151 500 произведений, 34 900 авторов Отзывы на книги Бестселлеры недели


» » » онлайн чтение - страница 6

Правообладателям!

Это произведение, предположительно, находится в статусе 'public domain'. Если это не так и размещение материала нарушает чьи-либо права, то сообщите нам об этом.

  • Текст добавлен: 28 октября 2013, 20:28


Автор книги: Александр Горкин


Жанр: Энциклопедии, Справочники


сообщить о неприемлемом содержимом

Текущая страница: 6 (всего у книги 13 страниц)

О. И. Бове. Триумфальные ворота у Тверской заставы. 1827—34 гг.


В процессе реконструкции Красной площади было расчищено её пространство; перестроены старые торговые ряды. Центр фасада новых торговых рядов (1814—15; не сохранились) отмечали портик и купол, который перекликался с куполом здания Сената за Кремлёвской стеной.

О. И. Бове. Верхние торговые ряды. 1814—15 гг.


Создал ансамбль Большого театра и Театральной площади (1821—25). В здании театра напрямую обратился к античности: фасад, украшенный портиком с восемью ионическими колоннами большого ордера, напоминает древний храм. Это храм искусства, и над треугольным фронтоном помещено скульптурное изваяние бога – покровителя искусств Аполлона в колеснице, запряжённой четвёркой лошадей. Аполлон в сопровождении девяти муз изображён и в росписи потолка зрительного зала. Перед театром была разбита обширная парадная площадь, пространство которой раскрывалось в сторону Кремля. По бокам её обрамляли невысокие здания с аркадами (позднее перестроены в здания Малого и Молодёжного театров). Другие крупные работы Бове в Москве – 1 я Градская больница (1828—32) и восточная часть церкви Богоматери «Всех скорбящих радость» на Большой Ордынке (1828—36; достраивалась после смерти мастера).


БОГАÉВСКИЙ Константин Фёдорович (1872, Феодосия – 1943, там же), русский живописец, пейзажист; создатель героико-романтических картин, посвящённых Крымской земле. Участник художественных объединений «Мир искусства» и Союз русских художников. Рисовать начал ещё в детстве; брал уроки в Феодосии у своего знаменитого земляка И. К. Айвазовского и его ученика А. И. Фесслера. Учился в Петербургской академии художеств у А. И. Куинджи (1891—97). По окончании АХ вернулся в Феодосию (1898). На его формирование оказали влияние работы Ф. А. Васильева, которыми он восхищался, но особенно сильно было воздействие световых эффектов пейзажной живописи Куинджи. Согласно заветам учителя, Богаевский писал картины «от себя, не ограничиваясь строгим следованием этюдным штудиям». Во время первого путешествия за границу – в Германию (1898) познакомился с искусством немецких романтиков.

В творчестве можно выделить два периода: дореволюционный (1910-е гг.) и советский (1920—40-е гг.). Для ранних картин характерно романтическое видение природы. В пейзажах часто встречаются таинственные руины, вековые деревья, древние дороги. Художник находился под сильным впечатлением легенды о Киммерии (древнее название Крыма), упомянутой в поэме Гомера «Одиссея». Образ таинственной, печальной и суровой земли, овеянной легендами, возникает в пейзажах «Древняя крепость» (1902), «Старый Крым» (1902), «Пустыня. Сказка» (1903), «Последние лучи» (1903). Отсутствие подробностей, обобщённые цветовые отношения, как бы пробивающееся изнутри «свечение» красок создают ощущение призрачности, вневременности. Художник словно стремится уйти от реальности в иной, «нездешний» мир. Эти качества сближают творчество Богаевского и писателей символистов – А. Белого, В. Я. Брюсова, А. А. Блока. Как и символисты, художник стремился передать слияние земного и космического, музыку сезонных ритмов в природе, созвучных ритмам мироздания. В 1906—08 гг. создал иллюстрации к сборнику М. А. Волошина «Годы странствий». В 1909 г. совершил путешествие в Италию. Под впечатлением от «героической» природы Италии написаны картины «Воспоминание об Италии», «Воспоминания о Мантенье» (обе – 1910).

После Октябрьской революции (1917) включился в культурную жизнь Феодосии, был членом Феодосийского литературно-артистического кружка, много работал в технике акварели и литографии («Древняя земля», «Атлантида», обе – 1922). Продолжал писать пейзажи Крыма, но его стиль стал более реалистическим («Романтический пейзаж. На берегу моря», 1930 е гг.). Ездил в творческие командировки на «великие стройки» – в Донбасс, Баку, Мариуполь. Индустриальные пейзажи сохраняют ярко выраженную романтическую образность, они так же сказочны и призрачны, как ранние картины («Днепрострой», 1930 е гг., «Порт воображаемого города», 1932). До конца своих дней Богаевский оставался художником мечтателем, романтиком, преобразующим видимый мир на основе художественной стилизации, хранителем и продолжателем великих традиций классического и романтического пейзажа. Погиб во время Великой Отечественной войны при бомбёжке.


БÓДИ-АРТ (англ. body art; от body – тело и art – искусство), вид художественного творчества, в котором «материалом» является тело (самого художника или др. человека), а содержание раскрывается позой, мимикой, жестами, красочными росписями, нанесёнными на кожу. Получил особое распространение в постмодернизме. Известнейшие представители боди-арта – английские художники, выступающие совместно под псевдонимами Гилберт (р. в 1943 г.) и Джордж (р. в 1942 г.). С кон. 1960-х гг. демонстрировали себя публике в виде «живых скульптур», пародирующих облик английского обывателя. Позднее создавали пародийные видеоклипы.


БОРИ́СОВ-МУСÁТОВ Виктор Эльпидифорович (1870, Саратов – 1905, Таруса), русский художник, крупнейший представитель символизма. Родился в семье железнодорожника. В трёхлетнем возрасте получил серьёзную травму, что сделало его на всю жизнь инвалидом. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1890—91, 1893—95), в Петербургской академии художеств (1891—93), в частной студии П. П. Чистякова (1891—98), в студии Ф. Кормона в Париже (1895—98). Участник (с 1899 г.) и один из лидеров Московского товарищества художников, член Союза русских художников (с 1904 г.). С 1898 г. жил главным образом в Саратове, с 1903 г. – в Подольске и Тарусе.

В. Э. Борисов-Мусатов. «Водоём». 1902 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва


Первые произведения («Маки», 1894; «Майские цветы», 1894; «Агава», 1897) отмечены близостью к импрессионизму. В Париже испытал влияние П. Пюви де Шаванна и мастеров группы «Наби». По возвращении в Россию перешёл от этюдной манеры ранних произведений к созданию элегических картин панно, погружающих зрителя в мир грёз и воспоминаний об уходящей культуре «дворянских гнёзд». Для всех картин Мусатову позировали его жена и младшая сестра; позднее к ним присоединилась Н. Ю. Станюкович («Дама у гобелена», 1903). Плавные музыкальные ритмы, нежные тающие краски заставляют зрителя ощутить в картинах, по словам художника, чистую и прозрачную «мелодию грусти старинной». Героини полотен художника, облачённые в наряды прошлых эпох, неподвижны и погружены в безмолвие; их фигуры прозрачны и бесплотны. Образ сна как иной реальности, в которой душа освобождается от оков тела, становится главным в живописи Мусатова. В «Призраках» (1903) девушки в пышных платьях и шалях словно проплывают по старинному парку, мимо дома с белоколонным фасадом, как облака или клочья тумана, лишь принявшие форму людей. Художник работал в основном темперными красками, обнажая фактуру холста, лишая материальности фигуры людей и предметы. Длинные, словно нити, мазки как будто «стекают» по полотнам сверху донизу, уподобляя их старинным гобеленам («Гобелен», 1901; «Водоём», 1902; «Изумрудное ожерелье», 1903—04). «Реквием» (1905), написанный в память об умершей сестре, стал поминовением и самому художнику, скончавшемуся в том же году, не успев закончить картину. За неделю до смерти Мусатова взбунтовавшиеся крестьяне разорили имение Голициных-Прозоровский, где были написаны многие картины художника.

В. Э. Борисов-Мусатов. «Призраки». 1903 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва


Мусатов, стремившийся воплотить в своих полотнах мир грёз и волшебных фантазий, остро ощущал трагические противоречия своей эпохи, чувствовал приближение роковых перемен; именно это рождало в нём страстную жажду гармонии и нездешней красоты. Творчество Борисова-Мусатова оказало огромное влияние на искусство начала 20 в. в России, в особенности на мастеров «Голубой розы».


БОРОВИКÓВСКИЙ Владимир Лукич (1757, Миргород – 1825, Санкт-Петербург), русский живописец, портретист, миниатюрист, иконописец; представитель сентиментализма. Учился у отца Л. И. Боровиковского (Боровика), живописца и иконописца, получившего дворянство. Первые произведения создал в Малороссии. В 1780-е гг. обратил на себя внимание Екатерины II, совершавшей поездку по югу России. По приглашению императрицы переехал в столицу, где совершенствовал своё мастерство под руководством австрийского живописца И. Б. Лампи – видного представителя россики, а также пользовался советами Д. Г. Левицкого. Уезжая из России, Лампи передал молодому художнику свою мастерскую. В Санкт-Петербурге Боровиковский вошёл в т. н. львовско-державинский литературно-художественный кружок (поэт Г. Р. Державин, учёный, архитектор, поэт и просветитель Н. А. Львов, портретист Д. Г. Левицкий и др. деятели культуры).

В. Л. Боровиковский. «Портрет Е. Н. Арсеньевой». 1790-е гг. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург


Ранние работы создавались под влиянием сентиментализма. Свой творческий путь в столице начал с небольших портретов и миниатюр («Портрет Г. Р. Державина», 1795; «Торжковская крестьянка Христинья», ок. 1795 г.; «Лизынька и Дашинька», 1794). «Лизынька и Дашинька» – дворовые девушки, жившие в доме Н. А. Львова. Очаровательные головки нежно склонились друг к другу, демонстрируя возвышенно-сладостное чувство дружбы, трогательное согласие сердец. Настроению портрета соответствует нежный, голубовато перламутровый колорит. В «Портрете Екатерины II на прогулке в Царскосельском парке» (1794) государыня представлена в виде пожилой приветливой дамы, совершающей прогулку в сопровождении любимой собачки. На императрице повседневная одежда, её окружает густая зелень парка. Екатерина полна достоинства, её жесты сдержанны и величественны, окружающая природа не менее торжественна и прекрасна, чем самые великолепные залы дворца. Императрица предстаёт перед зрителем как частный человек: созерцатель, философ, предающийся размышлениям на лоне прекрасной природы. Образ Екатерины II, созданный Боровиковским, взял за основу А. С. Пушкин, работая над повестью «Капитанская дочка». За этот портрет художник был признан «назначенным» в академики, а уже через год был удостоен звания академика. С наибольшей полнотой идеал чистой, поэтически возвышенной души, способной на глубокие чувства и переживания, был воплощён художником в «Портрете М. И. Лопухиной» (1797). Мягкая и нежная грусть, томная меланхолия пронизывают всю художественную ткань произведения.

В. Л. Боровиковский. «Портрет М. И. Лопухиной». 1797 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва


На рубеже 18–19 вв. меняется изобразительный язык художника: в произведениях начинают преобладать черты ампира («Портрет писательницы Ж. де Сталь, 1812). В „Портрете князя А. Б. Куракина“ (1801—02) гармония крупных цветовых пятен сменяет тонкость нюансировки нежных холодноватых оттенков в портретах 1790-х гг., чёткий рисунок приходит на смену чуть размытым, тающим контурам. Мастер увлечённо передаёт разнообразие фактуры драгоценных материалов: жёсткой золотой парчи, мягких переливов бархата, холодного гладкого мрамора, яркого блеска украшений и орденов. Куракин – вице канцлер, кавалер всех российских орденов, друг детства императора Павла I – изображён в величественной, торжественной позе, как подобает герою парадного портрета.

В. Л. Боровиковский. «Портрет князя А. Б. Куракина». 1801—02 гг. Государственная Третьяковская галерея. Москва


На протяжении всей своей жизни Боровиковский, как и др. мастера 18 в., обращался к религиозной живописи (образа для Борисоглебского собора в Торжке, 1790—92; Иосифского собора в Могилёве, 1793—94; Казанского собора в Санкт-Петербурге, 1800-е гг.). В последние годы основал частную художественную школу у себя дома в Санкт-Петербурге. Учениками художника были А. Г. Венецианов и И. В. Бугаевский-Благодарный – автор прижизненных портретов Боровиковского.


БОСХ (bosch) Хиеронимус (настоящее имя Хиеронимус ван Акен) (ок. 1450—60, Хертогенбос – 1516, там же), великий нидерландский живописец, один из основоположников пейзажной и жанровой живописи. В качестве псевдонима выбрал усечённое название родного города – Хертогенбоса (область Брабант, юг Нидерландов), где прожил всю жизнь. Наследие Босха, творившего на переломе от Средневековья к эпохе Северного Возрождения, загадочно и оригинально. Народные сатирические и нравоучительные мотивы причудливо сочетаются в его картинах с философской притчей, изощрённой средневековой фантастикой и мрачными демоническими образами. Босх щедро черпает своих героев из пословиц, поговорок, притч, площадного театра, поэтому символика его картин, понятная людям 15–16 вв., недоступна для современного зрителя. Учёные безуспешно ищут ключ к разгадке его произведений. В Босхе видят то алхимика, то члена тайной еретической секты, то гениального мыслителя, искавшего вдохновение в трудах мистиков более раннего времени, то объясняют его причудливые образы влиянием галлюциногенов.

Х. Босх. «Корабль дураков». 1475—80 гг. Лувр. Париж


Сведений о жизни Босха сохранилось крайне мало. Он принадлежал к роду потомственных художников; живописи обучался с раннего детства в семье, затем продолжил образование в Харлеме и Делфте. В 1480 г., приобретя необходимые навыки, возвратился в Хертогенбос, через год женился на богатой и знатной горожанке А. Г. ван дер Мервей. Брак обеспечил художнику положение в обществе, материальное благополучие и, как следствие, свободу творчества. В архивных документах сохранились упоминания о работе Босха по заказам герцогов Бургундских, об участии в украшении городского собора Св. Иоанна. Он состоял членом религиозного «Братства Богоматери», объединявшего элиту местного общества. Современники и церковь высоко ценили его творчество. Многие из картин, включая «Сад земных наслаждений», были приобретены для королевского собрания в Испании. В 16 в. инквизиция попыталась объявить их еретическими, но обвинения были опровергнуты.

Х. Босх. «Блудный сын». 1500 (е гг. Музей Бойманса – ван Бёнингена. Роттердам


Сохранилось немного произведений Босха; из них лишь семь подписаны и ни одно не датировано художником; годы создания его картин определяют предположительно, исходя из периодизации творчества: ранний (1475—80), средний (1480–1510) и поздний периоды (1510—16). Ранние произведения («Извлечение камня глупости», «Фокусник», «Корабль дураков») – жанрово-аллегорические сценки нравоучительного содержания, с любовно выписанными деталями и гладкой «эмалевой» поверхностью. Композиция «Семь смертных грехов» написана на круглой, как Всевидящее око Бога, столешнице; людские грехи представлены в виде жанровых сценок. В центре – фигура Христа и надпись: «Берегись, берегись, Бог видит».

Х. Босх. «Воз сена». Центральная часть триптиха. 1480–1510. Прадо. Мадрид


В «средний» период созданы наиболее знаменитые большие триптихи, украшавшие алтари церквей. В пространстве многих босховских картин отсутствует перспектива, но даже там, где она есть, художник смотрит на изображаемый мир сверху, как мудрый наблюдатель. Триптих «Воз сена» – первое произведение нидерландской живописи на сюжет народной поговорки: «Мир – воз сена, каждый тащит с него, сколько может». На левой створке Рай, на правой – Ад, в центре многолюдная процессия во главе с императором и Папой Римским сопровождает повозку с сеном, которую ужасные монстры влекут прямо в ад. Люди в ожесточении дерутся и убивают друг друга за клочок сена; Христос в облаках в отчаянии воздевает руки, созерцая погрязшее во зле человечество. Босх создаёт горькую аллегорию жизни, тщеты земных стремлений как следствие проклятия рода человеческого, которое представлено в левой створке алтаря: искушение Змием и изгнание из Рая Адама и Евы. Художник неоднократно обращался к темам «Се Человек» (Христос перед Пилатом), «Венчание Христа терновым венцом», «Несение креста»: мучители со сладострастной жадностью наблюдают за страданиями Спасителя. Искажённые злобой людские лица в картинах Босха гораздо страшнее, чем морды адских тварей. Ещё один любимый сюжет – святые, искушаемые дьявольскими силами. В триптихе «Искушение св. Антония» (Лиссабон) призрачный зловещий свет молний озаряет скопище отвратительных тварей, обступающих погружённого в молитву святого. Победа добра и святости над злом представляется хрупкой и неокончательной. В знаменитом триптихе «Сад земных наслаждений» в центре представлен мир, где царят хаос и сладострастие, уводящие людей от пути спасения. Хрупкие, беззащитно-нагие человеческие фигурки оказываются во власти насекомых-монстров, хищных ягод, цветов и камней. Образы картины обладают убедительностью кошмарного сна. Не случайно сюрреалисты, считавшие Босха своим предтечей, нарекли художника «почётным профессором кошмаров», считая, что он «представил картину всех страхов своего времени… воплотил бредовое мировоззрение конца Средневековья, исполненное волшебства и чертовщины».

Триптихи позднего периода [ «Эпифания» (Богоявление) и «Искушение св. Антония», Прадо] отмечены чувством большего умиротворения. Новаторство искусства Босха, яркость народных типов, поражающие жизненной свежестью бытовые мотивы его картин подготовили почву для формирования нидерландской жанровой живописи; тающие, полные тонких красочных созвучий пейзажные фоны заложили основу для тональной живописи «малых голландцев». Его творчество проложило путь реалистическим поискам и в то же время оказалось востребовано в 20 в. мастерами, открывшими «поэтику абсурда» (от авангарда до постмодернизма).


БОТТИЧÉЛЛИ (botticelli) Сандро (настоящее имя Алессандро ди Мариано Филипепи) (1445, Флоренция – 1510, там же), итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения. Родился в семье кожевника; в юности обучался ювелирному искусству. Ок. 1464 г. поступил в мастерскую Фра Ф. Липпи. Испытал влияние творческой манеры учителя, сочетавшей трёхмерность передачи объёмов на плоскости с позднеготической декоративностью линейных ритмов, а также братьев А. и П. Поллайоло. Совместно с Пьеро дель Поллайоло работал над аллегориями Добродетелей для зала Торгового суда во Флоренции («Аллегория Силы», 1470). В 1467—68 гг. посещал – одновременно с молодым Леонардо да Винчи – мастерскую А. Верроккьо, где царила атмосфера творческого поиска. В 1470 г. открыл собственную мастерскую (одним из его учеников был сын Фра Ф. Липпи, Филиппино). В 1472 г. вступил в гильдию Св. Луки.

С. Боттичелли. «Весна». 1478 г. Галерея Уффици. Флоренция


Боттичелли называли певцом идеальной красоты. В «Св. Себастьяне» (1473) он облегчает и удлиняет пропорции фигуры мученика; лишь лазурь неба служит ему фоном. Художник не превозносит пронзённого стрелами героя, а лишь грустит о поруганной красоте. В композицию «Поклонение волхвов» (ок. 1475 г.) Боттичелли включил скрытые портреты Медичи – фактических правителей Флоренции, что позволило ему сблизиться с просвещённым двором этого могущественного семейства. Здесь сложился его неповторимый стиль, основанный на ритмической игре беспокойных, словно «взвихрённых» линий, передающих состояние эмоциональной взволнованности, тревоги, бурных порывов. Лёгкие, почти бесплотные фигуры в развевающихся на ветру одеждах изгибаются, подобно струям воды или языкам пламени. Самые знаменитые картины – «Весна» («Примавера»; 1478) и «Рождение Венеры» (ок. 1483—84 г.) – были заказаны Пьерфранческо Медичи для его виллы в Кастелло. Художник наделяет «Весну» сложным символическим подтекстом; в ней видят отголоски идей Платона в переложении флорентинского философа 15 в. Марсилио Фичино, стремившегося привести идеи античности в согласие с христианским учением, а также образов поэта-гуманиста А. Полициано. Изображены (слева направо): Меркурий, три Грации, Венера, богиня весны Флора и нимфа, которую преследует бог западного ветра Зефир. Венера в центре композиции (над ней порхает Амур с завязанными глазами) являет гуманистический идеал духовной любви, проявления которой олицетворяют три Грации. Меркурий рассеивает жезлом-кадуцеем облака. Образ Венеры ассоциируется также с Мадонной, три ветки над её головой образуют едва заметный нимб, реализуя идею объединения язычестваи христианства. Ветви апельсиновых деревьев сплетаются в арку над её головой. Фигуры, объединённые музыкальным ритмом, образуют изысканный узор, уподобляя картинное изображение яркому ковру. Светлое чувство весеннего обновления сочетается с меланхолической мечтательностью. Замысел «Рождения Венеры» был вдохновлён «Метаморфозами» Овидия и поэзией Полициано. Раковина с родившейся из морской пены Венерой приближается к берегу; ей вслед дуют ветры Эол и Борей; одна из Ор – богинь времён года – вручает ей сотканное из цветов покрывало. Как и в «Весне», обнажённая богиня – символ не земной, а духовной любви. Её хрупкая, удлинённая, бесплотная фигура полна невыразимого очарования. Возможно, картина была посвящена любви Джулиано ди Пьетро Медичи к Симонетте Веспуччи, жившей в Портовенере – городе у моря, где, согласно местной легенде, родилась богиня. Вместе с тем в картине заключена христианская идея рождения души из воды во время таинства крещения.

С. Боттичелли. «Рождение Венеры». Ок. 1483—84 г. Галерея Уффици. Флоренция


В 1480 г. Боттичелли участвовал (совместно с Д. Гирландайо, П. Перуджино и др.) в украшении фресками капеллы Ватикана, только что возведённой по приказу папы Сикста IV и потому получившей название Сикстинской. В 1490-е гг. стал последователем доминиканского монаха Савонаролы, страстно призывавшего отказаться от «роскоши»; уничтожил свои произведения на античные и светские сюжеты. После смерти Лоренцо Медичи (1493) и казни Савонаролы (1498) оказался в одиночестве и забвении. Поздние произведения («Покинутая», «Аллегория клеветы», «Рождество», «Распятие», «Сцены из жизни св. Зиновия») отличает беспокойный ритм мечущихся в отчаянии фигур, пронзительность колористического решения. Они полны трагических предчувствий и пророческих откровений.

С. Боттичелли. «Портрет молодого человека с медалью». 1474—75 гг. Галерея Уффици. Флоренция


Исключительно своеобразное искусство Боттичелли не нашло прямого продолжения в эпоху Возрождения. Много веков спустя, оно оказалось вновь востребованным мастерами романтизма и прерафаэлитами.


БОЧЧÓНИ У., см. в ст. Футуризм.


БРАК Ж., см. в ст. Кубизм.


БРАМÁНТЕ (bramante) Донато (настоящее имя Паскуччо д’Антонио) (1444, Ферминьяно, близ Урбино – 1514, Рим), итальянский архитектор эпохи Высокого Возрождения. Первоначально обучался живописи, работал художником-декоратором; испытал влияние Пьеро делла Франческа, А. Мантеньи и М. да Форли. Обратившись к архитектуре, использовал в проектировании зданий свой талант живописца и мастера перспективы. В перестроенной им церкви Санта-Мария прессо Сан-Сатиро в Милане (1479—83) реальное пространство главного нефа и трансепта, перекрытых мощными цилиндрическими сводами и куполом, перетекало в иллюзорное пространство хора, изображённое с помощью перспективной росписи и стуккового (из искусственного мрамора) рельефа. По словам Дж. Вазари, стремился к созданию здания как единого организма, «сделанного не из камня, а как бы явленного самой природой» (хор церкви Санта-Мария делла Грацие, Милан, 1492—97).

Д. Браманте. Темпьетто во дворе церкви Сан-Пьетро ин Монторио в Риме. 1502 г.


В 1499 г., оставив Милан, захваченный французами, поселился в Риме, где изучал античные памятники; под их влиянием сформировался поздний стиль Браманте. Принимал участие в реализации архитектурных проектов, осуществлённых в Риме при папах Александре VI и Юлии II, которые стали его покровителями. В 1502 г. создал капеллу-ротонду – т. н. Темпьетто во дворе церкви Сан-Пьетро ин Монторио. Построенная на том месте, где, по преданию, был распят апостол Пётр, капелла играла роль исторического мемориала и в то же время символизировала христианскую церковь, основанную Петром. Для воплощения этих идей Браманте создал, используя теорию Витрувия и опыт изучения древнеримских зданий, классический центрический храм. Постройкой Темпьетто он стремился установить образец для будущей исторической реконструкции Рима, призванной воплотить, по его представлению, синтез древней истории и христианского учения. Впервые высказал идею о необходимости единообразия в римском градостроительстве. Метод, применённый Браманте при проектировании Темпьетто, состоял в построении композиции здания на основе какого-либо одного модуля. В данном случае модулем послужил круглый срез колонны, форма которого переносится на круговой периптер, окружённый дорической колоннадой, на балюстраду, обходящую купол. Человек, оказавшийся в этом идеальном месте, должен был ощутить себя в центре Вселенной.

Д. Браманте. Античный воин. Ок. 1477 г. Пинакотека Брера. Милан


Темпьетто послужил прообразом нового собора Св. Петра в Риме. Архитектор не завершил эту постройку; в процессе строительства план собора неоднократно менялся, однако в основе окончательного варианта, созданного Микеланджело, лежал проект центрического здания, предложенный Браманте. План собора, задуманного архитектором, представлял собой вписанный в квадрат греческий (равноконечный) крест с апсидами на концах, четырьмя квадратными капеллами и куполом. Совершенное равновесие архитектурных форм собора должно было стать образным воплощением гармонии Вселенной. В Риме Браманте создал также двор Бельведера в комплексе Ватиканского дворца (1503—45), фасад палаццо Канчеллерия (1499–1511) и собственный дом, впоследствии перешедший к Рафаэлю. Творчество Браманте – одна из вершин ренессансной архитектуры.


БРÉЙГЕЛЬ (brueghel) Старший, или «Мужицкий», Питер [между 1525 и 1530 гг., Бреда (по др. сведениям, деревня Брейгель) – 1569, Брюссель], великий нидерландский живописец и рисовальщик, родоначальник национального пейзажа и жанровой живописи. Жил и работал в Антверпене, с 1563 г. – в Брюсселе. Учился у живописца П. Кука ван Альста, на дочери которого позднее женился. В 1551 г. был принят в члены Антверпенской гильдии Св. Луки. В 1552—53 гг. совершил путешествие в Италию. В Риме создана самая ранняя из подписанных картин – «Пейзаж с Христом и апостолами на Тивериадском озере». С 1555 г. сотрудничал с антверпенским издателем И. Коком, в мастерской которого выпускались серии гравюр по рисункам художника и его великого предшественника Х. Босха. Влияние Босха ощутимо в некоторых картинах Брейгеля, где словно оживают апокалиптические видения Средневековья («Безумная Грета», «Падение ангелов», «Триумф смерти»; все – ок. 1562 г.). Как и Босх, художник черпал многие темы и образы из народного фольклора («Битва Масленицы и Поста», 1559; «Страна лентяев», 1567).

П. Брейгель Старший. «Падение Икара». 1555—58 гг. Королевский музей изящных искусств Бельгии. Брюссель


Сильнейшим впечатлением для Брейгеля стало путешествие через Альпы на пути домой из Италии. Зрелище бескрайнего мира, открывшееся ему, жителю низинных земель, с горных вершин, отныне присутствует почти во всех картинах. Изображённые в них события увидены с высоты птичьего полёта, линия горизонта чуть заметно круглится. Зритель видит не замкнутый уголок пейзажа, а широкую панораму планеты («Падение Икара», 1555—58). Панорамность видения соединяется с пристальным вниманием к деталям – драгоценным для художника частицам жизни. На природу и человека Брейгель смотрит глазами мудрого философа; истинно великими в его полотнах предстают труд на земле, жизнь в согласии с законами природы. Погоню за удовольствиями, тщеславие и суету он изображает как безумный, «перевёрнутый» мир людской глупости и слепоты («Игры детей», 1560; «Нидерландские пословицы», 1559). Размышления о смысле бытия человека и человечества воплотились в картинах-притчах («Вавилонская башня», ок. 1563 г.; «Две обезьяны», 1562; «Ловушка для птиц», 1565; «Слепые», 1568). Сюжет последней основан на притче, рассказанной Иисусом Христом своим ученикам: «Если слепой ведёт слепого, не упадут ли оба в яму?» Образ шести калек, вслепую бредущих по жизни за столь же незрячим поводырём, жутко реален, как кошмарный сон. Своим творчеством Брейгель стремился исцелить прежде всего не физическую, а духовную слепоту человечества, пробудить в нём разум, открыть красоту и величие мира.

П. Брейгель Старший. «Охотники на снегу». 1565 г. Художественно-исторический музей. Вена


Картины Брейгеля были высоко оценены современниками. Покровителями художника и заказчиками его произведений были фактический правитель Нидерландов кардинал А. П. да Гранвела, купец и коллекционер Николас Йонгелинк, нидерландский учёный-гуманист Абрахам Ортелиус. Для Йонгелинка был создан в 1565 г. знаменитый цикл «Времена года» (или «Месяцы»). Впоследствии купец был вынужден продать картины, и часть из них исчезла. Сохранилось пять произведений: «Охотники на снегу», «Хмурое утро», «Жатва», «Возвращение стада», «Сенокос». Пытаясь восстановить замысел художника, некоторые историки искусства считают, что картин было четыре и они изображали времена года, а «Сенокос» написан иным мастером. Другие предполагают, что картин было шесть и каждая представляла по два месяца; третьи – что цикл состоял из 12 месяцев. В самой известной работе «Охотники на снегу» усталые крестьяне с охотничьими собаками спускаются с холма к родной деревне. Рядом, у входа в трактир, горит костёр, и люди греются у огня. Островок тепла и уюта контрастирует с ослепительно сверкающим снегом, холодной синью неба и застывшего льда. В хрустально-прозрачном воздухе до самого горизонта, замкнутого цепью гор, видны следы жизни: заснеженные крыши домов, фигурки людей, катающихся по льду и идущих по дороге. Линии холмов и равнин плавно перетекают из одной картины цикла в другую. Помещённые на стенах квадратного зала, они сливались в замкнутую панораму, и зритель ощущал себя в центре круговращения Вселенной, в которой смена месяцев и времён года лишь подчёркивает неизменность вечных законов мироздания.

П. Брейгель Старший. «Нидерландские пословицы». 1559 г. Государственные музеи. Берлин


В циклах картин на темы крестьянской жизни («Крестьянская свадьба», 1568; «Крестьянский танец», варианты 1566 и 1568 гг.) крестьяне предстают детьми природы, сильными своей стихийной мощью, связью с землёй. В их облике подчёркнуто не индивидуальное, а типичное, взгляды скрыты низко надвинутыми шляпами и платками. Суровые будни Нидерландов под игом испанцев воплотились в картинах, где в образах библейских персонажей представлены жестокие завоеватели и беззащитные деревенские жители («Избиение младенцев», ок. 1566 г.). В «Несении креста» (1564), «Поклонении волхвов» (1567), «Обращении Савла» (1560-е гг.) главные герои с трудом различимы среди толп людей. Художник подчёркивает незаметность происходящего чуда в повседневном течении жизни, тем самым обостряя переживание события зрителем. В «Несении креста» фигура падающего под тяжестью ноши Иисуса, затерянная в глумящейся над ним толпе, является для художника подлинным центром и смыслом человеческой истории.

Страницы книги >> Предыдущая | 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 | Следующая

Правообладателям!

Это произведение, предположительно, находится в статусе 'public domain'. Если это не так и размещение материала нарушает чьи-либо права, то сообщите нам об этом.


  • 0 Оценок: 0
Популярные книги за неделю

Рекомендации