Текст книги "Мастера портрета"

Витторе Карпаччо
(ок. 1455 – ок. 1526)

Яркое представление о венецианской школе живописи дает творчество одного из основоположников Возрождения в Венеции – Витторе Карпаччо. Автор многочисленных ведут, композиций на сюжеты житий святых, жанровых сцен, портретов, он был необыкновенно популярен у себя на родине.

Итальянский живописец Витторе Карпаччо родился в Венеции. Нам немногое известно о жизни этого мастера. Его учителем был Джентиле Беллини. Существуют сведения, что в начале 1490-х годов он совершил путешествие в Рим. Работал в Венеции, где множество заказов получал от церквей.

Значительное влияние на формирование творческого метода Карпаччо оказала живопись художников семьи Беллини и Антонелло да Мессины. Многие работы Витторе свидетельствуют о его знакомстве с росписями знаменитых итальянских мастеров – С. Боттичелли, Д. Гирландайо, П. Перуджино.

Главное место среди работ Карпаччо занимают циклы картин, посвященные житиям святых («История св. Урсулы», 1490–1495, галерея Академии, Венеция; «История св. Иеронима, Георгия и Трифона», ок. 1502–1507, Скуола ди Сан-Джорджо дельи Скьявони, Венеция и др.).

В. Карпаччо. «Венецианки», 1500

Интерес художника к портретному жанру ощущается уже в его алтарных композициях («Св. семейство с двумя донаторами», 1505, Национальный музей старого искусства, Лиссабон). Элементы портрета, интерьера и жанровой сцены соединились в известной картине Карпаччо «Венецианки» (1500). Художник изобразил двух сидящих женщин, повернутых к зрителю в профиль. На их лицах застыло выражение равнодушия и скуки, которую не могут развеять играющие собаки и птицы. От этих статичных фигур взгляд направляется к обстановке.

Вызывают восхищение детали интерьера: изящные колонны балюстрады, покрытые орнаментом вазы, украшающие перила. С большой тщательностью передает автор нарядные платья и украшения венецианок. Но подобная детализация не лишает картину поэтического очарования.

В. Карпаччо. «Портрет рыцаря», 1510, коллекция Тиссен, Лугано

Следует особо отметить еще одну работу Карпаччо в портретном жанре. Это «Портрет рыцаря» (1510, коллекция Тиссен, Лугано) – удивительное произведение, полное неразгаданного смысла. Эта картина стала первым в европейской живописи портретом человека в полный рост и натуральную величину. На полотне – множество символичных деталей. Тайный смысл заключен в изображениях животных, птиц, деревьев, цветов.

Художник скрупулезно выписывает каждый цветочек, каждый листик, но достичь того мастерства в изображении природного ландшафта, которое восхищает в его картинах с видами города, Карпаччо не удалось.

В 1510-х годах искусство живописца пользовалось огромным успехом не только в Венеции, но и во всей Италии. В мастерской Карпаччо работало большое количество учеников. На смену знаменитому художнику уже шло новое поколение более прогрессивных живописцев венецианской школы. Среди них – Тициан и Джорджоне.

Квинтен Массейс
(1465 или 1466–1530)

Существует легенда, что Квинтен Массейс, так же как и его отец, в молодые годы был лувенским кузнецом. Возможно, именно эта близость к народу и сделала его необыкновенно многогранное искусство (Массейс писал алтарные композиции, портреты, бытовые сцены) столь лиричным и задушевным.

Нидерландский живописец Квинтен Массейс родился в Лувене, в Южном Брабанте. Его учителем был Д. Батус. Работал Массейс в Антверпене. Здесь в 1491 году он получил звание мастера гильдии живописцев.

Формирование художника происходило под влиянием творчества нидерландских художников XV столетия, а также таких известных живописцев, как Альбрехт Дюрер и Леонардо да Винчи.

Многие работы Массейса выполнены под воздействием искусства итальянского Возрождения. В его картинах на религиозные сюжеты появляются элементы бытового жанра. Таково одно из самых известных произведений мастера – триптих «Алтарь Св. Анны» (1509, Королевский музей изящных искусств, Брюссель), повествующий о жизни родителей Мадонны. Фигуры женщин и детей, веселых и непосредственных, делают композицию лиричной и проникновенной.

В ином, гротескном, ключе выполнено полотно «Се человек» (ок. 1515, Прадо, Мадрид), по своему духу напоминающее ироничные и в то же время страшные картины И. Босха. Гротеск присущ не только многофигурным композициям на религиозные сюжеты, но и портретам Массейса. Ярким примером такой трактовки образа является «Портрет старика» (1513, музей Жакмар-Андре, Париж), где профильное изображение модели приближено к шаржу.

В творчестве Массейса множество прекрасных, мастерски проработанных портретов. Среди них изображения великих гуманистов той эпохи – Эразма Роттердамского (1517, Национальная галерея Корсини, Рим) и Петра Эгидия (1517, Лонгфордкасл, Англия). Чтобы полностью раскрыть внутренний мир этих личностей, автор индивидуализирует их жесты и позы, одухотворяет окружающие их вещи и детали интерьера.

К. Массейс. «Портрет нотариуса», ок. 1510, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург

«Портрет нотариуса» (ок. 1510, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург) свидетельствует о влиянии на Массейса творчества Леонардо да Винчи и А. Дюрера.

За спиной нотариуса сквозь изящные арки окна виден панорамный ландшафт, напоминающий пейзаж на полотне «Джоконда». Картина величественной природы – не просто фон, она помогает автору подчеркнуть значимость представленной модели. Чувствуется, что изображенный мастером нотариус – умный и весьма образованный человек.

Одна из самых известных работ Массейса – картина «Меняла с женой» (1514, Лувр, Париж), объединившая в себе элементы портрета и бытового жанра.

Очень выразителен образ менялы, который выглядит настоящим знатоком своего дела.

Он полностью поглощен работой, тонкие и цепкие пальцы ловко перебирают лежащие на столе предметы. Занятием мужа увлечена и его жена, перелистывающая молитвенник с яркими миниатюрами. Звон монет привлек внимание женщины, и она, оторвавшись от благочестивого чтения, следит за тем, как супруг раскладывает серебро по кучкам. От этой реалистично переданной домашней сценки взгляд зрителя переходит к выпуклому зеркалу на столе. В нем отражается улица, где так же, как и в этой комнате, под маской благочестия скрывается сребролюбие.

Альбрехт Дюрер
(1471–1528)

Любивший сложные аллегории, Дюрер нередко помещал рядом с фантастическими фигурами изображения своих современников: реально существовавших военачальников, правителей, а также простых горожан, крестьян, солдат. Так мастер не только передавал колорит своей эпохи, но и придавал композициям символическое значение. Например, образы воинов в сознании зрителей того времени ассоциировались с войной и другими бедствиями.

Немецкий живописец, гравер, рисовальщик, теоретик искусства Альбрехт Дюрер родился в Нюрнберге, в семье ювелира. Отец обучил его приемам гравировки на металле.

В 1486 году Дюрер начал обучаться у нюрнбергского гравера и живописца Михаэля Вольгемута. Огромное влияние на формирование молодого художника оказало путешествие по Германии. Дюрер посетил Франкфурт-на-Майне, Кольмар, Страсбург, Базель. Во время этих поездок он познакомился с известными мыслителями и книгопечатниками.

В 1494 году живописец вернулся в Нюрнберг. К этому времени относится его женитьба на дочери богатого бюргера, занимавшегося механикой и музыкальным искусством. В 1495 году художник открыл собственную мастерскую по изготовлению гравюр и картин.

А. Дюрер. «Автопортрет», 1500, Старая пинакотека, Мюнхен

Следующее путешествие, уже в Италию, Дюрер совершил в 1494–1495 годах. Здесь он смог познакомиться с искусством А. Мантеньи и Дж. Беллини. Во время второго посещения Венеции в 1505 году немецкий мастер познакомился с великим Рафаэлем.

В 1520–1521 годах Дюрер побывал в Нидерландах. Он увидел памятники архитектуры и искусства в Брюсселе, Антверпене, Брюгге, Малине, Генте.

Необыкновенный талант к рисунку проявился у Дюрера в раннем возрасте. Одна из первых сохранившихся работ художника – выполненный серебряным карандашом «Автопортрет» (1484, Альбертина, Вена). Еще не совсем уверенные линии, выведенные рукой тринадцатилетнего мальчика, тем не менее выдают будущий неповторимый стиль знаменитого немецкого художника. Зритель видит лицо юноши, почти ребенка, но в его взгляде уже чувствуются ум, целеустремленность, благородство.

Творчество Дюрера многогранно. Он был прекрасным пейзажистом. Его первые пейзажи, выполненные гуашью и подцвеченные акварелью, появились во время путешествий по Германии и Италии («Вид Инсбрука», 1494–1495, Альбертина, Вена; «Дом у пруда», 1494–1495, Британский музей, Лондон и др.).

В 1490-е годы, помимо графических работ, Дюрер создает и живописные произведения. Значительное место в его творчестве отведено портретам. Мастер стремится не столько к передаче внешнего сходства, сколько к выявлению индивидуальности своей модели. Дюрер пытается запечатлеть то, что отличает одного человека от другого, но в этих работах присутствует и обобщение: в образах, созданных художником, словно в зеркале, можно увидеть то время, в которое жили портретируемые. Поэтому большинство моделей в живописных портретах Дюрера выглядят динамичными и напряженными. Таковы портреты отца художника (1493, 1497), «Портрет Освальта Крелля» (ок. 1499, Старая пинакотека, Мюнхен).

Воспринятый от позднеготического искусства прием детализации образа Дюрер использует для создания реалистичных и убедительных произведений. В такой манере исполнен в 1497 году портрет отца. На полотне – седой старик с лицом, изрезанным глубокими морщинами. Очень тщательно выписаны не только черты его лица, но и каждая деталь одежды. Все эти элементы слагаются в общую картину, и зритель видит на холсте старого ремесленника, прожившего долгую и трудную жизнь. Но глаза его полны живого огня, и именно они свидетельствуют, что человек, лицо которого отмечено печатью времени, еще полон энергии и душевных сил.

Изображение Освальта Крелля, современника живописца, – яркий пример реалистичного портретного творчества Дюрера.

В полотне отсутствует какой-либо намек на идеализацию. Человек представлен таким, каким он, вероятно, и был в действительности. Зритель видит некрасивые, асимметричные черты лица, чуть нахмуренные брови, тяжелый, пронизывающий взгляд.

А. Дюрер. «Иероним Хольцшуэр», 1526, Государственные музеи, Берлин

О том, как развивался творческий метод Дюрера, свидетельствуют его автопортреты. Один из ранних, созданный в 1493 году (Лувр, Париж), все внимание автора сосредотачивает на передаче внешнего сходства. На полотне изображен юноша с веткой чертополоха – символом мужской верности. Эта увлеченность мастера символикой, а также некоторая театральность жеста модели свидетельствуют о том, что в те годы в живописи Дюрера были еще сильны традиции готического искусства.

О творческой зрелости художника говорит более поздний автопортрет, выполненный в 1498 году (Прадо, Мадрид). В нем Дюрер стремится создать образ аристократа, человека, обладающего такими качествами, как изысканность, уверенность, благородство. Высокое социальное положение модели подчеркивает белый костюм, отделанный черным, и белые перчатки. Скромного юношу-ремесленника на полотне 1493 года сменил взрослый мужчина, полный чувства собственного достоинства. Усложняется и композиционный строй картины. За спиной модели – темная ниша и оконный проем, сквозь который виден природный ландшафт.

Встреча с художником Якопо де Барбари, познакомившим Дюрера с графическими приемами изображения пропорций человеческого тела с точки зрения современных научных знаний, оказала огромное влияние на художника. С этого времени Дюрер обратился к образам, выражающим классический идеал человеческой фигуры. Интерес к данной проблеме нашел отражение и в теоретических работах живописца, вышедших под общим названием «Книги о пропорциях».

Новые приемы создания образа хорошо заметны в автопортрете Дюрера, написанном в 1500 году (Старая пинакотека, Мюнхен). Художник полностью отказывается от наследия средневекового искусства и пишет портрет, в котором ощущаются веяния эпохи Возрождения. Человек, изображенный на нейтральном темном фоне, представлен в фас, его взгляд направлен на зрителя. Красивое лицо с правильными чертами обрамлено длинными волнистыми волосами. Чувствуется, что этот образ соответствует представлению мастера об идеальной личности. Но Дюрер не отказывается от реализма, его герой, хотя и несколько идеализированный, не плод воображения автора, а живой человек со своими мыслями и поступками.

Поиски идеальных пропорций отразились в ряде рисунков с обнаженными человеческими фигурами («Адам и Ева», 1500–1504), написанными по образцам античных статуй.

Графические работы имели большое значение для художника, подписывавшего все свои листы и ставившего на них дату создания. В творческом наследии Дюрера около 900 листов с рисунками, многие из которых не уступают по мастерству работам Леонардо да Винчи. Ряд зарисовок представляет собой своеобразные портреты, цель которых – показать определенный человеческий типаж. Художник изображал нарядных кавалеров и дам, крестьян, военных.

Многие наброски Дюрера, созданные во время путешествий и дома, представляют собой полные живой естественности и искреннего чувства произведения («Моя Агнес», ок. 1494–1497, Альбертина, Вена; зарисовка гавани Антверпена, 1522, Альбертина, Вена).

А. Дюрер. «Четыре апостола», 1526, Старая пинакотека, Мюнхен

Интерес к окружающему миру, его красоте и гармонии выразился в живописных работах Дюрера, созданных в 1490–1510-х годах («Алтарь Паумгартнеров», ок. 1498, Старая пинакотека, Мюнхен; «Поклонение волхвов», ок. 1504, галерея Уффици, Флоренция; «Праздник четок», 1506, Национальная галерея, Прага; «Поклонение Св. Троице», 1511, Музей истории искусства, Вена).

В творчестве Дюрера есть множество прекрасных гравюр, проникнутых духом немецкого Возрождения с его нравственно-философскими исканиями (серии «Апокалипсис», 1498; «Жизнь Марии», ок. 1502–1505); «Большие страсти», ок. 1498–1510; «Малые страсти», 1507–1513 и 1509–1511). Шедеврами художника стали выполненные с большим мастерством известные гравюры «Рыцарь, Смерть и Дьявол» (1513), «Меланхолия» (1514), «Св. Иероним в келье» (1514), полные философских раздумий.

В 1514–1519 годах Дюрер работал в основном лишь над заказами императора Максимилиана I. Такие ограничения тяготили мастера, и это не могло не сказаться на его творчестве. Но начиная с 1520-х годов в его деятельности наступил необыкновенный подъем. В этот период художник создал множество прекрасных портретов. Углем, серебряным и металлическим карандашами были выполнены портреты «Эразм Роттердамский» (1520, Лувр, Париж), «Лука Лейденский» (Художественный музей, Лилль), «Агнес Дюрер» (1521, Кабинет гравюр, Берлин).

Интерес к портретному жанру отразился и в его живописи этого времени («Молодой человек», 1521, Картинная галерея, Дрезден; «Мужской портрет», 1524, Прадо, Мадрид; «Иероним Хольцшуэр», 1526, Государственные музеи, Берлин), а также в работах, созданных в технике гравюры на меди. Гравированные портреты представляют известных гуманистов той эпохи – Виллибальда Пиркхеймера (1524), Эразма Роттердамского (1526), Филиппа Меланхтона (1526). Этим произведениям свойственны лаконичность и строгость композиционного решения: в самом центре с помощью мягких светотеневых переходов мастер «лепит» лицо своей модели. Дюреру важно передать на листе бумаги или холсте не только внешнее сходство человека, но и всю полноту его чувств и эмоций. Живописец стремится проникнуть в мысли портретируемого, показать яркую индивидуальность личности.

На портретах Дюрера предстают не бесплотные святые готического искусства и не идеализированные, абстрактные образы, свойственные эпохе Возрождения, а живые, полнокровные люди с разными характерами. Художник добивается убедительности с помощью виртуозной передачи пластики движений и жестов человеческих фигур, мягкости контуров. В последних портретах Дюрера отсутствует прежняя детализация, все лишнее полностью отсекается. Самое важное для него теперь – показать личность человека, его чувства и переживания.

Увлеченность портретным жанром ощущается и в живописном диптихе Дюрера, получившем название «Четыре апостола» (1526, Старая пинакотека, Мюнхен). Монументальные, величественные фигуры Петра, Павла, Иоанна и Марка как будто воплощают в себе четыре типа темперамента.

Лукас Кранах Старший
(1472–1553)

В огромной мастерской Лукаса Кранаха Старшего в Виттенберге работало множество помощников и учеников знаменитого художника. Большинство из них попросту копировали произведения своего учителя или же писали картины в его манере. Все, что было создано в стенах этой мастерской, выходило под маркой Кранаха и было помечено изображением крылатого дракона – герба мастера.

Немецкий живописец и гравер Лукас Кранах Старший родился в Верхней Франконии, в семье живописца, который и стал его первым учителем.

Известно, что в 1502–1503 годах Кранах работал в Вене. Здесь он вошел в круг известных гуманистов того времени.

Большую часть своей жизни художник провел в Виттенберге (1505–1550), где стал придворным живописцем саксонских курфюрстов. В Виттенберге Кранах открыл мастерскую, в которой ему помогали выполнять заказы многочисленные ученики. Живописец был известной и уважаемой личностью, он несколько раз избирался членом городского совета и даже бургомистром.

В 1520 году Кранах познакомился с Мартином Лютером. Художник написал несколько портретов, на которых запечатлел образ этого знаменитого деятеля немецкой Реформации, а также проиллюстрировал ряд сочинений Лютера.

Последние три года своей жизни Кранах провел в Инсбруке, Аусбурге и Веймаре.

Сведений о раннем творчестве мастера до нас не дошло. Первые из сохранившихся работ художника датируются началом XVI века. Эти композиции восхищают гармоничностью образов и цельностью композиционного решения. К сожалению, в дальнейшем художник отошел от прежней манеры и начал создавать произведения, тяготеющие к маньеризму.

К началу 1510-х годов относится одухотворенный портрет ученого Иоганна Куспиниана и парный к нему портрет его жены (1502–1503, собрание О. Рейнхарта, Винтертур). Фигуры супругов представлены на фоне пейзажа с величественными горными вершинами.

В этот же период Кранах создавал композиции на религиозные темы и картины с мифологическими сюжетами («Отдых на пути в Египет», 1504, Государственные музеи, Берлин; «Венера и Амур», 1509, Эрмитаж, Санкт-Петербург; «Воспитание Марии», ок. 1510–1512, Художественное собрание, Верлиц).

Эти же темы встречаются и в более поздних работах мастера, но теперь образы утрачивают свою естественность, позы и жесты становятся театральными и жеманными. На полотнах живописца повторяются чувственно-миловидные, похожие одно на другое лица («Нимфа источника», 1518, Музей изобразительных искусств, Лейпциг; «Лукреция», ок. 1518, Кобург, вариант – в Картинной галерее, Кассель; «Суд Париса», 1530, Кунстхалле, Карлсруэ; «Венера», 1532, Штеделевский художественный институт, Франкфурт-на-Майне). Хотя в творческом наследии Кранаха не так уж много портретных работ, интерес к этому жанру не оставлял мастера на протяжении всей его жизни.

Художник не старался проникнуть в душу своих моделей, ему было достаточно передать внешнее сходство, показать индивидуальность – и это у него получалось превосходно, особенно если дело касалось мужских образов («Портрет Шеринга», 1520-е; гравюра на меди «Портрет отца Лютера», 1520-е).

Л. Кранах Старший. «Портрет саксонского курфюрста Иоганна Постоянного», 1526, Картинная галерея, Дрезден

Изображая женщин, Кранах отступал от этого правила и, вероятно, в значительной степени ориентировался на собственные понятия об идеале («Портрет дамы», 1526).

В 1526 году художник написал портрет саксонского курфюрста Иоганна Постоянного (Картинная галерея, Дрезден), правившего вместе со своим братом Фридрихом Мудрым. Столь необычное прозвище он получил за то, что активно поддерживал Реформацию, никогда не изменяя идеям этого движения. Иоганн являлся верным союзником австрийского эрцгерцога, императора Максимилиана, в его войнах с венецианцами и венграми.

Портрет был написан мастером по случаю свадьбы сына Иоганна, Фридриха, с принцессой Клевской. Венок из алых гвоздик, надетый на голову курфюрста, – знак того, что он является отцом жениха. Художник сделал копию этого портрета (но уже без венка и на фоне пейзажа), которая хранится в музее города Веймара.

Получая множество заказов, Кранах не успевал выполнять все, поэтому часто поручал дописывать одежду и аксессуары на портретах своим помощникам. Позднее к этой работе он привлекал и своего подросшего сына – Лукаса Кранаха Младшего.

Кроме живописных работ, художник оставил множество гравюр на дереве (ксилографий) на темы античной мифологии и Священного Писания.