Текст книги "Мастера натюрморта"

Побывавший в 1883 году на выставке в Париже В. И. Суриков восторгался пейзажами, натюрмортами и картинами с изображением цветов. Он писал: «Хороши рыбы Гиберта. Рыбья склизь передана мастерски, колоритно, тон в тон замешивал». Есть в его письме к П. М. Третьякову и такие слова: «А рыбы Жильберта – чудо что такое. Ну совсем в руки взять можно, до обмана написано».

И Поленов, и Суриков могли бы стать прекрасными мастерами натюрморта, о чем свидетельствуют виртуозно написанные предметы в их композициях («Больная» Поленова, «Меншиков в Березове» Сурикова).

Большая часть натюрмортов, созданных известными русскими художниками в 1870–1880-х годах, представляет собой произведения этюдного характера, показывающие стремление авторов передать особенности вещей. Некоторые подобные работы изображают необычные, редкие предметы (например, этюд с натюрмортом для картины И. Е. Репина «Запорожцы пишут письмо турецкому султану», 1891). Самостоятельного значения такие произведения не имели.

Интересны натюрморты А. Д. Литовченко, выполненные как подготовительные этюды к большому полотну «Иван Грозный показывает свои сокровища послу Горсею» (1875, Русский музей, Санкт-Петербург). Художник показал роскошные ткани из парчи, оружие, инкрустированное драгоценными камнями, золотые и серебряные изделия, хранящиеся в царских сокровищницах.

Более редкими в то время были этюдные натюрморты, представляющие обычные бытовые предметы. Такие произведения создавались с целью изучения строения вещей, а также являли собой результат упражнения в живописной технике.

В. Д. Поленов. «Больная», 1886, Третьяковская галерея, Москва

Важную роль натюрморт играл не только в жанровой, но и в портретной живописи. Например, в картине И. Н. Крамского «Некрасов в период „Последних песен“» (1877–1878, Третьяковская галерея, Москва) предметы выполняют функцию аксессуаров. С. Н. Гольдштейн, занимавшийся исследованием творчества Крамского, пишет: «В поисках общей композиции произведения он стремится к тому, чтобы воссоздаваемый им интерьер, несмотря на его собственно бытовой характер, способствовал прежде всего осознанию духовного облика поэта, неувядаемого значения его поэзии. И действительно, отдельные аксессуары этого интерьера – тома «Современника», беспорядочно уложенные на столике у постели больного, лист бумаги и карандаш в его ослабевших руках, бюст Белинского, висящий на стене портрет Добролюбова – приобрели в этом произведении значение отнюдь не внешних признаков ситуации, но реликвий, тесно связанных с образом человека».

Среди немногочисленных натюрмортов передвижников главное место занимают «букеты». Интересен «Букет» В. Д. Поленова (1880, Музей-усадьба Абрамцево), по манере исполнения немного напоминающий натюрморты И. Е. Репина. Непритязательный по своему мотиву (мелкие полевые цветы в простой стеклянной вазе), он тем не менее восхищает своей свободной живописью. Во второй половине 1880-х годов похожие букеты появятся в живописи И. И. Левитана.

По-иному демонстрирует зрителю цветы И. Н. Крамской. Многие исследователи полагают, что две картины – «Букет цветов. Флоксы» (1884, Третьяковская галерея, Москва) и «Розы» (1884, собрание Р. К. Викторовой, Москва) – были созданы мастером во время работы над полотном «Неутешное горе».

Два «букета» Крамской продемонстрировал на XII Передвижной выставке. Эффектные, яркие композиции, изображающие садовые цветы на темном фоне, нашли покупателей еще до открытия выставки. Обладателями этих произведений стали барон Г. О. Гинцбург и императрица.

На IX Передвижной выставке 1881–1882 годов внимание публики привлекла картина К. Е. Маковского, названая в каталоге «Nature morte» (теперь она находится в Третьяковской галерее под названием «В мастерской художника»).

На большом полотне изображены лежащая на ковре огромная собака и ребенок, тянущийся из кресла к фруктам на столе. Но эти фигуры – всего лишь детали, нужные автору для того, чтобы оживить натюрморт – множество роскошных вещей в мастерской художника. Написанная в традициях фламандского искусства, картина Маковского тем не менее не трогает душу зрителя. Художник, увлекшийся передачей красоты дорогих вещей, не сумел показать их индивидуальность и создал произведение, главная цель которого – демонстрация богатства и роскоши.

Все предметы на картине словно собраны для того, чтобы поразить зрителя своим великолепием. На столе лежит традиционный для натюрморта набор фруктов – крупные яблоки, груши и виноград на большом красивом блюде. Здесь же большая серебряная кружка, украшенная орнаментом. Рядом стоит бело-синий фаянсовый сосуд, возле которого располагается богато украшенное старинное оружие. О том, что это мастерская художника, напоминают кисти, помещенные в широкий кувшин на полу. У золоченого кресла – шпага в роскошных ножнах. Пол устилает ковер с ярким орнаментом. Украшением служат и дорогие ткани – парча, отороченная густым мехом, и бархат, из которого сшит занавес. Колорит полотна выдержан в насыщенных оттенках с преобладанием алого, голубого, золотистого.

Из всего вышесказанного ясно, что во второй половине XIX столетия натюрморт не играл существенной роли в русской живописи. Он был распространен лишь как этюд к картине или учебная штудия. Многие художники, исполнявшие натюрморты в рамках академической программы, в самостоятельном творчестве больше к этому жанру не возвращались. Натюрморты писали в основном непрофессионалы, создававшие акварели с цветами, ягодами, фруктами, грибами. Крупные мастера не считали натюрморт достойным внимания и использовали предметы только для того, чтобы убедительно показать обстановку и украсить изображение.

Первые зачатки нового натюрморта можно обнаружить в живописи художников, работавших на рубеже XIX–XX столетий: И. И. Левитана, И. Э. Грабаря, В. Э. Борисова-Мусатова, М. Ф. Ларионова, К. А. Коровина. Именно в то время в русском искусстве натюрморт появился как самостоятельный жанр. Но это был весьма своеобразный натюрморт, понимаемый художниками, работавшими в импрессионистической манере, не как обычная замкнутая предметная композиция. Мастера изображали детали натюрморта в пейзаже или интерьере, и им была важна не столько жизнь вещей, сколько само пространство, световая дымка, растворяющая очертания предметов. Большой интерес представляют также графические натюрморты М. А. Врубеля, отличающиеся неповторимой самобытностью.

В начале XX века большую роль в развитии русского натюрморта сыграли такие художники, как А. Я. Головин, С. Ю. Судейкин, А. Ф. Гауш, Б. И. Анисфельд, И. С. Школьник. Новое слово в этом жанре сказал и Н. Н. Сапунов, создавший целый ряд картин-панно с букетами цветов.

В 1900-х годах к натюрморту обратилось множество художников самых разных направлений. Среди них были т. н. московские сезаннисты, символисты (П. В. Кузнецов, К. С. Петров-Водкин) и др. Важное место предметные композиции занимали в творчестве таких известных мастеров, как М. Ф. Ларионов, Н. С. Гончарова, А. В. Лентулов, Р. Р. Фальк, П. П. Кончаловский, А. В. Шевченко, Д. П. Штеренберг, сделавшие натюрморт полноправным среди других жанров в русской живописи XX века.

Натюрморт в европейской живописи XVI–XVIII веков

Питер Артсен
(ок. 1508–1575)

Питера Артсена совершенно справедливо называют родоначальником натюрморта в нидерландской живописи. Именно его религиозные и бытовые композиции, в которых предметы окружения выполняют особую функцию, положили начало новому для европейского искусства жанру. В картинах Артсена, изображающих мясные и рыбные лавки, внимание направлено не на человеческие фигуры, а на размещенные на первом плане предметы домашнего обихода и снедь.

Нидерландский живописец Питер Артсен родился в Амстердаме. Его учителем был амстердамский художник А. Клас. С 1527 по 1555 год Артсен жил и работал в Антверпене, где получил звание мастера, а в 1557 году он обосновался в Амстердаме.

Главные герои полотен Артсена – простые торговцы, крестьяне, кухарки и слуги, изображенные в окружении домашнего интерьера и предметов обихода. Натюрморт в этих композициях играет весьма значительную роль. Вещи у Артсена не только повествуют о занятиях изображенных людей, но и имеют и самостоятельное значение («Мясная лавка», 1551, Художественное собрание университета Упсала, Швеция; «Натюрморт», 1552, Музей истории искусства, Вена).

П. Артсен. «Натюрморт», 1552, Музей истории искусства, Вена

Особенно интересны картины Артсена, на которых художник представляет одну или две крупномасштабные человеческие фигуры («Крестьяне на рынке», 1550-е, Музей истории искусства, Вена; «Кухарка», 1559, Королевский музей изящных искусств, Брюссель; «Торговец дичью», Эрмитаж, Санкт-Петербург). Изображенные в несколько театральных позах, они в первую очередь привлекают внимание зрителя. От персонажей его взгляд переходит к натюрморту. Иногда на полотнах Артсена предметы быта, битая птица, овощи и фрукты настолько приближены к первому плану, что заслоняют собой маленькие фигурки участников религиозных сцен, разворачивающихся в глубине пространства. Таковы картины «Кухня со сценой бегства в Египет» (1551, Художественное собрание университета, Упсала), «Натюрморт со сценой Христа в доме Марфы и Марии» (1552, Музей истории искусства, Вена), «Христос в доме Марфы и Марии» (1559, Музей старинного искусства, Брюссель), где предметы, составляющие натюрморт, обладают символико-нравоучительным подтекстом.

Многие картины Артсена, в которых традиции старого нидерландского искусства сочетаются с элементами итальянского маньеризма (несоответствие пропорций и укрупненность человеческих фигур, предельная эмоциональная выразительность жестов и поз), свидетельствуют об интересе художника к живописи Италии.

Бытовые композиции и натюрморты Артсена оказали огромное влияние на дальнейшее развитие этих жанров не только в нидерландском, но и в европейском искусстве XVI–XVII столетий.

Бальтазар ван дер Аст
(1593/1594-1657)

Вместе с Амброзиусом Босхартом Бальтазар ван дер Аст стал одним из основоположников совершенно новых для своего времени картин с изображением цветов, фруктов, причудливых раковин, бабочек и других насекомых. Яркие, нарядные полотна Аста, заполненные красивыми предметами, пользовались большим успехом у голландской публики.

Голландский живописец Бальтазар ван дер Аст родился в Мидделбурге. В пятнадцатилетнем возрасте он потерял родителей, и его воспитанием занялся родственник, художник Амброзиус Босхарт, ставший для юноши учителем живописи.

Одна из наиболее значительных работ Аста – картина «Натюрморт с фруктами» (конец 1620-х, Эрмитаж, Санкт-Петербург), написанная в период его творческого расцвета. Художник помещает на первый план композиции разнообразные фрукты и цветы, словно стараясь приблизить зрителя к этому великолепию, рожденному природой. Здесь гроздья винограда, спелые яблоки и груши, абрикосы, сливы, смородина. Слева в изящной маленькой вазе стоят цветы, среди которых крупные розы, тюльпаны, гвоздики, маленькие анютины глазки и ландыши.

Вокруг плодов и цветов все живет и двигается. Летают бабочки и стрекозы, скачут кузнечики. Два больших попугая примостились на перевернутой корзине. Аст не пренебрегает даже самой мелкой деталью картины. И цветы, и фрукты, и насекомых он пишет одинаково тщательно и добросовестно. Маленькая мушка, сидящая на одном из яблок, кажется настолько натуральной, что у зрителя возникает желание согнать ее. Необычный вид картине придают раковины, разнообразные по форме и окраске. Локальные цвета делают изображение яркими, радостным.

Б. ван дер Аст. «Натюрморт с фруктами». Фрагмент, конец 1620-х, Эрмитаж, Санкт-Петербург

В «Натюрморте с фруктами» отсутствует глубина. Художник старается заполнить как можно большее пространство первого плана, как будто желая показать еще несколько красивых бабочек.

Необычные раковины и экзотические птицы не раз появляются в натюрмортах Аста. Кисти этого художника принадлежит картина «Попугай на раковине» (Эрмитаж, Санкт-Петербург), авторство которой исследователи долгое время не могли определить.

Б. ван дер Аст. «Попугай на раковине», Эрмитаж, Санкт-Петербург

Разработанная в ранний период творчества первоплановая композиция использовалась Астом на протяжении всей его жизни, о чем свидетельствует полотно «Тарелка с плодами и раковины» (1630, Эрмитаж, Санкт-Петербург), написанное уже зрелым художником. В этом натюрморте мастер также не распространяет изображение вглубь, показывая на первом плане разложенные, словно на выставке, разнообразные раковины, между которыми бегает юркая ящерка. На краю стола сидит бабочка, словно прилетевшая полюбоваться великолепным зрелищем. За рядом раковин стоит фаянсовая тарелка с бело-голубым орнаментом, заполненная виноградом, яблоками, персиками, абрикосами. Здесь же и обычный персонаж картин Аста – маленький попугай. От более раннего «Натюрморта с фруктами» картина «Тарелка с плодами и раковины» отличается приглушенным колоритом. Раковины исполнены в желтовато-перламутровых тонах, фрукты – в желто-лиловых. Ярким пятном выделяются лишь красные вишни.

Почти каждую свою значительную картину Аст писал в течение нескольких лет. Сначала он делал общий набросок, а затем постепенно заполнял полотно цветами и фруктами, которые расцветали и созревали в разное время. Для каждой детали было заранее приготовлено определенное место на холсте. Как и многие другие живописцы Голландии, Аст использовал для своих натюрмортов редкие сорта цветов и плодов, выращиваемых в садах этой страны. Поэтому на картинах голландских мастеров почти невозможно увидеть простые полевые цветы. Особой популярностью в среде художников пользовались экзотические раковины, привезенные из дальних краев, и тюльпаны.

Питер Клас
(ок. 1597–1661)

В натюрмортах Питера Класа ощущается восхищение красотой материального мира. Художник тщательно изучал натуру, стремясь проникнуть в ее сущность. И в то же время многие предметы на его полотнах (раковина, горящая свеча в подсвечнике, лежащий на столе цветок, остановившиеся часы) приобретают значение символов, главный смысл которых – бренность человеческого существования на Земле.

Голландский живописец Питер Клас родился в Бургштейне (Вестфалия). Его учителем был Флорис ван Дейк. С 1617 года художник жил и работал в Харлеме.

С появлением на художественной арене Голландии Питера Класа в искусство пришла новая разновидность натюрморта – «завтраки», отличающиеся особым подбором предметов и своеобразной их трактовкой. «Завтракам» не свойственна роскошь и великолепие, нет в них обилия снеди, и тем не менее этот тип натюрморта оказался в Голландии XVII столетия необыкновенно популярным. Обычные детали таких композиций – окорок, молочник со сливками, булочка на блестящем металлическом блюде, полуочищенный лимон с закручивающейся кожурой. Все предметы располагаются на столе, покрытом белой скатертью. Важным дополнением к этим наборам являются стеклянные бокалы с вином. Световые блики, играющие на поверхности стекла, делают картины осязаемо реальными.

Уже в раннем творчестве Класа проявился его необыкновенный талант живописца. С большим вкусом художник выбирает предметы для своих произведений. Очень удачно и расположение всех деталей каждой картины. Таково полотно «Трубки и жаровня» (1636, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Его композиция очень проста и лаконична. Автор показывает зрителю всего лишь несколько предметов (пучок соломы, трубки, жаровню с углями, кувшин и бокал с вином), но делает он это просто виртуозно.

П. Клас. «Трубки и жаровня», 1636, Эрмитаж, Санкт-Петербург

П. Клас. «Завтрак с ветчиной», 1647, Эрмитаж, Санкт-Петербург

Очень хорош негромкий колорит «Трубки и жаровни», выдержанный в оттенках серого. Тонкие цветовые и светотеневые переходы заставляют сверкать даже угли в жаровне.

Чаще всего Клас выстраивает композицию своих натюрмортов на овальных формах предметов. Округлые контуры блюд, бокалов и сосудов пересекаются, и их плавный ритм придает изображению гармонию и целостность. Такова картина «Завтрак» (1644, Эрмитаж, Санкт-Петербург), где центр смещен вправо, к большому бокалу, на прозрачных стенках которого играют яркие блики.

Клас не только умело использует цвет и свет, но и точно распределяет объемы и линии. Предметы, объединенные общей тональностью, оживленные искрящимся светом, составляют единое целое («Завтрак», 1642, ГМИИ, Москва; «Натюрморт», 1643, Институт искусств, Миннеаполис; «Завтрак», 1647, Маурицхёйс, Гаага; «Натюрморт», 1647, Музей изобразительных искусств, Будапешт; «Натюрморт с сосудами для питья», 1649, Национальная галерея, Лондон).

П. Клас. «Опрокинутый кувшин и другие предметы на скатерти», Эрмитаж, Санкт-Петербург

Замечательное колористическое мастерство Класа проявилось в картине «Завтрак с ветчиной» (1647, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Натюрморт исполнен в желтоватых оттенках, но взгляд зрителя притягивает золотистая корка булочки на металлической тарелке и розовая ветчина, лежащая на блюде в центре стола. Изображение оживляют световые блики на прозрачных стенках стеклянного бокала с вином и сверкающие оловянные тарелки.

Со временем натюрморты Класа становятся все более совершенными в плане живописи и свободными по композиционному строю. Особенно интересна картина «Опрокинутый кувшин и другие предметы на скатерти» (Эрмитаж, Санкт-Петербург). Пустой опрокинутый кувшин является основой композиции, выстроенной по диагонали.

П. Клас. «Завтрак с рыбой», 1653, Эрмитаж, Санкт-Петербург

В 1653 году был написан «Завтрак с рыбой» (Эрмитаж, Санкт-Петербург), отличающийся от других картин Класа своим вытянутым по вертикали форматом. Впечатление уходящего вверх пространства подчеркивает расположенный в центре полотна высокий стеклянный фужер.

В этом произведении художник проявил себя настоящим мастером тональной живописи.

Удачно сгруппировав на столе предметы, Клас показал живой блеск металлической посуды, сверкание стекла. Особую выразительность натюрморту придает красный тональный акцент в центре композиции – вино, налитое в узкий бокал.

Виллем Клас Хеда
(1594–1680/1682)

В начале своего творческого пути Виллем Клас Хеда писал композиции на религиозные сюжеты, а также портреты. Позднее он увлекся натюрмортами и достиг в этой области такого совершенства, что современники и потомки высоко оценили его творчество. В Харлеме Хеда имел собственную мастерскую, в которой работали многочисленные ученики живописца.

Голландский живописец Виллем Клас Хеда родился в Харлеме. В этом городе он жил и работал до самой смерти. Творческий метод Хеды складывался под влиянием Питера Класа, поэтому в живописи обоих голландских мастеров много общего. Но в отличие от натюрмортов последнего картины Хеды более свободны по композиции, в них больше воздуха и свободного пространства. Художник умело располагает предметы на столе, помещая их то параллельно поверхности стола, то по диагонали. Большую роль в его картинах играет свет, с помощью которого выявляется материальная сущность вещей. Одна из наиболее ранних работ – «Натюрморт» (1621, собрание Бредиуса, Гаага) – имеет символический смысл. С помощью определенных предметов художник раскрывает тему vanitas (аллегории бренности земного существования). Во многих более поздних произведениях мастер вновь обращается к этому мотиву.

Для своих картин Хеда использует предметы из серебра и золота, красивые перламутровые раковины, изящные сосуды из венецианского стекла. В то же время в целом ряде композиций голландского мастера мы можем видеть ничем не примечательную домашнюю утварь и обычную снедь. Чаще всего Хеда располагает предметы в своих почти монохромных «завтраках» строго по горизонтали.

В. К. Хеда. «Завтрак с омаром», 1648, Эрмитаж, Санкт-Петербург

Живописец применяет нейтральный фон, серебристо-серые и зеленовато-коричневые оттенки («Завтрак», 1629, Маурицхёйс, Гаага; «Завтрак с ежевичным пирогом», 1631, Картинная галерея, Дрезден; «Десерт», 1637, Лувр, Париж). Один из лучших натюрмортов Хеды – «Завтрак с омаром» (1648, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Художник очень точно передает материал, из которого сделан каждый предмет. Виртуозно показаны тонкое стекло высокой рюмки, массивная ножка большого бокала, блеск металлического сосуда и упавшего кубка, теплый цвет лимона, золотистая кожура которого серпантином извивается по столу. Связующую функцию в построении композиции выполняет свет. Переходя с одного предмета на другой, он придает изображению теплоту и свежесть. Обладавший прекрасным художественным чутьем и тонкой наблюдательностью, Хеда мог уловить такие детали, как отблеск на стенке бокала, идущий от оконного проема, или легкое, едва заметное отражение лежащего на столе золотистого кубка на сияющей поверхности серебряного кувшина.

В. К. Хеда. «Завтрак», 1652, Эрмитаж, Санкт-Петербург

Так же хороши и натюрморты «Ветчина и серебряная посуда» (1649, ГМИИ, Москва), «Завтрак с бокалом-наутилусом» (1649, Художественный музей, Шверин), «Завтрак» (1652, Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Натюрморт с ветчиной» (1656, Музей изобразительных искусств, Будапешт). Хеда часто берет для своих картин одни и те же предметы, варьирует схожие мотивы, но разнообразная расстановка и противопоставление вещей делают каждое полотно неповторимым и необыкновенно выразительным. Живописец вносит лирическую струю в будничное и обыденное, и его натюрморты, не теряя своей убедительности и реальности, приобретают поэтическое очарование.