Текст книги "Русское искусство. Для тех, кто хочет все успеть"

Человечность веры

Можно сказать, что Феофан Грек и Андрей Рублёв задали основной тон русской живописи. Ее расцвет конца XV – начала XVI века связан с творчеством замечательного художника Дионисия (ок. 1440–1502). Он развивал гуманистические идеи, которые привнес в монументальную живопись Рублёв.

Наиболее известен цикл росписей Рождественского собора Ферапонтова монастыря, близ Вологды, выполненный Дионисием и его сыновьями в 1502 году. Поразительно: эти фрески сохранились практически нетронутыми! Все они посвящены теме Богородицы – «Собор Богородицы», «Похвала Богородице», «Покров Богородицы», «Акафист Богородице» – всего двадцать пять композиций. Однако среди них отсутствует тема смерти, или Успения Богородицы. Здесь нет места печали – тона фресок нежные, светлые, радостные. Многофигурная композиция, пейзаж с далекими горами и деревьями, накрытые к пиршеству столы – все создает праздничное настроение. Главная фреска портала – «Рождество Богородицы» – принадлежит самому Дионисию. Здесь все по-человечески красиво и утонченно, что немного отличает работу Дионисия и его помощников от сдержанного творчества Рублева.

«ПРОХОР С ГОРОДЦА»

Именно так в письменных источниках именуется иконописец, которого исследователи считают учителем великого Андрея Рублёва. Известно о Прохоре крайне мало, но в Троицкой летописи указывается, что в 1405 году он вместе с Феофаном Греком и Андреем Рублёвым расписывал Благовещенский собор Московского кремля

Возможно, это был путь к постепенному «вочеловечению» иконы. Однако параллельно с этим набирает обороты развитие на Руси государственности. Крепкая власть требует установки жестких правил, регламентов, которые не оставляют в стороне и искусство. При Иване Грозном состоялся Стоглавый собор. Он проходил с 23 февраля по 11 мая 1551 года в Успенском соборе Кремля с участием самого царя, высшего духовенства и представителей Боярской думы. В ходе Собора был разработан новый Судебник и составлены уставные грамоты. Кроме того, отныне Церковь и государь устанавливали и каноны иконописания.

НЕ ТОЛЬКО В КИНО…

Андрей Рублёв – герой не только широко известного фильма, но и балета. Балет «Андрей Рублёв» был создан для Астраханского государственного театра оперы и балета композитором, профессором Московской консерватории Валерием Киктой

Искусство регламентировалось. В дальнейшем на церковных соборах решалось, как именно следует изображать те или иные библейские сюжеты или персонажей, составлялись списки визуальных образов, принятых за эталонные. С этой же целью возникают художественные мастерские.

Чуть позже в монументальную живопись начинают проникать жанровые веяния, появляются бытовые мотивы, «официальные» библейские сюжеты сменяют притчи. Символы и аллегории становятся общим местом в иконописи.

Интересный факт: вокруг «Четырехчастной иконы» (1547), созданной псковскими мастерами для иконостаса Благовещенского собора в Московском Кремле, возникло даже судебное дело.

«Четырехчастная икона» – необычное произведение, включающее в себя четыре сюжета. Здесь изображены главные представители небесной и земной иерархии, в числе которых, возможно, есть реальные исторические персонажи. Троица представлена в каждой части иконы. Многие сцены и изображения сопровождаются пространными пояснительными надписями, смысл которых и соотношение с образами до конца не раскрыты. По сути, это богословские рассуждения в форме изобразительного искусства. Этот «теологический трактат» мог быть понятен лишь небольшой группе богословов. Поэтому икона Благовещенского собора осталась уникальным созданием своего времени. Сточки зрения техники живописи здесь заметна общая тяжеловесность композиции, изобилие персонажей, высокая плотность визуальной информации.

«Иконы требуются нашею природою. Может ли природа наша обойтись без образа? Можно ли, вспоминая об отсутствующем, не воображать его? Не Сам ли Бог дал нам способность воображения?»

(Иоанн Кронштадтский)

Судебное дело вокруг иконы разбиралось на Соборе 1553–1554 годов. На одном из заседаний дьяк Иван Висковатый поднял вопрос о допустимости некоторых сюжетов. Например, он был недоволен тем, что здесь изображался невидимый Бог Отец в образе Саваофа, а также слишком большое число аллегорий, которые дьяк назвал «латинским мудрованием». Дьяк дело проиграл, а собор разрешил изображать на иконах живые лица – царей, князей, а также исторические сюжеты.

Обережная вышивка

Софийский собор в Киеве

Святитель Николай Чудотворец. Фрагмент росписи, выполненной Дионисием в соборе Рождества Богородицы Ферапонтова монастыря

Миниатюра из Остромирова Евангелия

Глава III
От церковного к светскому (XVII век)

В основе своей искусство есть борьба за и против.

М. Горький

Интересно, что русское искусство до определенного момента принято изучать по архитектуре. Живопись носила прикладной характер – самостоятельное значение она приобретет куда позже, а поначалу она выступает в неразрывной связи с церковной архитектурой. Так и новые стили подчас заявляли о себе именно в архитектуре. В конце XVII века возник новый уникальный стиль.

«Нарышкинское барокко»

Он появился как следствие борьбы между догматическими церковными и светскими тенденциями в культуре.

Другое название этого нового стиля – «московское барокко». Большинство храмов в этом стиле было построено именно в Москве по заказу бояр Нарышкиных. В отличие от западной традиции, этим зданиям не свойственна тяжеловесность и помпезность фасадов – в европейском барокко они буквально перегружены декоративными элементами, лепниной и скульптурой. Некоторые искусствоведы придерживаются мнения, что в конце XVII века в Российском государстве никакого барокко еще не было, а лишь случилась перемена вкусов, новых технических приемов.

Храм Покрова в Филях, фото конца XIX века

«Нарышкинское барокко» наглядно представляют церкви в подмосковных усадьбах. Благодаря тому, что башни служили также колокольнями, возникло и другое название подобного рода церквей – «церкви иже под колоколы». Наиболее ярким образцом «московского барокко» является церковь Покрова в Филях (1693–1695), усадебный храм Л. К. Нарышкина, ажурный силуэт которого не похож на прежние тяжеловесные храмы.

ВЛИЯТЕЛЬНЫЕ НАРЫШКИНЫ?

Знатным и влиятельным род Нарышкиных не был. Его возвышение приходится только на вторую половину XVII века, когда царь Алексей Михайлович женился на Наталье Кирилловне Нарышкиной. Именно она стала матерью Петра I. Даже боярский сан ближайшие родственники царицы получили только после этого брака, ранее род был мелкопоместным дворянским. Зато свой новый статус Нарышкины использовали в полной мере не случайно их фамилия увековечена в названии архитектурного стиля

В изобразительном искусстве также идет процесс «облегчения» форм – от церковного к светскому. На рубеже XVI–XVII веков в русской живописи существуют два художественных направления.

Первое – так называемая годуновская школа, названная так потому, что большинство произведений было создано по заказу Бориса Годунова. Художники этого направления стремились следовать монументальным образам Рублёва и Дионисия, но при этом не могли создать что-то принципиально новое.

Второе направление – строгановская школа, и здесь заказчиком часто выступали представители фамилии Строгановых. Лучшие мастера этой школы: Прокопий Чирин, Федор и Истома Савины.

Строгановская икона небольшая по размеру. Это не столько моленный образ, сколько драгоценная миниатюра, рассчитанная на ценителя искусства. Ее отличительные черты – детализация, изощренность рисунка, множество украшений и декора, обилие золота и серебра.

Типичное произведение строгановской школы – икона Прокопия Чирина «Никита-воин» (1593). Фигура персонажа иконы хрупка, лишена мужественности, ноги и руки нарочито слабы, наряд подчеркнуто изыскан. Иконы строгановской школы считаются образцом высокого профессионализма, артистичности, изощренности языка, но при этом свидетельствуют о постепенном умирании монументального образа.

Живопись после раскола

Если Стоглавый собор в XVI веке установил ряд жестких правил того, как должна выглядеть каноническая православная икона, то раскол церкви в XVII веке ознаменовал перелом, означающий разрыв с традицией. Этот общий процесс, который происходил в культурной жизни и в мире искусства, историки называют секуляризацией.

Говоря самым простым языком, секуляризация (лат. saecularis «светский, мирской») – это тенденция, при которой религия перестает играть доминирующую роль в общественной жизни. Государство развивается в сторону светского, а культурная жизнь становится независимой, свободной.

ПОРТРЕТНОЕ СХОДСТВО

Брат царицы Лев Кириллович Нарышкин, на чьи средства был построен храм Покрова в Филях, заказал выполнение убранства храма Карпу Ивановичу Золотареву, именитому художнику-иконописцу и резчику по дереву, которому довелось не только работать в золотописной мастерской Посольского приказа, но и возглавлять ее. Есть предположение, что написанному на вратах жертвенника лику архидиакона Стефана художник намеренно придал черты лица племянника заказчика – Петра I

Секуляризация в русской иконописи связана с именем иконописца, графика, теоретика искусства Симона Ушакова (1626–1686). В начале своей профессиональной карьеры он делал рисунки для предметов церковной и дворцовой утвари, расписывал знамена, чертил карты и так далее. Его заказчиками были двор, церкви и частные лица. Затем он получил работу в Оружейной палате и там образовал школу иконописцев, благодаря покровительству тогдашнего царя Алексея Михайловича. Все это позволило Ушакову стать во главе движения, которое провозгласило новаторский путь в иконописи.

КУПЕЧЕСКИЙ ПОДХОД

Купцы-солепромышленники Строгановы выступали не только в качестве заказчиков икон, но и в качестве, выражаясь современным языком, модернизаторов: именно они решили разделить труд между иконописцами, ввести специализации – «личник», «доличник», мастер «палатного письма» и так далее

Ушаков изложил свои прогрессивные взгляды в трактате «Слово к люботщательному иконного писания» (1667). Икона понималась им в первую очередь как художественное произведение, в котором важное значение имела эстетическая сторона. Также Ушаков стремился к новой реалистичности в своих изображениях, старался приблизить духовную живопись к жизни.

Оппонентом Ушакова был протопоп Аввакум, основное действующее лицо раскола, который утверждал, что икона – предмет культа, все в ней условно и священно, а потому икона не может использовать как образец лица простых смертных.

Произведения Ушакова «Спас Нерукотворный» и «Троица» хорошо иллюстрируют суть его новаторства. Лица на иконах обладают естественным, телесным цветом, черты их анатомически правильные, в работах использована прямая перспектива. (Напомним, что перспектива в живописи – заслуга итальянского Возрождения; прежде в культовой живописи этот принцип не использовался.)

При всей схожести с рублёвской «Троица» Ушакова (1671) не имеет уже ничего с ней общего в главном – в ней нет одухотворенности образов. Ангелы здесь – вполне земные существа, а стол с чашей превратился в настоящий натюрморт.

НАЧАЛО КАРЬЕРЫ

Симон Ушаков довольно быстро стал известен как лучший московский иконописец, но изначально, придя в возрасте 22 лет в царские мастерские Серебряной палаты при Оружейном приказе, он был поставлен «знаменить», то есть делать рисунки для разных предметов церковной утвари и дворцового обихода, расписывать знамена, придумывать узоры для рукоделий. Это оказалось хорошей школой для талантливого человека

Помимо икон, Ушаков писал парсуны царей Михаила Федоровича и Алексея Михайловича, а также использовал свои навыки при создании гравюры генеалогического древа русских царей – следуя традициям западной иконографии. Считается, что именно Ушаков был первым, кто изобразил иконографическое древо русских царей.

Ближе к реальности?

Что же такое парсуна? Еще один огромный шаг в сторону эмансипации искусства от влияния церкви. Парсуна – старое название портрета (от искаженного слова «персона», латинское persona, «личность»). В парсуне портретное сходство передается еще пока довольно условно, часто используются атрибуты и подпись. На парсунах изображали царей, князей, военачальников, церковных иерархов.

Одной из хрестоматийных парсун является работа неизвестного автора «Князь Михаил Васильевич Скопин-Шуйский» (начало XVII века, хранится в Третьяковской галерее в Москве). Первые парсуны по техническим приемам, стилю и материалу живописи мало чем отличались от икон и выполнялись на иконной доске. Часто вокруг головы изображаемого человека рисовали своеобразный нимб – что также было очевидным отголоском иконописной традиции. По мнению искусствоведов, парсунная живопись окончательно превратилась в европейский живописный портрет только в середине XVII века.

Парсуны по технике изготовления делятся на две группы:

• написанные на деревянной основе

и на светлых грунтах;

• написанные на холсте и на темных грунтах

В древнерусской графике этой поры много бытовых сцен и портретов. Например, в знаменитом Евангелии царя Федора Алексеевича 1678 года содержится 1200 миниатюр. Это фигуры рыбаков, крестьян, сельские пейзажи.

Распространение книгопечатания влечет за собой развитие искусства гравюры, сначала на дереве, а затем на металле. Например, Симон Ушаков участвовал в гравировании «Повести о Варлааме и Иоасафе» вместе с гравером Оружейной палаты А. Трухменским.

Глава IV
Теперь все будет иначе (XVIII век, начало)

Русская живопись так же существенно отличается от европейской, как и литература.

И. Н. Крамской

Правление Петра Великого ознаменовано глобальными трансформациями на всех уровнях жизни российского общества. Тот, кто построил город Санкт-Петербург, прорубил «окно в Европу» и принудил брить бороды, действительно инициировал своего рода «большой взрыв» в культуре государства Российского.

Европейский ветер перемен

Искусство начала XVIII века жадно впитывало в себя черты европейских стилей, классицизма и, далее, барокко. Осуществлялось это слияние русского и европейского самым логичным и простым способом – царь Петр приглашал специалистов из-за рубежа. Однако процесс вовсе не был столь примитивным и односторонним.

Классицизм (от лат. classicus – образцовый) – художественный стиль, которому свойственно строгое следование канонам, подражание античным образцам как вечному, неизменному, симметрия

Петровская эпоха – время энергичных, талантливых, амбициозных людей. Возможно, впервые в российской истории заслуги конкретного человека могли принести ему куда больше признания и выгоды, чем его происхождение. Личность и то, на что она способна, – вот ключевая ценность новой эпохи. Именно поэтому в Петровскую эпоху возникает множество новых учебных заведений, а кроме того, первый замысел создания Академии художеств.

Петр I считал, что нужно создать школу живописцев и граверов. Он приглашал иностранных мастеров в Россию, но также уделял внимание и образованию российских художников. Во-первых, иностранцы, приехавшие работать по договору, занимались и обучением русских. Во-вторых, в первой четверти XVIII века стало широко практиковаться пенсионерство – посылка за границу для обучения и совершенствования в профессии. Такими счастливчиками были, в частности, художники И. Никитин, А. Матвеев, И. Коробов.

Барокко (от итал. barocco – «причудливый», «странный», «склонный к излишествам») – художественный стиль, для которого характерно усложнение классических форм, украшательство, пышность

Изобразительное искусство первой половины XVIII века демонстрирует новые жанры. Это историческая, батальная живопись, портрет. Появляются также первые натюрморты, миниатюры. Поскольку при Петре строится множество новых дворцов и прочих архитектурных сооружений, целый новый город, созданный, как это принято говорить, с нуля, бурно развивается монументально-декоративная живопись. Это оформление интерьеров, фасадов зданий, роспись триумфальных ворот и так далее.

В первой четверти XVIII века появляются портреты, которые отличаются действительно высокой реалистичностью и сходством с изображаемыми людьми.

И. Никитин со товарищи

Самыми значимыми живописцами первой половины XVIII века считаются И. Н. Никитин и А. М. Матвеев. Иван Никитич Никитин (ок. 1685–1742) был одним из первых петровских пенсионеров, которые отправились за границу с целью обучения. Никитин написал несколько портретов Петра I, а также многих других, например Г. И. Головкина (1720-е гг.) и Г. С. Строганова (1726).

ЗАРОЖДЕНИЕ НОВОЙ ТРАДИЦИИ

Основатель русской портретной школы Иван Никитич Никитин (1690–1742) происходил из духовенства. Вместе с братом Романом учился живописи в Италии, самой передовой в этом отношении европейской стране. Он считается первым русским художником, начавшим писать картины с перспективой, так, как пишут их и по сей день

Однако самой известной картиной Никитина считается «Потрет напольного гетмана» (1720-е гг.). На картине изображен усталый пожилой человек. Тяжелый взгляд, взлохмаченные волосы, множество иных реалистичных деталей придают изображению ту «настоящесть», которая еще не стала частым явлением в российском изобразительном искусстве. Здесь человек не позирует, это момент, выхваченный из самой жизни. И. Никитин продемонстрировал в портрете уровень мастерства, которого не удалось достичь, пожалуй, ни одному из его современников.

Андрей Матвеевич Матвеев (1701–1739) учился живописи в Голландии и Фландрии. Вернувшись в Россию, он стал во главе так называемой «Живописной команды Канцелярии от строений» в Петербурге. Это объединение мастеров занималось оформлением и декором интерьеров зданий в новом городе, развивая направление монументально-декоративной живописи. Он работал для Петропавловского собора, Зимнего дворца, триумфальных ворот, многих церквей и дворцов Петербурга. Большинство росписей не сохранилось, так как сооружения были перестроены.

В середине XVIII века появляются новые имена художников – И. Я. Вишняков, А. П. Антропов, И. П. Аргунов.

Иван Яковлевич Вишняков (1699–1761) был учеником и преемником А. Матвеева на посту главы «Живописной команды». Наиболее известен его портрет Сарры Фермор (1749) – смелая и мастерская попытка изобразить девочку-подростка в роскошном огромном платье придворной дамы. Эту работу по праву относят к жемчужинам искусства XVIII века.

ВО СЛАВУ МОРСКОЙ ДЕРЖАВЫ

Иван Кузьмич Коробов (ок. 1700–1747) не только разработал и воплотил в жизнь проект здания Адмиралтейства (шпиль сохранился до наших дней), но и занимался отделкой кораблей, а также создал канал, ныне известный как Ново-Адмиралтейский

Алексей Петрович Антропов (1716–1795) – также крупный мастер живописного портрета, ученик Матвеева, а затем Вишнякова, занимался декоративной росписью в Петербурге и Москве. Западное влияние в творчестве художника прослеживается благодаря опыту многократного копирования работ итальянского живописца П. Ротари. Антропов создал серию портретов представителей русского духовенства. Среди самых известных его работ – портрет атамана Ф. И. Краснощекова (1761) и портрет статс-дамы А. М. Измайловой (1759).

Иван Петрович Аргунов (1729–1802) был крепостным в семье графов Шереметевых. Прошел обучение у приглашенного в Петербург немецкого живописца Георга Гроота и научился писать парадный портрет. К лучшим произведениям художника относится «Портрет неизвестной крестьянки в русском костюме» (1784). Это небольшая, но эмоциональная картина. Новаторским явилось то, что на ней изображена женщина незнатного происхождения, однако при этом ее лицо исполнено внутреннего благородства и достоинства.

Мастерство гравюры

В Петровскую эпоху активно развивается искусство гравюры. Гравюра – общее название для техники создания изображений, представляющих собой печатные оттиски. В эпоху инноваций и политических трансформаций, начатых Петром I, гравюры играли важную роль в культуре и даже политике – например, произведения в жанре баталий, городских пейзажей и прочего давали русским дипломатам за рубежом, чтобы они могли продемонстрировать таким образом успехи России.

ПЕРВЫЙ АРХИТЕКТОР САНКТ-ПЕТЕРБУРГА

Европейские традиции в русскую архитектуру привнес Доменико Андреа Трезини, швейцарец итальянского происхождения, в России именовавшийся Андреем Петровичем. По его проектам строились крепость Кронштадт, Александро-Невская лавра, целый ряд дворцов… По поручению царя он разработал «образцовые» (типовые) проекты городских жилых домов и пригородных дач. Ныне в Санкт-Петербурге есть памятник ему, а бард Александр Городницкий посвятил архитектору одну из песен

Самым знаменитым мастером русской гравюры начала XVIII века был Алексей Федорович Зубов (1682–1750), сын известного иконописца. Этот художник работал в технике офорта, резцом, черной манерой и создал множество портретов, видов, географических карт, изображений баталий, фейерверков, торжественных процессий, композиций на библейские сюжеты. В своих работах Алексей Зубов сочетал документальную точность и качество деталей – все его композиции сложны и очень подробны – и декор.

В историю искусства Зубов вошел в первую очередь как создатель видов Петербурга. Наиболее известна огромная «Панорама Петербурга» (1716) на восьми листах. Кроме того, он создавал батальные композиции («Баталия при Гренгаме», 1721; «Полтавская баталия», 1714), сцены праздников («Торжественное вступление русских войск в Москву после победы под Полтавой», 1711) и разнообразные визуальные хроники событий того времени.