от копирования произведений мастеров прошлого), и осознал, что лучшим учителем живописца может быть только живая природа.
   Приступая к написанию портрета «Захарка», художник избрал моделью сельского мальчика, сына Федула и Анны Степановых, живших в том же самом селе Сафонково. За плечом у мальчугана настоящий топор, на голове привычная для крестьянских мальчишек кепка. Но все это лишь дополнение к образу, главное в произведении – выражение лица мальчика, его глаза, изгиб губ. Через них художник нес зрителю главную мысль. Вполне возможно, что этот мальчуган входил в число его «учеников», т. е. детей, которые часто жили у художника в доме и которых он знакомил с правилами живописного письма.

Зрительный ряд

На уроке могут быть использованы репродукции следующих картин Венецианова: «Гумно», «Жнецы», «Спящий пастушок», «На пашне», «Захарка», «Крестьянские дети в поле», «Утро помещицы», «Крестьянский мальчик, надевающий лапти», «Крестьянка с васильками», «Старая крестьянка с клюкой», «Автопортрет».

Литературный ряд

   Через картины Венецианова до нас доходит вся поэзия русской деревни, ее природы, некоего умиротворенного спокойствия и тишины. Оттого, находясь рядом, читать хочется что-то очень близкое, родное по духу, вышедшее из этой же самой среды, такое, как в стихах Есенина. И действительно, у этого автора очень много чистых лирических строк, словно написанных под действием картин Венецианова. Стоит попробовать их совместить.
   Художнику Алексею Гавриловичу Венецианову довелось жить в пушкинскую эпоху, а потому наилучшими произведениями к его картинам будут стихи и проза этого мастера живописного слова. Так, можно использовать на уроке следующее стихотворение, очень точно передающее стремления художника и привлекающие его темы:

     Иные нужны мне картины:
     Люблю песчаный косогор,
     Перед избушкой две рябины,
     Калитку, сломанный забор,
     На небе серенькие тучи,
     Перед гумном соломы кучи —
     Да пруд под сенью ив густых,
     Раздолье уток молодых…

   К такому полотну, как «На пашне. Весна», можно использовать отрывок из «Евгения Онегина» А. С. Пушкина:

     Улыбкой ясною природа
     Сквозь сон встречает утро года;
     Синея, блещут небеса,
     Еще прозрачные, леса
     Как будто пухом зеленеют,
     Пчела за данью полевой
     Летит из кельи восковой.

Музыкальный ряд

Тема народа очень часто встречается в творчестве М. Глинки. А потому его работы и следует совмещать с изучением жизни и творчества художника А. Г. Венецианова.

Применение материала

Творчество художника А. Г. Венецианова весьма своеобразно. Его работы многим могут показаться декоративными и лишенными реальности, но это не так. Венецианов очень хорошо владел перспективой, но намеренно упрощал изображения человека в пейзаже, чтобы подчеркнуть величие природы. Опираясь на эту особенность, справочный материал о художнике можно приурочить к изучению основ перспективы, когда задача учителя состоит еще и в том, чтобы научить детей вписывать фигуру человека в изображение природы. Это могут быть следующие темы: «Изображение человека в пейзаже», «Осень – пора плодородия», «Изображение процесса сельского труда» и т. д.

Проведение беседы с учащимися

   Беседу о творчестве художника лучше всего проводить в виде анализа его произведений. Рассматривая картины художника, дети наверняка обратят внимание на то, что большая часть работ схожа по тематике – это либо крестьяне на поле и за уборкой урожая, либо крестьянские дети. В итоге можно попытаться сравнить, что ставил автор главной темой в первом случае, а что во втором. На чем он заострял внимание, изображая взрослых, а на чем – при написании детей. Желательно, чтобы к итоговому выводу учащиеся пришли сами, сравнив и проанализировав имеющиеся репродукции.
   Во время беседы могут быть заданы следующие вопросы:
   1. Можно ли сказать, рассматривая картину Венецианова «На пашне», что художник очень поэтически воспринимал действительность? Почему? (Доля поэзии действительно присутствует в картинах Венецианова, где его крестьянки словно парят над пашней, что очень хорошо видно в вышеупомянутом полотне.)
   2. На чем пытался сконцентрировать внимание зрителя художник, рисуя свой собственный автопортрет? (Чаще всего в этом случае дети замечают в руке изображенного художника кисти и на основе этого делают выводы. Необходимо сразу разъяснить и напомнить им, что во время рассказа о портретах данная тема была затронута. А именно – при написании портрета художник уделял внимание главному – душе человека, а все остальное необходимо для того, чтобы усилить впечатление, подчеркнуть главное.)
   3. Как известно, Академия художеств не признавала манеру письма художника, его излишнее, как выражались многие, упрощение деталей и намеренное подчеркивание перспективы, планового расположения предметов. Что, на ваш взгляд, делало картины художника слегка декоративными?

10. О. А. Кипренский (1782–1836)

Из тебя не получится ничего значительного, если ты не научишься рисовать человека, выпавшего из окна четвертого этажа, за то время, за которое он пролетит до земли.
Делакруа

Биография художника

   Орест Адамович Кипренский родился 13 марта 1782 г. в имении помещика Алексея Степановича Дьяконова, находящемся в Петербургской губернии. Судьба мальчика с первых дней складывалась очень необычно. Началось все с того, что он родился от барина и простой крепостной Анны Гавриловой. Сына барин, конечно же, не признал, но все же не оставил мальчика на воспитание одной матери, а выдал ее замуж за своего дворового Адама Швальбе. Именно он в дальнейшем и занимался воспитанием мальчика, и его Орест почитал как своего родного отца.
   В 6 лет мальчика отдают в Воспитательное училище, созданное при Академии художеств, откуда через 3 года, в связи с особыми успехами, он переводится в класс исторической живописи. Уже с этого момента становится ясно, что талант у Кипренского от Бога, уж слишком легко ему все дается, да и сами предметы он усваивает куда быстрее остальных учеников.
   В мае 1816 года, получив звание советника Академии художеств, в качестве ветерана живописи он едет в Италию. В этой стране он приступает к написанию картины «Пляска вакханки с сатиром», для которой очень долго ищет модель. Ею становится маленькая девочка по имени Мариучче, мать которой вела довольно разгульный образ жизни. За время работы художник привязывается к девчушке, поскольку видит в ней себя самого, такого же одинокого в детстве, и потому делает несколько попыток выкупить ребенка у матери, но та, даже продав дочку, через некоторое время забирала ее обратно. В конце концов Кипренский прибегает к закону и удочеряет девочку в судебном порядке.
   В июле 1823 г. Кипренский решает вернуться на родину. Девочку он оставляет в Италии, поместив ее в монастырь. Вновь встречается с нею он только через 5 лет, когда в очередной раз приезжает в Италию. Но забирать ставшую уже девушкой Мариуччу из ее спокойного местечка он не стремится, т. к. постоянные переезды и занятия творчеством не позволяют ему посвятить себя ее воспитанию, да и отрывать ее от учебы нежелательно. Девушка же к тому времени была страстно влюблена в своего спасителя и продолжала ждать, когда он за ней вернется. И Орест действительно приезжает за девушкой. Ему как раз исполняется 53 года, а Мариучче 25. Спустя столько лет он решается попросить ее руки.
   Кипренский и его муза женятся, но счастье недолго улыбается им. Через 3 месяца после бракосочетания художника сваливает с ног горячка, и 5 октября 1836 года он умирает. Оставшаяся же одна, молодая жена хоронит его возле дома, а через полгода на свет появляется девочка, внешне почти полностью повторяющая отца.

История создания произведений

   Первым и наиболее известным полотном Кипренского становится картина «Дмитрий Донской по одержании победы над Мамаем». Эту картину он пишет в качестве дипломной работы в Академии художеств, за что сразу же награждается золотой медалью. Это полотно стало великолепным образцом исторической живописи, но все же не знаменовало начала становления художника как мастера данного жанра. Напротив, Кипренского гораздо больше увлекают портреты, при создании которых можно заглянуть в душу человека.
   Самой известной его работой этого жанра является портрет приемного отца. Его он пишет с такой любовью, что когда готовая работа предстает перед зрителями, она покоряет всех знатоков искусства и вызывает у них сомнение в том, что какой-то молодой и еще мало знающий юноша сумел создать полотно, достойное настоящих мастеров. Показ картины за границей был воспринят примерно так же: там посчитали, что русские просто, как всегда, лгут, говоря, что этот портрет написан почти что юнцом, дабы показать свое величие. Нет, работа, на их взгляд, принадлежала перу Рубенса или Рембрандта. Чтобы доказать всем обратное, художнику даже пришлось запросить в Академии художеств свидетельство о том, что эта картина написана на самом деле им, а не кем-то другим.
   Неверие в то, что совсем еще юный живописец способен создать шедевр, указывало, что мастерство художника действительно было на высоте и не имело аналогов в своем времени. Лучшей похвалы для настоящего художника придумать сложно.

   Слово «автопортрет» греческого происхождения. В дословном переводе оно означает «сам», иначе – изображение художником самого себя.

   Всему миру давно известен портрет А. С. Пушкина, написанный О. А. Кипренским. Его художник создавал по заказу Антона Дельвига, одного из товарищей Пушкина по лицею. Первый набросок Орест создал гораздо раньше, еще во время своего обучения в Царскосельском лицее, данная же работа стала его окончательным внутренним видением сущности духовного облика поэта и собрала все то, что художник сумел распознать в А. С. Пушкине за время дружбы с ним. Этим портретом Кипренский оспорил мнение большинства о том, что Пушкин ужасно некрасив, темнокож и невзрачен. Художник доказывал обратное: тот, кто является гением, не может не быть божественным. Не согласиться с этим невозможно.
   Величие и мастерство художника подтверждает и то, что произошло с его произведениями впоследствии. Например, после смерти своего друга А. Швальбе Пушкин выкупает свой собственный портрет у его вдовы и размещает в своем доме, а картину, изображающую приемного отца, покупает для личной коллекции император.

Зрительный ряд

Подобрать что-то конкретное к уроку из работ О. А. Кипренского не так-то просто: уж слишком они все реальные, живые, близкие к романтизму, но в то же самое время и очень душевные. И все же к числу самых известных его работ относят следующие: «Портрет офицера Давыдова», «Портрет Ростопчина», «Автопортрет с кистями за ухом», «Дмитрий Донской по одержании победы над Мамаем», «Портрет Пушкина», «Девочка с виноградом», «Пляска вакханки с сатиром».

Литературный ряд

   В знак благодарности за свой портрет А. С. Пушкин посвятил художнику стихотворение, в котором очень точно предсказал дальнейшую судьбу этой замечательной картины:

     Любимец моды легкокрылой,
     Хоть не британец, не француз,
     Ты вновь создал, волшебник милый,
     Меня, питомца чистых муз, —
     И я смеюся над могилой,
     Ушед навек от смертных уз.
     Себя, как в зеркале, я вижу,
     Но это зеркало мне льстит:
     Оно гласит, что не унижу
     Пристрастья важных аонид.
     Так Риму, Дрездену, Парижу
     Известен впредь мой будет вид.

   Наиболее точного литературного произведения подобрать к уроку вряд ли удастся, ведь оно несет в себе не только благодарность поэта и предсказание на будущее, но и позволяет осознать значение творчества Кипренского для России. Кроме того, приступая к изучению темы о творчестве О. Кипренского, можно использовать и еще одно стихотворение, написанное А. С. Пушкиным и обращенное к художнику:

     Я твой:
     Я променял прочный двор Цирцей,
     Роскошные пиры, забавы, заблужденья
     На мирный шум дубрав, на тишину полей,
     На праздность вольную, подругу размышленья.
     Я твой…

Музыкальный ряд

Италия – страна, подарившая Кипренскому идеи для многих картин, страна, в которой он обрел, хотя и слишком поздно, свою любовь и счастье. Именно итальянская музыка как нельзя более точно передает настроение многих произведений, созданных в ее волшебном поле. Подбирая музыкальный ряд для уроков, в основе которых лежит творчество этого художника, лучше обратиться именно к ней. Одним из наиболее известных и часто используемых на уроках музыки итальянских произведений является «Венецианская ночь» М. Глинки.

Применение материала

Данный справочный материал может быть использован при изучении довольно большого количества тем, в том числе и относящихся к жанру портрета. Кроме него, знакомство с творчеством художника может быть использовано при изучении тем: «Образ А. С. Пушкина в произведениях живописи», «Копирование портретов», «Композиционное решение портрета» и т. д.

Проведение беседы с учащимися

Проводя беседу по пройденному материалу, для его закрепления необходимо в очередной раз обратиться к произведению А. С. Пушкина и его портрету, созданному Кипренским, чтобы проанализировать и сопоставить эти два творения разных видов искусств. Кроме того, следует сравнить портреты, написанные Кипренским, с портретами художников, работающих в это же время (В. Тропинина, А. Венецианова и т. д.): что в них общего и действительно ли мастерство художника выше, чем у многих? Может быть рассмотрен и обсужден портрет приемного отца художника. Интересен для детей и анализ картины «Пляска вакханки с сатиром», моделью для написания которой стала будущая жена художника.

11. Живопись К. П. Брюллова (1799–1852)

Биография художника

   Карл Павлович Брюллов является сыном академика орнаментальной скульптуры (резчика по дереву) Павла Ивановича Брюллова. На свет мальчик появился 23 декабря 1799 г. и, как говорится, сразу взялся за карандаш. Едва заметив способности мальчика к рисованию, его отец начинает усиленно заниматься его обучением. Каждый день он дает сыну задание нарисовать то или иное число человечков, лошадок, коровок и т. д. Эта домашняя школа очень помогла ему в дальнейшем, но в некоторой степени навредила здоровью. Дело в том, что отец художника имел особую систему воспитания: чуть что – сразу размашистая оплеуха. Итогом одной из таких поучительных мер стало то, что Карл на всю жизнь оглох на одно ухо.
   Когда мальчику исполнилось 10 лет, отец отдает его в Академию художеств, как и старших сыновей. Туда его зачисляют вольноприходящим сразу, найдя у него огромные способности к живописи. За несколько недель обучения мальчик намного опережает остальных учеников, а потому даваемая в академии программа его уже не удовлетворяет и кажется слишком легкой. Он начинает усиленно обучаться самостоятельно, буквально не разлучаясь с карандашом во время выходных дней. Делает массу копий с произведений великих мастеров: одну только голову старика, написанную, как тогда считали, Веласкесом, он воспроизводит более 20 раз.
   К окончанию академии у него в руках оказываются едва ли не все возможные награды. Но все же не все его работы восхвалялись и признавались преподавателями академии. Их не устраивало, что такой способный ученик очень часто нарушал давно устоявшиеся правила и писал по-своему.
   В 1822 г. его брат Александр едет в Италию и берет с собой Карла. Там юноша увлекается изучением фресок Рафаэля и жанровой живописью. В Италии он создает самое известное свое произведение «Последний день Помпеи», идея написания которого пришла к художнику после прослушивания оперы Пуччини с одноименным названием. Выставляя эту картину в Италии, Брюллов не ожидал, что она настолько покорит всех. А вернувшись после написания картины в Петербург, художник оказывается принятым со всеми почестями. Друзья надевают ему лавровый венок – символ победителя.
   Некоторое время пожив в России, Брюллов вновь возвращается в Италию, на этот раз чтобы подлечиться. Он селится в местечке Марчиано, близ Рима, где и умирает.

История создания произведений

   Слава пришла к Брюллову после картины «Последний день Помпеи». На ее создание у Брюллова ушло около 6 лет. Чтобы правдиво изобразить события многовековой давности, связанные с извержением Везувия, художнику пришлось изучать исторические документы о гибели города, участвовать в его раскопках, знакомиться с историческими и археологическими материалами, собранными в разное время.
   За основу портретных изображений героев картины художник берет реальных людей. Так, свой собственный автопортрет, слегка преобразив, превращает в художника, внешность графини Самойловой отдает женщине, спасающей детей. Все остальные лица тоже были близки к действительности. Полностью готовая картина своим мастерством покоряет едва ли не все европейские страны.

   Перед тем как приступить к работе над картиной, художники, как правило, заготавливают большое количество эскизов, т. е. подготовительных набросков для будущего произведения. Эскизы позволяют найти правильное решение и выбрать наиболее приемлемый формат, стиль и манеру написания задуманного полотна.

   Некоторое время спустя Брюллов увлекается портретной живописью. Он создает великолепный парадный портрет «Всадница», на котором изображает реальных людей, давно ему знакомых: Джованнину и Амацилию Паччини. Эта работа стала своего рода олицетворением красоты и молодости, тем более что итальянский тип женщин как раз был в моде и считался совершенным. Пишет и другие портреты, из которых позднее создает в Москве целую галерею. Во время болезни пишет свой собственный автопортрет, и ему позднее посвящает свое стихотворение Дмитрий Ознобишин.

   Как правило, идею для того или иного произведения дает случай. Так произошло и с картиной Брюллова «Нарцис», написанной им в самом начале творчества. «Нарцис» был всего лишь очередным заданием преподавателей, но вместо того чтобы воспринять задание как нечто стандартное и не требующее фантазии, Брюллов превратил работу в очень тонкий психологический портрет и даже в некоторой степени в автопортрет. Как и мифологический герой Нарцис, художник однажды прогуливался возле озера и решил взглянуть на свое отражение. В тот самый момент ему и пришла идея написать юношу за размышлениями, душевными переживаниями, которые он увидел в своих собственных глазах. Из того, что Брюллов увидел в воде, он сменил лишь немногое, передав юноше сходство с самим собой.

Зрительный ряд

При использовании справочного материала о жизни и творчестве Брюллова лучше всего обратиться к репродукциям следующих его произведений: «Последний день Помпеи», «Автопортрет», «Всадница» (парадный портрет), «Итальянское утро», «Девушка, собирающая виноград в окрестностях Неаполя».

Литературный ряд

   В литературе есть одно стихотворение, написанное в том же году, что и картина Брюллова «Всадница», правда, посвященное просто красивой женщине. Стихотворение носит название «Иностранка», и написал его Алексей Хомяков. Именно его можно использовать во время урока, просматривая данную репродукцию:

     Вокруг нее очарованье;
     Вся роскошь юга дышит в ней,
     От роз ей прелесть и названье;
     От звезд полудня блеск очей.

   К автопортрету художника написал замечательные стихи и Д. Ознобишин. Вот отрывок из них:

     Наскоро наброшенный, из рамки
     Восходит он – болезненно худой,
     Средь впалых щек едва румянец рдеет
     И, мчится, грудь страдальца леденеет.

   Не обидел своим вниманием творчество художника и А. С. Пушкин. Он написал стихотворение к картине «Последний день Помпеи», которая произвела на него неизгладимое впечатление:

     Везувий Зев открыл – дым хлынул клубом – пламя
     Широко развилось, как боевое знамя.
     Земля волнуется – с шатнувшихся колонн
     Кумиры падают! Народ, гонимый страхом,
     Толпами, стар и млад, под воспаленным прахом,
     Под каменным дождем бежит из града вон.

   Оценил «Последний день Помпеи» и Е. Баратынский, тоже написавший стихи на эту тему:

     Принес ты мирные трофеи
     С собой в отеческую сень,
     И стал «Последний день Помпеи» —
     Для русской кисти первый день!

Музыкальный ряд

При рассмотрении картины Брюллова «Итальянское утро» можно использовать фортепианную пьесу В. Салманова «Утро в лесу» или отрывок из сюиты «Пер Гюнт» Э. Грига «Утро». Эти произведения позволяют почувствовать атмосферу живой природы. Знакомя же детей с картиной «Последний день Помпеи», лучше дать им прослушать отрывок из оперы Пуччини с аналогичным названием, чтобы они смогли почувствовать, какие эмоции охватили художника при первом знакомстве с данной композицией и почему он решил перенести действие событий на полотно.

Применение материала

Среди работ художника встречается много парадных портретов, а потому материал о нем может быть использован при знакомстве с разновидностями портретного жанра. Сравнивая портреты, написанные разными мастерами, с портретами пера Брюллова, дети смогут понять отличие парадного портрета от простого, романтического, психологического и иных видов. Темами урока можно избрать следующие: «Портрет и его разновидности», «Жанр парадного портрета» и т. д.
Произведения художника, относящиеся к историческому жанру, подойдут к таким темам: «История на полотнах мастеров живописи», «Отражение чувств и эмоций через позу и выражение лица человека».

Проведение беседы с учащимися

   Про проведении беседы по пройденному материалу можно вновь обратиться к литературному ряду и на его основе сопоставить произведения разных видов искусств: живописи и литературы. Задача учителя в данном случае – дать учащимся возможность проявить себя творчески, описать, что они услышали в стихотворении, точно ли оно передает настроение или смысл картины, что подмечено автором живописи, а что – автором литературы.
   Очень легко провести по портретам, написанным Брюлловым, беседу о разновидностях данного жанра, дать детям задание самостоятельно определить главные, отличительные черты парадного портрета и подтвердить это примерами.
   Интересная беседа может получиться и в случае, если предложить детям сравнить работы античных мастеров с картиной Брюллова «Последний день Помпеи». Уже только одно то, что автор долгое время провел за границей, собирая сведения о данном событии и копируя работы итальянских мастеров, дает повод думать, что художник намеренно внес в сюжет некую античность.

12. А. А. Иванов (1806–1858)

Как знать, может быть, наш народ еще познает истинную гениальность сурового художника, так долго ускользавшую, так глубокую скрытую.
М. В. Нестеров о А. А. Иванове

Биография художника

   Александр Андреевич Иванов, как и многие из его предшественников, родился в семье художника, а одновременно с тем и профессора Императорской Академии художеств Андрея Иванова. Именно отец прививает мальчику любовь к живописи и дает ему первые уроки. Семья художника была очень большой (5 детей), а потому надеяться на что-то было нельзя. Мальчик рано осознал, что его жизнь будет зависеть от его собственного упорства и умения достигать задуманного.

   Имя отца художника – Андрея Иванова – довольно известно в художественных кругах. Этот человек был не только наставником и вечным советником сына, помогал ему определиться с выбором сюжетов и подбирать краски, но и создавал собственные шедевры, например «Подвиг молодого киевлянина». Он всю жизнь был рядом с Александром, не оставлял его, даже когда юноша отбыл в Италию. В своих письмах он продолжал давать советы о том, как добиться высшего мастерства, на что обратить внимание при изучении творчества итальянских мастеров.

   В 1817 г. Александр поступает в Петербургскую Академию художеств, где обучается в течение 10 лет. Успехи художника в учебе не были гладкими: по общеобразовательным предметам он едва вытягивал и был немного медлительным. Все, что остальные ученики понимали быстро, до него доходило только после длительного зазубривания. Зато по живописи за время учебы он удостаивается двух наград: второй золотой медали за совместное создание картины на сюжет Илиады и большой золотой – за работу под названием «Иосиф». В связи с такими успехами художник направляется обучаться в Италию на 3 года. Правда, судьба распорядилась иначе, и он задерживается в этой стране на целых 28 лет, а вернулся лишь за 2 месяца до смерти.
   В Риме он создает самое известное свое произведение – «Явление Христа народу», так и не принятое на родине, а также множество (около 200) акварельных этюдов будущих работ на евангельскую и библейскую темы.
   В Россию Иванов возвращается только в 1858 г., где и проводит последние дни своей жизни. Возможно, он прожил бы гораздо дольше, если бы его лучшее полотно, на которое ушло около 20 лет жизни, не было так равнодушно принято. Поспособствовали ухудшению здоровья и сам переезд, страхи за сохранность своей огромной, многоплановой картины.

История создания произведений

   Иванова всегда привлекали библейские и евангельские сюжеты. Он поставил перед собой цель – построить специальное здание, в котором на каждой стене будет висеть отдельная картина на данную тему. А рядом с ней – располагаться очень маленькие, но также запечатлевшие аналогичные этому сюжеты. Этот проект он назвал «Храм человечества» и посвятил ему почти всю свою жизнь.

   ИНТЕРАКТИВ: Перед тем как приступить к написанию картины, художники, как правило, заготавливают необходимые этюды, иначе называемые подготовительными набросками для картины. Само слово «этюд» французское и в дословном переводе означает «изучение». И действительно, делая этюд, художник изучает натуру, выбирает для нее наиболее оптимальное положение и пробует вписать в целостную картину.

   Естественно, что осуществить такой проект одному нереально, а потому Иванов надеялся заготовить большое количество эскизов, мечтая, что по ним новое поколение осуществит его мечту и укажет человечеству новый путь в жизни и в искусстве. И он делал заготовки, копировал изображения Христа, изучал необходимый для их написания материал, тщательно его анализировал и сопоставлял с наблюдениями, сделанными при посещениях синагог. При этом эскизов Иванов не показывал даже друзьям и никому о своей задумке не рассказывал, предполагая, что непременно придется столкнуться с непониманием.
   Возможно, что художник был чересчур романтичным, но в этом и заключалась его индивидуальность. Он по-настоящему верил, что искусство служит только для того, чтобы нравственно возвышать человека, открывать глаза на «царство Божие внутри нас». При этом Иванов презирал бытовой жанр, считая его развратным, демонстрирующим основные пороки человечества: жажду еды, веселия и пития. Осуществить задуманный проект ему удалось чуть меньше чем наполовину.
   Картину «Явление Христа народу» Иванов написал на сюжет из Евангелия от Иоанна. Для нее он создал около 600 предварительных этюдов. На картине Иванов изобразил Иоанна Крестителя, произносящего слова: «…вот агнец Божий, Который берет на Себя грех мира…» Вокруг Иоанна апостолы Иоанн Богослов, Петр, Андрей Первозванный (первый последователь Христа) и Нафанаил, раб и господин, а также группа римских воинов. Одна из изображенных на картине фигур имеет портретное сходство с Н. В. Гоголем.
   Запечатлел в «Явлении Христа народу» он и самого себя. Его автопортретом считается фигура с посохом, соседствующая с Иоанном Крестителем.
   Картина художника не удовлетворила, а в связи с тем, что ее не оценила и публика, он оставляет ее не совсем законченной. Это подтверждается тем, что набедренная повязка старика белая, а ее отражение в воде красное.

Зрительный ряд

При знакомстве с творчеством художника или библейской тематикой в живописи могут быть использованы картины «Аполлон, Гиацинт и Кипарис», символизирующая три возраста, три степени творческой интуиции и три ступени к совершенству, и «Явление Христа народу», а также множество акварельных этюдов к «Храму человечества».

Литературный ряд

   Приступая к рассмотрению репродукций Иванова, целесообразно зачитать стихотворение В. Бенедиктова, написанное в те годы, когда жил и творил художник:

     Не унывай, о, малодушный род,
     Не падайте, о, племена земные:
     Бог не устал, Бог шествует вперед,
     Мир борется с враждебной силой змия.

   Поясняя детям причины провала картины «Явление Христа народу» на родине, можно зачитать фрагмент из стихотворения А. С. Пушкина «Суди не выше сапога»:

     Картину раз высматривал сапожник
     И в обуви ошибку указал;
     Взяв тотчас кисть, исправился художник.
     Вот, подбочась, сапожник продолжал:
     «Мне кажется, лицо немного криво…
     А эта грудь не слишком ли нага?»
     Тут Апеллес прервал нетерпеливо:
     «Суди, дружок, не выше сапога!»

Музыкальный ряд

Созерцать библейские и евангельские сюжеты лучше всего под спокойную, тихо звучащую музыку, навевающую атмосферу духовности и близости к совершенству.

Применение материала

Материал о творчестве художника может быть применим при изучении многих тем, хотя более важное внимание ему следует уделить при знакомстве с композиционным центром, который четко прослеживается в картине «Явление Христа народу», законами перспективы, смысловыми нагрузками и т. д. Очень сложная по своему построению картина дает огромную возможность раскрыть на одном примере много важных и заслуживающих внимания вопросов, понять зависимость перспективы от композиционного построения и наоборот.

Проведение беседы с учащимися

   Перед анализом картин учащимся необходимо объяснить, что «Явление Христа народу» имеет очень сложное композиционное построение: на нем присутствуют сразу два композиционных центра, и такое встречается весьма редко. Первый центр – это Иоанн Креститель, пророк истины. Второй центр – это Христос, находящийся вроде бы вдали от основной массы людей.
   Затем можно переходить к анализу произведения, во время которого необходимо постараться, чтобы дети ответили на такие вопросы:
   1. Каким образом Иванов подчеркнул, что первый композиционный центр картины – это Иоанн Креститель? (Тем, что взгляды окружающих обращены к нему.)
   2. Почему над головой Христа отсутствует нимб и иные атрибуты божественного происхождения? Чем художнику удается компенсировать их отсутствие и показать происхождение Христа? (Изображением его на фоне неба и гор как идеального пространства для Бога.)
   3. Какие два предмета, изображенные на картине, являются символами земных мук Христа? (Копье как символ казни и крест – символ распятия.)
   4. Какое место художник определил для Христа в толпе присутствующих и каким образом он это подчеркнул? (Место Иоанна Крестителя, который олицетворяется художником с двойником Христа. Даже его одежда указывает на то, что это место для него временное.)
   5. Картину «Явление Христа народу» считают философской и построенной на одних ассоциациях, образах и символах. Даже обычные ветки дерева на ней наполовину цветущие, наполовину сухие – это олицетворение времени и цикла рождения (цветение, увядание и смерть.) Что еще из изображенного на картине можно таким же образом проанализировать? (Старец и юноша – символы юности и старости, природа – синтетический образ мира. При этом следует заметить, что пейзаж для картины подбирался и писался отдельно от нее самой.)

13. Бытовой жанр в картинах П. А. Федотова (1815–1852)

Рисунок всегда является полюсом и компасом, который нас направляет, чтобы не дать потонуть в океане краски, где многие тонут, желая найти спасение.
Ш. Лебрен

Биография художника

   Павел Андреевич Федотов родился в 1815 г. в Москве. Отец художника был отставным поручиком, а потому сын, конечно же, обучался в Московском кадетском корпусе. После его окончания Павел уезжает в Петербург, где параллельно со службой обучается по вечерам в Академии художеств. Много пишет самостоятельно. В Петербурге он знакомится с Брюлловым, которому и показывает свои работы. Уже известный к тому времени художник советует ему бросить службу и посвятить себя искусству, что Федотов и делает в 1844 г., будучи уже штабс-капитаном.
   А когда через некоторое время он вновь приносит Брюллову свои работы, мастер живописи, уже отошедший от рисования в связи с болезнью, прослезился и сказал, что Федотов превзошел все его ожидания. Он пророчит ему славу и успех в бытовой живописи и совершенно не ошибается в этом. Художник начинает создавать одно за другим великолепные произведения бытового жанра, предпочтя использовать для их написания драматические сюжеты. Едва эти работы появлялись на выставке, как возле них тут же собиралась масса народу. Зрителей привлекали не только сам сюжет и манера письма, тонкая ирония и главная идея картин Федотова, но и то, что во время демонстрации своих работ художник всегда зачитывал рацеи, в которых в стихотворной форме пояснял, что изображено на полотне.
   Естественно, что Академия художеств не могла не обратить на это внимания, а поэтому в 1848 г. наградила его званием академика. Всматриваясь в картины художника, мало кто мог предположить, что многие из сюжетов были близки и ему самому, ведь он испытывал и голод, и бедность, вынужден был жить в совершенно холодном, едва дышащем на ладан домике на окраине Петербурга. Причина во многом заключалась в том, что все мастерски написанные работы мог позволить себе купить только очень богатый человек, а т. к. в них высмеивались пороки светского общества, делать этого никто не желал. Богачи не видели в картинах Федотова никакой красоты, а потому, даже решив что-то приобрести, платили художнику гроши. Федотов был признан народом, который без конца толпился у его полотен, но не смог заслужить внимания обеспеченных слоев. Это сильно отразилось на его душевном состоянии. Художник умер в психиатрической больнице, не прожив даже и половины человеческой жизни (в 37 лет).

История создания произведений

   Бытовой жанр появился задолго до того, как родился Федотов. В России к этому моменту существовало множество мастеров этого жанра, картины которых поражали зрителя, но Павел Андреевич первым ввел в бытовой жанр драматический сюжет. Эти сюжеты он не выдумывал, а брал из реальной жизни, выискивая их на маленьких улочках города, знакомясь с простыми дворниками и парикмахерами и выслушивая истории их жизни. Глядя на его работы поверхностно, можно подумать, что они вполне обычны, веселы и красочны, но если попытаться вникнуть в суть, то сама собой появляется горечь.

   Выбрав наиболее близкую себе тему, художник П. А. Федотов прекрасно осознавал, что для передачи влияния идеалов, устоев общества и его заблуждений людям нужно запечатлеть самого человека за тем, как он тратит отведенное ему время, что вполне успешно и делал. Его собственным афоризмом относительно своего творчества было выражение: «Они убивают время, пока оно не убьет их».

   Каждая его картина – это целая эпопея и рассказ о жизни определенного круга людей: простых крестьян, военных чинов и т. д. Достаточно внимательно посмотреть на картину, чтобы перед глазами пронесся весь путь жизни запечатленных героев, их думы, надежды, мечты, стремления. Чтобы суметь столько всего объединить в одном полотне, дополнить его долей юмора и одновременно с этим драматизмом, необходимо было знать о том, что изображаешь, очень глубоко, и уметь переосмысливать события в собственной душе, отфильтровывать лишнее и замечать главное. Все это художник умел делать как никто другой. Причем он не просто писал, он пел: пел красками и стихами, раскрывающими смысл написанного более глубоко или охватывая его поверхностно. П. А. Федотова по праву можно назвать мастером не только живописи, но еще и литературы, подтверждением чему являются созданные им самим стихотворные строки к картинам.

Зрительный ряд

Очень ярко драматический сюжет бытового жанра проявляется в таких произведениях художника, как «Свежий кавалер», «Анкор, еще анкор», «Сватовство майора», «Разборчивая невеста». Используя их во время урока, можно провести глубокий анализ картин, заострить внимание на отличии работ художника от иных бытовых картин, а также познакомиться с его творчеством в роли поэта.

Литературный ряд

   Мало кто из художников способен написать к своим собственным картинам пояснения, да еще и в стихотворной форме, но вот Павел Федотов был не только к этому способен, но и с удовольствием делал. Едва написав картину, он тут же создавал и рацею к ней (т. е. пояснение), которое затем обязательно лично зачитывал на выставках, стоя перед полотном. Одной из самых примечательных его рацей является пояснение к картине «Сватовство майора». Используя его на уроках, можно не только в стихотворной форме рассказать о самом сюжете картины, но и привлечь детей к анализу данного произведения:

     Честные господа,
     Пожалуйте сюда!
     Милости просим,
     Денег не просим,
     Даром смотри,
     Только очки хорошенько протри…
     Начинается, начинается
     О том, как люди на свете живут,
     Как иные на чужой счет жуют,
     Сами работать ленятся.
     Так на богатых женятся.
     Вот купеческий дом,
     Всего вдоволь в нем.
     А вот, извольте посмотреть,
     Как справа отставная деревенская пряха,
     Панкратьевна-сваха,
     Бессовестная привирала
     В парчовом шугае, толстая складом,
     Идет с докладом,
     Что, дескать, жених изволил пожаловать.
     А вот, извольте посмотреть,
     Как хозяин-купец,
     Невестин отец,
     Не ладит с сюртуком,
     Он знаком больше с армяком;
     Как он бьется, пыхтит,
     Застегнуться спешит;
     Нараспашку принять – неучтиво.
     А вот, извольте посмотреть:
     Как и наша невеста
     Не найдет сдуру места:
     «Мужчина чужой!
     Ой, стыд какой!»
     Никогда с ним не бывала;
     Коль и придут, бывало, —
     Мать тотчас на ушко:
     «Тебе, девушке, здесь не пристало!»
     Век в светелке своей я высокой
     Прожила, проспала одинокой;
     Кружева лишь плела к полотенцам!
     И все в доме чтут меня младенцем!
     Гость замолвил, чай, речь…
     Ай-ай-ай, стыд какой!..
     А тут нечем скрыть плеч:
     Шарф сквозистый такой —
     Все насквозь на виду!..
     Нет, в светлицу уйду!»
     А вот, извольте посмотреть,
     Как наша пташка желает улететь;
     А умная мать
     За платье ее хвать!
     И вот, извольте посмотреть,
     Как в другой горнице
     Грозит ястреб горлице —
     Как майор толстый, бравый,
     Карман дырявый,
     Крутит свой ус:
     «Я, дескать, до денежек доберусь!»

Музыкальный ряд

Можно ли объединить музыкой столь различные сюжеты, которые нашли свое отражение в творчестве П. А. Федотова, ведь музыка, созвучная с одной картиной, совершенно не сочетается с другой? Делать этого совершено не нужно, т. к. объединять можно произведения с единой мыслью, сюжетом, а у Федотова каждая картина является индивидуальной и требует к себе отдельного подхода. Следовательно, подборку музыкального ряда определить возможно, лишь опираясь на каждое из полотен в отдельности. К картинам, запечатлевшим сюжеты свадебного обряда, стоит использовать музыкальные композиции, несущие соответствующее настроение (марш Мендельсона, а также различные вальсовые композиции), к работам, запечатлевшим эпизоды бытового характера, – народные мелодии и песни.

Применение материала

Беря во внимание то, что в картинах художника прослеживаются бытовой юмор и великолепное детальное повествование, данный материал может быть использован при изучении темы «Детали и их значение в картине». Кроме того, учитывая, что основной темой своих работ сам художник считал людей и их зависимость от времени, или, как он выражался: люди – игрушки времени, стоит попробовать отнести творчество Федотова к историко-бытовому жанру и на основе его полотен познакомить детей с такими темами, как: «История и быт как две стороны, дополняющие друг друга в искусстве», «Время и его лицо» и т. д.

Проведение беседы с учащимися

   Говоря о беседе по жизни и творчеству П. А. Федотова, следует заметить, что каждая отдельно взятая его картина – это уже сама по себе тема для беседы, ведь те отдельные мысли и идеи, которые мастера живописи несли через целый ряд картин, художник сталкивал и соприкасал в одной, выставляя на суд зрителей итоговый результат борьбы разума и безрассудства, невежества и необдуманного следования канонам.
   Так что правильнее всего выбрать какое-то одно произведение художника и на его основе провести беседу с классом, при необходимости, конечно же, сопоставляя его с другими работами автора. Великолепной картиной для этого чаще всего считают «Сватовство майора». Это, бесспорно, так, но следует заметить, что о самом полотне очень конкретно все разъяснил сам автор в своих стихах, и пытаться дополнить к сему что-либо было бы пустой тратой времени, тем более что дети должны уметь самостоятельно анализировать картины, а не опираться на высказывания о них критиков или самих авторов. Поэтому гораздо лучше, если темой для беседы станет любая другая, менее знакомая детям картина, которую они познают сами.
   Нелишним будет дать учащимся небольшое задание после беседы, которое позволит им почувствовать себя наравне с автором. Таким заданием может быть написание командами класса небольшого ознакомительного четверостишия к только что проанализированной работе, а затем зачитывание, как в свое время делал Федотов, т. е. стоя у своего рисунка. Этот ход слегка разнообразит урок и внесет в него необходимый настрой.

14. Основатель маринизма в России – И. К. Айвазовский (1817–1900)

Биография художника

   Жизнь Ивана Константиновича Айвазовского многие биографы и искусствоведы называют самой счастливой, о какой только может мечтать творческий человек. И это в самом деле так. Родившись в небольшом городке Феодосии, расположенном на берегу Черного моря, он так и прожил в родном краю всю жизнь, посвятив себя своему любимому делу – живописи. И хотя его родители были турки, а образование он получил армянское, это не помешало ему стать известнейшим русским художником и великим мастером маринистического искусства.
   Склонность к рисованию проявилась у мальчика рано. И не просто появилась, но и отразилась на всех заборах городка, что просто не могло не привлечь к себе внимания властей. Именно эти его первые работы попались на глаза таврическому губернатору А. И. Казначееву и, в некоторой степени, помогли найти Айвазовскому свой путь в жизни. Поняв, что все эти зарисовки говорят о незаурядном будущем мастере, Казначеев, не задумываясь, поспособствовал поступлению юного живописца в Санкт-Петербургскую Академию художеств.
   Учиться в академии мальчику было легко. И вовсе не потому, что ему покровительствовал и всячески опекал сам Николай Первый, любимцем которого художник стал сразу и остался им на всю жизнь. Талант Айвазовского был и так налицо – в 18 лет он создает одну из знаменитейших и громаднейших своих картин «Среди волн», на которую юному художнику потребовалось всего 10 дней, в то время как подобного форматы произведения требовали у остальных гораздо большего времени. А за картину «Штиль на море» даже получает золотую медаль. В связи с такими успехами преподаватели академии позволили Айвазовскому завершить обучение на 2 года раньше положенного и досрочно присвоили звание художника.
   В 21 год (1838) И. К. Айвазовский начинает увлекаться батальной живописью. Посещает все маневры военно-морского флота, участвует в военных действиях и много путешествует по морю. В это самое время он знакомится с адмиралами М. П. Лазаревым, В. А. Корниловым и П. С. Нахимовым и узнает, благодаря им, почти все об устройстве кораблей. Его увлеченность практическими знаниями мореплавания быстро делает его любимцем командования военно-морского флота, которое не просто лично приглашает его на учения и боевые действия, но и доверяет устройство секретных деталей конструкций российских кораблей.
   Вскоре по количеству и качеству своих работ на батальную тему Айвазовский выходит на первое место, а по количеству марин – в мире. Его перу принадлежат реальные произведения, созданные во время русско-турецкой войны 1828–1829 гг.: «Синопский бой днем», «Бой брига «Меркурий» с турецкими судами», «Взрыв корабля». Эту войну художник проходит почти бок о бок с простыми моряками. А в 1844 г., вернувшись из очередной заграничной поездки, художник получает звание «Живописец Главного морского штаба» и право на ношение адмиралтейского мундира. Такой чести удостаивались немногие.
   Много путешествуя по морю, Айвазовский все свои впечатления и эмоции передает через собственные произведения. По последним вполне реально прослеживается весь путь художника по различным странам. Это и Италия с ее туманными рассветами, и жаркая Греция, и приморские пейзажи Турции и Египта, безбрежные воды Арктики и Ниагары, милое сердцу Черное море и волнующая Балтика. Во время этих путешествий художник часто работает прямо на людях, позволяя им наблюдать за процессом создания очередной картины: ведь любая его работа обязательно заканчивалась в тот же день. Кроме того, он ежегодно устраивает выставки своих работ как в городах России, так и за ее пределами.
   Но, путешествуя по свету, Айвазовский никогда не забывал о своем родном крае. Именно ему он посвятил свои лучшие работы, как маленькие, так и внушительных размеров. В Феодосии на собственные деньги он построил здание для археологического музея и великолепный концертный зал. Здесь же основал картинную галерею и библиотеку, а впоследствии открыл и художественную школу, носящую название «Общая мастерская».
   Всю свою жизнь он писал море, им же и прославился. Ему очень рано стали предлагать важные должности, пророчить славу и богатство, ради которых требовалось быть лишь поближе к Петербургу, но, любящий неугомонную водную стихию, Айвазовский так и не согласился переехать в столицу и оставить свою уютную мастерскую на берегу. Однако отказ от светской жизни все же не помешал художнику стать членом сразу пяти академий: Петербургской, Римской, Флорентийской, Штутгартской, Амстердамской.
   Не обошлось в жизни художника и без неприятностей. Обладая великолепной способностью быстро достигать поставленной цели, Айвазовский приводил некоторых преподавателей Академии художеств в ужас. Привыкшие все долго и тщательно выверять, собирать материал и делать массу набросков, перед тем как приступить к работе над очередным шедевром, мастера живописи считали свой метод проверенным веками, а то, как писал свои картины Айвазовский, – всего лишь способом сбить студентов с истинного пути. Ведь кому не захочется быстрой славы? Но одну и, пожалуй, главную особенность дарования Айвазовского многие мастера живописи упускали из виду: писать так мог только по-настоящему одаренный, обладающий высшим мастерством, навыками и талантами человек. А значит, опасность, которой они так боялись, была исключена сама по себе.

   Довольно интересный случай произошел с Айвазовским в его загородной мастерской. Приехав туда поработать, художник услышал приближающийся топот лошадиных копыт, но не обратил на него особого внимания, до тех пор, пока несколько минут спустя не увидел гостя. Им оказался всем известный в то время разбойник по имени Алим, славящийся нападением с целью ограбления на богачей, деньги которых он передавал бедным. Алим спросил разрешения посмотреть на картины художника, о которых даже он был много наслышан, и вошел в дом.
   Увиденные работы разбойнику понравились. Поблагодарив за все, Алим раскланялся и собрался уходить, но Айвазовский пригласил его на чай. Во время чаепития между ними завязалась дружеская беседа, и Иван Константинович поведал, что вскоре собирается жениться. На это разбойник ответил, что очень бы желал побывать на этой свадьбе. И это ему в самом деле удалось. Он вырос на своей серой лошади прямо на дороге, во время свадебного поезда, и, подъехав к карете, в которой ехали молодые, поздравил их, одарил молодую жену шелковым платком и исчез также быстро, как и появился.

   Жизнь Ивана Константиновича Айвазовского оборвалась так же тихо, как и протекала. Приступив утром 19 апреля (2 мая) 1900 г. к работе над картиной «Взрыв корабля», он лишь самую малость не сумел закончить ее. Отложив работу до утра, Айвазовский уже не вернулся к ней, т. к. в ту же ночь скоропостижно скончался. «Взрыв корабля» стал его последним и, увы, незаконченным произведением, что для него было совершенно не свойственно.

История создания произведений

   Очень долгое время изображение морских пейзажей являлось редкостью. И лишь в XVII в. маринистика, наконец, сумела занять полагающееся ей место в европейской живописи. Такие страны, как Голландия, Англия и Франция, славились своими художниками-маринистами, выставляя на суд зрителей их «морскую живопись». Эти картины, изображающие воду и бескрайнее небо, расслабляли и слегка завораживали. Но все они были сухими, мертвыми и лишенными самого важного – отражения видения моря как живой, постоянно движущейся стихии, как грозной силы и мощи, готовой вот-вот обрушиться, как огромного величия и, одновременно с тем, красоты. Сделать это в полной мере удалось лишь Ивану Константиновичу Айвазовскому. Он один смог понять, что морская стихия для людей, а тем более русских, всегда являлась символом свободы, борьбы и мужества. Именно эти чувства и мечты, близкие и волновавшие окружающих, художник сумел воплотить в своей маринистической живописи.
   Мастерство Ивана Константиновича Айвазовского поистине огромно. Ему одному удавалось создавать свои работы за такое время, которое требовалось лишь для покрытия слоем краски простой гладкой поверхности, удавалось изображать прозрачные волны в живом движении, а не каменно– застывшие сине-голубые массы. Его стиль был сильно отличен от общепринятого классического стиля реалистической живописи. Он писал прямо с ходу, импровизируя, быстро и без всяких исправлений и дополнений. Этот стиль писания называли «аля-прима»: быстрое письмо по сырому.
   Для того чтобы освоить данный метод работы, требовалось как минимум владеть феноменальной памятью, именно такой, какой и владел Айвазовский. Он схватывал и запоминал любое мимолетное состояние стихии, а затем, ни на что не отвлекаясь и ни с кем не разговаривая, уединялся в своем рабочем кабинете и сразу же приступал к работе. Важно было не упустить то состояние, которое зародилось в душе во время созерцания только что увиденного великолепия. В это время ему ничто и никто не мог помешать. Он не замечал окружающих людей, находящиеся вокруг предметы, не слышал речи. А его мастерская была просто создана для того, чтобы ничего в ней не сбивало с мысли: на стенах не висели, как это обычно бывает в мастерских художников, никакие наброски или уже готовые картины, да и сами они были гладки и окрашены в один цвет. Это позволяло полностью сосредоточиться на задуманном.

   Почему Айвазовский стал писать в стиле аля-прима, используя не реальный вид, а собственную память? Сам Айвазовский объяснял эту необходимость так: «Человек, не одаренный памятью, сохраняющей впечатления живой природы, может быть отличным копировальщиком, живым фотографическим аппаратом, но истинным художником – никогда. Движение живых стихий неуловимо для кисти: писать молнию, порыв ветра, всплеск волн – немыслимо с натуры. Для этого художник должен запомнить их и этими случайностями, равно как и эффектами света и теней, обставлять свою картину… Так я писал 40 лет тому назад, так пишу и теперь».

   Работал художник очень быстро, и за свою жизнь он создал более 6 тысяч полотен. Его картины появлялись словно по волшебству, за несколько часов, реже дней. Этому помогала не только скорость письма, но и то, что он не отвлекался на предварительные этюды и карандашные наброски. Попытку работать по заранее подготовленному материалу Айвазовский сделал лишь на начальном этапе своего творческого пути, но очень быстро понял, что это лишь тормозит его работу, лишает ее тех эмоций, в процессе которых зарождалась сама идея, а потому итоговый результат выходит скучным и скупым.
   Впоследствии зарисовки для своих картин карандашом он делал лишь в случае острой необходимости а именно, если требовалось изобразить фигуру человека или животного. Все же остальное художник писал только по памяти и на основе собственного воображения, стремясь как можно тщательнее прорисовать все мелкие детали, расположенные на переднем плане: волны, блики, камни, древесные обломки и т. д.
   Еще одной особенностью письма Айвазовского было то, что для всех своих работ он обязательно брал всего 3–5 красок только тех цветов, в какой цветовой гамме планировал очередное произведение. Потому и выходило, что все они выдерживались в одном цвете или его комбинациях: сине-голубом, туманно-сером, иссиня-черном. Данному негласному и лично выведенному правилу художник следовал всю свою жизнь. Свои картины он никогда и ни при каких условиях не перерисовывал и старался не оставлять незаконченными, прекрасно понимая, что стихия, как и настроение человека – это вечное движение, и оно не стоит на месте, и нет никакой вероятности, что завтра ты ощутишь или увидишь то же, что и сегодня.

   Иван Константинович был человеком сложным, нетерпеливым, но при этом разносторонне одаренным. Он понимал и чувствовал поэзию, музыку, сам любил стихи и игру на скрипке. Последняя очень часто попадала к нему в руки, едва он оказывался в гостях у Глинки. Там Айвазовский музицировал, наигрывал запомнившиеся за время путешествий по странам народные мелодии. Две из его восточных мелодий впоследствии Глинка включил в свою оперу «Руслан и Людмила».

   Жизнь Айвазовского, как и история создания многих его картин, была пронизана романтикой. К примеру, идеи для некоторых своих шедевров он находил довольно неожиданно.
   Так, во время очередной бури его собственное стадо овец бросилось с обрыва в море, где их тут же поглотила морская пучина. Не унывающий мастер пейзажного жанра не только не опустил голову из-за случившегося, но и напротив, увидел в этом что-то прекрасное, что и запечатлел в своей картине «Овцы, загоняемые бурею в море». Через пару дней он продал эту работу за весьма внушительные деньги и обзавелся на них еще одним стадом.
   Ни для кого не секрет, что в области маринизма Айвазовский был и всегда будет непревзойденным мастером, поэтически воспевшим обычные природные явления, нашедшим романтику в таких разносторонних состояниях морской стихии, как буря, гладь, тишь, наводнение, шторм, крушения кораблей. Глядя на картины, в которых нашли отражения эти мимолетные состояния: «Девятый вал» (1850), «Среди волн» (1898), «Черное море» (1881), – невольно ощущаешь себя стоящим на берегу или прямо посреди разъярившейся морской пучины, которая вот еще секунду – и захлестнет своей мощью и силой. Все настолько реально, что не отнести эти произведения к вершине живописного мастерства просто невозможно.

Зрительный ряд

Для более глубокого усвоения материала во время урока необходимо использовать следующий наглядный ряд: репродукцию картины «Овцы, загоняемые бурею в море», «Девятый вал», «Черное море», фотопортрет И. К. Айвазовского.

Литературный ряд

Используемые репродукции можно сопроводить стихотворными цитатами из произведений А. С. Пушкина, Данте, И. Северянина, Сафо, М. Ю. Лермонтова («Белеет парус одинокий»), стихотворением, посвященным Айвазовскому П. Гнедичем, и т. д. Эти шедевры поэзии помогут детям более глубоко прочувствовать эмоциональное состояние, запечатленное в картинах И. К. Айвазовского.

Музыкальный ряд

Фрагменты из оперы «Садко», симфония Н. Римского-Корсакова «Океан – море синее», М. Чюрлениса «Море».

Применение материала

Данный справочный материал подойдет для занятий по следующим темам: «Мир аквариума», «Изображение неба в разных состояниях», «Изображение контрастных состояний природы» (морских и прибрежных пейзажей, берега реки и т. д.), «Жанр пейзажа», «Батальный жанр в живописи».

Проведение беседы с учащимися

   Иван Константинович Айвазовский является величайшим маринистом не только в России, но и во всем мере, а потому школьники просто обязаны знать хотя бы главные эпизоды его жизни и особенности художественного письма. Закрепить пройденный материал поможет беседа по прослушанному материалу. В процессе нее в классе желательно обсудить следующие вопросы:
   1. Где были представлены на суд зрителей самые первые работы художника? (На заборах родного города.)
   2. Чем отличалось обучение Айвазовского в Академии художеств от обучения в ней же других художников? (Он закончил ее досрочно – на 2 года раньше.)
   3. Перечислите особенности письма мастера марин и батального жанра. (Импровизация, использование не более 5 красок, стиль аля-прима по сырому.)
   4. Сколько набросков заготавливал для своих будущих картин Айвазовский? (Наброски не делал вовсе, за исключением зарисовок человеческих фигур и животных.)

15. Основатель лирического пейзажа – А. К. Саврасов (1830–1898)

Чтобы полнее передать природу и подчеркнуть ее великолепие, деревья должны крепко держаться в почве, их ветки должны идти вперед и углубляться в полотно: зритель должен думать, что он может обойти кругом дерево, и, наконец, форма – это основное, что нужно соблюдать.
А. Руссо

Биография художника

Алексей Кондратьевич Саврасов родился 12 мая 1830 г. в Москве. Любовь к творчеству, как и у многих его предшественников, у Алексея проявилась рано. Очень часто бывая на природе, он мог часами любоваться на ее великолепие и рисовать у себя в воображении картины русского пейзажа. Окончательно осознав, что его путь в жизни связан с живописью, в 14 лет мальчик поступает в училище живописи, ваяния и зодчества. С этим училищем у художника была связана почти вся жизнь. Успешно закончив его, он через несколько лет становится руководителем пейзажного класса и преподает в течение 25 лет (с 1857 по 1882).
В годы возникновения объединения передвижников Саврасов становится одним из его учредителей и в течение нескольких лет участвует в организации выставок. Он один из немногих из числа преподавателей понимает, что живопись нуждается в соприкосновении с народом, ведь она существует для него, а не для украшения богатых залов, созерцать которые могут себе позволить лишь единицы. Но надежды художника не оправдываются. Если изначально он верил, что искусство поможет стране встать с колен, то к концу жизни эта уверенность себя полностью исчерпала. Саврасов постепенно начинает топить собственное бессилие и невозможность что-то изменить в вине, что приводит к заболеванию чахоткой. Болезнь с каждым днем начинает развиваться все быстрее и быстрее и, в конце концов, достигает своего пика. Талантливый, болеющий душою за свою отчизну, художник умирает в 1898 г. На его могиле ученик Саврасова Исаак Ильич Левитан говорит: «С Саврасова появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь к своей родной земле… Саврасов создал русский пейзаж».

История создания произведений

Саврасова считают ведущим художником пейзажного реалистического жанра и основателем лирического жанра в искусстве. Его работы сплошь пронизаны поэзией – поэзией природы и литературы. Он словно умел находить музу в шелесте трав и листвы, чувствовать настроение маленьких рек и изменчивого состояния природы. Он как никто умел наделять природные образы эмоциями, чувствами и переживаниями, свойственными русскому народу.
Говоря о тематике работ Саврасова, следует заметить, что его привлекала не просто природа, а ее изменчивое состояние. Потому-то многие из его работ – это что-то особое, подмеченное почти случайно, то, что повстречать изо дня в день практически невозможно. Если художник приступал к написанию восхода солнца, то обязательно выжидал такой, который бывает очень редко, берясь за радугу, подмечал ее в самом своем невероятном отражении, а воспроизводя весну, писал лишь самое ее загадочное и неопределенное время.

Зрительный ряд

   Знакомство с творчеством художника, конечно же, следует начать со знакомого всем с детства полотна «Грачи прилетели». Его дети знают по иллюстрациям в учебникам, по анализу на уроках литературы и написанию сочинения по русскому языку. Теперь им предстоит посмотреть на картину немного иными глазами – глазами художника.
   Кроме «Грачей», обязательно следует продемонстрировать и репродукции таких картин, как «Радуга», «Проселок», «Дворик», «Могила над Волгой» и др.
   Рассказывая учащимся о причине смерти Саврасова, можно продемонстрировать им картину В. Маковского «У ночлежного дома». Это полотно считается воспроизведением горькой жизни художника Саврасова.

Литературный ряд

Один только взгляд на картину Саврасова «Грачи прилетели» и другие, запечатлевшие весеннее пробуждение природы, сразу же вызывает в памяти строки из стихов Ф. Тютчева, К. Фета, С. Есенина, Н. Некрасова.
А рассматривая первые бегущие ручейки и проталинки, так умело написанные художником, что создается ощущение, будто ты стоишь прямо перед ними, вспоминаешь строки из стихотворения М. Пришвина «Лесной ручей». Словом, сразу же выстраивается целый ряд стихов, которые могут быть успешно использованы во время знакомства учащихся с творчеством художника А. К. Саврасова.

Музыкальный ряд

Изображение природы в различных состояниях иначе можно объединить темой «Времена года». Так само собой выделяется наиболее подходящее музыкальное произведение для данного урока. Им, конечно же, будет творение П. И. Чайковского с аналогичным названием.
Помимо Чайковского, к картинам на темы весны могут быть использованы и такие работы, как «Лесной ручей» и «Прелюдия» А. Аренского, а также композиция Э. Грига «Весной».

Применение материала

Справочный материал о творчестве А. К. Саврасова является великолепным дополнением к урокам на следующие темы: «Цвет и его сочетания при изображении природы», «Цвет и времена года», «Гуашь. Использование в работе черной и белой краски» и т. д.

Проведение беседы с учащимися

При изучении творчества того или иного художника чаще всего беседы ведутся на основе разбора и анализа какого-то одного произведения. В данном случае лучше всего отступить от этого правила и поговорить в детьми о том, как различными по тону и насыщенности красками можно написать одно и то же время года: осень – как ярко-желтыми, так и темными, почти коричневыми, весну – как нежными, легкими, так и холодными. Для этого детям достаточно будет зрительно представить противоположное по цветовым сочетаниям произведение любого другого художника. В процессе этой беседы дети не только поймут, что цвет дает огромные возможности при изображении природы, они вспомнят изученные ранее пейзажи, т. е. повторят уже пройденный материал, тем самым закрепляя его.

16. «Русское богатство» в творчестве И. И. Шишкина (1832–1887)

В изучении натуры никогда нельзя ставить точку, нельзя сказать, что выучил это вполне и что больше учиться не надо.
И. И. Шишкин

Биография художника

   Иван Иванович Шишкин родился в богатой купеческой семье, жившей в северном городке Елабуге. Уже в раннем детстве он воспылал любовью к природе своей местности, которую наблюдал, осуществляя самостоятельные прогулки в лес. Именно ей он решает посвятить свое творчество.
   Поступив по настоянию родителей в гимназию, юноша почти сразу же бросает ее, понимая, что должен посвятить себя иному делу. По этому поводу очень сильно расстроилась мать художника, которая совершенно не одобряла всю эту никчемную трату времени на малевание холстов. Не желая ее расстраивать, Иван просыпался чуть свет и уходил с этюдником в лес, а когда возвращался, домашние только еще начинали пробуждаться, ничего не подозревая. Именно в это время художник столкнулся с самой что ни на есть нетронутой природой и осознал ее красоту.
   Когда Ивану исполнилось двадцать лет, признающий искусство отец дал сыну разрешение на занятие творчеством, и юноша поступил в Московское училище живописи, за ним – в Академию художеств в Петербурге и, наконец, направился за границу на 6 лет. Но прожить столько времени вдали от родной природы, посвятить себя изображению которой он давно решил, художник не мог, а потому, некоторое время поучившись объединять пейзажи с изображениями животных, Иван возвращается на родину.

   Как и сам художник, его отец, Иван Васильевич, был очень известным человеком, и вовсе не потому, что занимал должность городского главы, а за своих познания в области истории. С детства собирая великолепную библиотеку, Иван Васильевич не только читал, но и сам писал. Им была написана книга о истории своего города.

   Здесь художник снова берется за изучение формы листьев, хвои, корней, рисунка коры каждого вида дерева. Эти знания делают его мастером по рисованию деревьев. Попутно осваивает литографию и офорт, выполняет в данных техниках несколько великолепных работ, за что признается настоящим мастером. Но, посвящая себя творчеству, Шишкин, конечно же, не забывал и о семье, а в ее число входила его жена Екатерина Александровна Васильева и дочь Лидия.
   В скором времени в семье Шишкина случается несчастье – его любимая женщина заболевает чахоткой и умирает, оставив после себя малютку-дочь. Это время было для Шишкина очень тяжелым, но преодолеть все трудности ему помогла новая любовь – Ольга Антоновна Ладога. Эта женщина внесла в жизнь художника новую струю и вернула к жизни. Очень скоро в семье Шишкиных произошло пополнение – родилась дочь Ксения. Но это счастье почти сразу было нарушено. Тяжело перенеся роды, Ольга умирает от воспаления, как и предыдущая жена, оставив после себя маленькую дочь.
   Этот удар для художника был очень тяжелым. Но он понимал, что жизнь на этом не закончена, ведь у него есть две прекрасные дочурки, ради которых следует держать себя в руках. Взяв своих дочерей, Шишкин уезжает путешествовать по глухим деревням, где снова углубляется в работу и занимается воспитанием своих малышек.
   Умирает художник очень тихо, во время работы над картиной «Лесное царство». Его смерть была воспринята как огромная потеря, а критики в один голос заявили, что «разбилось большое и чистое художественное зеркало, ярко и правдиво отражавшее много лет… природу наших русских лесов, передававшее живьем, до мельчайших подробностей, все неисчислимые красоты лесного царства… Особенно драгоценным свойством чистого зеркального стекла было именно то, что оно никогда не тускнело: ни обстоятельства, ни годы не имели на него никакого влияния».

История создания произведений

   Как только ни определяли темы работ И. Шишкина: и песней северной природы, и истинно русской красотой. Но никто так и не смог угадать точной темы, такой же величественной, как и сами картины. И эту тему определил сам художник, написав на очередном эскизе: «Раздолье, простор, угодье, рожь. Божья благодать, русское богатство». И это в самом деле так. Художник любил свою природу, ее некоторую суровость и неописуемое величие, ее необъятность и мощь. И больше всего его привлекал лес, о котором он знал столько, сколько не знал даже проживший в нем много лет лесник. При этом лес не такой, который виден сразу, а самый глухой, заросший мхами и буреломами, лес, не тронутый человеком и не пропускающий его в свои тайны. Именно в него он углублялся ежедневно, почти не расставаясь со складным мольбертом, зонтом, дорожным ящиком и красками.
   Его дети позже вспоминали, что, уйдя чуть свет, отец возвращался домой только к вечеру. Попав же в свою родную стихию, Шишкин находил самое примечательное по своей заброшенности место, очищал его от мешающих взору веток и кустарников, вырубая их собственноручно, а только потом приступал к работе. Из одного такого посещения царства природы художник приносил более 20 набросков и этюдов.
   Шишкин не просто писал – он изучал анатомию леса, каждого его камушка, каждой травинки, смятого мухомора и засохшего дерева. Он знал в совершенстве, как и что нужно писать, и эти знания использовал в полной мере. Любой его дуб – это в самом деле дуб, береза – настоящая береза. Его ужасно раздражало, если, не имея никакого представления о лесе, молодые художники пытались писать его и делали ошибки, недопустимые в реалистическом искусстве. Были случаи, когда Шишкин делал замечания по поводу правильности изображения тех или иных деревьев даже мастерам живописи. Рассматривая полотно Репина «Плоты на Волге», художник возмутился тем, как можно было писать с натуры и не показать, какая именно порода дерева была использована при постройке плотов. Взамен получал упреки и обвинялся в сухости, но в душе каждый понимал, что Шишкин прав.

   При упоминании имени Шишкина художники всех времен обязательно прибавляли «патриарх леса». Наиболее точного определения дать ему просто нельзя, ведь даже друзья замечали его всеознакомленность с природой, даже его внешнюю схожесть с ее мощью: шероховатые, как древесная кора, руки; густая борода, напоминающая заросли веток; крупное, словно дуб, телосложение и чистый взгляд, подобный небу в ясную погоду. А Крамской однажды написал: «Я думаю, что это единственный у нас человек, который знает пейзаж ученым образом, в лучшем смысле…».

   Большинство художников-пейзажистов писали переменчивые состояния природы, Шишкин же, напротив, тяготел к постоянству. Его любимой погодой была спокойная, любимым временем года – лето, а временем дня – полдень. Именно такой была для него Русь, такой был и он сам: громкоголосый, во всем определившийся, крепкий телосложением, с поистине правдивой русской речью. Природа других стран его совершенно не привлекала, а потому можно сказать, что художник работал в одной, выбранной с самого начала специализации: изображении северной природы. Ее красоту и мощь он старался раскрыть через точную передачу форм растительности, демонстрацию ее богатства человеку. Природа Шишкина реальна до невозможности.
   Очень интересная история связана с созданием картины «Утро в сосновом бору». Идею этого произведения предложил Шишкину К. А. Савицкий, который и дорисовывал на готовом полотне трех медвежат. Плату за картину художники разделили: одна четверть была отдана Савицкому, а остальные три – Шишкину. Приобрел картину Третьяков, который и стер с нее имя второго художника, посчитав, что величие работы состоит в изображении леса, а не медведей. Но есть еще одна работа, на которой не все написано рукой Шишкина. Это картина «На севере диком», созданная в манере творчества Куинджи, который и дорисовал на картине точку, означающую огонек вдали. Правда, на второй его графической копии, подаренной художником Д. И. Менделееву, этого вмешательства уже нет.

Зрительный ряд

Какую картину Шишкина ни возьми, в ней обязательно чувствуется и любовь к русской природе, и знание сущности каждого ее элемента. Выбрать что-то конкретное для урока, кажется, совершенно немыслимо. Своим величием привлекают все его пейзажи: «Рожь», «Утро в сосновом бору», «Корабельная роща», «Вид на острове Валааме», «Стадо под деревьями», «Лесное кладбище», «Среди долины ровныя», «На севере диком», «Сосны, освещенные солнцем», «Дубки», «Бескрайние просторы», «Лесные дали», «Паутина в лесу». На чем же остановиться? Помогут решить эту задачу дети. Для этого достаточно предварительно поинтересоваться у них, какие произведения данного художника им уже известны, какие являются самыми любимыми.
Кроме того, во время урока целесообразно использовать портрет самого художника, выполненный И. Крамским, который изобразил Шишкина в его родной атмосфере, окружив любимым лесом.

Литературный ряд

   Идея написания многих картин у Шишкина возникала под воздействием настроения от стихов А. Ф. Мерзлякова и М. Ю. Лермонтова. Их творчество поспособствовало созданию таких полотен, как «Среди долины ровныя», «На севере диком». Следовательно, во время урока можно с легкостью использовать поэзию данных авторов. К такому произведению, как «Рожь», стоит зачитать следующий отрывок из стихов Некрасова:

     Все рожь кругом, как степь живая,
     Ни замков, ни морей, ни гор…
     Спасибо, сторона родная,
     За твой врачующий простор.

Музыкальный ряд

   Картина «Утро в бору» будет воспринята учащимися намного лучше, если во время ее просмотра прозвучит отрывок из фортепианной пьесы В. Салманова «Утро в лесу». В этой композиции автор сумел нарисовать музыкой картину природы, которая очень легко накладывается на фон произведения Шишкина. У этого же композитора можно взять и фортепьянную композицию «Вечер». Аналогичное по теме произведение есть и у Э. Грига, оно называется так же («Утро» из сюиты «Пер Гюнт»).
   Близкие по духу к тематике картин Шишкина мотивы можно встретить и в музыке П. И. Чайковского, посвятившего русской природе множество лирических сочинений.
   Учитывая то, что жена художника Ольга обладала великолепными музыкальными способностями и часто музицировала, иногда пела, можно поставить детям на уроке прослушать любимую песню ее мужа, по аналогии с которой он назвал одну из своих картин – «Среди долины ровныя».

Применение материала

Без знакомства с творчеством Шишкина просто невозможно изучение живой натуры и пейзажной плэнерной живописи. Материал о нем может быть использован на уроках, посвященных любым темам, связанным с образами природы. Это и «Плэнерная живопись», и «Красота северной русской природы», «Знакомство с пейзажной живописью», а также «Язык объемов и линий в пейзажной живописи», «Колорит в пейзаже» и т. д.

Проведение беседы с учащимися

   При рассмотрении картины «Рожь» необходимо обратить внимание детей на то, что на полотне преобладают всего 3 цвета: желтый, голубой и зеленый. А затем попросите школьников подумать, что хотел подчеркнуть этими цветами Шишкин? Какой была идея данного произведения? (Эти цвета соответствуют трем главным элементам картины, олицетворяющим саму жизнь: хлеб (символ награды за труды), небо (душевное спокойствие) и деревья (благополучие).
   Очень интересной по решению является картина «Паутина в лесу». На ее основе можно познакомить детей с «интерьером леса»: показать им, что стволы деревьев подобны стенам, хвоя – крыше, перекрывающей вид облаков, а покрывающая почву растительность – пол. Дальнейшее сопоставление элементов картины с реальными дети могут придумать и предложить сами. Аналогичную работу можно провести во время рассмотрения картины «Лесное кладбище».
   Если на уроке планируется заострить внимание на сравнении картин Шишкина с музыкальными сочинениями, то беседа должна представлять собой анализ этих произведений, определение их средств выразительности, красок. Естественно, что музыка утра будет очень светлой и звучной, как и краски, использовавшиеся при его изображении, день окружит более утвержденная звучность, а ночное и вечернее время сольет все воедино, поглотив темнотой красок и затемнением звука.

17. П. М. Третьяков и его собрания произведений живописи (1832–1898)

Биография

   Павел Михайлович Третьяков был московским купцом и костромским текстильным промышленником. Свою галерею он основал в 1856 г., собрав на собственные средства коллекцию картин русских художников. Эта коллекция насчитывала более 3 500 художественных произведений различного жанра, большая часть из которых представляла собой настоящие ценности: работы древнерусского искусства, картины таких мастеров живописи, как Брюллов, Венецианов, Тропинин, Федотов, Врубель, Серов и многие другие.
   Павел Михайлович получил хорошее образование, которое впоследствии продолжал усовершенствовать сам, читая книги по искусству и посещая выставки. Его характеризовали как очень образованного, молчаливого и всегда думающего о чем-то своем. Говорить о себе он не любил, как и не любил, чтобы о нем что-то писали в прессе. Третьяков был уверен, что это совершенно ни к чему, если человек не сделал чего-то очень важного и полезного, а ведь он всего лишь собирал коллекцию картин. Но о значении его старании судить потомкам, а они, не задумываясь, называют его основателем главного русского музея.
   Набрав значительное число работ, которые становилось все труднее размещать в доме, Третьяков решил, что пришло время передать свое собрание городу. И в 1892 г. (31 августа) Третьяков дарит коллекцию столице. Оценив его вклад, горожане создали в Москве Художественную галерею и назвали ее его именем.
   Образ Третьякова памятен нам по портрету, написанному Крамским. На его создание ценитель искусства длительное время не соглашался, не желая отвлекать художников от по-настоящему важных картин. Но во время болезни Крамской, который в это время работал над его заказом, спросил разрешения написать его. Собиратель картин махнул рукой и сказал: «Пишите».

История создания произведений

   Павел Михайлович Третьяков был истинным ценителем искусства. Он посещал все выставки, часто общался с создателями понравившихся картин. Постепенно увлечение искусством переросло у него в страсть: он стал скупать все шедевры русского искусства. Через некоторое время у него в доме собралась огромная коллекция, не стало хватать места для ее размещения. Третьяков понимал, что давно уж пора создать в стране свой собственный музей, в котором были бы собраны самые лучшие произведения. Нет резона разбазаривать народное искусство и при обучении опираться на работы европейских мастеров. Основание своего, народного музея он считал просто необходимым. Именно этим Третьяков и решил заняться, тем более что его средства позволяли это сделать.
   Первые картины для своей галереи Третьяков приобрел в 1856 г. Этими работами оказались картины «Искушение» (Шильдера) и «Стычка с финляндскими контрабандистами» (Худякова). За ними последовали и остальные. Художники уже настолько привыкли видеть Третьякова на каждой выставке, что считали это чем-то привычным и просто жизненно необходимым. От него ожидали многого, ведь картина, приобретенная Третьяковым, минуя все препятствия, сразу же попадала в ранг великих произведений.

   Одно упоминание о П. М. Третьякове невольно вызывает ассоциацию со словом «коллекционер». Его коллекция – это настоящий подвиг во имя народа и России, потому что ему удалось собрать лучшие творения мастеров живописи. Но все же назвать Третьякова единственным коллекционером нельзя. К этому списку без сомнений следует причислить еще и семью Строгановых, а также царя-новатора Петра Первого.
   В том, что Петр был настоящим коллекционером, усомниться сложно, ведь за всю свою жизнь он собрал экспонаты как минимум 14 ремесел, знание которых у него было почти совершенным, до 15 токарных станков, огромную библиотеку и, наконец, самое главное – всякие редкости, помещенные им впоследствии в специальный кабинет, именуемый им кунсткамерой, или первым российским музеем. Этот музей сохранился и поныне. О том, что же содержится в этом необычном музее, можно прочитать в книге А. Морозова «Ломоносов».

   Третьяков никогда не опаздывал на открытие выставок, чаще всего он прибывал на них гораздо раньше, а к моменту официального открытия успевал сделать приобретения, и зрители созерцали уже купленные им картины. Опережал он и самого царя. Были случаи, когда государь отправлял на выставку своего поверенного с заданием приобрести понравившуюся работу, а тот, подойдя к картине, обнаруживал в уголке маленькую табличку с надписью: «Куплена господином Третьяковым». Выкупить же что-то у Петра Михайловича было совершенно нереально даже царю. Третьяков категорически отказывался даже выслушивать такие предложения, объясняя все тем, что он собирал ценности и богатства для народа, а не для собственной роскоши и величия.
   Когда численность галереи Третьякова стала довольно значительной, он начал пускать на нее отдельных желающих, а потом и всех, кто любил и ценил русское искусство.

Зрительный ряд

Во время урока, на котором использовался материал о собирателе картин Третьякове, следует представить следующий зрительный ряд: «Портрет П. М. Третьякова», написанный И. Н. Крамским, фоторепродукцию экстерьера музея. Кроме того, можно подготовить к уроку и репродукции некоторых наиболее известных картин, хранящихся в Третьяковке. Это позволит детям оценить важность труда Третьякова и его вклад в развитие русского музея и живописи.

Литературный ряд

Лучшим литературным рядом к коллекции Третьякова наверняка будут цитаты и высказывания художников, критиков и деятелей искусства о живописи, о своих собственных картинах и работах, написанных другими мастерами. При желании, во время урока, особенно если будет затронута тема Эрмитажа, можно прочесть стихотворение Олега Тарутина «Что я видел в Эрмитаже», а также выдержки, описывающие содержимое кунсткамеры, образованной Петром Первым, из книги А. Морозова «Ломоносов».

Музыкальный ряд

В собрании Третьякова можно встретить картины как радостного и веселого содержания, так и работы, заставляющие задуматься над смыслом жизни, анализировать и сравнивать. Так что если просмотреть всю эту коллекцию, необходимо как минимум два вида музыки – грустная и веселая, или композиции, передающие сразу два противоположных настроения. Последнее можно найти в композиции Л. Бетховена «Веселая. Грустная».

Применение материала

Знакомство с жизнью и творчеством различных художников без общей цели не имеет смысла. Все занятия изобразительного искусства направлены на то, чтобы показать детям влияние искусства на человека, его близость с историей, воспитать духовно развитую личность. Каждый же «творец прекрасного» вкладывал в свои произведения какую-то одну мысль и идею, которая, только объединившись с иными, приобретала реальную силу и становилась способна послужить общей цели. Собрание же лучших произведений мастеров живописи сочетает в себе особенности всех жанров и видов искусства, а потому дает возможность сроднить искусство воедино и направить на достижение общей цели.

Проведение беседы с учащимися

В отличие от многих предыдущих тем, в данном случае беседу лучше всего вести не на тему о жизни Третьякова и его коллекции, а поговорить о коллекциях вообще. Преподаватель может дать учащимся возможность рассказать как о своей собственной коллекции (марок, открыток, рисунков и т. д.), при желании даже продемонстрировать ее и оформить во внеурочное время выставку, так и вспомнить, какие коллекции вообще существовали в России до настоящего времени, чем они были знаменательны. Многие интересные сведения для данной беседы не составит труда найти в Книге рекордов Гиннесса.

18. Реализм в произведениях В. Г. Перова (1834–1882)

Написать картину совершенно не возможно… не зная ни народа, ни его образа жизни, ни характера, не зная типов народных, что составляет основу жанра.
В. Г. Перов

Биография художника

   Василий Григорьевич Перов родился в 1834 г. в Тобольске и был внебрачным ребенком, а потому фамилию он получил от крестного отца. Настоящий же отец мальчика, а им был губернаторский прокурор Г. Н. фон Криденер, не взял на себя смелость признаться в связи с его матерью. Когда мальчик немного подрос, он посчитал, что фамилия крестного – Васильев – слишком проста и невзрачна, и решил, что сменит ее.
   Когда Василий пошел в школу, учителя с первых дней стали ставить его в пример на уроках чистописания, за что одноклассники дали ему прозвище Перов. Это прозвище быстро за ним закрепилось, а затем Василий к нему так привык, что решил использовать как фамилию.
   Первое общение Перова с живописью началось в лучшей художественной школе того времени – арзамасской, в которой преподавал А. В. Ступин. Закончив ее, художник отправляется в Москву, чтобы поступить в училище живописи, ваяния и зодчества. Там он создает первое из известных своих произведений «Проповедь в селе». Эту картину Перов готовил как итоговую и за нее же получил золотую медаль и право отправиться продолжать обучение за границей.
   Попав за рубеж, Перов посещает музеи, соотносит свою технику с техникой, принятой в посещаемых странах. Под влиянием массы впечатлений его манера письма немного изменяется. Провести вдали от родины полный срок обучения художник не может: его тянет в Россию, где живут и существуют его образы, писать же тот народ, который ему неведом, он не может.
   Оказавшись на родине, Перов приходит в ужас: подзабытая за время отсутствия, Россия кажется ему погруженной в мрак, разврат и стоящей на коленях. Это трогает его до глубины души. Теперь из поэта-психолога, которым он был до этого, он превращается в скорбящего поэта. Увидя в идее основания Общества художников-передвижников единственный выход и хоть какой-то огонек в мире тьмы, Перов примыкает к организаторам. Готовит полотна на крестьянскую тему, участвует в выставках, совместно с этим преподает и пишет рассказы.
   Жизнь талантливого живописца и писателя Перова прерывает болезнь. Он умирает от чахотки в 1882 году.

История создания произведений

   Как писал Перов свои работы? Где он брал моделей и прототипов для них? Ответ на этот вопрос прост: в жизни. Художник был человеком с повышенной наблюдательностью, замечал то, на что обычный индивид уже переставал обращать внимание и чего старался не замечать. Его героями были старцы, дети, священники, странники и богомольцы, часто проходящие мимо, а также брошенные жизнью люди. Их он писал красками, их же описывал в своих литературных произведениях. Так, в рассказе «Под крестом» он очень живописно описал образ крепостного путешественника, его душевное состояние, увидеть которое можно не только в своем воображении, но и на его картине «Странник», созданной как продолжение рассказа.
   Все творчество художника – это бесконечные поиски истины. В каждой его работе непременно отражаются огромные переживания за свой народ, за его рабскую долю и нежелание противостоять ей. Но больше всего живописца угнетало то, что от беспомощности взрослых страдали ни в чем не повинные дети. Им приходилось начинать работать почти что с пеленок. В конце концов Перов решает запечатлеть один из наиболее часто встречающихся ему в жизни сюжетов: учеников (так называли детей при фабриках), подвозивших воду. Для образа основного мальчика художнику долгое время не удается найти подходящую модель.
   Мальчик нашелся сам по себе. Его Перов встретил во время прогулки. Он и его мать шли из деревни, находящейся в Рязанской губернии, в монастырь. Оказавшись в столице, они не знали, где переночевать, а потому обосновались у заставы, где их и встретил художник. Перов предложил странникам остановиться у себя, показал начатую работу и попросил списать мальчика. Марья, а именно так звали мать мальчика Васи, конечно же, согласилась, даже не подозревая, что это разрешение позволит ей сохранить образ сына и иметь возможность любоваться им после его смерти. Перов приступил к работе. Он почти один в один списывал 12-летнего Васю, в то время как его мать рассказывала о сложностях своей жизни, о голоде и нищете, об утере мужа. Вскоре мастер и его гости расстались, а спустя некоторое время на выставке появилась картина «Тройка».
   Перов не предполагал, что ему вновь придется встретить эту женщину или ее сына, но Марья пришла к художнику сама. Это произошло спустя 4 года после написания картины. К тому времени Вася тяжело заболел и умер, а его мать долго работала, чтобы скопить денег и приехать в Москву. Она привезла художнику небольшой узелок яиц и немного денег, за которые она надеялась выкупить у художника картину с портретом сына.
   Художник был ошарашен тем, что за 4 года из-за изнурительных работ женщина превратилась в настоящую старуху. Естественно, что продать ей картину художник не мог, ведь она уже принадлежала музею. Но и отказывать в просьбе автор «Тройки» тоже не стал. Он повел женщину в Третьяковку, где, едва Марья увидела на холсте своего сына, она пала на колени и начала молиться на картину так, как на протяжении многих веков люди молились на иконы. Перов же решил написать для нее отдельный маленький портретик мальчика, который и подарил женщине.

Зрительный ряд

Во время изучения творчества Перова могут быть использованы репродукции следующих картин: «Сельский крестный ход на Пасхе», «Проводы покойника», «Тройка», «Утопленница», «Охотники на привале», «Приезд гувернантки в купеческий дом», «Фомушка-сыч», «Последний кабак у заставы», «Птицелов», «Рыболов». Для тем о народном эпосе можно взять картины: «Плач Ярославны», «Тающая Снегурочка», «Иван-царевич на сером волке». Художником были написаны и портреты многих великих людей своего времени: Достоевского, Погодина, Даля, Тургенева.

Литературный ряд

   Многие полотна Перова по своему сюжету и настроению приближены к произведениям Некрасова и Достоевского. В них много скорби и боли за родной народ, много печали и тоски. Именно работы этих литераторов и следует использовать на уроках.
   Если же на уроке используется репродукция картины «Странник», то здесь обратитесь к созданному самим художником литературному произведению, в котором выведен и данный образ.
   Рассказ Перова носит название «Под крестом», а его героем-странником является Христофор Барский, крепостной скиталец.

Музыкальный ряд

Глядя на картины Перова, хочется плакать и скорбеть вместе с его героями, настолько точно автор сумел передать душевное состояние. Оно буквально выходит за рамки картины и поселяется в сердцах людей.
Созерцать эти полотна можно только в полной тишине, на фоне тихой лирической музыки, не мешающей размышлениям и мирному течению мысли. Такую музыку можно найти у П. И. Чайковского. Особенно подходит к атмосфере картин Перова его «Грустная песенка».

Применение материала

Грусть, печаль, выражение глаз, в которых можно прочесть всю судьбу человека с самого начала, – вот лишь небольшой список того, передачей чего мастерски владел В. Г. Перов. Умение оживить модель и заставить ее жить, жить не только настоящим, но и прошлым, было для автора наиболее важным делом. Оттого его работы – это не просто бытовые картины, но, в первую очередь, и мастерски вписанное в них портретное изображение. Поэтому лучшим вариантом использования справочного материала о жизни и творчестве художника станет именно тема «Жанр портрета как самостоятельного произведения и как часть картины». На основе изучения творчества Перова дети сумеют более глубоко понять, что при изображении картин бытового характера не стоит забывать о том, что жанр портрета является их составляющим, и от него зависит, насколько реальным окажется готовое полотно.

Проведение беседы с учащимися

   Во время беседы по творчеству художника учащимся целесообразно задать вопросы, требующие размышления. Эти вопросы могут быть такими:
   1. Что пытался подчеркнуть художник в своей картине «Сельский крестный ход на Пасхе»? (Убожество людей – и физическое, и духовное, которое отчетливо видно на фоне совершаемого обряда. Он укоряет людей в том, что все святое они извратили.)
   2. Каким образом он сумел подчеркнуть эту убогость и заострить внимание зрителя на том, что его герои пали настолько, что, сами того не осознавая, отрицали все идеи христианства? (Лик Христа перевернут; икона у женщины облупилась, что говорит о полной ее заброшенности.)
   3. Какое, на ваш взгляд, будущее могло быть у этой картины? Как ее должна была воспринять церковь? (Картину критиковали за излишний реализм и запретили ее показ на выставках. Учащимся же в академии был дан строгий запрет на ее воспроизведение. В итоге ее купил Третьяков.)

19. Бунт студентов в Академии художеств и его последствия

Искусство должно показывать настоящую жизнь. Оно должно объяснять жизнь и выносить ей приговор. Ничего высокого и прекрасного в стороне от настоящей жизни не существует, прекрасное – это сама жизнь.
Н. Г. Чернышевский

Причина бунта

   Что такое настоящее искусство? Это не бездушное воспроизведение действительности, а обдуманное и проанализированное открытие. Но в Академии художеств этого не понимали. С самого начала ее существования преподаватели учили своих учеников по старинке, как учились в свое время сами: списывая с картин великих мастеров, делая огромное количество копий. Главным для художника они считали безукоризненное знание правил и законов живописи. Но новое время требовало перемен, а они не происходили. Взрослеющим молодым художникам становились неинтересны занятия, еще не попав на которые, они уже знали, что сегодня будут писать. Ежедневно срисовывать, не вкладывая ни капли своей души, своих чувств и настроения, становилось скучно.
   Не радовали новые картины и зрителей, да, впрочем, чему было радоваться, когда на любой картине с аналогичным сюжетом можно увидеть одного и того же героя в одном и том же положении, одежде, с одним и тем же выражением лица. Да к тому же герои эти были из мира вымышленного, нереального, а герои настоящего времени полностью отсутствовали. Так долго стоять на одном месте искусство не могло. С каждым днем нарастало недовольство учеников академии, и в один такой день оно вылилось наружу.
   На одном из заседаний Петербургского университета, состоявшемся 10 мая 1855 г., студенты обязаны были зачитать свою трудовую диссертацию. Они поочередно выступали, убеждали преподавателей в своей правоте, при необходимости спорили. Когда же очередь дошла до Н. Г. Чернышевского, он заговорил об искусстве, его отношении к жизни. Молодой ученый высмеял старомодность настоящего искусства, упрекнул его в полном бездушии и неумении говорить с людьми, нести им свет и надежду. По окончании его речи зал рукоплескал, а присутствующая комиссия была вне себя. С этой речи в искусстве действительно начались перемены: молодежь стала бороться за новое, наотрез отказываясь следовать старым канонам и правилам.
   Затронуло данное молодежное движение и Академию художеств. Как и в университете, во время ознакомления учеников с темой их итоговой работы произошел взрыв – терпение молодых людей иссякло. Совет академии образно нарисовал им сюжет картины, выбранной для написания, на что И. Н. Крамской, бывший в числе присутствующих 14 человек, сказал, что никто не желает исполнять эту работу, и если что и следует рисовать к диплому, так это то, что хочет сам художник. Преподаватели, естественно, наотрез отказались от его предложения, совершенно не ожидая, что их лучшие ученики решатся отказаться от золотых медалей и уйти из академии без звания художника. Студенты же понимали, что художник – это вовсе не тот, кого так называют, художником можно назвать и маляра, художник – этот тот, кто творит для и ради народа.

   Сохранились сведения о том, какое задание стало поворотным в истории Академии художеств. Студентам было предложено воспроизвести сцену из древнерусского предания, в котором описывается бог Один. Этот бог имел у себя в услужении двух черных воронов и двух злобных волков, которые следовали за ним неотступно. Именно его и его слуг требовалось изобразить ученикам академии.

Возникновение артелей и передвижных выставок

   Уйдя из Академии художеств, молодые дарования, конечно же, не могли оставить искусство, да и совершенно не собирались этого делать. У них в планах было создать собственную организацию, которая будет творить во славу родины и народа, запечатлеет не исторические события и сюжеты, а реальную окружающую жизнь. За воплощение этих стремлений взялся тот же самый И. Н. Крамской. Вместе с друзьями он снял в городе квартиру, из которой совместными усилиями была сделана мастерская. В ней художники создавали свои картины, выполняли заказы. При этом художники не просто объединились в небольшую компанию, но и организовали артель со своим собственным уставом. Этот устав регламентировал все их отношения, разрешал вопрос о распределении средств, часть которых отдавалась автору, а вторая шла на нужды организации.
   За очень небольшой промежуток времени артельщики стали довольно известны. Но спустя некоторое время многие из них вступают еще в одну организацию, на этот раз созданную более зрелыми людьми – В. Г. Перовым, Н. Н. Ге и Г. Г. Мясоедовым – и носящую название «Товарищество художников». Теперь уже новая организация начинает организовывать первые передвижные выставки, названные так потому, что художники перевозили их по стране, показывая простому народу. Любовь низших и средних слоев общества к этой организации стала абсолютной. Успех сам шел к ним, а ведь они его не искали. Чернышевский объяснял это явление тем, что художники держались вместе, а не обособленно.
   Как и у артельщиков, у передвижников имелся свой устав, подписанный ими 2 ноября 1870 г. В соответствии с ним художники обязывались устраивать выставки для различных кругов населения, а полученную выручку делить поровну, вычитая 5 % для поддержания организации. Без экономической независимости существование было бы невозможно, и все это понимали. В результате постепенно в союзе был создан фонд поддержки, из которого каждый, в случае необходимости, мог взять кредит и застраховать свои картины.
   Самая первая передвижная выставка, на которой демонстрировалось всего 46 работ, была представлена на суд зрителей 29 ноября 1871 г. в Петербурге – на самом первом этапе развития движения «хождения в народ». Вслед за ней товарищество организовало около 48 выставок во многих городах и районах.
   Вместе с передвижной выставкой почти всегда путешествовал известный в то время критик и лучший друг передвижников Владимир Васильевич Стасов. Он всеми силами отстаивал их интересы, помогал подыскивать справочный материал, требуемый для создания очередного произведения, или просто вселял в души веру. Его любимой фразой, с которой он обращался к сомневающимся в себе художникам, было: «Настоящее искусство смотрит во все глаза на то, что совершается вокруг нас», а потом добавлял: «А вокруг нас живет, трудится, бедствует народ. Только там и есть настоящее искусство, где народ чувствует себя дома».

   Любимый критик передвижников был выходцем из одного старинного рода, имеющего свой собственный герб с изображением руки, держащей якорь. Значение герба переводилось как «верность и надежда». Но художников этот герб не совсем устраивал, а потому они создали для Стасова новый, состоящий из шпоры и лупы. А снизу изображения герба приписали: «Владимир Васильевич будто шпорой подгоняет искусство вперед и обладает удивительным даром зажигать других».

   Товарищество просуществовало с 1870 по 1923 гг. и стало самой значительной художественной организацией в русском искусстве. Ее значение и след огромны не только из-за того, что молодые художники и мастера живописи донесли искусство до простых людей, но и по наследию, оставленному нам, потомкам.

Зрительный ряд

Во время знакомства учащихся с работой передвижников могут быть использованы репродукции, рассказывающие детям о том, кто организовал и работал в данном союзе. Кроме того что существует большое количество автопортретов и портретов его участников, а это и Г. Н. Мясоедов, и В. И. Суриков, и И. И. Шишкин, и В. Е. Маковский, и И. Е. Репин, а также многие другие, сохранилась фотография 1881 г., на которой засняты те, чье искусство будоражит сердца людей и по сей день. Как дополнение к ней можно использовать и работу И. Е. Репина «Портрет В. Стасова».

Литературный ряд

Естественно, что молодежное движение, начатое Чернышевским, затронуло не только художественные круги, но и многие другие виды искусства, в том числе и литературу. Здесь можно найти много работ таких же юных бунтарей, в том числе и самого Чернышевского. Из имеющейся литературы можно подобрать отрывки, наиболее точно характеризующие атмосферу этого времени. Задание по поиску литературного ряда может быть дано и самим ученикам.

Музыкальный ряд

Как известно, передвижниками двигало чувство долга перед народом, желание показать жизнь с иной, ранее незнакомой стороны, воспеть величие родной стороны и показать необходимости перемен. А если наложить это на музыку, то получится что-то сильное, зовущее за собой, как в маршах или полонезе. Такой музыкой может послужить марш из балета Щелкунчик» П. И. Чайковского, «Полонез» Ф. Шопена, зовет на подвиги ария Ивана Сусанина и «Славься» из оперы М. Глинки «Иван Сусанин», а также отрывок из кантаты С. Прокофьева «Вставайте, люди русские».
Творчество передвижников – тема довольно интересная и важная. Она позволяет понять, каким образом жизнь народа сказывается на его искусстве, откуда берет свое начало историко-бытовой жанр и жанр сельского пейзажа. Кроме того, дает представление о том, насколько сильным и значительным объединением является союз людей с общими идеалами и стремлениями, в некоторой степени показывает на важность такого человеческого качества, как дружба. Ведь только вместе художники-передвижники представляли собой значимое объединение, способное дать народу не только возвышенное искусство, но и повернуть развитие живописи по совершенно иному, новому пути. Иными словами, материал о переворотном времени в истории живописи должен стать заключительной темой в четверти и подвести итог творчества изученных ранее художников.

Проведение беседы с учащимися

Учитывая то, что наиболее оптимальный урок по данной теме – это заключительный (в четверти, в учебном году), то и беседа должна охватывать собой не только период самого переворота и бунта в Академии художеств, но и достижений за время существования передвижнической организации. Дети должны сами сопоставить творчество различных мастеров живописи (тем более что к этому времени они уже будут иметь необходимые знания для более глубокого и обширного анализа), а также попытаться представить путь развития искусства в отсутствие данного объединения. Это не только позволит включить воображение детей в работу, но и даст возможность учителю понять, насколько глубоко материал был понят, какие детали все же оказались упущенными и лишенными внимания.

20. Портреты, созданные И. Н. Крамским (1837–1887)

Настоящему художнику предстоит громадный труд… поставить перед лицом людей зеркало, от которого бы сердце их забило тревогу.
И. Н. Крамской

Биография художника

   Иван Николаевич Крамской родился в городе Острогорске, находящемся в Воронежской губернии. Его отец и дед всю жизнь были писарями, но мальчика эта профессия нисколько не привлекала.
   Не желая сидеть на шее у родителей, юноша, едва ему исполняется 16, начинает работать. Сначала устраивается к фотографу А. П. Данилевскому помощником-ретушером, потом отправляется вместе с ним на заработки в провинции и небольшие города. Оказавшись в Петербурге, Крамской следует выбранному пути, устраиваясь работать в фотоателье к И. Ф. Александровскому. Немного пообвыкнув к петербургской жизни, он пробует поступить в Академию художеств и в 1857 г. становится ее учеником.
   Во время обучения Крамской много спорит с преподавателями по поводу того, что старые правила и программы устарели и давно уже требуют пересмотра. Это мало что дает. Но художник не унимается, взяв на себя смелость провести в академии переворот.
   Это событие произошло осенью 1863 г., когда 14 академистам, претендующим на золотую медаль, дали задание написать картины по мотивам скандинавской саги. Он, как и все остальные художники, категорически отказывается выполнять это задание, и все они демонстративно покидают академию.
   После этого Крамской вновь берет на себя инициативу, на этот раз по созданию независимого объединения – Артели художников, известной позднее как Товарищество передвижников. Совместно с друзьями художник приступает к созданию выставки для народа и о народе. Первый их дебют происходит 21 ноября 1871 г. в здании самой Академии художеств, а уже оттуда выставка перевозится в Москву, Киев и другие города России. Увы, его артель просуществовала недолго и постепенно распалась из-за внутренних раздоров и склок.
   Проводя много времени в Товариществе передвижников, Крамской не забывал о своей семье. Дети были для него отдушиной. С особой любовью он написал их портреты: «Портрет Сергея Ивановича Крамского», «Портрет Анатолия Ивановича Крамского» и др. Когда же двое его младших сыновей умирают, Крамской впадает в депрессию. Под влиянием нахлынувших на него чувств горечи, бесконечной утраты он пишет картину «Неутешное горе», воплотив в ней все то, что он и его жена ощущали.
   Умирает художник 25 марта за рисованием портрета доктора Раухфуса. Смерть приходит к нему настолько неожиданно, что, стоя перед портретом, Крамской роняет кисть, оставив на холсте роковую линию.

История создания произведений

   Самый важный этап в творчестве Ивана Николаевича наступает во время создания союза передвижников. Загоревшись идеей изменить искусство, художник создает в эти периоды такие работы, как «Русалки», «Христос в пустыне» и многие другие.
   Крамского включают и в число ведущих русских портретистов, т. к. его перу принадлежат такие известные работы, как портреты Толстого, Некрасова. Многие из этих работ были заказаны или куплены П. М. Третьяковым. Например, портрет писателя Л. Н. Толстого Третьяков поручает написать именно ему, посчитав, что данная работа станет достойным украшением собираемой им портретной галереи замечательных людей. Крамской соглашается.

   В одной из картин художника современники находят сходство женского образа с внешностью жены брата П. М. Третьякова. Естественно, что картина сразу же была приобретена семьей Третьяковых. Называется же картина «Лунная ночь».

   Но написать портрет Толстого было не так-то просто, в связи с тем, что писатель категорически возражал, чтобы на его изображение глазели, как в зоопарке. Но Ивану Николаевичу Крамскому все же удается сделать невозможное. Приехав летом в соседнюю от «Ясной поляны» (имение Толстого) деревеньку, он отправился к нему в гости. Дома Толстого не оказалось, но его работники сказали, что он где-то во дворе. Художнику ничего не оставалось, как отправиться на поиски писателя. Зайдя в небольшой сарайчик, он наталкивается на колющего дрова бородатого мужчину, у которого и интересуется, где бы мог быть Лев Николаевич. Каково же было удивление, когда бородач его поприветствовал и назвал свое имя: им оказался сам Толстой.
   Спустя несколько минут гость и хозяин уже беседовали по поводу написания портрета. Толстой сначала наблюдал за художником, выслушивал его идеи и уверения в том, что портрет его все равно потомки напишут, только уже по описаниям, а потом признался, что работы художника знает и очень уважает, а потому не прочь попробовать. Но при этом писатель заметил, что если и писать портрет, то только для собственной семьи, чтобы перед другими не маячил. Крамской пообещал, что напишет 2 портрета, и оставил за писателем право разрешать или запрещать его показ публике, а в случае, если работа автору и вовсе не понравится, она будет уничтожена.
   Портреты Толстого были готовы в очень короткий срок, и, как и договаривались, один был отдан писателю, а второй помещен в Третьяковку. В благодарность писатель выпускает книгу «Анна Каренина», в которой одного из героев, художника Михайлова, списывает с самого Крамского. Получилось, что поэт и писатель писали друг друга одновременно.
   Кроме великолепного портрета Толстого, Крамской пишет и портрет Некрасова во время его болезни. Прекрасно понимая, что жить ему осталось недолго, Некрасов желал оставить после себя хоть какое-то воспоминание, а потому обращается к Крамскому с просьбой написать его портрет. В то время он слыл самым лучшим портретистом. Крамской, конечно же, соглашается и сразу же начинает наведываться в дом к поэту. Работать было сложно, т. к. болезнь совсем свалила Некрасова с ног. Когда же картина-портрет, а ее художник назвал «Некрасов в период «Последних песен», была готова, писатель остался им доволен.

Зрительный ряд

Творчество художника очень обширно и разносторонне: это и картины бытового характера, и портреты. Наиболее успешные из этих работ, четко характеризующие стиль и мастерство художника, следует использовать на уроке, во время знакомства с творчеством автора. В их число можно включить: «Христос в пустыне», «Неутешное горе», «Русалки», «Портрет Л. Н. Толстого», «Портрет Некрасова», «Неизвестная», «Майская ночь», «Лунная ночь», «Созерцатель», «Голова крестьянина», а также портреты сыновей Сергея и Анатолия.

Литературный ряд

Во время демонстрации портрета Л. Н. Толстого, написанного Крамским, и знакомства с его созданием очень полезно зачитать отрывок из «Анны Карениной», где описывается художник Михайлов, прототипом которого автор взял своего портретиста. В свою очередь, перед анализом «Портрета Некрасова в период «Последних песен», необходимо зачитать последнее творение поэта – стихи с тем же самым названием.
Картине «Неизвестная» уже давно критики приписывают близость с такими произведениями, как «Анна Каренина» Л. Н. Толстого, Настасьей из «Идиота» Достоевского и «Незнакомкой» Блока. Такое различие во мнениях дает возможность провести вместе с детьми анализ этих произведений и сопоставить их с изображенной на картине женщиной.

Музыкальный ряд

Подбор музыкального ряда к работам художника будет опираться на их жанр. К портретам подойдет музыка сильная и героическая, как и сами личности, смотрящие с полотен. Это может быть почти любое сочинение Л. Бетховена. Ко всем же остальным полотнам можно подобрать композицию, отвечающую их общему настрою.

Применение материала

Художника И. Н. Крамского чаще всего воспринимают как мастера портретного жанра, несмотря на то, что в его творчестве присутствует множество работ, относящихся и к другим жанрам. Причина в том, что художник и в самом деле был лучшим портретистом своего времени и сумел приобрести славу еще при жизни. Ему доверил написание своего портрета непреклонный Л. Н. Толстой, доживающий свои последние дни Некрасов и многие другие. Не иметь этого в виду при выборе темы для использования данного материала просто невозможно. Таким образом, основной темой художника становится жанр портрета.
Многие преподаватели изобразительного искусства наверняка посчитают, что на тему портрета предлагается слишком уж большое число художников и материалов о них. В некоторой степени это действительно верно, только следует заметить, что материал именно предлагается, а вот его выбор полностью в руках учителя. В данном же случае хочется посоветовать не просто использовать биографию художника при изучении портрета, а вынести ее на совершенно иную тему, общее название которой может стать таким: «Великие люди России на полотнах мастеров живописи», тем более что на счету художника множество портретов как известнейших поэтов и писателей, так и музыкантов, деятелей науки и т. д.

Проведение беседы с учащимися

   Очень интересную беседу можно провести, анализируя картину Крамского «Неизвестная». Учитель может задать детям следующие вопросы, требующие не очевидного ответа, а очень продуманного:
   1. Что, на ваш взгляд, хотел передать художник в своей картине «Неизвестная»? (Он хотел показать одиночество человека, которого никто не понимает, которому никто не сочувствует и не любит.)
   2. Почему тему одиночества художник передал через образ романтической и очень красивой женщины, а не бедняка, брошенного детьми старца и т. д.? (Красота не спасает от одиночества – что и показал нам Крамской.)
   3. Что в понимании Крамского означала красота женщины в мире, полном нечестности, разврата и убогости? (Красоту художник относил к дьявольским наваждениям, хотя не отрицал, что она может быть дана не только от дьявола, но и от Бога. В образе данной женщины он подчеркнул злую красоту.)

21. Пейзажи А. И. Куинджи (1841–1910)

Если ты, рисовальщик, хочешь учиться хорошо и с пользою, то приучайся рисовать медленно и оценивать, какие цвета и сколько их содержится в первой степени светлоты, и подобным же образом их тени, какие более темны, чем другие».
Леонардо да Винчи

Биография художника

   Архип Иванович Куинджи родился в 1841 г. в семье грека. Его семья была бедной: отец работал сапожником и получал считанные гроши. Едва мальчик подрос, ему пришлось познавать взрослую жизнь и начать работать. Сначала маленький Архип пас гусей, когда немного подрос, стал работать у подрядчика, чуть позднее перешел в булочную. Вместо того чтобы играть с остальными детьми, мальчик был вынужден отрабатывать свой хлеб.
   Первые его таланты как живописца открылись в момент занятий ретушерством. Именно тогда юноша осознал, что искусство – это именно то, чему ему хотелось бы себя посвятить. Мечтой Архипа становится поступление в Академию художеств, откуда, как он знал, всегда выходили великие художники. Следуя своей мечте, в 1860 г. он отправляется в Петербург. Но подготовлен к поступлению он был слишком слабо, потому пришлось ему продолжать работать в городе, а свободное время посвящать творчеству и оттачиванию живописного мастерства. Наконец, в 1868 г. его принимают в академию вольнослушателем за удачное исполнение картины «Татарская сакля».
   Окончить обучение в академии Архипу не удалось, т. к. во время передвижнического движения он уходит из нее и присоединяется к близким по духу товарищам. А после реформы академии возвращается в нее и становится основателем пейзажной мастерской, а затем и Общества художников-пейзажистов.

История создания произведений

Творчество каждого пейзажиста непременно имеет какие-то свои особенности. Есть они и в работах Куинджи. Это тяга к передаче необычных эффектов освещения. Именно по этой причине большая часть картин художника легко объединяется одной темой: «Ночь». Ночное время дает массу возможностей: передать сиянье звезд и луны, искусственного освещения свечи и фонаря, ярких бликов, отражающихся от освещенных предметов. При этом, чтобы написать силуэты предметов на почти черном фоне, да еще так, чтобы они были реалистичны и правдоподобны не только по форме, но и по цвету, необходимы не только мастерство, но огромные навыки, постоянное совершенствование и писание большей частью определенных видов пейзажа. И Куинджи это мастерство воспитывал в себе сам, не имея возможности быть ему наученным, ведь тема ночной жизни почти совершенно не затрагивалась и не привлекала ни студентов академии, ни ее преподавателей.

Зрительный ряд

Знакомя учащихся с ночными пейзажами Куинджи «Лунная ночь на Днепре», «Закат» и пр., обязательно следует продемонстрировать и иные его работы, не входящие в эту тему, чтобы показать детям, что мастерство художника не было узко специализированно и не развивалось в одних рамках. Для просмотра можно взять яркую и совершенно противоположную ночным работам «Березовую рощу», «Ладожское озеро» и картину «На острове Валааме».

Литературный ряд

Названия многих произведений художника сами собой подсказывают аналогичные названия стихов, которые могут быть использованы на уроке во время их рассмотрения. Их и следует использовать.

Музыкальный ряд

Тема ночи очень полно освящена в музыке, а потому при подборе композиций для урока проблем возникнуть не должно. Преподаватель может использовать отрывок из сочинений Э. Грига «Заход солнца», М. Глинки «Венецианская ночь», Г. Гладкова (фортепианная песня) «Колыбельная», А. Бородина «Спящая княжна». Почти все эти композиции несут в себе атмосферу полного мрака, темноты, что подчеркивается сонным характером самой музыки. А вот смену красок, как бы переход от картины «Березовой рощи» к «Лунной ночи» можно увидеть в композиции Ф. Шуберта «Пьеса» (аллегретто).

Применение материала

Справочный материал по творчеству художника является великолепным дополнением для уроков на темы: «Царство света и тени в живописи», «Черная краска и ее роль», «Черное и белое, контраст и нюанс», «Линия и пятно» и т. д. Словом, материал может быть использован при изучении любой темы, имеющей отношение к резкому контрасту цветов и черно-белой цветовой гамме.

Проведение беседы с учащимися

   Картины художника невольно сами задают зрителю массу вопросов, ответить на которые предложите классу:
   1. Сколько оттенков может быть у черного цвета?
   2. Можно ли написать картину одной только черной краской, совершенно не используя другие?
   3. Почему черный цвет относят к числу наиболее важных?
   4. Возможна ли живопись без черного цвета? Чего в ней не будет хватать?
   5. Какими цветами можно заменить черный при написании ночного пейзажа?

22. И. Е. Репин (1844–1930)

Рисуя ухо – смотри на пятку.
И. Е. Репин

Биография художника

   Илья Ефимович Репин родился в Харьковской губернии в селе Чугуев. Его отец был военным, а потому семья не имела практически никаких реальных доходов и нищенствовала. С раннего детства понимая, что нужно как-то зарабатывать себе на пропитание, юноша начинает писать иконки, небольшие портреты, а одновременно с этим обучаться в топографической школе. Но такой заработок мало что меняет, и Репин делает попытку изменить свою жизнь, переехав в Петербург и попытав счастья в Академии художеств. Счастье ему действительно улыбается, и в 1864 г. он становится учеником академии.
   Но привычка постоянно трудиться и здесь не оставляет художника. В свободное от занятий время он посещает Артель Крамского и очень многому у него обучается. Такой ежедневный труд позволяет художнику блестяще завершить обучение в академии – ему не только вручают золотую медаль, но и позволяют продолжить обучение во Франции. На родину художник возвращается только в 1876 г. и сразу же приступает к созданию ставших впоследствии наиболее известными произведений.
   В этот период происходит самый расцвет созданного художниками Товарищества передвижников. Репин, как и многие молодые мастера, вступает в него и приступает к созданию картин с народным сюжетом, участвует в передвижных выставках. После реформы в Академии художеств он назначается ее профессором.
   Жизнь художника была длинной – он прожил до 86 лет и скончался 8 августа 1930 г. в своем доме «Пенаты», после революции оказавшемся за пределами России (в Финляндии). Вернуться на родину ему не позволило здоровье.

История создания произведений

   Проводя все свободное время за работой, Репин практически не выходил из дома. Один из выездов на природу подсказал ему тему для нового произведения, а именно – «Бурлаки на Волге». Еще обучаясь в академии, юноша не давал себе отдыха, и лишь из-за уговоров друзей согласился отправиться на Неву. Именно там, созерцая с парохода могущественные воды реки, наблюдая за копошащимися на берегу людьми и впервые увидев тянущих баржу бурлаков, Репин надумал создать картину «Бурлаки на Волге». Его приводило в ужас то, что промышленники использовали людей вместо скота.
   С этого момента началась работа над картиной. На первом наброске художник изобразил гордых господ, мирно прогуливающихся по бережку, а чуть в стороне – «запряженных» мужчин, тянувших баржу. Но общее впечатление его не устроило – получалось, что он подчеркнул всесилие господ и унизил простых бурлаков. И тут опять же помогли его друзья, предложившие в очередной раз поездку на реку, на этот раз их выбор пал на Волгу. Вместе с ними художник поселился в деревне. Там он повстречал настоящих бурлаков и даже подружился с ними. Особенно ему приглянулась одна артель, состоящая из 11 человек, которая часто проходила мимо. За небольшое время художник познакомился с каждым из них, узнал многое о жизни этих смелых людей.
   Теперь он приступает к написанию второго этюда. На этот раз его образы взяты с живых людей, которые даже наблюдали за созданием картины. Бурлаков удивило то, что человек на холсте был как живой, готовый вот-вот сойти с него. Работа над картиной растянулась на 5 лет. В этот период он однажды выставил картину на суд зрителей, но сразу же после этого вновь уехал на Волгу дорабатывать ее. Готовое полотно вызвало положительные отклики и буквально покорило своей правдивостью.

   На готовой картине «Бурлаки на Волге» каждая изображенная личность является индивидуальностью, способной многое рассказать. Так, на переднем плане изображен полюбившийся Репину малоразговорчивый бурлак Кашин, рядом бородатый боец, слегка взлохмаченный. С другой стороны от Кашина идет бурлак по имени Илька, а позади него – курящий трубку высокий мужчина. Юный Ларька оказался рядом со стариком и немцем. Глядя на картину, кажется, что ему гораздо сильнее, чем всем остальным, хочется избавиться от этого непосильного груза.

   Своеобразную историю имеет и картина «Запорожцы пишут письмо турецкому султану». Отдыхая летом 1878 г. в имении своего друга Саввы Мамонтова, художник услышал сочинение на эту тему в исполнении самого хозяина. Яркая артикуляция украинской речи во время чтения ответа запорожских казаков султану, предложившему им сдаться в плен, создала в воображении художника эту сцену, и он решил написать образы непоколебимых казаков. Первый эскиз художника не удовлетворил, и он решается изучить обычаи, традиции и образ жизни той эпохи. В связи с этим в начале 1880 г. он отправляется на Украину, в места, где все это и происходило. Вместе с ним едет и его юный ученик В. Серов.
   Там художник посещает памятники старины: запорожские церкви, музеи; делает зарисовки национальной одежды, оружия, предметов быта. В конце концов в руках у него оказывается целая стопка альбомов с зарисовками. Он приступает ко второму эскизу, увеличив число действующих лиц. Но опять что-то не совсем устраивает автора. И он предпринимает попытку посетить Кубань, где проживали потомки запорожских казаков. Там он лично беседует с ними, выслушивает рассказы о прошлых подвигах, делает зарисовки. Именно после этой поездки он приступает к написанию итогового варианта картины. Он вносит в композицию образы людей: знакомого казачка Василия Олешко художник превращает в атамана Ивана Серко, наброски друзей и знакомых соединяет в образах других казаков. Заканчивает работу над картиной Репин в 1891 г., а приобретает ее Александр Третий.

   Несколько лет назад появился такой термин, как «батальный жанр». Bataille в переводе с французского означает «битву» или «сражение». Именно этим словом был назван жанр изобразительного искусства, посвященный военной тематике. Данный жанр может рассматриваться как продолжение жанра исторического.

   Не только с вышеописанными картинами связаны своеобразные истории. Так, работа над картиной «Царевна Софья Алексеевна в Новодевичьем монастыре в 1698 году» познакомила художника с будущим мастером живописи Серовым, которого привела к нему его мать. Ее образ и стал прототипом царевны. Теперь у зрителя есть возможность увидеть не только царевну, но и мать художника Серова.
   А вот с картиной «Иван Грозный и его сын Иван 16 ноября 1581 года» трагические истории начали происходить уже после ее создания. По каким-то непонятным причинам она привела в бешенство иконописца и страстного поклонника старообрядцев А. Балашова, который на очередной выставке порезал картину ножом. Вслед за этим кончает жизнь самоубийством Е. Хрусталев, хранитель галереи. Будучи очень порядочным человеком, он посчитал себя виноватым в том, что не смог уберечь это великое полотно от хулигана. Сам художник об этой ситуации узнал не сразу, т. к. ему побоялись докладывать, предпочтя сначала восстановить картину своими силами. Но после работы реставраторов Репин все же внес некоторые поправки в картину.

Зрительный ряд

Зрительный ряд к урокам по творчеству И. Е. Репина чаще всего очень большой, но это гораздо точнее позволяет познакомить детей с его работами. Во время урока следует использовать следующие работы художника: «Запорожцы пишут письмо турецкому султану», «Бурлаки на Волге», «Негритянка», «»Садко», «Арест пропагандиста», «Под конвоем», «Не ждали», «Портрет брата В. Репина», «Отказ от исповеди», «Царевна Софья Алексеевна в Новодевичьем монастыре в 1698 году» «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года».

Литературный ряд

   Как уже упоминалось выше, на создание картины «Запорожцы пишут письмо турецкому султану» художника натолкнуло сочинение «Вестник Европы», написанное Комаровым. Вслед за этим Репин читает «Историю казачества в южнорусских песнях и былинах» Драгоманова, чтобы иметь возможность нарисовать в памяти образы казаков. Достать этот материал, тем более для преподавателей сельских школ, не так-то просто, а потому лучше заменить его аналогичным, также рассказывающим о жизни запорожских казаков.
   К картине «Бурлаки на Волге» может быть использован отрывок из стихотворения Некрасова «Парадный подъезд», долгое время считавшегося основным толчком для написания Репиным картины. Но, как признался друзьям сам художник, с данной работой поэта он познакомился после написания бурлаков:

     Выдь на Волгу; чей стон раздается
     Над великою русской рекой?
     Этот стон у нас песней зовется —
     То бурлаки идут бечевой…»

   А вот произведение Н. Минского «Последняя исповедь» действительно стало основой для создания Репиным картины «Отказ от исповеди»:

     ПОП: «Покайся, сын, в грехах…»
     В ответ он слышит:
     «Я не совсем бессилен – умереть
     Осталось мне, и грозное оружье
     Яна врагов скую из этой смерти…
     Я кафедру создам из эшафота
     И проведу могучую безмолвно,
     В последний раз скажу перед толпой!
     Как надо жить, тебя не научил я,
     Но покажу, как надо умирать».

Музыкальный ряд

Каждое из полотен художника очень интересно и по-своему особенно, а потому во время просмотра лучше использовать сразу несколько музыкальных композиций, характеризующих различные картины. Так, «Бурлаки на Волге» необходимо сопроводить песнями о могучей реке: «Вниз по матушке по Волге» А. Александрова, вариацией на ту же тему А. Даргомыжского и другими. К портрету композитора М. П. Мусоргского, известного всем по школьным учебникам, можно использовать любое его сочинение.

Применение материала

Илья Ефимович Репин по праву относится к тем художникам, о жизни и творчестве которых следует вести отдельный разговор, не включая их ни в какой состав тех или иных тем. Его работы не просто мастерски написаны, но и не имеют аналогов на протяжении очень длительного времени. Кроме того, И. Е. Репин является гордостью наглей страны, и знать о нем дети должны не просто понаслышке и поверхностно, а гораздо глубже.

Проведение беседы с учащимися

Лучший вариант беседы о работах художника – это их анализ. Любая картина Репина дает возможность охватить сразу несколько важных тем: знание и соблюдение перспективы, умелое использование цвета, мастерское композиционное построение. На этом и следует строить беседу.

23. Н. А. Ярошенко (1846–1898)

Художник – чувствилище своей страны, своего класса, ухо, око и сердце его; он – голос своей эпохи.
А. М. Горький

Биография художника

   Николай Александрович Ярошенко родился 1 декабря в семье военного в Полтаве. И вполне понятно, что родители направили его обучаться в Артиллерийскую Петербургскую академию, хотя мальчик изрисовал в доме все двери и подоконники. Естественно, что юношу обучение там никак не привлекало, а потому он не слишком старался все освоить, мечтая поскорее вернуться в отчий дом. И мечта эта в самом деле осуществилась. Точку на его карьере в некоторой степени ставит сам отец, посчитавший, что в армейских кругах началось брожение и разложение, перестали соблюдаться правила и устои, а потому лучше из них удалиться. Сделав такой вывод, он забирает сына домой.
   Вернувшись домой, юноша вновь принимается за старое, почти не расставаясь с бумагой. Родители на эти шалости внимания практически не обращали, и, возможно, так ничего и не изменилось бы, если бы однажды в гости не пришел Иван Кондратьевич Зайцев, сразу же усмотревший в работах мальчишки толк и посоветовавший продолжить обучение.
   О поступлении в Академию художеств отец юноши даже не думал, карьера военного для сына значила куда больше, а потому он направляет Николая в Петербург для дальнейшего обучения военному делу. Юноша послушно едет, на радость отца за сравнительно небольшой срок приобретает генеральский чин. Но о своем настоящем призвании Ярошенко не забывал никогда: ни во время учебы в Корпусе, ни будучи в Петербурге. Параллельно с обучением там он самостоятельно поступает еще и в академию вольнослушателем. А окончив ее, присоединяется к передвижникам.
   Дальнейшая судьба художника продолжается возле Кисловодского инженерного патронного завода, куда художник пришел работать в двадцатитрехлетнем возрасте и в котором проработал до 46 лет. Этот самый завод во многом определил и темы его творчества.

История создания произведений

Николай Ярошенко памятен многим как мастер-жанрист и портретист. Его картины – это прежде всего страницы истории, сохранившие для нас образы разночинной молодежи и деятелей культуры. Первых художник запечатлевал на своих картинах «Студент», «Старое и молодое», «Заключенный», вторые же вошли в состав целой серии портретов передовых деятелей.
Кроме того, Ярошенко называют еще и первооткрывателем темы «Изображение промышленных рабочих», поскольку он стал первым художником, обратившим на них взгляд и создавшим на эту тему одно из своих самых известных полотен «Кочегар». Этой работой он обращал внимание людей на еще один проживающий в постоянной бедноте класс – рабочих. Ярошенко считал, что о крестьянах сказано уже почти все, в то время как их собратья, обливающиеся потом от такой же изнурительной работы у станков, не заслужили и маленькой доли внимания. Эту ошибку художник исправил.

Зрительный ряд

Из творчества художника Н. А. Ярошенко для урока можно взять следующие его наиболее примечательные произведения: «Кочегар», «Заключенный», «У Литовского замка», «Старое и молодое», «Студент», «Всюду жизнь», «На качелях», «В теплых краях», «Курсистка» и т. д.

Литературный ряд

Связь художников с живописцами всегда была очень тесной, это подтверждают и некоторые картины Ярошенко. Например, полотно «Всюду жизнь» он написал под впечатлением от только что прочитанного произведения Л. Н. Толстого «Чем люди живы?». Даже название Ярошенко сначала планировал сделать немного другим и аналогичным этому: «Где люди, там и Бог».

Музыкальный ряд

Рассматривая полотна художника, невольно осознаешь все мужество, силу, энергию, которыми наделил своих моделей автор. Перед глазами встает настоящее новое поколение, несущее в мир перемены.
Такие картины лучше всего анализировать при сопоставлении их с маршевой музыкой Бетховена и Дунаевского.

Применение материала

Среди тем, изучаемых в процессе знакомства с изобразительным искусством, очень часто встречаются темы освободительного движения: «Народные герои в произведениях живописи», «Каждый народ – защитник своего Отечества» и т. д. Для некоторых из них материал о жизни и творчестве Ярошенко очень подходит.
Кроме того, его работы можно использовать и при знакомстве детей с темами труда: «Труд людей зимой и осенью», «Моя будущая профессия», «Все работы хороши, выбирай на вкус» и т. д. Некоторые картины художника, являющегося, как упоминалось ранее, первооткрывателем темы промышленных работ, впишутся в урок наиболее удачно.

Проведение беседы с учащимися

   При рассмотрении репродукций картин Ярошенко можно задать детям вопросы, аналогичные данным:
   1. Посмотрите на картину художника «Всюду жизнь» и скажите, чей образ проглядывает в лице стоящей на перроне женщины с ребенком? (Образ Богоматери с младенцем.)
   2. Почему для картины «Кочегар» художник выбрал теплую гамму цветов?
   3. На каких полотнах художника запечатлены образы молодого поколения?

24. В. Е Маковский (1846–1920)

Биография художника

   Владимир Егорович Маковский родился в Москве, в семье художника-любителя и коллекционера, Егора Ивановича. Будучи бухгалтером, Егор Иванович оставил свой след в живописи и памятен истории тем, что помог основанию Московского училища живописи и ваяния. Именно он привил своим детям, а их было трое, любовь к изобразительному искусству и дал первые азы изобразительного мастерства. Впоследствии все они становятся художниками.
   Первой школой будущего художника В. Е. Маковского становятся работы известных мастеров живописи, висевшие дома, и, конечно же, его отец. Мальчик подолгу рассматривает и изучает эту коллекцию, под строгим присмотром родителя делает первые наброски и зарисовки. Затем его обучение продолжается в училище живописи, ваяния и зодчества, в которое Владимир поступает в 1861 г.
   После окончания училища, в 1869 г., за одну из своих работ он награждается золотой медалью и званием классного художника, а в 1872 г. ему уже присваивают звание академика. В этом же году он примыкает к передвижникам и спустя 2 года становится одним из членов управления Обществом. С 1882 г. он – преподаватель законченного ранее Московского училища живописи, ваяния и зодчества, а затем и преподаватель Петербургской Академии художеств.

История создания произведений

   На выбор Маковским манеры и стиля письма еще в детские годы повлияло творчество его старшего брата Константина. Понимая, что если он пойдет по тому же пути, то из тени в то время уже прославившегося несколькими работами братца ему уже не выйти, Владимир начинает усиленно искать что-то свое, ни на что не похожее. И это ему удается. Он останавливает свой выбор на бытовом жанре и посвящает себя созданию образов простых людей. Позднее он становится настоящим повествователем и созерцателем окружающей жизни, которую он без всяких прикрас переносит на свои полотна.

   Одним из довольно распространенных жанров изобразительного искусства является бытовой жанр. Он включает в себя произведения живописи, раскрывающие зрителю глаза на повседневные события и позволяющие их проанализировать с точки зрения искусства.

   Его творчеству свойственно размышлять, размышлять о жизни, быте и судьбах людей, потерявших уверенность в завтрашнем дне, о драматическом ходе истории страны и грубом вмешательстве государства во все сферы жизни. Он пишет не просто людские души, но и интерьер, характеризующий время. Но при этом в его работах нет ссылок на историю и ее события, но есть их последствия, отраженные во взглядах людей, в образах интеллигенции. По этой причине Маковского часто называют художником-философом. Так ли это, судить зрителям его полотен.

Зрительный ряд

Наиболее прочувствованными и мастерски выполненными работами Маковского являются такие картины, как: «Придворные певчие», «В приемной у доктора», «Любители соловьев», «Крах банка», «Вечеринка», «Свидание», «На бульваре», «Дети, бегущие от грозы», «Варят варенье», «Друзья-приятели», «Оптимист и пессимист», «Ссора из-за карт».
При их анализе очень легко заострить внимание детей на такой особенности, как передача душевного состояния человека средствами изобразительного искусства и единения интерьера со временем.

Литературный ряд

Подборку литературного ряда можно осуществить, исходя из различных соображений. Она может быть как просто передачей изображенного на картинах времени посредством художественного языка, так и описанием событий, изображенных на картинах. Так, для ознакомления с репродукцией «Свидания» могут быть использованы стихи на эту тему.

Музыкальный ряд

Наибольшей близостью с картинами Владимира Егоровича Маковского отличаются музыкальные сочинения, созданные в революционные периоды. Именно это время чаще всего запечатлено в полотнах художника, значит, чтобы проникнуться нужной атмосферой при их созерцании, следует ставить мелодии с соответствующей атмосферой.

Применение материала

Творчество В. Е. Маковского как певца темы революции и передачи душевной неуверенности народа лучше всего использовать при изучении следующих тем: «Борьба за свободу в творчестве художников», «Интерьер и время», а также при знакомстве с бытовым жанром.

Проведение беседы с учащимися

   При анализе полотен художника детям можно задать следующие вопросы:
   1. Как вы знаете, художника Владимира Егоровича Маковского называли художником-философом. Объясните, почему его так прозвали? Подтвердите свой ответ примерами из его картин.
   2. Рассматривая картину «Любители соловьев», мы видим трех стариков. Опишите, что, на ваш взгляд, думает каждый из них? Что художник попытался сказать через выражение их лиц?
   3. На картине «Крах банка» художник запечатлел прогоревший банк. Здесь изображены разные личности. Опишите тех из них, которые являются главными действующими лицами произведения. Что можно сказать о жизни каждого из этих персонажей?
   4. Маковский считал, что интерьер характеризует время гораздо сильнее, чем человек. Докажите или опровергните это высказывание.
   5. Очевидцы и современники называли Маковского мастером короткого рассказа, а сами его картины – бытовыми рассказами. Согласны ли вы с этим? Если да, то почему? Обоснуйте свой ответ. (Сами названия некоторых его картин говорят о том, что само полотно– это настоящий рассказ. Например, «Варят варенье», «Ссора из-за карт», «Друзья-приятели» и т. д. Иными словами, художника и в самом деле можно назвать крупным бытописателем.)
   6. Есть ли среди работ художника серьезные и не относящиеся к разновидности бытового рассказа? Если есть, назовите их. («Посещение бедных», «Крах банка», «Свидание», «Не пущу», «Вечеринка».) В чем отличие этих работ от всех остальных?

25. В. И. Суриков (1848–1916)

Все увидеть, перечувствовать самому, ко всему прикоснуться, что хочешь – писать.
В. И. Суриков

Биография художника

   Василий Иванович Суриков родился 12 января 1848 года в городе Красноярске. Его семья принадлежала к потомственным казакам, чем мальчик очень гордился. Рисовать Суриков начинает очень рано, но родители это занятие не слишком одобряют. Все же, несмотря ни на что, мальчик заканчивает Красноярское уездное училище, где его учителем рисования является И. В. Гребнев. Именно он первым заметил способности мальчика к живописи и помог ему получить необходимые знания в этой области.
   Дальнейшую возможность обучения Сурикова тормозило то, что для поступления в академию он не был как следует подготовлен. Но увидевший его работы, губернатор П. Н. Замятин делает попытку помочь ему и направляет ходатайство в Совет академии, в котором просит принять талантливого мальчика в число учеников. Разрешение на это было получено сразу же, но Суриков не смог пройти вступительные экзамены и вынужден был поступить в школу Общества поощрения художников, в которой и прослушал весь курс обучения за 3 месяца.
   Вторая попытка поступить в академию оказалась более успешной, и 28 августа 1869 г. он становится ее учеником. Дальнейшее обучение также оказывается не лишено неприятностей. Во время сдачи работы на большую золотую медаль его заваливают, предъявив претензию к тому, что на картине «Апостол Павел, объясняющий догматы христианства перед Иродом Агриппой» юноша не догадался изобразить на руках мужчин мозоли. Провал с картиной означал, что дальнейшее обучение в Италии художник получить не сможет.
   Через 6 месяцев ему, в качестве исключения, все же дают право поехать за границу, но художник отказывается от поездки, попросив вместо этого дать ему позволение поучаствовать в росписи московского храма Христа Спасителя. Разрешение на просьбу дается, и Суриков приступает к работе. За 2 года им созданы великолепные фрески, сюжетом которых являются 4 Вселенских собора. А по окончанию работ он увлекается написанием картин на исторические темы, часами бродит по улицам в поисках необходимых образов и фигур.
   В 1888 г. в творчестве художника происходит спад, причиной которого становится смерть его жены – Елизаветы Августовны Шаре. Потрясению и горю Сурикова не было конца, и друзья уговаривают его уехать на время в родной город. Суриков соглашается и, взяв своих двоих дочерей, отправляется в Сибирь. Именно там ему удается немного прийти в себя и вновь вернуться к работе. В это время в его творчестве чувствуется возвращение к прошлому, к временам детства.
   В 1891 г. художник снова возвращается в Москву, где пишет самые известные картины: «Покорение Сибири Ермаком», «Степан Разин». Удивительно, но многие картины Сурикова не находили понимания среди его коллег. Во «Взятии снежного городка» художники не усмотрели ничего примечательного, ради чего вообще стоило бы портить столько холста, а в картине «Переход Суворова через Альпы» им не нравилась поза коня под главнокомандующим. Но это не сломило дух художника, он был уверен, что народ поймет и оценит его работы.
   Умер художник в начале марта 1916 г. в гостинице «Дрезден». Своего жилья в столице он так и не сумел приобрести. Его похоронили рядом с его любимой женщиной на Ваганьковском кладбище.

История создания произведения

   Самой главной особенностью в работе художника было то, что он всегда писал все с натуры и так, как это было в действительности. Друзья замечали о нем, что он часто подшучивал сам над собой, говоря, что если бы ему взбрело в голову написать ад с его грешниками, он бы, не задумываясь, сел на раскаленную сковородку, да и натурщика поместил бы в огонь. Это многое объясняет, ведь Суриков так и делал, к примеру в случае с написанием юродивого к «Боярыне Морозовой», которого он зимой, да еще босым и в одной рубахе, усадил на снег, чтобы передать его настоящие чувства и состояние, правда, напоив предварительно водкой и натерев ею же ноги.

   В картине «Боярыня Морозова» Суриков запечатлел образ Феодосии Прокофьевны Морозовой, которая отрицала новую веру и противилась воле царя и реформе патриарха Никона. Она была ярой старообрядкой, превратившей собственный дом в тайный монастырь, за что и попала в темницу, а затем была заморена голодом в Боровской земляной тюрьме. Работа над картиной была долгой. Художник быстро написал толпу, но никак не мог подыскать подходящий образ главной героини. Он хотел, чтобы ее лицо и образ подпадали под речь протопопа Аввакума об этой женщине: «Персты твоих рук тонкостны, а очи твои молниеносны. Кидаешься ты на врагов, как лев…» Он запечатлел несколько женщин, но, глядя на них, понимал, что ни в одной нет непокорности и святой веры в свою правду. После показа зрителям картина сразу же была куплена П. М. Третьяковым.

   Даже если ему приходилось писать картины к басням, он искал в окрестностях места, в которых, по его мнению, все это и происходило. Он делал зарисовки отдельных кочек (для басни «Волк и журавль»), длительное время обследовал стадо в поисках дохлой коровенки для басни «Крестьянин и разбойник» и даже залезал на ель, где могла бы сидеть предполагаемая ворона из басни «Ворона и лисица». Ему непременно нужно было ощутить себя на месте этой самой вороны.
   Идея написания такой картины, как «Меншиков в Березове», пришла художнику неожиданно. Однажды летом, отправившись на дачу под Москвой, Суриков оказался захваченным врасплох непогодой. Лил проливной дождь, и о том, чтобы поработать на свежем воздухе, не могло быть и речи. Художник заскучал, начал перебирать в памяти образы тех, кто когда-либо так же долго сидел в крестьянской избе. Вот тут неожиданно и всплыл образ Меншикова, которого и запечатлел художник, основываясь на собственном настроении и атмосфере в избе. В результате огромная фигура Меншикова оказалась сдавлена низким потолком сельской избы и как бы указывала на то, что ему здесь тесно. Лицо Меншикова художник списал с учителя математики Невенгловского, а его жену Марию он скопировал с собственной жены.

   О Меншикове многие ученики либо очень мало знают, либо вообще не имеют представления, кем он был. Александр Данилович Меншиков был другом самого Петра Первого. Он внес свою лепту в строительство кораблей и в расправу с мятежными стрельцами, а после смерти государя оказался сослан в таежные места. Там, не имея дома, ему лично пришлось построить избу, где он и поселился с дочерьми в полном одиночестве. Его жена не перенесла тягот дороги и умерла, даже не добравшись до места, а спустя 6 месяцев покинула отца и старшая дочь.

   Не обошлось без длительных поисков и экспериментов при работе над картиной «Взятие снежного городка». Увидев однажды эту сцену, художник не сразу смог ее зарисовать. Особенно не давался ему скакун. Не оставалось ничего иного, как построить такой же городок в собственном дворе и пригласить казака, который прыгал на лошади через снежную постройку, а Суриков в это время делал наброски и зарисовки.
   Все портреты, которые начинал писать художник, он тщательно анализировал и подбирал для них самый оптимальный формат. Художник был уверен, что не только образ, но и формат картины напрямую зависит от ее содержания, и доказывал это в каждой своей работе.
   При работе над образом Степана Разина художник несколько раз, уже когда картина была представлена зрителям, делал доработки, а при написании стрельца с черной бородой («Утро стрелецкой казни») использовал портретную зарисовку с брата своей матери Степана Федоровича Торгошина, да и рыжеволосого стрельца художник списал с могильщика Кузьмы, работавшего на Ваганьковском кладбище. А юродивого для картины о Морозовой художник первоначально списал со знакомого ему нищего, жившего в подмосковной деревне, но потом превратил его в «татарина» (в верхнем правом углу картины), а новым юродивым стал торговец огурцами.
   Даже свой собственный образ он запечатлел в лице странника – этот профиль любой желающий может увидеть на картине «Боярыня Морозова». Каждый человек для него обязательно должен быть реальным.

Зрительный ряд

   Едва ли не все работы Василия Ивановича Сурикова являются всемирно известными, будь то «Утро стрелецкой казни» или «Боярыня Морозова», «Степан Разин» или «Покорение Сибири Ермаком», «Меншиков в Березове» или «Взятие снежного городка», а также «Переход Суворова через Альпы».
   Позабыть хотя бы об одной из этих работ просто невозможно, значит, репродукции данных картин обязательно должны быть использованы на уроке, тем более что беседа по одной из них обязательно будет вызывать образ из другого его полотна и сравниваться с ним.
   При использовании материала по творчеству Сурикова для изучения портретного жанра наиболее подходящи такие его работы, как «Портрет дочери с куклой», «Автопортрет», «Портрет С. А. Кропоткиной, сестры художника», «Портрет Н. Ф. Матвеевой».

Литературный ряд

   Произведения Сурикова во многом – это эпизоды из истории, значит, подбирая литературный ряд к уроку, необходимо постараться подыскать материал, описывающий запечатленное им событие: образ Степана Разина или Ермака, подвиг Суворова или народный зимний праздник, во время которого проводилась игра, аналогичная «Взятию снежного городка». Сам же урок можно начать со стихотворения Я. Смелякова:

     История не терпит суесловья,
     Трудна ее народная стезя.
     Ее страницы, залитые кровью,
     Нельзя любить безумною любовью
     И не любить без памяти нельзя.

Музыкальный ряд

При просмотре картин Сурикова, запечатлевших образы старины, традиции народа («Взятие снежного городка») или события, его напрямую касающиеся («Боярыня Морозова» и ее роль во время церковного раскола), следует использовать народную музыку и песни. Если к тому же учесть, что многие работы художника запечатлели события, произошедшие в зимний период, то можно использовать и сочинение «Зимний костер» Прокофьева.
Для картины «Степан Разин» лучшим вариантом будут казацкие напевы и песни, а также популярная песня про персидскую княжну.

Применение материала

Материал о творчестве художника лучше всего использовать при изучении таких тем, как: «История государства Российского в живописи», «Исторический жанр», «Люди и эпоха», а также при изучении портретного и бытового жанров. Наличие же очень большого и занимательного материала о художнике дает возможность провести и отдельный урок, посвященный вкладу Сурикова в развитие русской живописи.

Проведение беседы с учащимися

   Картины Сурикова очень богаты по содержанию, каждая из них в отдельности может быть использована для беседы и анализа. Наличие в работах большого числа людских образов позволяет сравнивать их характеры, образ жизни и отношение к происходящему на их глазах («Боярыня Морозова»), а также акцентировать внимание на том, как и при помощи чего художник подчеркивает композиционный центр своей картины, что выделяет в ней прежде всего, а что погружает в тень.
   1. Посмотрите внимательно на картину Сурикова «Меншиков в Березове» и скажите, что будет, если герой произведения решит встать?
   2. Намеренно ли, на ваш взгляд, художник допустил ошибку, приблизив потолок к голове Меншикова, или он хотел таким образом что-то подчеркнуть? Если хотел, то что именно?
   3. Какое событие запечатлел художник в картине «Переход Суворова через Альпы»? (Спуск русской армии 26 сентября 1799 г. с хребта Панике.)
   4. Вспоминая сюжет из известной песни, где Степан Разин утопил персидскую княжну, очень легко представить себе картину Сурикова «Степан Разин». Но как раз на ней этой самой княжны и нет. Почему, на ваш взгляд, художник убрал с полотна образ женщины?
   5. На вопрос зрителей о том, где княжна с картины о Степане Разине, художник всегда говорил, что атаман только что ее выбросил за борт, и если приглядеться, то можно увидеть круги на воде. Шутил ли автор или нет? (Шутил.) Для чего ему это было нужно? (Он т. о. давал понять публике, что она слишком однообразно воспринимает образы грозных атаманов и царей. Художник заострял внимание на том, что если изображен царь Иван Грозный, то рядом не обязательно должен находиться труп его сына, как и в случае с Разиным, где княжна подчеркивала бы только жестокость атамана и не давала оценить его характер с другой стороны.)
   6. Художник считал, что портреты мужчин лучше смотрятся в квадратном обрамлении (форма акцентирует внимание на твердости силуэта), а женские – в круглом (что подчеркивает женственность). Докажите или опровергните это утверждение.

26. Основатель стиля модерн в русском искусстве В. М. Васнецов (1848–1926)

Только больной и плохой человек не помнит и не ценит своего детства, юности. Плох тот народ, который не помнит, не ценит и не любит своей истории.
В. М. Васнецов

Биография художника

   Виктор Михайлович Васнецов родился в семье бедного сельского священника в селе Лопьял. Родители определили его в духовное училище, а чуть позже и в семинарию. Проживание среди мирных и отдающих себя служению Богу людей сделало мальчика робким и стеснительным по натуре. Эти качества в дальнейшем очень сильно мешали ему. Уже в годы обучения в Вятском духовном училище мальчик осознал тягу к рисованию и увлекся рисунком и живописью. Мастера, осуществляющие реконструкцию рисунков на стенах собора, даже брали его себе в помощники.
   Рано начав рисовать, Васнецов, между тем, дважды поступал в Академию художеств. Получив благословение отца, он бросил предпоследний курс семинарии и приехал в нее первый раз в 1867 г. Сразу же сдал свои работы, но когда стали известны результаты, побоялся даже заглянуть в список принятых. Васнецов решил, что ему необходимо еще позаниматься, и стал посещать рисовальную школу Общества поощрения художников. Проучившись в ней год, юноша узнал от преподавателей, что в академию он был зачислен еще в первый раз. Естественно, что во второй раз Виктор поступил в нее без труда, только окончить академию ему не удалось. Мешала обучению бедность: художнику приходилось не только учиться, но еще и работать, а совмещать все это было не так-то просто. Пришлось бросить академию. Васнецову дали справку, что он «состоял в учениках».
   Приехав в Москву, художник вместе с женой Александрой Владимировной Рязанцевой, являвшейся одной из первых врачей в России, селится в Ушаковском переулке. Он собственными силами строит себе дом, чем-то напоминающий настоящий русский терем. Даже мебель внутри он создает по своим эскизам и собственными руками. В нем он живет 30 лет. И все это время рядом с ним находится его жена.
   В жизни художника были и спады, и подъемы. Некоторые его картины принимали на ура, а после показа иных он слышал одну лишь критику и упреки. Единственным местом, где художника признали сразу, оказались европейские страны, для которых Васнецов был человеком, показывающим Россию именно такой, какой ее там и представляли. Во Франции его известность была такой огромной, что правительство страны решило наградить его орденом Почетного легиона.
   Умирает художник 23 июля 1926 г., оставив после себя богатое наследие. Его произведения, особенно на сказочные сюжеты, так и хочется назвать народными, а это значит, что слава и мастерство автора велики.

История создания произведений

   Мало кому известно, что художник-сказочник Васнецов начинал свое творчество не с изображения сказочных сюжетов, а со сцен из обыденной жизни, украшения храмов росписями, выполнения портретных заказов. Правда, сцены эти он изображал непременно с небольшим юмором, чтобы не просто жизнь передавали, а хоть немного радовали зрителя. Многие из этих его картин очень знамениты, но картины-сказки почему-то вытеснили их и отодвинули на второй план. Среди этих картин «Купец-проситель», «Мальчики-славильщики», «Чаепитие в харчевне», «Старуха, кормящая кур», «Книжная лавочка», «Акробаты», «Преферанс».
   Темами следующих его полотен стали былины и сказки, а также фольклорные образы. Причиной перехода художника на новый стиль в искусстве стало стремление общества к возрождению народных традиций, духовной жизни и национального стиля в искусстве. В этот период к былинам и сказаниям обращается не только живопись, но и музыка, литература. На сценах звучат оперы «Борис Годунов», «Снегурочка», «Садко», «Сказка о царе Салтане» и многие другие.

   Никто, кроме самого художника, не сможет точно выразить идеи своего творчества и собственные стремления. Вот как, например, говорил о себе сам В. Васнецов: «Я всегда был убежден, что в жанровых и исторических картинах, статуях и вообще в каком бы то ни было произведении искусства – образа, звука, слова – в сказке, песне, былине, драме и прочем сказывается целый облик народа, внутренний и внешний, – с прошлым и настоящим, а может быть, и будущим».

   Всем известна картина «Витязь на распутье». Ее художник писал дважды. Первый вариант он создал под впечатлением от былины «Илья Муромец и Соловей-разбойник», но спустя несколько лет переписал этот набросок в большую картину. Картину публика признала великолепной, а вот «Аленушке» повезло меньше. Критики накинулись на нее, упрекая художника в том, что он зачем-то написал уродину и плаксу. Но художник писал нечто другое, то, что сумел заметить простой обыватель и не приметили считающие себя знатоками люди, он написал самое чистое человеческое чувство – любовь к своему ближнему. Кроме того, находящийся возле девушки пруд был самым реальным пейзажным изображением, взятым с абрамцевского прудочка, в имении, где художник часто гостил.
   К написанию былинных и сказочных образов Васнецов не относился, как к изображению чего-то фантастичного, напротив, он до мельчайших подробностей выписывал костюмы выбранного времени. Так, при работе над картиной «Три богатыря» художник долго изучал костюмы древних воинов, подыскивал для богатырей подходящие образы. На картине сказалось то, что Васнецов начал писать ее, гостя у своего друга Мамонтова Саввы Ивановича, дом которого являлся местом сбора московской интеллигенции. У него же он нашел подходящего жеребца и прототип Алеши. Первым стал любимый хозяйский жеребец по кличке Лиса, а вторым оказался Андрей Мамонтов, образ которого художник и запечатлел в Алеше Поповиче.
   С Ильей Муромцем пришлось немного сложнее. Этот образ требовал серьезности, мужественности и одновременно с этим хорошо читаемой на лице мудрости. Именно это выражение Васнецов и увидел в лице Ивана Петрова, ломового извозчика. Работа над картиной затягивалась, ведь необходимо было все проверить, продумать детали. Окончательно готовой картина оказалась лишь через 17 лет.

Зрительный ряд

При подборе зрительного ряда следует учитывать, что работы художника образно можно разделить на бытовые и былинно-сказочные. К первым относятся «Книжная лавка», «Старуха, кормящая кур», «Акробаты», «Чаепитие в харчевне», «Купец-проситель», «Мальчики-славильщики», «Преферанс», «С квартиры на квартиру». А ко вторым – всем известные полотна «Витязь на распутье», «Аленушка», «После побоища Игоря Святославича с половцами», «Богатыри», «Три царевны подземного царства», «Ковер-самолет», «Иван-царевич на сером волке», «Битва русских со скифами», «Сирин и Алконост. Песнь радости и печали», «Гамаюн – птица вещая», панно «Каменный век».

Литературный ряд

   Знакомя детей с биографией художника, можно использовать его образную зарисовку, созданную А. Куприным. Писатель очень уважительно относился к Васнецову, а потому использовал его образ как прототип своего героя Савинова.
   Очень многие картины Васнецова стали использоваться как иллюстрации к произведениям литературы, следовательно, подходящим для данного ряда материалом будет и следующий отрывок из стихотворения Н. А. Некрасова:

     Цепями с модой скованный,
     Изменчив человек.
     Настал иллюстрированный
     В литературе век.

   А вот к картине «Богатыри» можно приурочить отрывок из онежской былины:

     Не для-ради князя Владимира,
     Не для-ради княгини Апраксин,
     А для бедных вдов и малых детей
     Я иду служить за веру христианскую
     И за землю российскую,
     Да и за стольный Киев-град,
     За вдов, сирот да бедных людей…

Музыкальный ряд

Обращение художника к национальному стилю в искусстве произошло одновременно с обращением к нему же композиторов. А в результате то, что сочиняли последние, Васнецов переносил на полотно. Естественно, что во время урока, приступая к рассмотрению тех или иных картин, следует найти ту музыкальную композицию, которая является аналогом к картине Васнецова. Так, могут быть использованы следующие музыкальные шедевры: «Борис Годунов» (Мусоргский), «Русалка» (Даргомыжский), «Сказка о невидимом граде Китеже», «Снегурочка», «Сказка о царе Салтане», «Садко», «Псковитянка» (Римский-Корсаков), «Богатырская симфония» (Бородин).

Применение материала

Когда речь на уроках изобразительного искусства заходит о сказках или фантастических образах, невольно вспоминаются работы В. М. Васнецова: его нежная «Аленушка», мудрые и полные сил «Богатыри». И нет ничего удивительного, что темы «Ожившие образы старины», «Изображения былинных образов», «Изображение разнохарактерных сказочных образов», «Поэтические и художественные изображения богатырей и девиц» вызывают у детей давно ставшие им привычными образы.
То, что они пытаются копировать или воспроизводить образцы мастеров, похвально, но не всегда оправданно, т. к. темы сказки – это в первую очередь темы, предназначенные для развития творческого воображения. Естественно, что никакого применения воображению нет в простом срисовывании, а потому прежде чем давать задание, необходимо заострить внимание детей на том, что надо создать свой собственный образ, желательно отличный от имеющегося. Ведь так представлял себе богатырей или Аленушку Васнецов, но это не значит, что так же представляли ее себе те, кто создавал литературные произведения об этих персонажах.

Проведение беседы с учащимися

   Во время беседы с классом учитель может затронуть следующие вопросы:
   1. Посмотрите на картину Васнецова «Побоище». О ней критики того времени говорили, что она лишена смысла, т. к. не дает даже намека на то, каким был бой, не вызывает никаких мнений по поводу того, кто в нем участвовал, поскольку на картине не видно лиц убитых, как, впрочем, не видно и крови, ран. Согласны ли вы с этим? Разъясните свою точку зрения.
   2. Как известно, не все произведения Васнецова признавались критикой. После многих из них о художнике говорили как о излишне сентиментальном человеке, перенесшем этот сентиментализм на свои картины. Что заставило критиков так думать? Правы ли они были?
   3. Охарактеризуйте трех былинных личностей, изображенных Васнецовым на картине «Богатыри». Что еще на картине подчеркивает основные черты характера богатырей? (Их кони. У Ильи под тяжестью хозяина конь ушел копытами в землю, конь Добрыни повторяет его в движении, устремив взгляд вдаль, а у Алеши Поповича равнодушно щиплет траву.)

27. Федор Александрович Васильев (1850–1873)

Мы все – почти что поголовно —
Оттуда люди – от земли.
Твардовский

Биография художника

   Федор Александрович Васильев родился в Гатчине 10 февраля 1850 г. и был вторым добрачным ребенком в семье. Его отец в то время занимал чин мелкого чиновника и, не желая позориться, запретил сыну носить его фамилию и отчество. Это наложило большой отпечаток на формирование характера мальчика. С самого раннего детства он стал стремиться заслужить всеобщее уважение и доказать, что он достоин носить фамилию своего отца. Его характеризовали как очень остроумного, но порой излишне дерзкого, всегда веселого и любящего жизнь во всех ее проявлениях. Будучи почти лишенным денежных средств, он все же не позволял себе носить одежду, подчеркивающую его нищету, – покупал только то, что делало его равным с самыми модными молодыми людьми своего времени.
   Первое общение Васильева с живописью начинается после того, как его берет себе в помощники реставратор И. К. Соколов, работающий при Академии художеств. Именно в его мастерских юноша встречается с полотнами таких великих художников, как Коро и Руссо, а затем начинает посещать собрание живописи графа Н. А. Кушелева-Безбородко, находящееся при академии.
   В 20 лет Васильев вместе с Репиным отправляется путешествовать по Волге, где много рисует, работает над своей техникой и создает некоторые из наиболее известных своих работ («Волжские лагуны»). В это время заметно меняется его стиль, появляется недостающая ранее легкость и исчезают лишние мелкие детали. После этого путешествия Васильев присоединяется к передвижникам и становится одним из основателей этого движения. Но вкладом в общее творчество стала всего лишь одна из его картин – «Оттепель», получившая премию Общества поощрения художников. Больше близких реализму пейзажей он уже не пишет, а переходит полностью на романтизм.
   Жизнь художника оказалась на редкость короткой. Он прожил всего 23 года и умер в расцвете сил от чахотки. Даже поездка в Крым не помогла замедлить течения заболевания. После себя Васильев оставил только свои великие творения и массу неоплаченных долгов, которые взял на себя его верный друг И. Н. Крамской.

   Количество долгов художника было очень огромным, а потому И. Н. Крамскому пришлось много поработать, чтобы все их оплатить. Так, долг своего друга П. М. Третьякову он оплатил портретом Л. Н. Толстого, ставшим впоследствии знаменитым.

История создания произведений

Большинство пейзажей Васильева отражают его эмоции, а потому носят романтический характер. Ему нравилось писать небо с его необъятностью и голубизной, проносящиеся над землей облака, упирающиеся в них вершины гор. Его мечтой было создание картины, на которой присутствовала бы только лишь одна бескрайняя стихия – воздух. Только лишь облака и горы. Картина, глядя на которую, хотелось бы взлететь и почувствовать ту же самую легкость, чистоту и торжественность. Небо для него было тем же, чем для Айвазовского море, – живой стихией.
Все его работы наполнены тревогой, потому что в очередной раз подчеркивают величие природы и ничтожность перед ее ширью и могуществом самого человека. А самое великое произведение, признанное совершенством и названное Васильевым «В Крымских горах», стало последним и самым, пожалуй, глубоким размышлением о вечности, бесконечности и мимолетности человеческой жизни. Эта картина стала последней в его творчестве и потому была воспринята его последователями как завещание.

Зрительный ряд

Для лучшего усвоения учащимися материала необходимо использовать следующий наглядный материал: «Оттепель», «Облака», «Осенний лес», «В Крымских горах», «Мокрый луг», «Перед дождем», «Возвращение стада», «Портрет Ф. А. Васильева» в исполнении его друга И. Н. Крамского.

Литературный ряд

Наиболее соответствующим по настроению и эмоциональному состоянию пейзажам Васильева является лирика Ф. Тютчева и некоторые произведения С. Есенина.

Музыкальный ряд

При просмотре пейзажей, созданных художником, следует поставить для прослушивания отрывки из сочинений П. И. Чайковского «Времена года» и Э. Грига «Весной».

Применение материала

Материал может быть использован на занятиях, посвященных изучению следующих тем: «Я и мир вокруг меня», «Осень в произведениях живописи», «Какого цвета небо», «Цвет как средство выражения», «Изображение природы в различных состояниях», «Жанр пейзажа».

Проведение беседы с учащимися

Хотя жизнь художника была очень короткой, но все же он внес большой вклад в пейзажную живопись, а особенно в изображение воздушной стихии. Именно на этой его особенности и следует заострить внимание во время беседы. На основе его работ можно рассмотреть и описать различные состояния неба, познакомить детей с тем, какую смысловую нагрузку несет воздушное пространство в его картинах. Лучшей темой для знакомства с его творчеством будет тема «Воздушно-пространственная среда и цвет».

28. А. М. Васнецов (1856–1933)

Биография художника

   Аполлинарий Михайлович Васнецов родился 25 июля 1856 г. в селе Рябове Являясь младшим ребенком, Аполлинарий, естественно, попал под влияние своего брата Виктора, который и стал его самым первым учителем. Именно он привил юноше любовь к своей стране, ее истории, обычаям и традициям. Последующими учителями художника стали В. Д. Поленов и И. Е. Репин.
   В 1899 году Аполлинарий становится одним из членов Товарищества передвижников, а немного позже входит в число организаторов «Союза русских художников». Начав творческий путь с эпических пейзажей, Васнецов вскоре заявляет о себе как об очень тонко знающем пейзажную живопись художнике. Успев сыскать уважение, уже в 1900 году он становится академиком Петербургской Академии художеств.
   Чуть позже, приехав вместе с братом в Москву, художник, покоренный красотой древнего города, начинает увлеченно изучать его историю, рассматривать все существующие версии его происхождения, старинные традиции. Его часто видят на стройках, где художник искал подтверждение некоторым своим версиям, ожидал увидеть что-то, о чем ранее ничего не было известно. То, что его увлекает, он пишет на своих полотнах.
   Такое углубленное изучение Москвы и ее древней истории позволило художнику стать членом Комиссии по сохранению древних памятников при Археологическом обществе, а также руководителем пейзажного класса в Московском училище ЖВЗ. В столице у Аполлинария довольно быстро начинается карьерный рост. Сначала Васнецов становится председателем этого общества, а чуть позднее – его Почетным председателем.

История создания произведений

На творчестве художника сказалось влияние первых впечатлений, полученных во время приезда в Москву. Его поразило величие этого древнего города, его история, которая чувствуется в каждой старинной улочке, каждом камешке мостовой. Именно на этих улочках он и находил сюжеты для своих полотен. При этом, задумав что-то конкретное, Васнецов никогда не приступал к работе сразу же. Он сначала делал эскизы, отправлялся в библиотеки в поисках чертежей московских улочек, затем шел к участникам заседаний общества «Старая Москва». У них художник выяснял нужные ему детали, советовался, а лишь потом приступал к работе. Сложно даже сказать, кем Аполлинарий был больше – художником или ученым-археологом. Одно очевидно: он посвятил себя Москве.

Зрительный ряд

Знакомя учащихся с творчеством Аполлинария Васнецова, необходимо представить наиболее ранние его работы и самые поздние, давая т. о. представление о смене направлений художника. К числу первых можно отнести работы «Родина», «Тайга на Урале. Синяя гора», «Кама», а к числу вторых – «Улица в Китай-городе», «Красная площадь во второй половине XVII века», «Гонцы. Ранним утром в Кремле», «Площадь Ивана Великого в Кремле» и другие. Кроме того, можно продемонстрировать классу и эскизы, выполненные художником к таким театральным постановкам, как «Хованщина» Мусоргского, «Сказание о невидимом граде Китеже» Римского-Корсакова.

Литературный ряд

   Знакомство учащихся с творчеством Аполлинария Васнецова лучше всего начать со стихотворения М. Ю. Лермонтова «Песнь о Купце Калашникове», которую и иллюстрировал художник. Вот один из отрывков из нее:

     Над Москвой великой, златоглавою,
     Над стеной кремлевской белокаменной,
     Из-за дальних лесов, из-за синих гор,
     По тесовым кровелькам играючи,
     Тучки серые разгоняючи,
     Заря алая подымается…

   Как дополнительный материал заинтересовавшимся творчеством художника детям можно предложить почитать в свободное время книгу Лидии Кудрявцевой «Виктор и Аполлинарий Васнецовы».

Музыкальный ряд

Старая Москва, как правило, ассоциируется с золочеными церквями, деревянными храмами и домами, уютными улочками, вымощенными деревянными брусьями, множеством ремесленных лавочек и кабаков. И эти ассоциации еще более усиливаются, когда при просмотре репродукций, возвращающих во времена истинного расцвета столицы, звучит подчеркивающая это величие музыка.
Это может быть «Бой кремлевских курантов» А. Александрова, опера «Сказание о невидимом граде Китеже» Римского-Корсакова, «Хованщина» Мусоргского, любая песня, посвященная Москве.

Применение материала

К образу столицы на уроках изобразительного искусства, как правило, обращаются во время изучения городских пейзажей, ведь Москва всегда была эталоном для подражания. Разъясняя детям особенности архитектурных построек, в качестве примера берите кремлевские постройки, московские церкви и соборы. Если к этому списку прибавить еще и репродукции картин старой Москвы, написанные А. М. Васнецовым, то урок может получиться гораздо интереснее и увлекательнее, ведь все дети только при упоминании о Кремле способны воспроизвести в памяти его внешний облик, в то время как о том, каким образом выглядела Москва в прошлом, могут судить лишь по книгам.
Иными словами, данный справочный материал может быть использован при изучении тем: «Архитектура прошлого и настоящего», «От деревянных построек к каменным», «Экстерьер и его значение для облика города» и пр.

Проведение беседы с учащимися

После знакомства учащихся со старой Москвой через репродукции картин А. М. Васнецова учителю следует провести небольшую закрепляющую беседу, во время которой выяснить, чем же отличается сегодняшняя столица от тогдашней, что общего в постройках того времени и этого? Во время беседы учащимся желательно сравнить несколько различных современных построек с запечатленными на картинах художника и составить небольшой ознакомительный рассказ о том, как время влияет на образ города.

29. М. А. Врубель (1856–1910)

Работа, точно нарисованная по пропорциям, уже несет в себе возможность быть хороню написанной.
М. А. Врубель

Биография художника

   Михаил Александрович Врубель родился в семье военного юриста 5 марта 1856 г. в городе Омске. Едва мальчику исполнилось 3 года, умерла мать, и воспитанием его занялась ее сестра, Анна Александровна. Еще ребенком Врубелю приходилось много путешествовать вместе с отцом и видеть царящее вокруг смятение, разврат и почти полную деградацию общества. Тогда еще он не понимал причины этого, но все же всеми силами, хотя и по-детски, старался найти что-то светлое и чистое. Его укрытием стало искусство: он начинает рисовать, увлекается музыкой, проводя по нескольку часов в день возле рояля и слушая, как играет Анна Александровна. Хотя серьезно посвятить себя чему-то он пока еще не думает.
   Не определяется он с будущей профессией, и окончив Одесскую гимназию. Отец же надеется, что он последует по его стопам, а потому заставляет сына окончить юридический факультет Петербургского университета. Но за время обучения в нем Врубель понимает, что профессия отца его нисколько не интересует, его влечет искусство. Теперь юноша уже твердо решает, что хочет стать художником, а потому в 1880 г. пробует поступить в академию. Сразу же после зачисления Михаил начинает искать свое «Я». Его привлекает классическое искусство, но в то же время манит монументальная живопись и техника письма акварелью. В конце концов Врубель решает отойти от привычных канонов и выработать свой собственный стиль письма, объединяющий в себе все, что ему близко. Выбирает он для себя и тематику будущих произведений: его увлекают работы философские, пронизанные трагизмом и силой характеров главных персонажей, работы, указывающие на то, что мир устал от упадка и жаждет вечной красоты.
   Академию художеств художник так и не заканчивает, уйдя из нее, чтобы отреставрировать древние росписи Кирилловской церкви. Число его работ в ней насчитывается более 150 плюс еще 4, написанные без всяких основ и самостоятельно. Ими Врубель заменил те, что были давно уже потеряны. Одна из этих работ, икона «Богоматерь с младенцем», лицо которой художник списал с портрета З. Л. Праховой, очень известная. Этот образ настолько его покорил, что позже он еще несколько раз обращался к нему, в том числе и при написании «Демона», глаза которого сильно напоминают задумчивые глаза Богоматери.
   Закончив с оформлением интерьера церкви, художник снова приезжает в столицу, где тут же оказывается завален заказами на создание декоративных панно. В свободное время продолжает посещать театры. Одно из таких посещений дарит ему любимую женщину и будущую жену Надежду Ивановну Забелу. Встреча с ней произошла довольно романтично: художник услышал ее голос и влюбился в него, т. к. саму артистку не имел возможности видеть из-за тусклого света на сцене. Позже Врубель говорил о ней: «Другие певицы поют как птицы, а Надя поет как человек».
   Здесь же он пишет и цикл известных картин под названием «Демон». При написании последнего «Демона» тяжело заболевает. Наносит сокрушительный удар ему еще и то, что его «Демона поверженного» не понимают, и даже Третьяковская галерея отказывается его приобретать, а через год после его написания умирает его сын Савва. Художник приходит в полное уныние и однажды замечает: «Лучше бороться с произволом, чем со стадной тупостью».
   Видя душевную болезнь художника, врачи отправляют его на лечение в различные клиники. Это не помогает: художник постепенно утрачивает зрение, хотя и не прекращает работать, создавая портреты лечащих его врачей и картину «Жемчужина», написанную пастелью. Иногда, правда, наступает облегчение, но вслед за ним обязательно приходит обострение. Творить становится почти невозможно, и Врубель просит жену петь ему арии, ставить музыку, во время прослушивания которой рисует образы несозданных картин в своем воображении.
   Умирает художник 1 апреля, так и не будучи понятым, хотя его и не пытались понять. На его могиле Блок произносит следующую речь: «Перед тем, что Врубель и ему подобные приоткрывают перед человечеством раз в столетие, – я умею лишь трепетать. Тех миров, которые видели они, мы не видим…»

История создания произведений

   Михаил Врубель всегда испытывал любовь к красивой музыке, часто посещал оперы. Именно услышанная там музыка давала ему почву для создания многих произведений, что произошло и при создании «Демона», образ которого возник во время слушания оперы А. Г. Рубинштейна. Познакомившись с Мамонтовым и Н. А. Римским-Корсаковым, он вместе с ними приступает к созданию оформления для опер «Царская невеста» и «Сказка о царе Салтане».
   Вслед за этим заказом Мамонтов предлагает ему спроектировать пристройку к небольшому домику в Москве, за что художник с радостью принимается.
   Оказавшись в Абрамцеве, Врубель встает во главе керамической мастерской. В это время им создаются несколько скульптур на темы сказок: «Лель», «Волхова», «Купава», «Весна», «Берендей», «Садко». Эти скульптуры он покрывает сверкающими глазурями.

   О творчестве художника говорили многое, но как нельзя более точно дал ему определение В. Серов: «Вот художник, который, как никто, может делать все одинаково хорошо: декорации, картину, иллюстрировать книгу».

   Его начинает увлекать народное творчество, русский фольклор и традиции. Увлекается написанием иллюстраций к сказкам и былинам, создает ряд картин на эту же тему. Это и по-настоящему стильный и гигантский «Богатырь», и задумчивый «Пан», из греческого бога превратившийся в сторожа русского леса, и фантастическая царевна в образе Лебеди, навевающая воспоминание о сказке Пушкина, и даже разносторонний «Демон», олицетворяющий не то день, не то ночь, не то все сразу. Самого первого «Демона», увы, увидеть никому не дано, т. к. художник собственноручно уничтожил картину, не удовлетворившись ею. Зато потом им были написаны сразу 3 картины, в свое время так и не нашедшие понимания. Кроме того, Врубель иллюстрирует одну из юбилейных книг М. Ю. Лермонтова.

   Очень много мнений, суждений и взглядов связано с картиной Врубеля «Демон». Это произведение было итоговым в его творчестве, оно тысячи раз переписывалось, даже после того, как ее все же приобрел В. В. фон Мекк. Художник приходил к нему и просил позволить сделать несколько поправок. Он словно ощущал, что эта работа заключительная, а значит, в ней необходимо запечатлеть то самое ощущение катастрофы и приближения какой-то беды, которую чувствовал и он сам, и многие из окружающих. Работа эта очень тяжелая, сложно поддающаяся анализу и созерцанию. Она давит своей тяжестью, страданием и болью.

Зрительный ряд

За время своего творчества художник создает множество великолепных работ. Это «Сирень», икона «Богоматерь», «Венеция», «Пан», «Богатырь», «Царевна-Лебедь» и скульптура «Морская царевна», «Демон сидящий», «Демон летящий», «Демон поверженный», «Девочка на фоне персидского ковра», «Тамара и Демон», «Портрет сына художника Саввы», «Восточная сказка», «К ночи», «Жемчужина», «Микула Селянинович», «Гадалка». Любое из этих произведений можно, не задумываясь, использовать на уроках изобразительного искусства. Конечно же, их подборка должна опираться на саму тему: при изучении иллюстрирования обязательно используйте картины «Царевна-Лебедь», «Богатырь» и т. д.

Литературный ряд

Как и некоторые музыкальные сочинения, поэзия тоже накладывала отпечаток на создание многих картин Врубеля. Особенно его вдохновляли стихи М. Ю. Лермонтова, книги которого ему однажды приходилось оформлять, и образы, описанные в русском фольклоре (Садко). Для такой картины, как «Царевна-Лебедь», просто сама собой напрашивается «Сказка о царе Салтане…» А. С. Пушкина.

Музыкальный ряд

При просмотре репродукций «Демонов» необходимо поставить детям для прослушивания ту музыку, которая навеяла образ этого титана художнику, т. е. оперу А. Г. Рубинштейна. Подходящий музыкальный фон можно выбрать и из сочинений любимого композитора и друга Н. А. Римского-Корсакова: оперу «Садко».

Применение материала

Изучая основы изобразительного искусства, учитель старается дать сведения о том, что в живописи существуют не только различные жанры и поджанры, но и разные манеры письма. Так перед глазами учащихся предстают необычные композиции художников-абстракционистов, декораторов, станковистов и прочих. Учитель показывает и объясняет, что писать можно маленькими и большими мазками, точками, используя лишь одну линию и т. д. Не помешает продемонстрировать детям и работы М. А. Врубеля, отличающиеся своей неординарностью. Рассматривая их, учащиеся поймут, что ни в коем случае не следует стараться, писать как все: у каждого художника должен быть свой, особый стиль письма, и его необходимо искать, оттачивать и доводить до совершенства.

Проведение беседы с учащимися

   При закреплении знаний по данным темам проводить беседу следует в виде анализа нескольких произведений художника. В данном случае лучше всего взять за основу «Демона» – летящего, сидящего и поверженного. Рассматривая изображения титана, дети должны описать их сходство и отличия, обратить внимание на перемены в их настроении.
   1. Почему, на ваш взгляд, художника так привлекает образ Демона. Он создает три совершенно разных его образа, а также картину «Тамара и Демон».
   Когда школьники выскажут свое мнение и докажут его, учитель должен объяснить причину любви художника к данному образу. Сделать это проще всего словами самого автора, который сказал: «Демона не понимают – путают с чертом и Дьяволом… а «Демон» значит «душа» и олицетворяет собой вечную борьбу мечущегося человеческого духа, ищущего применения обуревающим его страстям, познания жизни и не находящего ответа на свои сомнения ни на земле, ни на небе».
   2. Что стремился запечатлеть в своих фантастических образах художник?
   3. Почему Врубель переносил душевное состояние народа и свое собственное (противоречия, трагедию, борьбу) на образы вымышленные, а не реальные (портреты)?
   4. В каких произведениях Врубеля можно увидеть пейзажные мотивы? («Сирень», «Пан», «К ночи».) Можно ли назвать эти работы пейзажами? Если нет, то почему?
   Если учащиеся не смогут назвать отличие этих картин от пейзажей, то преподавателю необходимо подчеркнуть символичность изображенных вещей, их таинственность и некоторое сравнение с человеком. Так, «Сирень» – это нечто от образа романтической феи, «Пан» – человек души.
   5. Почему творчество художника не находило понимания в общественности? Что имел в виду Коровин, подчеркивая, что вся жизнь художника, обладающего смелой и нежной душой, была окружена гнусными и мелкими насмешками?

30. Творчество Альфонса Мухи (1860–1939)

Бедные тоже имеют право на красоту.
А. Муха

Биография художника

   Альфонса Муху считают заслуженным славянским художником, выработавшим свой собственный стиль, так и прозванный «стилем Мухи». Иногда, правда, выплывают версии, что художник по национальности француз, но это совершенно не так. Муха родился 24 июля в городке Иванчичи (Мордовия). Заниматься живописью он начал сразу же после смерти своей матери Амалии, дочери весьма состоятельного мельника. Рисование было единственным, что его по-настоящему увлекало и радовало.
   Понимая, что детям, а их в семье было трое, просто необходимо получить образование, Ондрей Муха отправляет единственного сына в лицей Брно. Из этого лицея юношу выгоняют за частые прогулы и постоянное отсутствие на богослужениях. Но это ничуть не расстраивало Альфонса, ведь в лицее ему нравились всего только два предмета: рисование и пение. Поняв, что сын тяготеет к искусству, отец направляет ходатайство и рисунки мальчика в Прагу, где просит профессоров академии зачислить Альфонса в класс живописи. Ответом академиков было постановление о том, что «автор рисунков полностью лишен таланта».

   Отец художника, Ондрей Муха, родился в семье потомственных виноградарей, и вся семья надеялась, что он унаследует любовь к данному роду занятий. Он же предпочел пойти по иному пути и наперекор всем добился уважения и признательности, доказав, что он один из лучших портных в городе.

   Юноше не осталось ничего, как пойти на заработки. Он устраивается работать в суд мелким служащим, но не полюбив этого занятия, уезжает в Вену, где нанимается то маляром, то театральным декоратором и даже подрабатывает уличным портретистом. Найти себя художнику помогает неожиданно появившаяся мода на отделку квартир, роспись и украшение стен. Все более или менее солидные жители городка нанимают себе художников и стараются перещеголять друг друга в роскоши и изяществе внутреннего убранства дома. В эту волну декорации квартир попадает и Муха. Роспись стен и потолков всевозможными забавными амурчиками и амазонками, купающимися в полевых цветах юными девами юноше оказалась по душе. За каждое новое задание он принимался с новой идеей и огромным желанием. То, что его работы получаются необычными и загадочными, сразу же становится известно всему городу.
   Вскоре его приглашает для оформления своего замка «Эмманофф» граф Куэн. Он же, видя успехи автора, выделяет деньги на обучение Альфонса в Мюнхенской академии изобразительных искусств. И после ее окончания оплачивает и учебу в академии Жульена, находящейся в Париже.
   Пройдя обучение в академиях, Муха надеялся, что наконец сможет приступить к своей любимой работе. В городе богемы Париже он снял себе комнатку, накупил красок и приступил к созданию картин для своей первой большой выставки. Но тут пришли плохие вести. Все это время поддерживающий его деньгами, граф прекращал свою благотворительность, а значит, художник оставался практически ни с чем, и о том, чтобы творить для себя, не могло быть и речи. Опять нужно было искать заработки.
   Но эта неудача не сломила художника. Его семья даже не имела понятия о том, что ему постоянно приходилось экономить на еде и одежде для себя, чтобы послать им подарки или купить краски. Родным и близким он никогда не жаловался, а напротив, писал в письмах, что всего у него в достатке: прекрасная квартира, хорошие заработки. И вот удача улыбается ему и на самом деле. Несколько книжных издательств предлагают проиллюстрировать литературные произведения, театры засыпают просьбой оформить для них декорации. Даже критики – и те замечают популярность художника и начинают восхвалять его работы.
   Жизнь Альфонса постепенно налаживается. О нем узнают, а потому нет отбоя от заказов и, следовательно, всегда есть деньги. В этот период общественного признания художник посещает Соединенные Штаты, где о нем говорят как о великом художнике-декораторе всех времен, организует музей в Стране восходящего солнца.
   Женится художник только в 46 лет, а до этого времени он слыл порядочным ловеласом, что при его ошеломляющей внешности вполне понятно. Его женой становится его собственная ученица, Мария Шитилова, разница в возрасте с которой составляет 22 года. Эта муза, лицо которой художник запечатлел во многих своих работах, рожает ему двух дочерей, которых счастливый отец также воплощает в своих героинях. Эти рыжие красавицы напоминали ему жену, и потому чаще всего писал художник именно любимых своих женщин.
   Умер Альфонс 14 июля 1939 г. И в последние минуты его жизни его собственная муза Мария была рядом и продолжала держать его руку в своей, даже после того, как он отошел в иной мир.

История создания произведений

Творчество Альфонса Мухи очень своеобразно. Его работы подпадают под целый ряд определений: «модерн», «югендстиль», «сецесьон». Сложно сказать, что же в них привлекает более всего: легкость и простота, душевность и очарование или то, что часто смотрящие на нас с коробок конфет, пакетов, бутылок дорогого вина милые златокудрые славянки до сих пор напоминают собой образы настоящих русских женщин. Образы поэтические и поющие сами по себе. При этом они вовсе не декоративны, об этом говорил и сам художник. Они в первую очередь поэтичные, воспевающие самое прекрасное, что ценят все, – красоту.
Альфонс Муха был истинным почитателем своей Родины, ее природы. И лучшим способом передать эту любовь считал образ женщины. Именно женщины были главными героями его картин, в их глазах он запечатлевал любовь и ласку, нежность и преданность. Эти же женские образы своей элегантностью способны были поднять настроение кому угодно и даже самого несведущего в искусстве приобщить к нему и привить любовь к красоте. Муха любил повторять, что: «Бедные тоже имеют право на красоту». Он и дарил им эту красоту, стараясь дать своему народу веру в лучшее, настроить его на поиск красоты и отказ от войн, заставить пересмотреть свое отношение к жизни.

Зрительный ряд

В отличие от всех остальных случаев, данный зрительный ряд следует подбирать не учителю, а ученикам. Для этого перед уроком, предшествующим изучению творчества Альфонса Мухи, преподавателю следует продемонстрировать детям ряд картин художника, объединенных общим названием «Славянская эпопея», и пояснить, что на следующем уроке они познакомятся с художником, работы которого мы все видим на этикетках шоколада, пакетах, поверхности коробок шоколадных конфет. А затем предложите принести на урок работы, написанные данным художником.
Бояться того, что дети сделают ошибку, не стоит, т. к. стиль Мухи очень специфичен, и аналогов его работам немного. К тому же даже если в число работ ребята включат и не имеющие к художнику никакого отношения репродукции, появится возможность использовать эту оплошность для закрепляющей материал беседы в конце урока. В процессе нее сделайте сравнение работ и выявите их отличительные черты.

Литературный ряд

   Большая часть произведений Альфонса Мухи посвящена женщинам. Именно они являются героинями его полотен, именно они олицетворяют собой красоту природы, муз искусства, человеческие пороки и слабости. Найти нечто подобное в литературе довольно не просто, уж слишком отличен стиль художника от всех иных, и хотя о женщинах писали все, так не писал еще пожалуй никто.
   Единственным наиболее оптимальным вариантом станут произведения, посвященные не женщине, а природе, но природе такой, которая ассоциируется с образом матери, женственностью и слабостью.
   Женщины, написанные художником, напоминают собой «Славянок», воспетых некогда Некрасовым:

     Их разве слепой не заметит,
     А зрячий о них говорит:
     Пройдет – словно солнцем осветит,
     Посмотрит – рублем подарит.

Музыкальный ряд

Альфонс Муха – это, несомненно, виртуоз живописи, владевший письмом просто мастерски. Чтобы подчеркнуть его произведения музыкой, необходимо использовать на уроке работы такого же виртуоза, но уже в музыкальной среде. К числу таковых, не задумываясь, можно причислить П. И. Чайковского, М. Глинку, С. Рахманинова и многих других.

Применение материала

Так уж повелось, что работы Мухи стали любимейшими сюжетами для украшения этикеток, коробок, внутренних дверей залов и иных мелких деталей. Естественно, что и восприниматься художник будет детьми скорее как оформитель, а не живописец.
В некоторой степени в этом, конечно, есть доля истины, следовательно, справочный материал о А. Мухе подойдет для уроков на темы: «Декоративное оформление», «Рисование по воображению», «Художественное воображение и его роль в живописи» и т. д.

Проведение беседы с учащимися

В данном случае беседу следует основывать на изучаемой теме, а репродукции художника использовать лишь для подтверждения и доказательства осваиваемого. Словом, говоря о воображении, надо отметить, какую именно отличительную черту придали работам художника выдуманные детали; беседуя о декоративности, следует выделить то, что дает возможность назвать работы декоративными, и т. д.

31. Пейзажи И. И. Левитана (1846–1900)

Ищите общее, живопись не протокол, а объяснение природы живописными средствами. Не увлекайтесь мелочами и деталями, ищите общий тон.
И. И. Левитан

Биография художника

   Исаак Ильич Левитан родился в Литве, в семье железнодорожного служащего, подрабатывающего преподавателем иностранных языков. Семья мальчика была очень бедной и постоянно испытывала голод. Вскоре родители мальчика умерли, и он остался совершенно один.
   Собственными силами мальчик поступает в училище живописи, ваяния и зодчества, где сразу же становится любимым учеником преподавателей. Но это не делает его жизнь проще. Не имея никаких денег, художник вместе со своим другом К. Коровиным вынужден ночевать прямо в залах, где до этого они рисовали натуры. Да и одеялами для них служили холсты, недавно выполнявшие роль фона. Мальчики постоянно недоедали. Не спасали их и уроки, даваемые ими купеческим сынкам, – за это платили гроши.
   В училище художник пишет самое первое свое известное полотно «Осенний день». Как одну из лучших работ картину выставляют на выставке учеников, где ее сразу же покупает сам Третьяков. Это дало молодому живописцу огромный толчок, ведь признание Третьякова было гораздо весомее, чем признание всех преподавателей вместе.
   Получив образование, художник отправляется за границу, где совмещает с работой еще и лечение сердечного заболевания. Вернувшись на родину, он посвящает себя природе. Пишет один за другим великолепные пейзажи, в каждом из которых чувствуется не только его любовь к окружающему миру, но и душевное состояние, с которым картина была написана. Жизнь не балует художника. Он продолжает испытывать нужду и лишения, часто разочаровывается в окружающем. Левитан был настолько раним, чувствителен и впечатлителен, что дважды пытался покончить с жизнью. После одной из этих попыток им был написан пейзаж «У омута», передающий все то, что испытывал сам художник.
   Вскоре Левитан становится руководителем Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Начинает преподавательскую деятельность, а совместно с ней входит в состав Товарищества передвижников. Умирает художник в столице в 1900 г.

История создания произведений

   О произведениях Левитана можно сказать цитатой Б. В. Иогансона: «После того как все лишнее будет изъято, останется гармония, музыкальность природы. Она-то и действует на струны сердца человеческого». И действительно, пейзажи Левитана – это полная умиротворения гармония, звучащая из глубины души музыка природы.
   Часто выезжая на природу для рисования этюдов, Левитан почему-то особенно прикипел душой к Саввинской слободе и усадьбе «Бабкино», принадлежащей Киселевым. В «Бабкино» художник чаще всего ездил со своим другом, писателем А. П. Чеховым, в ней же написал самые лучшие свои картины. Ему нравилась атмосфера этого дома, где часто бывали знаменитые композиторы, певцы: П. И. Чайковский, Владиславлев, многие другие, ставились увлекательные спектакли и устраивались дружеские вечера.

   Очень своеобразны картины И. И. Левитана «У омута» и «Владимирка». Первая написана в имении «Покровское» Тверской губернии. Сюжетом послужила легенда об утопившейся в омуте молодой девушке. Именно этот омут и хотел художник изобразить таким, каким сам его представлял. Насколько ему это удалось, судить потомкам. Идея второй картины пришла художнику на охоте, когда, заблудившись близ села Болдина, он вышел на дорогу, по которой одиноко брела старуха с котомкой. Глядя на нее, он вспомнил о том, что аналогичным образом много десятилетий подряд брели по этой дороге арестованные.

   О себе и своей любви к природе Левитан говорил: «Я никогда еще не любил так природу, не был так чуток к ней, никогда еще так сильно не чувствовал я это божественное нечто, разлитое во всем, но что не всякий видит, что даже и назвать нельзя, т. к. оно не поддается разуму, анализу, а постигается любовью. Без этого чувства не может быть истинный художник».

Зрительный ряд

Пейзажи Исаака Левитана всемирно известны. Они украшают не только стены музеев, но и присутствуют в роли репродукций едва ли не в каждом третьем доме. Самыми же известными из его работ являются: «Март», «Владимирка», «Над вечным покоем», «Свежий ветер. Волга», «Золотая осень», «Весна. Большая вода», «У омута», «Вечерний звон», «Зимой в лесу», «Избушка на лугу, «Озеро. Русь». Именно их лучше всего использовать во время урока.

Литературный ряд

   Исаак Ильич Левитан был другом семьи Чеховых, часто общался с ними и с самим писателем. Исходя из этого, можно предположить, что без их обоюдного влияния на творчество того и другого не обходилось. Следовательно, при работе с репродукциями автора можно использовать прозу Чехова.
   Картину «У омута» попробуйте сопоставить с близкой по смыслу поэмой А. С. Пушкина «Русалка». А такую картину, как «Золотая осень», предварите стихами А. С. Пушкина:

     Унылая пора! Очей очарованье!
     Приятна мне твоя прощальная краса —
     Люблю я пышное природы увяданье,
     В багрец и золото одетые леса…

   К картине «Владимирка», подойдут стихи А. Толстого «Колодники»:

     Спускается солнце за степи,
     Вдали золотится ковыль, —
     Колодников звонкие цепи
     Взметают дорожную пыль.

Музыкальный ряд

Исходя из того, что Левитан был хорошо знаком с Чайковским и Владиславлевым, можно во время уроков изобразительного искусства обратиться и к их творчеству.
Могут быть использованы и сочинения Бетховена (сонаты), Шопена (романсы и ноктюрны), которые художник очень любил слушать.

Применение материала

Изучение жанра пейзажа можно сопроводить очень большим справочным материалом о различных художниках, в том числе и о И. И. Левитане.
Но лучше всего знакомить с его творчеством учащихся во время обсуждения правильности выбора точки обзора при написании пейзажа. Это поможет детям осознать, что даже при том, что образ человека в пейзаже отсутствует, его наличие должно ощущаться, ведь зритель – это тот же самый человек, который увидит то, что увидел художник.

Проведение беседы с учащимися

Пейзажи разных художников, как правило, отличаются друг от друга не только техникой исполнения и тематикой, но и содержанием. Пейзажи Шишкина – это богатство и совершенный реализм природы России, пейзажи Куинджи – поэзия ночи, а вот работы Левитана многие называют единством пейзажа с человеком. Чем это можно объяснить? Вот это как раз и следует выяснить во время беседы, делая анализ некоторых его произведений и находя в них то самое место, где должен быть человек.
Дети должны понять, что, глядя на картины Левитана, зритель смотрит на пейзаж глазами самого художника – человека, увидевшего эту красоту. На его работах хоть и нет самой фигуры человека, но она как бы присутствует где-то рядом, словно подразумевается. Так, рассматривая картину «Март», можно предположить, что хозяин изображенной лошади находится где-то рядом, он всего лишь на несколько минут отлучился.

32. К. А. Коровин (1861–1931). Импрессионизм в русском искусстве

Я стараюсь быть точным, очень верным и очень цельно видеть.
К. А. Коровин

Этюд надо писать так, чтобы сразу схватить отношения тона земли и воды к небу, передать живописную суть.
К. А. Коровин

Биография художника

   Константин Алексеевич Коровин родился 23 ноября 1861 г. в Москве. Художника повсеместно считают «живописцем счастья», несмотря на то что его жизнь была очень тяжелой, а скончался он вдали от родины в полной бедности. Но сложная судьба все же не превратила его в человека ожесточенного и обиженного на весь свет. Напротив, он был всегда весел и приветлив, артистичен и жизнерадостен. Он с головой кидался в развлечения и игры, с таким же рвением посвящал себя и творчеству, беря от жизни все, что она могла ему дать, в полной силе.
   Окончив в 1886 г. Московское училище живописи, ваяния и зодчества, Константин начинает заниматься у А. К. Саврасова и В. Д. Поленова, продолжая оттачивать свое мастерство, а достигнув необходимого уровня, поступает в Петербургскую Академию художеств. Окончив последнюю, Коровин некоторое время работает в Москве декоратором частного театра Мамонтова и художником Большого театра. Здесь художник производит почти коренную реформу, создав новый тип декораций, отличающихся эмоциональностью и крепкой взаимосвязью с сюжетом самой постановки. За эти заслуги в 1910 г. его назначают главным декоратором и художником-консультантом Императорских театров.
   В 1923 г. Коровин эмигрирует во Францию, где и проживает оставшуюся жизнь. Умирает он 11 сентября 1939 г. в Париже.

История создания произведений

   Будучи в семье вторым ребенком, он, как и брат Сергей, выбрал для себя профессию художника. Первое время работы мальчиков были во многом схожими – чувствовалось влияние старшего. Но Константину очень быстро приелась манера брата, писавшего большей частью темными цветами и оттенками, отчего все работы становились такими же унылыми, как и сама жизнь изображаемых на них крестьян. Юноше захотелось уйти от всего этого в иной мир – мир света и ярких красок. Он говорил: «Нужны картины, которые близки сердцу, на которые отзывается душа». И именно такие картины он и начинает писать, делая героями своих полотен полных сил женщин, сияющих красотой девушек, изящные розы и сочные, спелые фрукты, становясь т. о. первым представителем импрессионизма в русской живописи.

   Импрессионизм – это стиль, в котором героями работ художников становятся не люди, не события, а сами краски и их цвет. Потому-то представители данного течения практически не смешивали между собой цвета, приучаясь писать чистыми красками, накладывая их небольшими мазками. Из-за такого обилия цвета понять, что изображено на полотне, при близком его рассмотрении невозможно, но если чуть отойти в сторону, взору предстает удивительное: краски начинают взаимопроникать друг в друга, воздействовать друг на друга, создавая невообразимые комбинации. Это явление художники называют эффектом оптического смешения.

   Как уже упоминалось ранее, живопись Коровина отличает сияние счастья. К. Юон говорил о его работах: «Живопись Коровина – образное воплощение счастья живописца и радости жизни. Его манили и ему улыбались все краски мира». Поспорить с этим сложно, тем более что и на самом деле о творчестве художника можно сказать только так.

   Имя Ф. И. Шаляпина известно многим, но не все знают, что этот артист и художник К. А. Коровин были очень близкими друзьями, часто проводившими вместе свободное время. Естественно, что не нарисовать портрет друга Коровин просто не мог. Поехав вместе с ним на курорт во Францию, он предлагает певцу попозировать. Шаляпин соглашается. Друзья приглашают в свою комнату в отеле артистку Н. И. Комарову и просят ее спеть. На фоне этого пения художник и приступает к созданию портрета, и его Шаляпин получается будто летящим, полным чувств и звуков музыки.

   Константину Коровину за время своего творчества удалось добиться настоящего переворота: он освободил живопись от темных красок и сюжетов, наполнил искусство ясностью, красочностью и теплыми человеческими чувствами. Он как никто осознавал, что во времена, когда все устали от разрухи и падения, перестали верить в лучшее, необходимо дать народу радость, научить смотреть на мир другими глазами и замечать, что небо бывает не только темное, но и ясное, светлое и полное солнца.

Зрительный ряд

Наиболее примечательными работами первого русского художника-импрессиониста можно считать картины: «Зимой», «Портрет артиста Ф. И. Шаляпина», «Северная идиллия», «Испанки», «Северное сияние», «У балкона». Их репродукции дадут детям представление о том, чем импрессионизм отличается от других течении.
Из его театральных декораций можно продемонстрировать эскизы к спектаклям «Конек-горбунок» Петуньи, «Руслан и Людмила» Глинки, «Золотой петушок» Римского-Корсакова.

Литературный ряд

Отличительные черты творчества импрессионистов – много света и красок, и это невольно навевает воспоминания о поэме Маяковского, ведущего «разговор с солнцем». Так что сам собой находится идеальный вариант литературной заставки к уроку.

Музыкальный ряд

Учитывая дружбу художника с Ф. И. Шаляпиным, во время уроков можно использовать песни в его исполнении. Кроме них, подойдут отрывки из работ П. И. Чайковского «Лебединое озеро» и «Щелкунчик», декорации к постановкам которых однажды довелось выполнять художнику.

Применение материала

Знакомство с творчеством Константина Коровина лучше всего объединить с изучением следующих тем: «Импрессионизм в русской живописи», «Свет и цвет. Их значение в изображении», «Основные цвета», «Хроматические цвета и их смысловое значение», «Выразительное пятно. Хроматический контраст» и т. д.

Проведение беседы с учащимися

Использование данного справочного материала при изучении воздействия одного цвета на соседний дает возможность провести очень интересную беседу, дополненную играми-минутками. В качестве последних могут выступать состязания учащихся на выполнение небольших зарисовок, доказывающих то или иное влияние одного чистого цвета на другой.

33. М. В. Нестеров (1862–1942)

Истинный художник есть тот, кто умеет быть самим собой, возвыситься до неузнаваемости.
М. В. Нестеров

Биография художника

   Михаил Васильевич Нестеров родился в 1862 г. в Уфе, в очень религиозной купеческой семье. На свет мальчик появился хилым, и его родители подумали, что он непременно отдаст богу душу. Михаил же, закаляемый на снегу и в печи, с каждым днем выправлялся и постепенно креп. Уже с первых своих шагов мальчик осознал, что хочет быть художником, чем сильно огорчил своих родителей, считающих, что в малевании холста нет ничего святого и богоугодного. Отец же и вовсе называл подлинными художниками только тех, чьи картины висели в галереях Третьякова. Мальчик с этим полностью соглашается, а потому усиленно начинает заниматься любимым делом.
   Несмотря на протест родителей, в 1877 г. Михаил поступает в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где получает первые уроки рисования от самого В. Г. Перова. Чуть позднее, решив не останавливаться на достигнутом, он переводится в Петербургскую Академию художеств, но почти сразу же возвращается обратно. Академия не оправдала его надежд, и Нестеров предпочел учиться у И. Н. Крамского и В. Е. Маковского, преподававших в то время в училище.

   Непонятно, почему, но до сих пор многие люди продолжают считать, что художник – это все равно что маляр: взял кисть в руки, помахал ею – и все готово. Это совершенно не так. Художник подобен поэту, ведь он воспевает красоту и любовь, останавливает нетерпеливые реки и заставляет замереть воздушную стихию. А уж как точно и поэтично каждый из них способен воспеть и охарактеризовать свое собственное творчество и предсказать судьбу созданных полотен! Так, например, Михаил Нестеров говорило себе: «Любви горячей, взаимной, пламенной любви к женщине и к искусству я обязан тем, что я есть, что мое искусство дает людям то смутное волнение, каким волновался я всю мою незадачливую и в то же время яркую жизнь».

   В 21 год в жизни художника происходит значительное событие, окончательно определившее его дальнейшую жизнь и творческий путь. Он встречает Марию Ивановну Мартыновскую, в которую тут же влюбляется без памяти. Девушка отвечает ему взаимностью, но на пути молодых встают их родители, не одобрявшие выбор своих детей. Но это не нарушает планов Михаила, который, несмотря на их протесты, женится на Марии и уезжает вместе с ней в Москву. Увы, счастье его было недолгим. Сразу же после родов его жена умирает, оставив после себя дочь. Девочка, как и он сам, рождается очень слабой, а потому художник всю свою жизнь старается окружить ее заботой и лаской, а его старшая сестра Марина Васильевна посвящает ей себя полностью.
   Немного придя в себя после смерти жены, Нестеров решает отправиться путешествовать. Деньги для этого ему удается получить после продажи Третьякову одного из своих полотен, за которое он получает 500 рублей. За время этого путешествия Нестеров побывал в Италии, Франции и Германии, познакомился не только с природой этих мест, но и с творчеством многих народов. Вернувшись, он уединяется в Москве и приступает к разработке сюжетов картин на религиозные темы: «Святая Русь», «Великий постриг», «Юность Сергия Радонежского».
   В сорок лет в его жизнь вливается новая струя – он второй раз женится. На этот раз на Екатерине Петровне Васильевой. Эта женщина помогает ему справиться с сомнениями, поддерживает и не дает пасть духом. С нею он проживает остаток своей жизни, которая обрывается 18 октября 1942 г. На надгробном камне художника благодарные потомки выбивают: «Художник Михаил Васильевич Нестеров».

История создания произведений

   Полученное в детстве религиозное воспитание отразилось на творчестве Нестерова, особенно в первой половине жизни. Он устремляет свои силы на изображение святой Руси: грешников, отроков, житий святых. Изучает природу святых мест. При написании картины «Видение отроку Варфоломею», на которой изображен святой Сергий Радонежский, он живет в окрестностях Троице-Сергиевой лавры, а работая над «Видением», посещает Абрамцево и списывает лицо своего будущего игумена с иконописного подлинника. Все, что художник видел в этих местах воочию, он переносил на холст, а потому его природа на таких известных работах, как «Дмитрий-царевич убиенный», «Великий постриг», «За приворотным зельем», поистине русская: раздольная, холмистая, покрытая густым и вековым лесом.

   Сам Нестеров свои пристрастия к богомольным образам объяснял так: «…Меня тянуло как художника к типам положительным. Мне казалось, что в нашей литературе, искусстве было совершенно достаточно выведено людей, позорящих себя, свою Родину».

   В 1906 г. его творчество резким образом меняется – он начинает писать только портреты. Первой моделью для них становится его собственная дочь Ольга, которую он пишет дважды. Один из этих портретов становится всемирно известным – «Амазонка». Затем рисует автопортрет. А через некоторое время создает целую портретную галерею, в которой нашли свое место многие деятели русской культуры: В. М. Васнецов, скульптор В. И. Мухина, парный портрет П. А. Флоренского и С. Н. Булгакова «Философы».

   У художника Нестерова многому можно поучиться. Даже его напутствия позволяют познать тайны живописи и встать на путь истинный. Например, о таком, на первый взгляд, простом понятии, как фон, художник говорил: «Удачный фон – половина дела, ведь он должен быть органически связан с изображаемым лицом, характером, действием, фон участвует в жизни изображаемого лица».

Зрительный ряд

Изучая народное творчество в живописи, обязательно следует обратиться к таким картинам, как «Великий постриг», «Видение отроку Варфоломею», наиболее точно передающим атмосферу древней богомольной Руси.
При рассмотрении на занятиях портретной живописи могут быть использованы следующие наглядные материалы: «Амазонка», портреты Васнецова, Мухиной, автопортрет художника.

Литературный ряд

   Отрывки из былин с описаниями русской природы, образов старцев и девиц – все это еще более заострит внимание детей на особенностях творчества М. В. Нестерова, позволит проникнуться духом русской старины, ощутить влияние мировоззрения жителей Древней Руси на их жизнь.
   Из более поздней литературы может быть использована лирика А. Блока и С. Есенина.

     Век XIX, железный,
     Воистину жестокий век!
     Тобою в мрак ночной беззвездной
     Беспечный брошен человек!

(А. Блок, отрывок из поэмы «Возмездие»)

Музыкальный ряд

Великолепным дополнением к былинам и сказам станут фрагменты из музыкальных сочинений: Римского-Корсакова «Садко», Глинки «Иван Сусанин», Мусоргского «Князь Игорь», а также любые – Рахманинова.

Применение материала

Данный справочный материал может быть использован при изучении следующих тем: «Изображение былинных образов», «Образ русского человека и его характер», «Портретная живопись», «Пейзаж родной земли».

Проведение беседы с учащимися

Во время знакомства с образами Древней Руси учитель имеет возможность заострить внимание детей на образах людей-богомольцев и их отличии от изображений простых людей. Рассматривая репродукции полотен Нестерова, они увидят, что при помощи акцентирования внимания на каких-то определенных чертах лица художник добивался нужного ему чувства сопереживания героям картин. Это выражения мольбы, всепрощения, близости к Богу, которые так ясно читаются в глазах, изгибе губ и т. д. Следует дать учащимся задание выписать эти черты, а затем определить, на какое качество деталей обратили внимание все, а на какое только некоторые? Что было упущено и не замечено?

34. А. Я. Головин (1863–1930)

Точного цвета с натуры взять нельзя, ибо каждую минуту цвет меняется в зависимости от освещения. Поэтому надо строить все на цветовых отношениях. И если они логичны, не противоречат натуре, тогда можно достигнуть гармонии и правдиво передать именно свои впечатления от натуры.
П. Кончаловский

Биография художника

   Творческий путь художника Александра Яковлевича Головина довольно насыщен.
   Родившись 17 февраля в Москве, получив художественное образование в училище живописи, ваяния и зодчества, он некоторое время посвящает себя разработке декора фасадов и павильонов. Им оформлен фасад гостиницы «Метрополь» и русский павильон в Париже, за который художник даже был награжден в 1900 г. золотой и серебряной медалями.
   Когда Александру переваливает за 30, он увлекается театром и переквалифицируется в театрального художника. За успехи в данной области вскоре становится художником-консультантом при дирекции Императорских театров. В свободное время пробует работать в станковой живописи.
   Работоспособность Головина многих поражала, ведь даже на самом последнем этапе жизни, когда его поразила тяжелая болезнь, он не отходит от дел, а наоборот, с еще большим рвением берется за разработку декораций. Эти дни памятны одним из его триумфальных оформлений комедии «Безумный день, или Женитьба Фигаро» и последних декораций для постановки трагедии Шекспира «Отелло», состоявшейся во МХАТе.

История создания произведений

   Художника Александра Яковлевича Головина по праву считают не только одним из лучших художников-театралов, но и заслуженным народным артистом.
   На его счету огромное множество эскизов к операм и постановкам, зарисовок костюмов и декораций, и все они по-своему индивидуальны и оригинальны.
   Являясь народным артистом, художник, естественно, посвятил всего себя театру: сам играл, готовил декорации, писал портреты деятелей русской культуры.
   Благодаря ему до нас дошли портреты Ф. И. Шаляпина, автопортрет художника и т. д.

Зрительный ряд

Во время урока учащимся можно представить следующие театральные работы художника: оформление постановок и опер «Псковитянка», «Борис Годунов», «Жар-птица», «Дон-Жуан», «Маскарад», «Женитьба Фигаро», «Отелло», а также портрет Ф. И. Шаляпина в роли Б. Годунова и автопортрет художника.

Литературный ряд

Беря во внимание, что многие оперы и театральные постановки готовились на основе того или иного литературного произведения, отрывки из них станут самым подходящим дополнением к уроку.
В данном случае можно использовать эпизоды из «Маскарада» Лермонтова, «Женитьбы Фигаро» Бомарше, «Отелло» Шекспира, сопровождая все это еще и соответствующими музыкальными композициями.

Музыкальный ряд

Подбор музыкального ряда может быть очень различным и довольно насыщенным. Любой театральный балет, оперу или постановку, к оформлению которой приложил руку художник, можно использовать как заставку для урока. Это и «Псковитянка» Римского-Корсакова, и «Борис Годунов» Мусоргского, и балет «Жар-птица» Стравинского, и «Дон-Жуан» Мольера, и многое другое.

Применение материала

В школьной программе сегодня все чаще можно встретить такие темы, как: «Знакомство с работой театральных художников», «Мир театра и его отражение в живописи», «Художник-оформитель и его работа». К изучению данных тем можно приурочить и знакомство с художником-театралом А. Я. Головиным.

Проведение беседы с учащимися

Во время беседы по пройденному материалу учителю следует заострить внимание детей на том, какие изменения внес художник в театральные круги, чем стали отличаться эскизы к операм от сделанных ранее, а также проследить взаимосвязь трех видов искусства: музыки, литературы и живописи.

35. В. А. Серов (1865–1911)

…Серов вошел в область, принадлежащую живописи, как в свое царство, державные права на которое ему принадлежат по праву рождения, вошел в самую середину ее, вошел бестрепетно по той самой дороге, где еще стоят триумфальные арки Тициана и Веласкеса, Тинторетто и Рубенса.
В. Я. Брюсов

Биография художника

   Валентин Александрович Серов родился в семье известных композиторов, в Петербурге. Родители сразу заметили у мальчика склонность к рисованию, и его мать, Валентина Семеновна, решила поспособствовать тому, чтобы ее сын получил хорошее художественное образование. Она часто покупала ему альбомы и кисти, с радостью демонстрировала окружающим детские альбомы сына и ласково называла его «художник-дитя».
   Отец Валентина умирает очень рано (в 1871 г.), и с этого времени у мальчика начинаются усиленные занятия живописью. В 10 лет его учителем становится Репин. Он готовит мальчика к поступлению в академию, помогает ему определиться со стилем и направлением в изобразительном искусстве. В 1880 г. по рекомендации своего преподавателя Серов поступает в Академию художеств к профессору П. П. Чистякову. Видя способности мальчика к живописи, Чистяков проводит с ним индивидуальные занятия, часто приглашает к себе в мастерскую, где будущий художник постигает гораздо больше, чем во время официальных занятий.
   В 1889 г. Серов женится на воспитаннице семьи Симонович, Ольге Федоровне Трубниковой, с которой он был знаком с детства. К своей жене он испытывал самые глубокие чувства, и это видно из 12 написанных им ее портретов.

   Одним из близких друзей Валентина Серова был Константин Коровин. Вместе с ним он снимал помещение на Долгоруковой улице, в нем же они устроили мастерскую и выполняли многочисленные заказы. Друзья постоянно находятся вместе, и окружающие придумывают им забавное прозвище «Коров и Серовин». В 1891 г. в этом самом помещении Серов пишет портрет Коровина, в котором ему удается передать всю глубину личности друга.

   В 1903 г. Серов переносит тяжелую болезнь, и с этого момента медленно начинает терять приобретенную ранее славу. В его характере, под влиянием пережитого, происходят сильные изменения: усиливаются суровость, замкнутость, появляются злоба и язвительность.
   Среди его окружения проходит слух, что портретироваться у художника способен только тот, кто не боится разоблачения своих темных и отрицательных сторон. Да и сам Серов признает, что он стал злой.
   Немного выводит его из этого состояния путешествие в Грецию, совершенное в 1907 г., откуда он возвращается с зарисовками к будущему известному полотну «Похищение Европы». Дальнейшее его творчество становится пронизано некоторой холодностью и классицизмом.

История создания произведений

   На первый взгляд, отнести Серова к тому или иному жанру изобразительного искусства не так просто, ведь у него много картин пейзажного характера, иллюстраций, портретов, он работал и в анималистическом жанре. Но наибольшего успеха ему удалось достичь в области портрета. За время своей жизни он создает множество портретов, как собственной жены, так и друзей, выполняет многочисленные заказы. Ему нравится писать лица совсем юных девочек, начинающих взрослеть девушек, молодых и элегантных женщин, родственных душой друзей. При этом художник стремился не только скопировать внешнее сходство, но и перенести на холст людскую душу.
   Мастер портрета никогда не приступал к написанию модели сразу же. Он очень долго за ней наблюдал, искал наиболее выразительные позы, способные подчеркнуть основные черты характера, вел длительные беседы. Был даже случай, когда на такую манеру письма нажаловалась одна старушка, портрет которой решил написать художник. Она заявила окружающим, что она 5-й раз к нему приезжает, а он чай пьет, глядит на нее и ничего не рисует. Этот способ создания портретов позволял художнику проникнуть в душу человека, и именно потому все его портреты очень психологичны и духовны.
   Очень большой след в его жизни оставила подмосковная усадьба Абрамцево. В ней с ранних лет, еще с матерью, Валентин встречался с родственниками и их детьми, здесь же, позднее, работал с известнейшими художниками. Именно в Абрамцево им была создана самая знаменитая его картина «Девочка с персиками», моделью для которой стала двенадцатилетняя Вера Мамонтова, дочь самых близких его друзей.
   В другой усадьбе, распложенной в Тверской губернии и носящей название Домотканово, Серов пишет еще одно свое известное полотно «Девушка, освещенная солнцем». Для этой работы ему терпеливо, а это действительно потребовалось, т. к. картина писалась 90 сеансов, позировала Маша Симонович. Именно эта работа помогла художнику приобрести общественное признание и встать в ряды настоящих мастеров.

Зрительный ряд

Многие портреты кисти В. А. Серова с самого детства известны детям, а потому используйте на занятиях такие его работы, как «Мика Морозова», «Девушка с персиками», «Девушка, освещенная солнцем», «Портрет Александра Третьего с семьей», портреты Николая Второго и Петра Первого, «Автопортрет». Лучше всего провести опрос о том, каким образом произошло знакомство каждого с данными картинами, что в них поразило и заворожило ребят.

Литературный ряд

   Подобрать литературный ряд для портретов Серова довольно сложно. Поэтому лучшим вариантом будет использование выдержек из автобиографий личностей, изображенных на портретах художника.
   Кстати, одно из стихотворений Микеланджело Буонаротти как нельзя более точно объединяет все произведения художника вместе и выносит им своего рода вердикт:

     Не правда ли – примерам нет конца,
     Тому, как образ, в камне воплощенный,
     Пленяет взор потомка восхищенный
     И замыслом, и почерком резца?
     Творенье может пережить творца:
     Творец уйдет, природой побежденный,
     Однако образ, им запечатленный,
     Веками будет согревать сердца.
     И я портретом в камне или цвете,
     Которым, к счастью, годы не опасны,
     Наш век могу продлить, любовь моя, —
     Пускай за гранью будущих столетий
     Увидят все, как были вы прекрасны,
     Как рядом с вами был ничтожен я.

(Перевод с итальянского Е. Солоновича)

Музыкальный ряд

В роли музыкального фона при просмотре портретного ряда может быть использовано любое классическое музыкальное произведение.

Применение материала

Портреты В. А. Серова очень хорошо способствуют усвоению материала по следующим темам: «Изображение друзей», «Передача характера человека», «Потрет как способ передачи духовного состояния человека», «Жанр портрета во всех видах изобразительного искусства», «Изучение разновидностей жанра» (психологический, характерный, парадный портрет).

Проведение беседы с учащимися

Прежде чем дать учащимся задание изобразить какой-либо былинный образ или портрет, следует побеседовать о том, каким образом можно заострить внимание зрителя на особенностях характера изображенного человека, используя для этой цели работы В. А. Серова. В процессе беседы ученики должны сами понять, какие черты характера подчеркивают глаза, какие – одежда и руки, в каких случаях особое внимание следует уделить позе человека, также способной рассказать о темпераменте очень многое.
Кроме того, во время беседы при помощи наводящих вопросов учащимся следует напомнить о том, каким образом изменилось творчество художника после болезни. Если в наличии имеется большое количество работ Серова, неплохо провести и небольшую игру, целью которой станет выделение из общего ряда репродукций тех, которые были написаны в послеболезненный период (что легко определить по датам создания работ) и носят отпечаток суровости и озлобленности художника.

36. Ф. А. Малявин (1869–1940)

Биография художника

   Жизнь Филиппа Андреевича Малявина складывалась довольно неординарно. Родившись в крестьянской среде, он с раннего детства мечтал стать живописцем, а потому принял послушничество в Афонском монастыре, где в маленькой комнатке и начал постигать мастерство иконописи. Там его работы попадают на глаза известному скульптору, и это дает толчок к дальнейшему обучению художника.
   Из этого монастыря длинноволосый, внешне походящий на служителя церкви Малявин отправляется в Петербургскую Академию художеств. Первое время ученики сторонились его, считая каким-то странным, но быстро осознали, что Филипп не только обычный и во многом с ними схожий, но еще и очень добрый человек.
   Обучаться в академии Малявину было очень легко, хотя и не обходилось без проблем, чаще всего происходивших из-за отличной его манеры письма от других. Видя его декоративно-эпические работы, преподаватели приходили в ужас. Так, на их взгляд, не пишут, а малюют. Заступался за будущего студента только И. Е. Репин, понявший, что из мальчика непременно выйдет что-то толковое. И он не ошибся, т. к. совсем скоро его ученик стал поражать всех своими способностями. Ему без труда давались даже самые сложные работы, да и за время летних каникул, которые он проводил в родной деревне, находившейся в Самарской губернии, он постигал куда больше, чем прочие ученики. Его альбом всегда был при нем, куда бы он ни пошел или ни поехал.
   Но во время конкурса на золотую медаль все же не обошлось без скандала. Малявин представил свою дипломную работу под названием «Смех», которая была воспринята как удар по общепринятым стандартам. Если бы не угроза Репина покинуть академию навсегда, Малявин, возможно, не получил бы шанса даже быть выслушанным, а не только участвовать в нем.
   Закончив академию, художник покупает недалеко от Рязани усадьбу и поселяется в ней, чтобы поработать вдали ото всех. Именно в этой усадьбе он создает самые известные полотна, темой которых чаще всего была крестьянская жизнь. И, как и дипломная работа, эти картины становились сенсационными и не всегда воспринимались так, как того заслуживали.
   В 1922 г. Малявин уезжает за границу и не возвращается на родину. Там он продолжает работать, но все поздние его картины по содержанию напоминают те, что были созданы им в России.

История создания произведений

Его манера письма значительно отличается от давно устоявшейся, академической. Современники осмеливаются даже называть ее «Малявинской манерой». Рассматривая его работы, невольно начинаешь думать, что их и в самом деле не писали, а малевали. И не совсем понятно, то ли фамилия повлияла на его творчество, то ли он так точно нашел свое «Я».

Зрительный ряд

Обязательно следует использовать на уроке репродукцию картины «Смех», приведшую в неистовство преподавателей академии. Кроме этой работы, подойдут и следующие: «Крестьянская девушка с чулком», «Портрет сестры», «Девка», «Бабы», «Вихрь» и т. д.

Литературный ряд

Осуществить подборку литературного ряда к материалу о Малявине, в связи с довольно необычной его манерой письма, довольно сложно. Нет такого обилия красок, такой яркости и горения, которые бы наиболее точно передавали впечатление от его картин. В связи с этим лучше всего использовать на уроке четверостишия из стихов, в которых описываются запечатленные на полотнах художника события.

Музыкальный ряд

Многие картины Малявина подпадают под название одной – «Вихрь», настолько много в них движения, красок и жизни. Основываясь на этом, при подборе музыкального ряда следует остановиться на таком сочинении, которое тоже можно было бы отнести к этому определению.

Применение материала

Материал по творчеству Ф. А. Малявина является великолепным дополнением к урокам, знакомящим учащихся с цветом, его воздействием на человека и соседствующие предметы, возможными вариантами тона и оттенков.

Проведение беседы с учащимися

Наверняка детям не раз приходилось слышать от родителей: «Малюет целыми днями». И почему-то слово «малевать» воспринималось немного обидным. Беседа же в конце урока дает возможность доказать детям, что малевать можно по-разному и что не всякое малевание становится шалостью, ведь если присмотреться, даже в работах очень маленьких детей непременно есть какой-либо смысл. В подтверждение к сказанному школьникам можно показать рисунки 3-5-летних детей и совместно с ними попытаться разобрать, что же означают все эти каракули.

37. В. Э. Борисов-Мусатов (1870–1905)

Смотреть на пейзаж надо так, словно он весь запечатлен на плоскости оконного стекла.
Р. Фальк

Когда меня пугает жизнь, я отдыхаю в искусстве… мне кажется иногда, что я на каком-то необитаемом острове. И действительность как будто не существует.
В. Э. Борисов-Мусатов

Биография художника

   Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов родился в Саратове, в семье бухгалтера. Ребенок был очень подвижным, но это не привело к добру, т. к. в 3 года мальчик падает со скамейки, и у него начинается воспалительный процесс в позвоночнике. Такую болезнь в то время излечить было почти нереально, и ребенок был вынужден всю жизнь испытывать на себе жалостливые взгляды окружающих, замечающих его горб.
   Как и многие художники, мальчик очень рано начал тянуться к изобразительному искусству. На это обратил внимание его отец и очень обрадовался, что его 6-летний сын так неплохо рисует. Именно он поддержал его начинания, стараясь постоянно покупать мальчику краски и кисти.
   В 1881 г. Виктор поступает в Саратовское реальное училище, где сразу же становится лучшим учеником. Там его замечает бывший студент Академии художеств Василий Васильевич Коновалов, который и становится его первым и основным учителем. Коновалов помогает мальчику в поиске книг по искусству, лично занимается с ним живописью и рисунком, а когда мальчику исполняется 14 лет, упрашивает его родителей позволить ему продолжить обучение. Он же и начинает усиленно готовить его к поступлению в Московское училище живописи, ваяния и зодчества.
   Успешно сдав экзамен в училище, Виктор переводится вольнослушателем в Петербургскую Академию художеств. Помимо нее, занимается в частной студии Ф. Кормона в Париже. Завершив обучение, он возвращается в родной город, но поработав там немного, переезжает сначала в Подольск, а затем в Тарусу.
   Умирает художник в 35 лет. Его хоронят на берегу Оки, в том месте, которое выбрал он для себя сам.

История создания произведений

Художник говорил: «Искусство – такая штука, что всегда чувствуешь себя только учеником». Возможно, поэтому Виктор все время учился, находился в поисках собственного стиля и манеры письма. В конце концов он выработал эту манеру, впоследствии названную «декоративный плэнеризм». Делая героями своих полотен природу и одновременно с ней и человека, художник погружал все это в мир грез и фантазии, создавая гармонию всего живого. Такая отрешенность от действительности очень понятна, ведь он искал уединения в ином мире, не сумев найти его в этом. Его работы – это музыка цвета и света, мир душевной фантазии и вымыслов. Глядя на полотна, не сразу можно определить, что же на них изображено.
Как-то не принято у художников писать свой автопортрет, а рядом с ним размещать какую-либо еще фигуру. Но вот Борисов-Мусатов ее поместил. Он написал свой автопортрет рядом с сестрой, одетой, как светская дама. На ней платье, сшитое руками его матери, а голову украшает нежная розочка. Парный портрет изображен не на привычном однотонном фоне, а в гармонии с совершенной во всех отношениях природой. Еще один парный портрет, на этот раз своей сестры и невесты, он также написал на фоне природы – чистого и светлого озера. Этот портрет-картину художник назвал «Водоем». Самих же изображенных женщин Виктор считал высшим и самым совершенным творением природы.

Зрительный ряд

При изучении творчества художника лучше всего использовать репродукции картин: «Весна», «Водоем», «Дама в голубом», «Автопортрет с сестрой», «Призраки», «Прогулка при закате», «Девушка в ожерелье», «Реквием», «Куст орешника», «Майские цветы», «Гобелен», «Весенняя сказка», «Изумрудное ожерелье», «Сон божества», «Летняя мелодия».

Литературный ряд

   Многие художники способны были воспевать окружающую действительность не только посредством живописного материала, но и слова. Известно множество случаев, когда художники сочиняли к своим работам четверостишия, помогающие зрителю лучше понять смысл изображенного и заостряющие внимание на главной детали. Так, например, стихи писали Павел Федотов и Виктор Борисов-Мусатов.
   Словом, при рассмотрении работ художника желательно использовать его собственные литературные произведения. Например, к картине «Водоем» он написал следующую литературную симфонию:

     А я сижу дома и задаю концерты себе одному.
     В них вместо звуков – все краски,
     А инструменты – кружева, и шелк, и цветы.
     Я импровизирую на фоне фантазии.
     А романтизм – мой всесильный капельмейстер.

   Если бы его работы предложили посмотреть писателю и поэту и попросили соотнести их с произведениями литературы, то они наверняка бы, не задумываясь, назвали имя В. Брюсова. Его стихи словно созданы под впечатлением от почти гобеленных работ художника.
   Вот, например, один отрывок:

     Тайно люблю золотые цвета,
     Осени ранней, любви умирающей.
     Ветви прозрачны, аллея пуста,
     В сини бледнеющей, веющей, тающей
     Странная тишь, красота, чистота…

Музыкальный ряд

Многие друзья художника после его смерти подтверждали, что он очень любил музыку – красивую, звучную. Такую можно найти только у классиков.

Применение материала

Данный справочный материал может стать великолепным дополнением к урокам на темы: «Декоративный плэнеризм», «Реальность и вымысел», «Гармония природы и человека», а также «Портрет как часть пейзажа», «Основные цвета. Родственная гамма», «Гармония цвета», «Цвет как средство выражения. Глухие и звонкие цвета».

Проведение беседы с учащимися

Во время знакомства с жизнью и творчеством художника у учащихся чаще всего возникает сравнение Борисова-Мусатова с Квазимодой, так же ищущем покоя в мире собственных грез. Это вполне естественно и лишь в очередной раз подтверждает, что фантазия детей становится все более богатой. Данное же впечатление можно весьма успешно использовать во время беседы, акцентируя внимание детей на сходстве мыслей людей, находящихся в одинаковом положении, очередной раз сравнивая то, о чем мечтал книжный герой и что волновало реального художника. Сопоставление и сравнение художника с литературным персонажем, как правило, способствует более глубокому усвоению материала о его жизни и творчестве.

38. П. И. Петровичев (1874–1947)

Биография художника

   Выходца из Ярославской губернии Петра Ивановича Петровичева по праву относят к числу прославленных мастеров московской школы живописи, оставивших после себя огромное наследие поистине русских пейзажей. Родившись в самом центре нашей необъятной России, художник все свое творчество посвятил красоте родной природы и ее захватывающим пейзажам.
   Во многом в определении жанра живописи сыграло роль то, что его родители были бедными крестьянами-огородниками и всю жизнь провели возле матушки-кормилицы. Рано начав рисовать, Петр даже не задумывался о том, чтобы стать настоящим художником, да и семье требовался работник, а не маляр. Возможно, на этом все попытки в области художничества и закончились, если бы не одно обстоятельство. Волей судьбы Петровичев встречает в Ростове баталиста В. В. Верещагина и боязливо демонстрирует ему свои рисунки. На это мастер дает ему совет продолжать в том же духе, учиться большему и стремиться к совершенству. И тут юноше приходит в голову идея отправиться в Москву и попытать счастья в училище живописи. Именно это он и делает.
   Поступив в училище, Петровичев попадает к И. И. Левитану, у которого познает очень много. Но, в отличие от многих учеников, он никогда не делает попытки копировать. Всегда пишет только с натуры и только под вдохновением. В дальнейшем от этого правила художник не отходит. Закончив училище, он продолжает совершенствовать свое мастерство, вставая чуть свет и отправляясь на плэнер, откуда возвращается, только когда цвета на палитре перестают быть различимыми. Он много путешествует, избирая местами для написания этюдов только русские города, в которых еще сохранились памятники древней архитектуры: Новгород, Торжок, Кострому, Ростов Великий и пр.

   Сам о себе в дневнике Петровичев пишет: «Все время продолжал работать. Много ездил по стране. Только на 3–4 месяца приезжал в Москву, а остальное время путешествовал».

История создания произведений

Говоря о творчестве Петра Петровичева, нельзя в очередной раз не подчеркнуть, что все, что он изображал, он писал, только находясь рядом с этими местом и предметами, будь то город, тихая речка или интерьер православного храма. Его любовь к родине чувствуется в каждом изображенном камушке, тонкой веточке или былинке. Даже его дети часто вспоминали, что на вопрос о том, каким цветом отец изобразил что-либо, автор всегда прикладывал руку к груди в области сердца. Рисовал не он, рисовала его душа. Потому-то все работы художника так индивидуальны и неповторимы, так мастерски отточены и полны душевного тепла.
Но художник писал не только пейзажи, хотя, бесспорно, они давались ему куда лучше всего остального. В числе его работ встречаются и натюрморты, чаще состоящие из цветов, и некоторое количество обжитых интерьеров, увидеть человека на которых никому не удастся. Образов людей художник старался не касаться, если этого не требовалось для создания окончательного, полного вида его полотна. Его увлекала красота, духовный мир, старина, а не люди. Он был вечным наблюдателем, передававшим и запечатлевавшим все, что видели окружающие. Можно даже сказать, что он был их глазами.

Зрительный ряд

Подборка репродукций картин Петровичева будет зависеть от темы урока. Если справочный материал о художнике используется на занятии по пейзажной живописи, то наиболее яркими показателями его творчества будут: «Осень ясная», «Деревенские хаты», «Лунная ночь на Волге». Если же темой урока является архитектура, в этом случае обратить внимание следует на изображение художником старинных русских городов. Лучше всего эта тема отражена в работе «Ростов Великий осенью». И, наконец, если темой урока является натюрморт, зрительный ряд можно осуществить из написанных художником натюрмортов, состоящих из роз.

Литературный ряд

Как и на зрительный ряд, на литературный будет оказывать самое прямое влияние тематика урока. Так, занятия об архитектурном стиле в искусстве указывают на необходимость сбора материала о городах, изображенных на репродукциях. Знакомство с натюрмортом может проходить на фоне стихов, воспевающих красоту цветов (особенно роз, любимых цветов художника), а пейзажная живопись станет великолепным сочетанием со стихами С. Есенина о русской природе.

Музыкальный ряд

При просмотре натюрмортов П. И. Петровичева можно поставить музыкальный отрывок из балета П. И. Чайковского «Щелкунчик» – «Вальс цветов».

Применение материала

Творчество художника П. И. Петровичева многогранно, а потому данный справочный материал о нем может быть использован при изучении довольно различных тем. Это и «Цветы в натюрморте», и «Архитектура древних городов», и «Плэнерная живопись», и многие другие. Все зависит только от того, какую цель преследует на уроке преподаватель и что стремится подчеркнуть, демонстрируя детям произведения живописи известных мастеров.

Проведение беседы с учащимися

   Во время беседы по творчеству художника основной упор следует делать на отношение Петровичева к русской природе и старинным памятникам архитектуры. Беседа может строиться по следующему пану:
   1. Какими средствами живописи можно подчеркнуть любовь к природе? (Цвет, контраст, отсутствие лишнего, правильный подбор композиционных планов и т. д.)
   2. С какими поэтическими строками вы можете соотнести просмотренные ранее репродукции?
   3. Глядя на виды древних русских городов, попробуйте осознать, что объединяет все эти работы воедино и какую общую мысль они несут? (Следует сразу же дать ученикам понять, что объединение работ совершенно не заключается в том, что на всех них изображены здания.)
   4. Что общего между пейзажами П. И. Петровичева и его учителя И. И. Левитана?
   5. Чем отличаются натюрморты художника от работ других мастеров живописи? (В первую очередь тематикой. В его работах чаще проскальзывают изображения цветов.)

39. Сказки и былины в творчестве И. Я. Билибина (1876–1942)

Биография художника

Иван Яковлевич Билибин родился 4 августа 1876 г. в небольшой деревеньке под названием Тарховка, близ Петербурга. Его обучение живописи началось в 1898 г. в Мюнхене, у известного в то время преподавателя А. Ажбе. Затем художник начинает посещать школу-мастерскую М. К. Тенишевой, по окончании которой поступает вольнослушателем в Академию художеств. А через 3 года после ее окончания становится преподавателем в школе Общества поощрения художеств.
Посвятив десять лет преподавательской деятельности, в 1920 г. художник решает отправиться за границу. Некоторое время он живет в Египте, затем во Франции, а в 1936 г. вновь возвращается в Россию и селится в Ленинграде. С этого момента Билибин начинает развиваться как художник-иллюстратор и разрабатывает свой собственный стиль, отличающийся от работ, созданных Васнецовым. Здесь, в Ленинграде, он становится профессором Академии художеств и создает ряд великолепных произведений со сказочным сюжетом.

История создания произведений

На начальном этапе творчества Билибин увлекается рисованием карикатур на самодержцев и богачей. Свои работы он публикует в журналах «Адская почта» и «Жупель». Взгляд на творчество меняется у него после поездки за границу, вернувшись откуда, Билибин увлекается книжной иллюстрацией и изучает народное творчество, стиль письма древних рукописей, миниатюры, вышивок, резьбы по дереву и т. д. Все эти знания он тщательно анализирует и создает на их основе свой собственный, «билибинский стиль». Отличительной чертой его манеры становится стилизация мотивов народного творчества и совмещение элементов средневекового русского искусства.

Зрительный ряд

Знакомя класс с творчеством художника-иллюстратора Билибина, следует демонстрировать такие его произведения, как: иллюстрации к былине «Вольга», «Сказке о золотом петушке», написанной Пушкиным, «Песне про купца Калашникова», созданной Лермонтовым, а также эскизы костюмов и декораций к операм Римского-Корсакова «Золотой петушок» и «Сказка о царе Салтане».

Литературный ряд

Посвятив себя народному творчеству, художник проиллюстрировал очень много произведений: «Сказку о царе Салтане» и «Сказку о золотом петушке» А. С. Пушкина, «Песнь про купца Калашникова» Лермонтова и пр. Именно эпизоды из этих работ и следует использовать во время урока.

Музыкальный ряд

Большинство проиллюстрированных Билибиным сказок давно уже положены на музыку, и окружающие имели возможность слушать великолепные музыкальные сочинения. Именно они и являются самыми подходящими для урока. Это и опера Римского-Корсакова «Золотой петушок», и его же «Сказка о царе Салтане».

Применение материала

То, что Билибин является известнейшим художником-иллюстратором, сразу же определяет ряд тем, при изучении которых может быть использован справочный материал о нем. Это «Книжные иллюстрации и их особенности», «Сказка на полотнах известных мастеров», «Книга и живопись» и т. д.

Проведение беседы с учащимися

Во время беседы можно вспомнить слова В. А. Сухомлинского и попытаться подтвердить или опровергнуть их связь с иллюстрированием сказок, взяв за основу работы Билибина.
«Сказка учит мыслить словами, она неотделима от красоты, познания мира не только умом, но и сердцем; сказка – благодатный и ничем не заменимый источник воспитания любви к Родине. Сказка – это духовное богатство народной культуры, познавая которую, ребенок познает сердцем родной народ».

40. Б. М. Кустодиев (1878–1927)

Биография художника

   Художник Борис Михайлович Кустодиев родился в Астрахани 7 марта 1878 г. Будучи совсем юным, о том, чтобы стать художником, мальчик и не помышлял. Его решение стать живописцем возникло лишь после того, как в 9-летнем возрасте он попал на устраиваемую художниками-передвижниками выставку. Работы настоящих мастеров изобразительного искусства просто покорили его, и он понял, что желает научиться писать, как они.
   Поступать в академию Борис стал не сразу. Сначала он закончил духовную семинарию и только потом отправился в Питер, где успешно сдал приемные экзамены и был зачислен учеником. За свою дипломную работу «Базар в деревне» Кустодиев удостаивается звания художника и получает право на поездку за границу для продолжения обучения.
   Но едва он приехал в Францию, как его потянуло назад, на Родину. Поддавшись этому зову, не прожив и 5 месяцев, он возвращается в Россию.
   Приехав на Родину, Кустодиев через некоторое время получает звание академика и надеется, наконец, поработать над задуманными ранее картинами. Но в это же время его постигает болезнь – туберкулез позвоночника. Лечащие его доктора советуют отправиться на лечение в Швейцарию, и художник следует их совету.
   Через год ему делают операцию, в результате которой не наступает никакого улучшения, а напротив, оказываются полностью парализованными ноги.
   Умирает Кустодиев 26 мая 1927 г.

История создания произведений

Россия для художника всегда была чем-то очень дорогим и близким. Он искренне переживал все происходящие в ней события, в том числе и революцию. Он рисовал карикатуры на царских сановников и прочую чиновничью рать. Затем увлекся изучением народного творчества: росписями деревянных игрушек, собирательством легенд, сказок и поверий, собиранием традиций народных праздников и ярмарок. Все эти творения народа вызывали у художника гордость.
Свою любовь к родине художник вкладывал во все свои произведения. Чаще всего темами картин становилась жизнь обычных людей в небольших городках, проводимые там ярмарки и гуляния. Все, что он изображал, не надуманно, а реалистично, в соответствии со временем, в котором он жил. Художник считал, что современность – это как раз то, что интересует людей настоящего, все же вымышленное им не так важно и нужно. Вот потому он и рисовал образы героев революции во время ее зарождения, народные образы в моменты обращения народа к своей истории.

Зрительный ряд

Изучая влияние искусства на современность через произведения Кустодиева, можно использовать следующие созданные им произведения: «Базар в деревне», «Купчихи», «Красавица», «Масленица», «Девушка на Волге», «Красавица», «Городок», «Большевик».

Литературный ряд

Любовь художника к своему народу, его стремление запечатлеть его в самые счастливые и грустные моменты: в борьбе с несправедливостью, за гулянием на народных праздниках и т. д., – можно подчеркнуть и аналогичными по содержанию литературными сочинениями. Это может быть любое описание традиций и особенностей проведения тех или иных праздников, ярких характеристик героев революционного времени. Примечательной в плане знакомства с народными обычаями является, например, «Сорочинская ярмарка» Н. В. Гоголя.

Музыкальный ряд

При созерцании картин, на которых запечатлены простые люди и выходцы из народа, невольно возникают ассоциации с песнями, созвучными изображенному на картине времени. Глядя на яркую «Ярмарку» или веселую «Масленицу», непременно вспоминаешь шутовские напевки: «Ярмарка открывается, праздник наш начинается…», прибаутки и шутки, зазывы торговцев. А переводя взгляд на героя революции «Большевика», погружаешься в мир громких и звучных, звонких горнов и маршей. Таким образом невольно очерчивается возможный список музыкальных произведений, которые могут быть использованы во время урока. Это отрывок из кантаты «Александр Невский» «Вставайте, люди русские», «Песня о Родине» И. Дунаевского, сильная и мужественная музыка Л. Бетховена, «Бой кремлевских курантов» и «Уж ты, зимушка-зима» А. Александрова.

Применение материала

   Уже давно укрепилась в школе традиция к каждому празднику непременно оформлять выставку на соответствующую тему, а потому, еще только идя на урок, дети уже заранее знают, что перед 8 Марта им предстоит рисовать маму или цветы, перед 23 Февраля – образы воинов и защитников Отечества. Желая хоть как-то разнообразить предшествующие праздникам уроки и отойти от привычного стандарта, преподавателю целесообразно использовать материал о жизни и творчестве Кустодиева, на примере которого можно показать, что картины к празднику – это не просто создание аналога на уже имеющиеся произведения, а прежде всего перенесение на полотно собственных впечатлений от него.
   Рассмотрев такие его работы, как «Ярмарка», или серию картин «Масленица», учащиеся смогут понять, что если темой задания является народное гуляние, то не обязательно приступать к рисованию торговцев сладостями, есть и более примечательные моменты этого гуляния: выступления циркачей и артистов, танец медвежат, воссоздание атмосферы и настроения при помощи зарисовок смеющихся от души зрителей и т. д.
   Можно сказать, что материал о творчестве Кустодиева просто необходим для занятий изобразительным искусством.
   Во-первых, он не отвлекает от цикла выбранных учителем тем на ежегодные и давно поднадоевшие в отношении изобразительного искусства праздники.
   Во-вторых, позволяет сравнить празднование одних и тех же народных гуляний сегодня и в прошлые времена.
   И, в-третьих, акцентирует внимание учащихся на разнообразии выразительных возможностей, дает почву для размышлений и фантазии.

Проведение беседы с учащимися

   Как уже упоминалось ранее, творчество художника оптимально использовать перед наступлением какого-либо народного праздника, близкого и родного детям. В связи с этим тема беседы всплывает сама собой.
   Ею обязательно должна быть история обычая, его традиции, как забытые, так и приобретенные со временем. Учащиеся, как правило, очень многое могут рассказать о празднике, поделиться своими мыслями, что было лучше раньше, а что привлекает в празднике сегодня.
   Перед тем как приступать к такой беседе, желательно предварительно сообщить детям о ее теме, чтобы они смогли подобрать необходимый материал, побеседовать с бабушками и дедушками или полистать соответствующую литературу. Если этого не сделать, беседа не получится из-за полной неосведомленности учащихся в теме разговора.

41. Трехцветная живопись в творчестве К. С. Петрова-Водкина (1878–1939)

Биография художника

   Кузьма Сергеевич Петров-Водкин родился 24 октября в Хвалынске, в семье портового грузчика и простой прислужницы богатого дома. Семья бедствовала, а потому об учении любимому делу не могло быть и речи. Но Кузьма с раннего детства слыл необычным ребенком. Мечтая увидеть весь свет и запечатлеть его в своих рисунках, юноша садится на велосипед и отправляется в путешествие. Из столицы, без каких бы то ни было средств к существованию, он добирается до Мюнхена. После этой поездки Кузьма пишет книгу впечатлений «Пространство Эвклида». Но это была не единственная его летопись. В течение жизни он создает еще несколько автобиографических книг: «Самаркандия» и «Хлыновск».
   Благодаря упорству юноше удается окончить Московское училище живописи, ваяния и зодчества, прослушать курс в студии А. Ажбе в Мюнхене и еще в некоторых частных академиях Парижа. Не угасает и любовь к путешествиям. Он посещает Италию и Северную Африку. Вернувшись из этих путешествий, примыкает к объединению «Мир искусства» и «Четыре искусства».
   Умирает художник в Ленинграде 12 февраля 1939 г.

История создания произведений

   Петров-Водкин разработал идею трехцветной живописи. Суть ее в том, что для создания по-настоящему великого произведения требуется всего 3 цвета – красный, синий и желтый. Именно это он стремился доказать в каждой своей работе, достигая гармонии совершенно не соприкасаемых друг с другом чистых цветов, объединяя все формы и планы все теми же тремя цветами. Оттого его работы чем-то напоминают фрески и старинные иконы, упор на которые художник чаще всего и делал.
   Картина «Купание красного коня», написанная им под впечатлением назревающих событий, произвела в обществе фурор. Многие посчитали ее знамением грядущих перемен, давно назревающих и вот-вот готовых вырваться наружу. В картине все необычно, нереально и в то же время полно глубокого смысла и значения. Конь окрашен в красный, мальчик – в желтый, а вода – в синий цвета, но все вместе это создает трудную и в то же время напряженную гармонию.
   Но судить о творчестве художника только по этой самой известной работе не следует. Мало кому известно, но любимейшим образом Петрова-Водкина были вовсе не герои перемен, а обычная женщина, точнее, мать с ребенком. Именно ее он воплощал в виде мадонны и в виде простой крестьянки на своих полотнах. Именно ей посвящал большую часть своих произведений.
   Писал художник и натюрморты, большей частью составленные из бытовых предметов и цветов. Эти его работы очень оригинальны по исполнению и навевают массу ассоциаций с картинами других мастеров живописи.

Зрительный ряд

Из работ художника на уроке могут быть использованы: «Купание красного коня», «Утренний натюрморт», «Натюрморт с самоваром», «Тревога», «Смерть комиссара», «Девушка в сарафане», «Черемуха в стакане», «Автопортрет», «Бег», «Сон», «Играющие мальчики», «Полдень» и т. д.

Литературный ряд

Как уже упоминалось раньше, художник был наделен не только талантом живописца, но еще и литератора. За свою жизнь он создал множество повестей, пьес, очерков, статей и, наконец, два очень известных автобиографических сочинения: «Моя повесть» и «Пространство Эвклида». В первой он изложил свои взгляды на искусство, наметил варианты его развития. Во второй – собственные впечатления о первом юношеском путешествии, проделанном на велосипеде.
Все его работы довольно своеобразны, как, впрочем, и само творчество художника, и, естественно, дополнят его лучше, чем все иное.

Музыкальный ряд

Самым подходящим музыкальным рядом для созерцания репродукций будет композиция Мусоргского «Песни и пляски смерти», как и многие работы художника, навевающая атмосферу грядущих перемен и изменений, некоторой грозности и в то же время величия.

Применение материала

Материал о творчестве художника следует использовать при знакомстве учащихся с тремя основными цветами: красным, синим и желтым. Это позволит им глубже понять, что, используя лишь эти три цвета, можно создавать уникальные по содержанию полотна.

Проведение беседы с учащимися

При изучении творчества художника беседу лучше всего строить по принципу вопрос – ответ. Вопросы следует задавать не учителю, а детям. То есть задачей учащихся будет не только задать вопрос, но и совместно с остальными найти на него ответ. Все это можно даже оформить в виде игры между двумя командами, каждая из которых будет придумывать вопросы соперникам и отвечать на их. В случае затруднения вопрос следует рассматривать совместно, а очко за правильный ответ делить между командами или присваивать той, что быстрее других придет к правильному выводу.

42. З. E. Серебрякова (1884–1967)

Биография художника

   Зинаида Евгеньевна Серебрякова родилась в селе Нескучное 30 ноября 1884 г. С самого своего детства она уже знала, кем ей предстоит стать. И это понятно, ведь ее отец был скульптором, дядя – графиком и живописцем, старший брат – художником и мастером монументальной живописи и графики. Рано начав заниматься в парижской студии, она уже в 25 лет прославилась, и не чем-то особенным по сюжету, а своим же собственным портретом.
   В 1914 г. Зинаида отправляется в Италию, чтобы познакомиться там с искусством прославленных мастеров. Эта поездка дает ей очень многое, меняет взгляды на манеру письма и тематику произведений. Вернувшись из-за границы, она становится членом объединения «Мир искусства» и продолжает совершенствовать свое мастерство.
   В 1919 г. судьба художницы резко меняется. От холеры умирает ее муж, и она остается с четырьмя детьми на руках, не имея никакого заработка и прибыли. За ее работы платят мало, да и заказы приходится искать подолгу. Поняв, что так больше продолжаться не может, Серебрякова решает уехать в Париж и попытать счастья там. Возвратиться на родину она уже не сможет. Ее жизнь заканчивается 19 сентября 1967 г. в этом самом городе.

История создания произведений

   Творчество Серебряковой началось с картин, на которых перед зрителем представал женский образ. Именно женщины были главными действующими лицами на ее полотнах. Зинаида стремилась найти совершеннейший женский образ и много писала с натуры, создавала портреты на заказ.
   Мечтой художницы была картина о величественном русском человеке, объединенном тесными связями с землей. Эту мечту Серебрякова пытается воплотить в своей картине «Жатва». Первоначально полотно было очень большим, главные его персонажи были нарисованы в полный рост, но его содержание не удовлетворило художницу, и она вырезала из этой картины один кусок, а все остальное уничтожила. Оставленная часть известна нам как самостоятельная картина «Крестьяне».
   Были в ее творчестве и пейзажи, чаще всего обязательно дополненные образом человека. Сама манера письма художницы очень напоминает монументально-декоративную живопись.

Зрительный ряд

Из работ Серебряковой на уроке могут быть использованы: «За туалетом. Автопортрет», «Купальщица», «Баня», «Жатва», «Крестьяне».

Литературный ряд

Стремление художницы найти идеальный образ женщины можно подчеркнуть стихами на аналогичную тему. Здесь можно зачитать всем известный отрывок из Некрасова: «Есть женщины в русских селеньях…»

Музыкальный ряд

Образ женщины, как правило, у всех ассоциируется со спокойной, нежной лирической музыкой. Именно она и станет лучшим дополнением к уроку по творчеству Зинаиды Серебряковой.

Применение материала

Зинаида Серебрякова – одна из первых женщин-живописцев, вставших в один ряд с остальными мастерами живописи. В связи с этим ее творчеству лучше всего посвятить отдельный урок, во время которого учащиеся оценят, чем отличаются женские работы от мужских, на чем заостряют внимание одни и не уделяют его другие. Этот материал может быть использован и при изучении таких тем, как: «Образы женщины и матери на полотнах мастеров живописи», «Праздник весны» и т. д.

Проведение беседы с учащимися

   Во время беседы с классом поставьте такие вопросы, которые заставят их не просто созерцать работы художницы, но и всматриваться в них более глубоко. В перечень могут войти следующие:
   1. Рассматривая женские образы на полотнах Зинаиды Серебряковой, опишите, какие качества и черты старалась подчеркнуть художница во всех этих работах?
   2. Стремясь найти идеальный женский образ, какие черты художница особо подчеркивала в своих работах?

43. А. Е. Яковлев (1887–1938)

Биография художника

   Александр Евгеньевич Яковлев родился в Петербурге. Живописью начал увлекаться рано, стремясь достичь в ней высшего мастерства. Поступив в Академию художеств, Александр одновременно начинает подрабатывать в сатирическом журнале, известном всему городу как «Сатирикон», или лучший сборник карикатур. А закончив обучение на «отлично», получает право на поездку в Италию. Эта страна много дает ему как художнику, ведь Яковлев воочию знакомится там с произведениями таких мастеров, как Пьеро делла Франческа, Козимо Тура и Мелоццо да Форли. Решив посетить еще и Майорку, художник отправляется на остров, но оттуда он вынужден сразу же уехать на родину – в связи с началом Первой мировой войны.
   На этом путешествия художника не заканчиваются. Спустя несколько лет он вновь уезжает, на этот раз сначала в Китай и Японию, а затем в Париж и иные города Европы. Это путешествие наполнено огромным количеством событий. Одним из наиболее важных из них является странствие вместе с автомобильной экспедицией в роли художника из Коломб-Бошар до Мадагаскара.
   Имея очень хорошие знания рисунка, много работая, художник становится известен в кругах образовательных художественных учреждений, а потому в 1934 г. Бостонская школа изящных искусств делает ему предложение стать ее преподавателем. Яковлев соглашается, но через некоторое время понимает, что двух занятий – преподавания и творческой работы – ему не потянуть. Приходится бросить преподавание и полностью посвятить себя искусству.
   Художник проживает очень насыщенную жизнь, но умирает в результате обычной операции в 50 лет.

История создания произведений

   С самого начала обучения в академии Яковлева привлекает не живопись, а рисунок, который он считал основой всего. Именно в нем он всегда мечтал достичь мастерства. И не просто мечтал, но и старался, выполняя зарисовки натурщиц незадолго до начала самого занятия в полную величину, что считалось самым сложным. Кстати, натурщиц художник продолжает писать, и закончив обучение в академии.
   Образы женщин, их портреты – одна из наиболее излюбленных его тем. Яковлеву удается создать портрет известной в то время певицы и танцовщицы Б. Г. Казарозы. Известность этой женщины стала еще большей после ее смерти, когда, наконец, в обществе выплыла история ее жизни. В некоторой степени эта известность поспособствовала успеху картине художника.

   Судьба модели художника Б. Г. Казарозы была очень сложной. Обладая великолепным голосом, она потеряла его в результате болезни горла. Сцену, конечно, пришлось оставить. Не стало хватать денег. И тут неожиданно умирает ее ребенок. Любящая его мать уходит из жизни следом за ним.

   У художника существует огромное число собственных портретов, большая часть которых нарисована карандашом. На всех них он изображен совершенно по-разному: то автопортрет с другом, на котором оба предстают в образе шутов-весельчаков, то за работой над собственным портретом. Мастерство его рисунка просто великолепно.
   Являясь заядлым путешественником, художник посвящал своим впечатлениям и свое творчество. Будучи в Африке с автомобильной экспедицией, он создает огромное количество работ на африканскую тему, изображает аборигенов, проживающих рядом с ними людей. Создает целую коллекцию рисунков, а чуть позднее оформляет и альбом. Путешествуя по Азии, создает зарисовки природы и ее жителей. Оценивая сегодня количество и важность созданных художником работ, можно сказать, что Яковлев оставил после себя настоящее научное художественное собрание.

Зрительный ряд

Наиболее успешными работами можно считать его автопортреты, выполненные различными графическими материалами и написанные совершенно разнообразно, а также картины «Скрипач» и «Портрет Б. Г. Казарозы».

Литературный ряд

Литературным рядом при изучении данного справочного материалом могут служить любые произведения поэтов и писателей, живших и творивших в то же самое время, что и художник.

Музыкальный ряд

При знакомстве с творчеством данного художника лучше всего использовать виртуозную музыку, позволяющую в очередной раз подчеркнуть виртуозность владения художником языка рисунка.

Применение материала

Как уже упоминалось выше, Яковлева считают виртуозом рисунка, а значит, наилучшим дополнением материал о нем станет к занятиям по знакомству с рисунком и иными графическими техниками, освоением линий и перспективы.

Проведение беседы с учащимися

Во время беседы с классом можно провести анализ автопортретов художника, попытаться совместно разобрать отличие каждой работы, сходство и особенности. При рассмотрении картины «Скрипач» учащихся следует попросить описать скрипача, изображенного художником.

44. К. А. Васильев (1942–1976)

В России, чтобы стать известным, нужно умереть.
Поговорка

Биография художника

   Константин Алексеевич Васильев родился 3 сентября в занятом фашистами городе, в семье простого рабочего. К моменту его рождения отца рядом не было, а потому мать дала сыну первое пришедшее в голову имя – Владислав. Когда же партизанам удалось отвоевать город и отец оказался дома, родители решили сменить имя и назвали мальчика Константином. Некоторое время спустя семья переехала в поселок с очень похожим на фамилию названием, Васильеве Там художник и проводит большую часть своей жизни, там же находит идеи для своих картин.
   С самого детства Константина привлекали изобразительное искусство и музыка. Он рисовал много, почти на всем, что ему попадается под руку: клочках бумаги, школьной доске, палочкой на земле и, что особенно не нравилось преподавателям, на полях учебников. Дома рисовал обычно по ночам, чтобы его никто не отвлекал и не мешал. Самым дорогим для него был подарок родителей ко дню рождения – коробочка карандашей. А вот музыка была для него главным хобби. Мальчик собирал старинные грампластинки, изучал музыку композиторов других стран, народные мелодии.
   Когда мальчику исполняется 11 лет, он делает попытку поступить в художественную школу-интернат Москвы. Конкурс оказался очень тяжелым, но Васильеву все же удается его одолеть, и он зачисляется в школу.
   Не уезжая никогда до этого от своей семьи, мальчик быстро начинает скучать по родным, а потому решает бросить обучение здесь и перевестись в более близкое заведение – Казанское художественное училище. Теперь обучение дается ему легче, и он заканчивает училище на «отлично». Из него Васильев выходит театральным декоратором.
   Не имея ни гроша за душой, Васильев устраивается работать на лесокомбинат оформителем. Естественно, что тех денег, что он получал, почти ни на что не хватало, постоянно приходилось экономить. Находить дополнительный заработок тоже было нелегко, тем более что он был совершенно не известен тому кругу общества, который имел возможность заказывать и покупать картины.
   По натуре художник был не слишком общителен, а потому настоящих друзей у него почти не было. Но эту нехватку ласки и тепла компенсировали ему его мать и сестра. Любимой девушкой, способной в дальнейшем стать женой, художник тоже не успел обзавестись – ему помешал это сделать несчастный случай. В 34 года его сшиб на железнодорожных путях поезд.

История создания произведений

   Константин Васильев, в отличие от многих художников того времени, обладал великолепным воображением и умел сочинять в мыслях невероятные образы, которые сегодня мы и видим на его картинах. Его воображению мог бы позавидовать любой. При этом все его работы – это вовсе не чистый вымысел, а соприкосновение с реальностью, намеренное подчеркивание незаметных, но все же имеющих место деталей. Созерцая его полотна, каждый человек видит что-то свое, сопоставляет образы с теми, что близки ему самому. Возможно, поэтому его творчество так близко и всем понятно.
   Самыми первыми, еще межстраничными рисунками художника были богатыри, навеянные образами из картин Васнецова.
   Продолжилось увлечение былинными персонажами и в дальнейшем, когда для своих рисунков он использовал образы героев разных эпох. Чуть позднее эти образы значительно меняются: художник отсекает все лишнее и оставляет лишь те черты лица и выражения, которые говорят сами собой о принадлежности человека к русской земле.
   Его женщины – это настоящие русские красавицы, с тоской во взгляде, с длинной косой за плечом и четко выписанными на лице переживаниями за судьбы близких им людей. Его мужчины – это полные мудрости и величия воины, работники, и в самом деле чем-то напоминающие богатырей. А природа – это все самые близкие русскому человеку уголки.

Зрительный ряд

Во время урока следует обязательно продемонстрировать классу следующие работы художника: «Свияжск», «Илья Муромец и голь кабацкая», «Ожидание», «Нечаянная встреча», «Человек с филином», «Портрет сестры Людмилы», «Нашествие».

Литературный ряд

В роли литературного ряда могут выступать любые литературные произведения, героями которых являются вымышленные персонажи, не существующие в реальном мире. Очень хорошо в данном случае вписываются в урок былинные образы.

Музыкальный ряд

Рассматривая работы художника, невольно кажется, что переносишься в сказку, настолько все переплетено с фантазией и вымыслом. В связи с этим во время урока лучше всего использовать композиции, посвященные сказочным или вымышленным сюжетам, таким как «Спящая княжна» из сюиты «Пер Гюнт» Бородина, «Вальс» Чайковского из балета «Спящая красавица», отрывок из балета «Золушка» Прокофьева и другие.

Применение материала

В числе изучаемых на уроках изобразительного искусства тем непременно присутствуют несколько, посвященных развитию творческого воображения и фантазии детей. Именно при обращении к ним и следует использовать справочный материал о художнике, дающий наиболее четкое представление о том, что вносит в картины его фантазия, чего с ее помощью можно добиться.

Проведение беседы с учащимися

Рассматривая картины художника, дети невольно будут задаваться вопросом, что же на них изображено? Этому и следует посвятить беседу. Стоит попросить учащихся поделиться собственными впечатлениями от полотен, сравнить их и сделать анализ картин.

45. Н. К. Рерих (1874–1947)

Думы и вкус его варяжские.
А. Бенуа о Рерихе

Биография художника

   Николай Константинович Рерих родился 9 октября (27 сентября) 1874 г. в Петербурге, в довольно обеспеченной семье, принадлежащей к скандинавскому роду. Затем его семья переехала на Васильевский остров, где он и вырос. Его отец с самого рождения сына был уверен, что он пойдет по его стопам и станет известным нотариусом.
   Мальчика же интересовало совсем другое: он любил музыку, рисование, литературу и театр. Определиться же с тем, что же ему больше нравится, Николаю удалось не сразу. Наконец, он сделал выбор. Им стала история и искусство, а жанром в живописи художник, конечно же, избрал исторический.
   Не желая ссориться с отцом, которому выбор сына был ужасно не по душе, Николай решается поступить одновременно в Академию художеств и в Петербургский университет на юридический факультет. С самых первых шагов обучения в его творчестве начинает просматриваться монументализм, который в дальнейшем он оттачивает до совершенства. К моменту окончания академии (1897 г.) Рерих уже успевает приобрести известность и признание публики. Его работы скупает сам Третьяков.
   Дальнейшая его жизнь полна событий и путешествий. В 1901 г. он заключает брак с дворянкой Еленой Ивановной Шапошниковой, обладающей даром ясновидения, что со временем поможет художнику создать многие знаменитые произведения живописи. В 1906 г. Рерих становится директором рисовальной школы Общества поощрения художников и некоторое время является ее преподавателем, а через 4 года встает во главе художественного объединения «Мир искусства».
   С 1914 г. он увлекается фресками, мозаиками и витражами. В это самое время ему предлагают оформить церковь Святого Духа, в которой он создает великолепную смальтовую мозаику с изображением Спаса Нерукотворного.
   В 1916 г. Рерих тяжело заболевает, и врачи советуют ему отправиться на лечение в Карелию, что он и делает. Но, уехав туда, Н. Рерих не ожидал, что через 2 года, в связи с войной, он окажется отрезанным от России и не будет иметь возможности вернуться. Несмотря ни на что, он все же продолжает работать, устраивает ежегодные выставки во многих городах Америки, а в 1923 г. даже открывает в Нью-Йорке первый русский музей. Кроме этого, Рерих организовывает экспедицию в Индию, изучить самобытное искусство которой он всегда мечтал. Все это время рядом с ним находится его постоянный спутник и любимая женщина – Елена Ивановна Шапошникова. Она же вдохновляет его на создание картин, поддерживает в трудные минуты, помогает при постижении культуры и искусства Востока.
   В 1923 г. Рерих совершает поездку в Гималаи, где пишет множество горных пейзажей, которые делают его всемирно известным «мастером гор».
   Но и на этом художник не останавливается. Он посещает Соединенные Штаты Америки, организует экспедицию в Лех-Хотан и на Алтай, совершает переход через Тибет. Его не останавливает и то, что в горных районах у него начинает идти носом кровь, замерзают руки, повышается давление.

   Изучением Востока занималась вся семья Рерихов. Вслед за отцом, организовавшим в долине Кулу Гималайский институт научных исследований «Урусвати», эту традицию перенимает его сын Юрий, по образованию востоковед. Именно он становится директором института и вместе с матерью Еленой Ивановной и братом Святославом продолжает работу отца.

   За время своего творчества художник создает множество великолепных горных пейзажей, мозаик и фресок, пишет такие известные картины, как «Небесный бой», «Зловещие». Кроме того, он оставляет огромное наследие по археологии и вносит значительный вклад в востоковедение.
   Умирает художник 13 декабря 1947 г. в Индии, буквально после того, как ему дают разрешение вернуться на родину. Его хоронят по обычаям этой страны: предав огню, а затем развеяв прах с вершины горы.

История создания произведений

Любовь Рериха к мифологии и древней истории начинает отражаться с самых первых его работ. Еще обучаясь в академии, он пишет образы людей Древней Руси, Ярославны, Святополка. В дальнейшем переносит на свои полотна языческие святилища («Идолы»), древнерусскую архитектуру и памятники старины, изучая которые, он объездил более 40 русских городов, живых очевидцев прошлого – воронов («Зловещие»). В 1897 г. приступает к серии картин «Начало Руси – славяне». Первую его работу под названием «Гонец» тут же, на выставке, приобретает для своей коллекции Третьяков. В дальнейшем он планирует собрать у себя всю серию.
Некоторое время Рерих посвящает себя созданию занавесов для оперных постановок и спектаклей. Им были созданы театральные работы для спектаклей «Русских сезонов», проходящих в Париже, для старинной постановки «Три волхва», балета «Весна священная», декорации к «Половецкому стану» и многие другие.

Зрительный ряд

При изучении творчества Рериха, монументальной живописи и образов людей, архитектуры Древней Руси, горных пейзажей следует использовать репродукции таких картин, как: «Небесный бой», «Зловещие», «Гонец», «Кулута», «Крик змия» и др.

Литературный ряд

В связи с тем, что в творчестве художника просматриваются скандинавские корни, во время урока могут быть использованы произведения северных народов, их сказки, пословицы, поговорки.

Музыкальный ряд

Наиболее соответствуют по атмосфере работам Рериха музыкальные сочинения М. Равеля и М. Чюрлениса, русская народная музыка П. И. Чайковского.

Применение материала

Справочный материал о творчестве Рериха может быть использован при изучении следующих тем: «Декоративная манера письма», «Изображение деревьев и гор», «Яркая цветовая гамма в произведениях художников», «Монументальная живопись», «Постройки как вид художественной деятельности», «Гармония и красота архитектурных и природных конструкций».

Проведение беседы с учащимися

   Беседу по творчеству Рериха можно построить по следующему плану: дать учащимся выбрать одну из его репродукций, а затем попросить ответить на несколько вопросов. Последние могут быть такими:
   1. Что запечатлел автор в этой картине?
   2. На чем он стремился заострить внимание зрителя?
   3. Каким образом выделял главное в своем произведении? (При помощи цвета, композиции, размера предметов и т. д.)

Щеглова Анна Вячеславовна В помощь учителю рисования при подготовке к уроку

Об авторе

Раздел 1. Общие методические рекомендации при планировании занятий

Пояснительная записка

1. Дидактические принципы обучения

2. Цели обучения изобразительному искусству

3. Планирование занятий

Структура урока, его варианты

Методы проведения беседы

Пояснение

Сравнение

Акцентирование деталей на главном

Вызывание адекватных эмоций

Повторное возвращение к пройденному материалу

Игровые заставки на уроке

4. Оформление выставок и стендов к урокам

1-й стенд: «Жанры и виды изобразительного искусства»

2-й стенд: «Изречения и мысли об искусстве»

3-й стенд: «Мир искусства»

4-й стенд: «Родителям об изобразительном искусстве»

5-й стенд: «Живопись нашего города»

6-й стенд: «Природа – художник»

7-й стенд: «Декоративно-прикладное искусство в жизни человека»

5. Определение уровня усвоения материала учащимися

6. Организация родительского собрания

Задачи родительского собрания

Темы выступления преподавателя рисования на родительском собрании

Структура проведения

Раздел 2. Зарождение и дальнейшее развитие изобразительного искусства

1. Первые рисунки древних художников

Зрительный ряд

Литературный ряд

Музыкальный ряд

Применение материала

Проведение беседы с учащимися

2. Иконопись как фундамент изобразительного искусства в России Традиция иконописи и символика цвета

Зрительный ряд

Литературный ряд

Музыкальный ряд

Применение материала

Проведение беседы с учащимися

«Троица» А. Рублева (ок. 1360 – ок. 1430)

Зрительный ряд

Литературный ряд

Музыкальный ряд

Применение материала

Проведение беседы с учащимися

Строгановы и их вклад в иконопись и коллекционирование

Зрительный ряд

Литературный ряд

Музыкальный ряд

Применение материала

Проведение беседы с учащимися

3. Первые шаги к портретной живописи. Творчество С. Ушакова (1626–1686)

Причина возникновения «парсуны»

Зрительный ряд

Литературный ряд

Музыкальный ряд

Применение материала

Проведение беседы с учащимися

Раздел 3. Мастера изобразительного искусства в России

1. Декоратор императорских театров И. И. Фирсов (ок. 1733 – после 1785)

Биография художника

История создания произведений

Зрительный ряд

Литературный ряд

Музыкальный ряд

Применение материала

Проведение беседы с учащимися

2. Портреты Ф. С. Рокотова (1735–1808)

Биография художника

История создания произведений

Зрительный ряд

Литературный ряд

Музыкальный ряд

Применение материала

Проведение беседы с учащимися

3. Первый исторический живописец в истории России – А. П. Лосенко (1737–1773)

Биография художника

История создания произведений

Щеглова Анна Вячеславовна
В помощь учителю рисования при подготовке к уроку