Текст книги "Кто есть кто в мире искусства"

Когда появился балет?

Что такое балет? Это вид театрального представления, который соединяет в себе танцы и музыку. Некоторые балеты имеют сюжет, другие просто отражают идею или настроение. Когда вы смотрите балет, вы видите, как человеческое тело принимает самые элегантные и гармоничные позы. Все это требует длительных напряженных тренировок танцоров и балерин, чтобы выглядеть во время выступления естественно и красиво.

Балету около 500 лет. Он возник в Италии в ту же эпоху, когда Колумб открывал Америку. Балет тех времен совершенно отличался от балета сегодняшнего и был формой дворцовых развлечений. Итальянские аристократы развлекали себя и своих гостей представлениями, соединяющими в себе танец, музыку, пантомиму, поэзию и драму.

Таким образом, первыми балетными танцорами были королевские и титулованные особы, а профессиональных артистов не было. Танцевальные па были взяты из элегантных, но довольно простых придворных танцев того времени, и танцоры не надевали специальные туфли.

Однако такие танцы не называли балетом до начала правления короля Генриха III во Франции. В 1581 году его мать королева Екатерина Медичи приказала устроить грандиозные празднования в честь королевской свадьбы. Был устроен захватывающий балет, в котором участвовали сотни танцоров, певцов и актеров. Он был поставлен итальянским музыкантом Божуолем. Он был, вероятно, первым хореографом или постановщиком танцев. Божуоль назвал свою работу «Королевский комический балет», и с тех пор представления такого рода назывались балетами.

Ведущая танцовщица в балетной группе называется прима-балерина. Первой прима-балериной была Лафонтен, танцевавшая в 1681 году. Позднее многие танцоры, балерины и хореографы вносили изменения и улучшения в балетное искусство.

Как возникла опера?

Считается, что современная опера выросла из древнегреческой трагедии. Но как и где это произошло? А история такова. В конце XVI века в итальянском городе Флоренция в салоне известного любителя музыки Джованни Барди собирались люди, увлекающиеся искусством Древней Греции. Однажды появилась идея воссоздать одну из трагедий, поставить ее на сцене. Правда, как это сделать, музыканты не знали. Они предполагали, что пение должно быть постоянным, хотя в действительности древнегреческие актеры-певцы перемежали его декламацией стихов. Так, возрождая на сцене традиции древнегреческой трагедии, они случайно создали совершенно новый вид искусства – оперу, в которой пение было постоянным. В 1598 году итальянским композитором Якопо Пери была написана опера «Дафна», а в 1600 г. – «Эвридика». Принято считать эти произведения первыми операми. Кстати, специально для их исполнения в 1632 году в Риме был построен оперный театр. Естественно, тоже первый.

Первые оперные представления поразили публику своей необычностью: артисты вместо того, чтобы разговаривать, вдруг запели! Было чему поразиться! Новый жанр имел огромный успех.

Со временем в исполнении оперы сложились определенные традиции. Звучащая перед началом спектакля музыка называется увертюрой. Опера состоит из частей – действий. Словесный текст оперы именуется либретто. В постановке принимают участие певцы, оркестр и, часто, артисты балета, занятые в танцевальных номерах музыкального спектакля.

Опера никогда не была застывшим жанром. Еще в пору ее молодости, в XVII веке, во Франции появились оперы-балеты, в которых балетные сцены существовали на равных с вокальными партиями. Этот вид искусства пришелся по душе и в России. В XIX веке замечательными русскими композиторами было создано множество прекрасных опер: «Жизнь за царя» М.И. Глинки, «Млада», «Снегурочка» Н.А. Римского-Корсакова.

Кто сделал первую фотографию?

Человек стремился запечатлеть то, что он видит вокруг себя, не одно столетие. С одиннадцатого по шестнадцатый век существовало приспособление, которое называлось «камера-обскура». Она была предшественницей фотографической камеры. При помощи камеры-обскуры изображение проецировалось на бумагу, а по этому изображению можно было обвести карандашом, чтобы получить точное его воспроизведение на бумаге.

Большинство фотографических процессов основано на том факте, что под воздействием света чернеют зерна серебра. А это явление было открыто в XVII веке алхимиками, которые искали способы превращения обычных металлов в золото.

В 1802 году двум изобретателям Уэджвуду и Хамфри удалось передать силуэты рисунков, сделанных на стекле, на бумагу, покрытую азотным серебром. Но они не нашли способа сохранять эти отпечатки.

В 1816 году Джозеф Ньепс сделал фотоаппарат, при помощи которого удалось получить негативное изображение. А в 1835 году Уильяму Тальботу удалось получить постоянное изображение. Тальбот первым изготовил позитивное изображение с негативов, первым разработал фотопечать, первым опубликовал в 1844 году книгу, иллюстрированную фотографиями.

С этого времени изобретения и усовершенствования в этой области пошли одно за другим. Широко известная фотокамера Кодака появилась на рынке в 1888 году. С этого и началась современная фотография.

Что такое стиль в искусстве?

Само слово «стиль» произошло от греческого «stilus» – заостренная палочка для письма. В истории искусства словом этим обычно обозначают определенные периоды, этапы в развитии искусства, когда существовала единая система художественных приемов.

Наиболее наглядно особенности того или иного стиля проявляются в архитектуре и уже оттуда проникают в живопись, скульптуру, литературу, музыку.

Иногда понятие стиля употребляют и для обозначения особенностей искусства той или иной страны или крупного художника, композитора. Например, можно говорить о китайском или греческом стиле, а также стиле Рембрандта или Скрябина.

Стиль крупного художника обычно рождает направление в искусстве, которое принято называть школой. Известны школы Рафаэля, Кандинского.

Отметим также, что отдельные стили могут развиваться одновременно или даже проникать друг в друга. Так, в живописи второй половины XIX – начала XX века очень заметно смешение приемов различных стилей (творчество Л.Андреева, Б.Зайцева, В.Поленова, И.Репина).

Что такое стилизация?

Стилизацией называют намеренную имитацию наиболее характерных признаков того или иного стиля в то время, когда этим стилем уже никто не пользуется. Этот прием вошел в практику работы различных художников, начиная с конца XVIII века. Они не только использовали приемы, заимствованные из произведений античности и Возрождения, но и переосмысливали в их стиле современные им образы.

Особенно интересна стилизация в архитектуре. Она получила широкое распространение в конце XIX – начале XX века, когда многие архитекторы возводили постройки в стиле той или иной эпохи – например, Марфомариинская обитель в Москве, построенная по образцу храмов XI–XII веков, или особняк Морозовой, возведенный в мавританском стиле.

До настоящего времени успешно развивается стилизация в книжной графике. Но наиболее важна и плодотворна стилизация в театрально-декорационном искусстве. При оформлении спектакля, действие которого происходит в давно минувшие эпохи, художник должен воссоздать облик прошлого, и помогает ему в этом стилизация.

Стилизация применяется и в музыке. Например, И.Стравинский и Д.Шостакович очень часто использовали элементы музыкального фольклора и мелодики определенных эпох. Прибегают к стилизации и музыканты, работающие в жанрах поп-музыки.

Стилизация всегда подразумевает творческое переосмысление, а не простое копирование. Вот почему ее надо отличать от подражания, которое также встречается в искусстве.

Что такое греческий стиль?

Начиная примерно с 700–200 гг. до н. э., греческое искусство оказывало огромное влияние на европейскую культуру. Произведениям греческих поэтов и писателей, скульпторов и архитекторов подражали в последующие столетия. Приступая к строительству дворцов, залов правосудия, церквей и ратуш, архитекторы внимательно изучали греческие храмы. Греческая архитектура привлекала их сочетанием продуманности пропорций и единства целесообразности и красоты. В храмах Древней Греции часто помещались скульптуры богов и богинь, которые потом также изучались в течение многих лет тысячами художников.

Греческая скульптура развивалась наравне с живописью и рисунком. С течением времени форма греческих скульптур менялась: сначала лица больше походили на маски, неотличимые одна от другой, были безжизненны и неподвижны, но со временем подобные изображения сменились выразительными портретами мужчин, женщин и изображениями животных.

Хотя мы не знаем, как на самом деле выглядели древние статуи. Утрачены драгоценные камни, которые вставлялись вместо глаз и помогали «оживить» фигуры. Тем не менее свободные, полные жизни позы статуй показывают, что мастера знали и понимали красоту человеческого тела и умели передать самые изящные движения.

Со временем материалы, которые использовались скульпторами, изменились. Вначале художники работали в камне (как правило, это был мрамор), потом в металле (преимущественно в бронзе).

В двадцатом веке часто используется такой пластичный материал, как майолика, обожженная, расписанная красками глина. Но несмотря на существенное развитие искусства скульптуры, современные мастера очень часто используют опыт греческих мастеров в своей работе.

Что такое романский стиль?

Романский стиль (от лат. романус – римский) сложился к X веку н. э. на Апеннинском полуострове.

В романском стиле создавались шедевры в скульптуре, архитектуре и в живописи. Образцом произведений, созданных в этом стиле, считаются церкви в Западной Европе, построенные примерно с 1000 по 1250 годы.

Возведенные в это время сооружения отличаются толстыми, тяжеловесными стенами, в которых проделаны небольшие окошечки. Двери и окна узкие и украшены арками. Над дверями можно разглядеть скульптуры: стоящие или сидящие человеческие фигурки в застывших неестественных позах. Даже их одежды кажутся негнущимися.

Вход в здание обычно делался в виде арок, украшенных узорами. Возле входа ставились две квадратные башенки. Во внутреннем убранстве церквей преобладали низкие деревянные или каменные потолки. Центральное помещение храма, называемое нефом, часто отделено от боковых пристроек (приделов) круглыми колоннами. Они соединяются между собой арочными переходами.

Неф всегда располагается одним концом на востоке, а другим – на западе. В середине центральный неф пересекает поперечный неф (трансепт), который направлен с севера на юг.

В месте их пересечения возводится высокий купол, напоминающий перевернутую чашу. Постройки напоминают крест, если смотреть на них сверху.

В отличие от готического, романский стиль характеризуется большей солидностью, постройки прочно стоят на земле и даже будто прижаты к ней.

Что такое готический стиль?

Готический стиль получил свое название от названия германского племени готов. В 12–16 веках он был представлен в различных видах искусства, но полнее всего проявился в архитектуре. Одно из высших достижений готического стиля – соборы. Мощные колонны, увенчанные стрельчатыми арками, огромные окна с цветными стеклами, конические шпили придают готическим храмам легкость. Постройка всегда выглядит устремленной ввысь и от этого кажется еще выше.

Снаружи здание украшено скульптурами, огромным количеством колонн, которые создают впечатление почти невесомости и в то же время придают собору необходимую прочность.

Портал (вход) в собор всегда украшен многочисленными арками, скульптурами, башенками, небольшими фигурными окнами. Лица и позы фигур подчеркнуто реалистичны, даже складки одежды выглядят не застывшими, а мягкими, подвижными. Гладких стен мало, обычно они прорезаны большими окнами в виде роз. Отсутствие гладких стен особенно заметно при сравнении с постройками романского стиля.

Входящий в собор человек чувствует себя маленьким и беспомощным. Зрительная высота потолка увеличивается – крестообразно пересекающимися балками. Собор внутри просторен и полон воздуха, потому что арки, поддерживающие потолок, сдвинуты в стороны. Наполненный цветными бликами от витражей, неф собора кажется парящим в воздухе.

Что такое ренессансный стиль?

В XIV веке в Европе началась эпоха Возрождения, которая утвердила новый стиль в искусстве: стиль Ренессанс, который в XIV–XVI веках проявляется в различных художественных формах – архитектуре, скульптуре, живописи. Наиболее полно особенности ренессансного стиля отразились в итальянском искусстве, причем с наибольшей яркостью – в живописи и скульптуре.

Само слово «ренессанс» означает «возрождение» или «новое рождение». Художники, скульпторы Ренессанса обращались к шедеврам древности, пытаясь перенять и развить их мастерство. Архитекторы этого периода находили идеи для своих произведений в греческом и особенно в римском искусстве.

Зодчие вводили элементы Ренессанса, как в архитектуру общественных зданий, так и в дома, которые строили для богатых торговцев. Главным для них было создать постройку, в которой человек чувствовал бы себя удобно. В готическом искусстве особую роль играла вертикальная линия. Для архитектуры Ренессанса важна общая соразмерность постройки и соответствие ее пропорциям человеческой фигуры.

Над главным входом в собор часто находится резной прямоугольный часть, называемая барабаном. Верхняя часть окон и дверей также украшены треугольничками, имеющими плавно закругленные уголки. Между окнами и дверями находятся пилястры – нечто вроде плоских или полукруглых украшений в виде колонн. Кажется, что на этих пилястрах держатся верхние этажи. На самом же деле они имеют чисто декоративное значение.

Здания периода Ренессанса украшены человеческими фигурами или цветами и растительным орнаментом. Украшения из цветов или листьев образуют наклонную горизонтальную ленту – ветвь с листьями – гирлянду.

Что такое стиль барокко?

Барокко (конец XVI – начало XVIII веков) сменило период Ренессанса. Название возникло от итальянского «барокко» – причудливый, странный. В отличие от стилей, о которых мы писали ранее, для него характерно сочетание сложных, округлых форм и изогнутых линий и плоскостей.

Стены церквей и других строений приобретают самые причудливые формы, на которых отчетливо выступают разнообразные украшения. Множество переплетающихся и изогнутых элементов оформления характерно и для внутреннего убранства зданий. Даже окна теряют свои привычные прямоугольные очертания, изгибаясь вместе со стенами. Обилие внутри зданий золотых украшений, в которых отражается солнце, создает неповторимую игру света и тени. Потолки обычно украшены живописью, созданной так, чтобы ее можно было хорошо разглядеть снизу.

Что такое романтизм?

Данный стиль можно датировать периодом примерно с 1810 по 1875 годы. Именно в это время были построены здания Парламента в Лондоне.

Иногда этот стиль называют неоготикой, то есть готикой с какими-то новыми элементами. В отличие от других стилей, романтизм практически не повлиял на архитектуру. Особенно ярко романтический стиль проявился в живописи, музыке и литературе.

Основная особенность данного стиля – мечтательность, грусть. В искусстве этого стиля используются образы прошлого, потустороннего мира, духи, призраки. Очень широко использовались мифологические и аллегорические образы. В романтических садах и парках архитекторы имитируют дикую природу, создают различные руины, гроты, пещеры, даже ложные могилы.

В живописи романтический стиль легко определить по сюжетам, которые изображались на картинах. Такие художники, как Гойя, Делакруа, пытались добиться соучастия зрителя, обращаясь к таким известным событиям, как войны, революции или природные катастрофы. На многих полотнах появляются изображения кладбищ, развалин, фантастических пейзажей, озаренных мерцающим светом луны или вспышкой молнии. Главный персонаж обычно выделяется светлыми красками, а вся остальная часть пространства картины затемнена.

Среди наиболее известных художников-романтиков можно назвать Констебля и Тёрнера. В литературе романтиками были Гёте, Шиллер, Виктор Гюго, Мюссе, Шарлотта и Эмилия Бронте.

Что такое бидермейер?

Бидермейер (немецкое Biedermeier) представляет собой стилевое направление в искусстве, которое появилось в Германии и Австрии главным образом в 1815–1845 годах, а затем распространилось в других европейских странах, в том числе и в России. А вот свое название стиль получил позднее, в 1850 году, когда вышла книга стихов Л.Эйхрода, озаглавленная «Biedermeiers Ziederlust». Ее герой учитель Готлиб Бидермейер – скромный человек, то и дело попадающий в забавные и немного грустные ситуации. Автор рассказывал о нем с мягкой иронией, которая совпадала с новым стилем, возникшим в изобразительном искусстве. Бидермейеру присущ интерес к обыденной жизни жителей города и крестьян. Для живописи характерен малый формат, тонкое, тщательное письмо, интерес к бытовым деталям, к интимности и задушевности образов, с юмористическим оттенком.

Бидермейер возник как выражение протеста молодых художников против рутины академической живописи. От молодых художников ожидали изображений исключительных исторических личностей. А они хотели писать о том, что встречали в повседневной жизни. Их интересовал обычный человек с его радостями, горестями, представлениями о счастье.

Например, мюнхенский художник К.Шпицвег создал своеобразную галерею портретов обитателей бедных кварталов. Он запечатлел идущего на уроки учителя, бедного поэта, в комнате которого зонтик закрывает дыру в потолке. Другой немецкий художник, И.Хюммель, изобразил военного, с удивлением разглядывающего свое отражение в гранитной вазе.

Картины в стиле бидермейер были очень популярны. Тщательное изображение деталей, отсутствие действия, приглушенная цветовая гамма привлекали внимание простых людей, охотно покупавших недорогие картины.

В пейзажах бидермейера запечатлена жизнь небольших немецких городков. Иногда картинки напоминают фотографии. Так, известный берлинский мастер Ф.Крюгер в картине «Парад на Оперной площади» запечатлел множество известных людей. В толпе у театра мы видим итальянского скрипача Н.Паганини, братьев Гримм, архитектора Ф.Шинкеля.

Проявился бидермейер и в книжной иллюстрации. Начиная с 1819 года, выходят иллюстрированные произведения немецких писателей-романтиков. Событием стало появление роскошного издания сказок братьев Гримм с иллюстрациями художника А. Рихтера. До сих пор эти небольшие книги считаются образцами книгоиздательского искусства.

В немецком и в русском искусстве бидермейер стал той питательной средой, в которой зародился реализм, вышедший на сцену к середине XIX века.

Что такое импрессионистический стиль?

Его название происходит от французского слова impression – впечатление. Это название возникло после выставки 1874 года, где была показана картина К.Моне «Впечатление. Восход солнца».

Основная черта этого стиля – непосредственность восприятия того, что изображает художник. Черты этого стиля наиболее ярко проявились в живописи.

Первые работы импрессионистов появились в 1860 году. Однако их не приняли на официальных выставках, поэтому им пришлось организовать альтернативный показ своих произведений.

Главным для художника стал не отбор предмета для изображения и не точность его воспроизведения, а то впечатление, которое у него возникает в тот момент, когда он на него смотрит.

Если он рисует восход солнца, то описывает именно это мгновение. Поскольку цвета меняются быстро, художник рисует очень быстро, осторожно смешивая краски. На каждой картине импрессионистов сохраняются незаметные мазки красок.

Наиболее известные художники-импрессионисты: Мане, Моне, Писсарро, Ренуар, Сислей и Ван Гог. Помните, что любого художника можно узнать по тому, как он держит кисть, какие краски использует и какие предметы избирает для изображения на холсте.

И Мане никак нельзя спутать с Ван Гогом.

Что такое экспрессионизм?

Этот стиль развивался в европейском искусстве и литературе с середины 1900 до 1930 годов. Его главная особенность – экспрессия, то есть выразительность, яркость всего, что изображает художник или скульптор.

Главным для художника становится передача окружающим своих собственных впечатлений, чувств и внутреннего состояния. Он не пытается подавить зрителя красотой. Напротив, художник изображает безобразное, плохое, несправедливое. Чтобы достичь своей цели, художники используют самые яркие, «агрессивные» краски, резче, чем те, к которым привыкло обыкновенное сознание. Более того, формы преувеличиваются, становятся больше, тщательнее прорисовываются.

Для экспрессионистов было вовсе не важным физическое подобие, они хотели выразить свое впечатление от предмета через образ. Вот почему некоторые из них вообще отказываются от точного воспроизведения формы предметов. Иногда форма предмета подчеркивается черными линиями. По мнению художника, они должны сделать изображаемое более приметным, бросающимся в глаза.

На первый взгляд, кажется, что картины экспрессионистов нарисованы на одном дыхании, за очень короткий отрезок времени. Изображенный предмет узнаваем, однако автор хотел изобразить не просто фрукты или пейзаж, а создать какое-то настроение, выразить идею. Мы должны постараться заглянуть внутрь картины и попытаться понять задачу художника.