Текст книги "Сам себе декоратор. Секреты мастерства, которые преобразят вашу квартиру"

Глава 1
Азбука стилей

Как формируется авторский почерк

«Узнаваемый почерк», «собственный стиль», «авторский интерьер», «уникальные решения» – эти комплименты известным дизайнерам и стилистам, таким как мировые звезды Жан Луи Денио или Марсель Вандерс, могут ввести новичков в заблуждение. Дескать, главное – найти себя, делать то, что велит внутренний голос, а затем подключить маркетинг, и вуаля! – слава и успех обеспечены.

Увы, тезис о том, что основное в успехе декоратора или стилиста – обрести свой оригинальный стиль, слишком часто звучит в нашу информационную эпоху безо всяких оговорок и понимается превратно. Возникает иллюзия, что раз речь идет об индивидуальности, незачем изучать накопленный другими опыт, погружаться в скучные книги, делать мудборды и наброски по чужим проектам и перелопачивать колоссальные объемы визуального материала. Достаточно беглого ознакомления.

Миф этот изрядно подкрепляется на курсах «быстрого дизайна и декораторства», которые обещают сделать из вас профессионала за месяц или даже две недели, «без опыта и образования». Да, получить общую информацию о профессии и найти для себя вектор развития на таком курсе можно. Но для глубоко и уверенного овладения предметом учиться нужно по-настоящему долго – и не останавливать самообразование ни на день[12]12
  Houzz. Зачем вам: Курсы «быстрого дизайна». https://www.houzz.ru/statyi/zachem-vam-kursy-bystrogo-dizayna-stsetivw-vs~156172185.


[Закрыть]. Ведь стайлинг и дизайн интерьера – это прикладные направления, которые требуют и постоянной практики, и постоянного наращивания знаний.

Несмотря на кажущуюся простоту профессии стилиста (ну, что такого – подобрал цвета, повесил шторки, поставил букет – и готово!), здесь жизненно необходимо и знание истории стилей, и опыт работы с ними, и насмотренность, которую нужно тренировать постоянно, и умение работать руками.

Культовый сюрреалист Сальвадор Дали говорил: «Для начала научитесь рисовать и писать как старые мастера, а уж потом действуйте по своему усмотрению – и вас будут уважать».

На свое образование в сфере бизнеса и дизайна я потратила 10 лет и более миллиона рублей. В частности, я прошла прикладную школу Татьяны Роговой «Детали» и окончила искусствоведческое направление в МГУ.

Но на этом я не остановилась, ведь мне близка концепция непрерывного образования. Я постоянно сверяюсь с опытом коллег, изучая их проекты, посещаю российские и зарубежные выставки дизайна, подписана в соцсетях на любопытных авторов, создаю проекты в коллаборации с известными стилистами. Плюс дополнительно тренирую вкус и насмотренность тем, что как минимум раз в неделю посещаю арт-экспозицию, театральную постановку или другое культурное событие.

Факт: стилисту необходимо постоянно, ежечасно расширять свой визуальный и когнитивный опыт через искусство и изучение опыта других дизайнеров и декораторов.

Здесь мне опять приходит на ум сравнение с музыкантами. Да, при изрядном таланте можно научиться неплохо владеть инструментом самостоятельно. Но, во-первых, этого невозможно достичь в информационном вакууме – все равно необходимо изучать произведения композиторов и перенимать исполнительское искусство у лучших мастеров. Во-вторых, важна постоянная тренировка – музицировать придется как минимум 2–3 часа в день, а то и больше. В-третьих, чтобы стать настоящим профессионалом и выступать на большой сцене, необходимо получить соответствующее образование.

Что происходит, когда мы не владеем предметом, когда у нас нет глубокого, доведенного до нативного восприятия, понимания природы того или иного стиля? Мы несвободны в его реализации и впадаем либо в бездумное копирование, либо воспроизводим лишь обывательское представление о том или ином стиле.

Что еще губительнее, мы кидаемся отчаянно «гнуть свою линию», делать исключительно по-своему, теряя насыщенность решений и накопленный опыт других профессионалов. И увы, такой эгоцентризм ни к чему хорошему не приводит – проекты получаются скучными, предсказуемыми, однодневными.

Приведу пример из своей практики. Ко мне обратилась за советом слушательница одного из моих курсов Дарья[13]13
  Имя изменено по этическим соображениям.


[Закрыть]. Девушка работала стилистом около года, когда к ней обратилась семейная пара. Пять лет назад молодые люди сделали в своей квартире в новостройке ремонт в стиле лофт – делали строго «по картинкам из интернета», попросив дизайнера не отступать ни на шаг. В итоге – рыжие кирпичные стены, коричневый кожаный диван, брутальная кухня с красным холодильником Smeg, обилие дерева и металла, светильники-софиты. Все по линеечке, все правильно, но…

Прожив в этом интерьере некоторое время, хозяева стали замечать, что он их давит, жена и вовсе призналась, что квартира стала напоминать ей бар или кофешоп и никаких теплых чувств уже не вызывает. При этом заказчики были не готовы на полноценный ремонт и просили найти какой-нибудь легкий способ обновить пространство.

Посмотрев фото объекта, Дарья сначала вознамерилась переубедить хозяев и начать полную переделку интерьера: она была уверена, что с существующим лофтом ничего сделать нельзя. Тем более, сама Дарья привыкла работать в неоклассике – и ей казалось, что оптимальным будет склонить заказчиков на свою сторону. «Раз обратились ко мне, значит, им нравится мой стиль – следовательно, пусть следуют моим советам».

Одновременно она боялась, что ей не хватит опыта – до этого Дарье не приходилось руководить такими глобальными проектами. Останавливала также опасность вовсе отпугнуть клиента – ведь если заказчики не готовы тратиться на полноценный ремонт, они уйдут к другому специалисту.

Верно оценив свои силы, Дарья обратилась ко мне за профессиональной консультацией наставника. И я предложила сначала поразмыслить над тем, что является основной философией лофта.

Ведь известно, что первыми лофтами были переоборудованные под жилье помещения заброшенных фабрик в Нью-Йорке. Там селились художники, музыканты и актеры, которые не могли на фоне кризиса Великой депрессии позволить себе нормальные квартиры. Таким образом, лофт сложился из трех основных идей: фиксация на промышленной эстетике и натуральности, отказ от лишних украшательств и подчеркнутая ценность искусства.

На самом деле, изначально было ошибкой в современной новостройке имитировать «лофт из учебника», искусственно создавая кирпичную кладку на монолитных перегородках и наполняя пространство нарочито промышленными атрибутами. Тем не менее было важно понять, почему заказчики в свое время склонялись к лофту.

Вполне вероятно, им нравится дух свободы, дух бунтарства в большом городе и некоторого пренебрежения к уюту, который влечет за собой этот стиль. Ведь лофт нарочито равнодушен к материалам отделки (бетон – самый главный спутник лофта), «рюшечкам уюта» и подчеркнутого уважителен к функциональности.

Между тем стилиста Дарью они нашли по работам в интернете – следовательно, и неоклассика им в какой-то мере стала близка. Это могло произойти по вполне естественным причинам – пара стала старше и ей захотелось респектабельного уюта.

Я предложила Дарье смягчить интерьер, сделать микс из спокойного современного урбан-стиля и элементов прежнего лофта, которые было дорого и долго менять (отделка пола и потолка, деревянные подоконники и черные окна и др.). Кроме того, необходимо было добавить в интерьер элементы искусства: во-первых, лофт требует этого в самой своей сути. Во-вторых, грамотно подобранные картины наполняют интерьер, делают его утонченным, стильным, вневременным – именно за счет искусства пространство получает свою печать оригинальности.

Заказчики были в восторге от скетчей и мудбордов и согласились на переделку.

ЧТО СДЕЛАЛИ:

• Сменили палитру на более спокойную и нейтральную, перекрасив стены – основными цветами интерьера стали серо-бежевый и нечистый белый, так называемый off-white. На их фоне деревянные элементы (барная стойка, подоконники) стали притягательным акцентом – раньше они производили давящее впечатление.

• Избавились от трети мебели, которая слишком агрессивно воспроизводила лофт. В частности, поменяли массивный кожаный диван на нейтральный в тканевой обивке, установили новую кухню в минималистичном духе со встроенным холодильником.

• Заменили светильники, кое-где добавив решения в стиле неоклассика – получился мягкий и ненавязчивый микс.

• Подобрали несколько офортов современных художников – печатная графика стоит недорого в сравнении с живописью, при этом заказчики получили оригинальные работы, что несомненно придает статус и индивидуальность интерьеру.

• Добавили многослойный текстиль – особенно уделили этому внимание в спальне. По колористике ткани выбирали нейтральные, но поработали с фактурами.

В итоге интерьер ожил, приобрел необходимую оригинальность и одновременно стал подчеркнуто вневременным, уютным. Заказчики признались, что не ожидали такого результата и заново влюбились в свою квартиру – до этого они даже подумывали о переезде. А стилист Дарья говорит, что буквально выросла над собой – эта история замотивировала ее продолжать обучение и глубже разбираться в других стилях, чтобы не чувствовать себя замкнутой в рамках одного привычного решения.

Это только кажется парадоксом, но ярчайшие индивидуальности интерьерного стайлинга проявляются именно в том, какой чужой опыт они смогли впитать и как они выражают его в своих проектах. То есть индивидуальность стилиста идет от умения перенимать знания и мастерство предыдущих поколений, а также от насмотренности и вкуса, воспитанного разнообразным визуальным опытом в разных сферах искусства. Одного «внутреннего голоса» недостаточно.

Так, например, критерием стиля Келли Хоппен всегда называли мягкую театральность в продумывании пространства. В своей книге она вспоминает: «В детстве я любила играть с книжками, в которых можно было перемещать героев на небольшом листе картона. При посещении театра мне было гораздо интереснее рассматривать устройство сцены, чем следить за сюжетом и действием. Мне нравилось смотреть, как вращается сцена и по ходу действия меняются декорации. Наверное, поэтому не удивительно, что для меня захватывающая часть работы дизайнера стоит в обдумывании того, как разместить людей в пространстве и как они в этом пространстве будут себя чувствовать. Домашний дизайн – это и есть создание “сценических площадок” для существования в них пo вашему желанию»[14]14
  «Золотые правила дизайна. Стиль Келли Хоппен». Хеллен Числетт. «Арт-родник», Москва, 2005. С. 27.


[Закрыть].

Другой пример – восходящая звезда декораторского искусства Реми Ренцулло, американский стилист итальянского происхождения, которому всего тридцать лет. Реми вырос в сельской местности Коннектикута, его мама – художница и дизайнер интерьера, которая обожала птиц и старинные птичьи клетки, разыскивала мебель на блошиных рынках и расписывала стены вручную. В итоге Реми Ренцулло стал антикваром-декоратором, который обставляет дома своих клиентов с романтическим флером викторианской Англии, великолепно миксуя разные стили, материалы, эпохи и детали. Сам Реми признается: он счастлив, что дом его детства совсем не был похож на гламурную американскую мечту. Это была старая ферма, наполненная причудливыми вещами. На этой ферме можно было наблюдать, трогать, учиться, творить и мечтать, отсюда началось формирование его вкусов.

«Я постоянно читаю – я предпочитаю книги фильмам, так как это освобождает мой разум, позволяя представить интерьеры и обстановку мест, о которых я читаю… Мой самый большой визуальный ресурс – это архив аукционных каталогов, который у меня есть… Кроме того, к большому огорчению моих клиентов, я не любитель торопить события. Мне нравятся комнаты, которые выглядят и ощущаются обжитыми – в них есть ощущение истории и немного ностальгии; но в них нет ощущения эпохи. Я нахожу, что нет ничего более банального, чем слишком правильные или совершенные пространства»[15]15
  Maison Flaneur. Meet Remy Renzullo, Decorator, New York City. https://www.maisonflaneur.com/blogs/flaneur-magazine/meet-remy-renzullo-decorator-nyc.


[Закрыть].

Даже если вы декорируете собственную квартиру и не намерены становится профессиональным стилистом, я рекомендую не спешить с решениями и сначала погрузиться в мир стайлинга и декора. Тем более что лучшие интерьеры получаются тогда, когда они складываются постепенно.

В этой главе мы разберем основные стили интерьерного дизайна, я расскажу, как они формировались и что повлияло на их особенности, а скетчи к каждому стилю послужат удобной шпаргалкой для более детального понимания характера того или иного направления. Но прежде чем перейти к изучению стилей, проведите анализ того, что повлияло на ваши вкусы – и составьте для себя «дорожную карту» развития насмотренности.

1. Вспомните, какой эстетический опыт сильнее всего повлиял на вас в детстве. Поездка в Пермь и знакомство с местной деревянной скульптурой? Выходные с семьей в Эрмитаже? Необычная постановка в театре? Книга с особенно изящными иллюстрациями или, напротив, серия популярных комиксов? Походы в этнографический музей или общение с бабушкой, ценительницей балета?

Составьте список хотя бы из 7–10 пунктов, вернитесь к этому опыту и заново изучите его, собрав для себя как можно больше референсов. Отнеситесь к задаче с научным подходом: к примеру, если речь идет об иллюстрациях в конкретной книге, постарайтесь найти ее, узнать имя художника и глубже познакомиться с его творчеством.

2. Проанализируйте свое окружение, выделите наиболее ярких людей, которые вас вдохновляют и задайте им вопросы о том, что влияет на них, где они черпают свою творческую энергию. Соберите их опыт и изучите поглубже. Не бойтесь копать и погружаться даже, казалось бы, в незначительные детали! Например, ваш друг-математик интересуется гирихом (исламский орнамент) – такие мотивы очень выгодно смотрятся в текстиле и керамике, и знание этой восточной традиции сильно расширит ваш эстетический опыт.

3. Составьте список из 10 дизайнеров и декораторов с мировым именем, у которых хотите учиться. Соберите небольшое творческое досье на каждого: что повлияло на вкусы автора, в каких стилях он работает, примеры проектов. Сделайте собственные мудборды в стилистике каждого гуру. Если умеете рисовать, повторите проекты в скетчах – работа руками позволит нативно понять и перенять стиль мастера.

4. Выберите 10 декораторов-соотечественников, которые вам интересны. Не обязательно топовых авторов, что мелькают в профессиональных журналах. Может быть, вам понравился талантливый молодой стилист и вы подписаны на его соцсети. Соберите референсы по этим авторам, по возможности узнайте, что именно сформировало их стиль (почитайте интервью, задайте вопрос в соцсетях напрямую), составьте коллажи в их стилистике и сохраните для себя примеры удачных решений. Изучите как можно глубже те направления, которые ценят эти мастера. Допустим, если любопытный декоратор делает аллюзии на Альфонса Муху, погрузитесь в творчество этого художника.

5. Возьмите 5 произведений искусства, которые близки вашим вкусам. Это могут быть картина, сценическая постановка, архитектурный объект, кинолента или книга. Создайте мудборды для воображаемых проектов, которые могли быть посвящены этим произведениям. Не идите по пути прямого подражания, описательства и копирования. Действуйте деликатно, иносказательно – тогда проект получится насыщенным, утонченным и не сиюминутным. Например, если вы делаете оммаж фильму «Обыкновенное чудо» Марка Захарова, можно использовать цветовую палитру фильма, элементы и решения в стилистике ретро и рустик и общий театральный характер киноленты (круглые крупные люстры, обилие зеркал, струящиеся многослойные ткани). Если подобный проект доводить до реализации, имеет смысл заказать художнику работы по мотивам рисунков Людмилы Кусаковой, которая была художником-постановщиком фильма.

6. Составьте для себя «дорожную карту» расширения своего визуального опыта. Что в нее включить?

• Планомерное изучение истории искусства и разнообразных культур (самостоятельно в библиотеке, на онлайн-курсах или в университете).

• Походы в театр и оперу с детальным разбором для себя сценических решений.

• Коллекционирование ретрокаталогов мебели и аксессуаров, персональных альбомов художников и других качественных иллюстративных изданий. Я нередко начинаю утро с пролистывания такой литературы в спокойной обстановке на балконе, с чашечкой кофе или чая – прекрасное медитативное занятие, которое одновременно тренирует мой вкус.

• Познавательные путешествия – это могут быть даже небольшие поездки выходного дня в соседний город, с погружением в его историю, особенности архитектуры и культуры.

• Эстетичная сервировка стола – для торжественных семейных ужинов или уединенных завтраков.

• Посещение арт-мастерских – художников, керамистов, стилистов одежды. Участие в мастер-классах и фестивалях, собственные съемки со стилистом (это помогает буквально на телесном уровне погрузиться в творческую, полутеатральную атмосферу, заново переосмыслить свой образ и напитаться вдохновением).

• Поездки в дизайнерские шоурумы и на профессиональные выставки – желательно в разных городах и странах.

• Посещение художественных фестивалей, выставок и музеев.

Здесь следует уточнить: стремитесь перенимать эстетический опыт прежде всего у профессиональных художников, не поленитесь прочитать кураторские тексты к экспозициям, обращайте внимание на образование и опыт автора и выбирайте преимущественно те проекты, которые реализуются профессиональными институциями, такими как Союз художников России, Академия художеств, крупные музеи.

Выставки непрофессионального современного искусства могут быть тоже весьма любопытны (я сама люблю время от времени посещать такие), однако нередко выставленные там произведения, что называется, «не претендуют на вечность», и вы не сможете почерпнуть из них ценного опыта в колористике, композиции, пластике линий (хотя эмоционально они могут вас вдохновить на новые свершения, что, безусловно, тоже имеет свое значение).

По итогу: необходимо, чтобы в вашей жизни было как можно больше событий, связанных с искусством и мастерством декоратора – будь то лицезрение шедевров в Третьяковской галерее, фланирование по музею икон в Великом Новгороде, поездка в Палех или экскурсия на фабрику ковров в Армении. Как и мастерство пения невозможно сохранить без регулярных репетиций и упражнений, так и искусство декоратора и стилиста требует постоянного наращивания и подкрепления насмотренности.

Именно из качественной и разнообразной визуальной «сытости» формируются наши вкусы и наша способность свободно владеть стилями, миксовать их и развивать свой авторский почерк. Кстати, есть ли в вашем интерьере картины или антикварные вещи? Что вы видите, засыпая? Как много вы читаете? Как сервируете стол? Все это – ваш эстетический капитал, который необходим, чтобы сформировать и непрерывно развивать вкус и мастерство.

Ар-деко: поэтизация прогресса, отсылки к древним цивилизациям и геометрический гедонизм

Мощное стилевое направление ар-деко возникло сто лет назад в Европе на стыке сложнейших событий, среди которых – и великие археологические находки (Говард Картер открыл гробницу Тутанхамона), и эмансипация женщин, и развитие искусства (работы Пикассо и Модильяни, проекты Сергея Дягилева, культовая Коко Шанель), и технологический прорыв (появление самолетов и межатлантических лайнеров), и политические преобразования (возникновение СССР, распад Османской империи, переосмысление себя многими странами Европы), и, конечно же, тяжелейший на тот момент исторический опыт Первой мировой войны. Ар-деко – стиль, который значимо повлиял на архитектуру, моду, искусство и дизайн в его самом широком смысле: предметный дизайн, дизайн частных интерьеров, дизайн общественных пространств, декораторское искусство, элитарный дизайн небоскребов и лайнеров.

Культурное и историческое значение ар-деко трудно переоценить: его особый, богатый и выразительный язык властвует над нами и сегодня. Если вспомнить афоризм философа Фридриха Шеллинга о том, что архитектура – это застывшая музыка, то ар-деко, безусловно, джаз в дизайне и архитектуре. Этому направлению свойственно абсолютная, гедонистическая свобода, которая однако четко сдерживается геометричными рамками орнаментов и строгими, выверенными формами, и известное стилевое бессмертие, поскольку ар-деко впитал в себя и традиции многих культур (египетской, азиатской, африканской, индийской) и творческий опыт сильнейших мировых художников первой половины XX века.

Архитектурный журналист и критик Александр Острогорский, преподаватель Московской архитектурной школы (МАРШ), отмечает: «Хотя эпоха ар-деко осталась далеко позади, нет, наверное, другого стиля, который был бы так любим дизайнерами: использовать его мотивы в обустройстве интерьера или проектировании предметов очень легко, а эмоциональный эффект остается неизменно сильным»[16]16
  Александр Острогорский. Ар-деко: лайнеры, небоскребы и маленькое черное платье. Арзамас. https://arzamas.academy/materials/2476?ysclid=lhnr7cuflh12602829.


[Закрыть].

Что же сформировало этот великолепный стиль? Как он развивался в Европе и США, и какие его отголоски были слышны в Советском Союзе?

Название ар-деко происходит от французского art déco, что дословно означает «декоративное искусство». Любопытно, что тогда, в «ревущие двадцатые», это направление и не думали так называть: его именовали просто «современным искусством». Термин вошел в обиход в 1960-е, когда искусствоведы, в частности крупный американский культуролог Бевис Хиллер, заинтересовались довоенными трендами в европейском дизайне. Именно он выделил привычное нам название «ар-деко» из заглавия Международной выставки декоративного искусства и промышленности (фр. Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes) 1925 года в Париже[17]17
  Bevis Hillier. Art Deco of the 20s and 30s. Vista, 1968 https://translated.turbopages.org/proxy_u/en-ru.ru.8d94dbcb-64a14901-62a58322-74722d776562/https/www.goodreads.com/book/show/5016644-art-deco-of-the-20s-and-30s?from_search=true&search_version=service.


[Закрыть].

Зачатки стиля ар-деко проявились значительно раньше, в 1910-е годы во Франции. Ар-деко – прямой потомок элитарного ар-нуво, но более геометричный, технологичный, промышленный, массовый. Упомянутая выставка 1925 года должна была пройти еще до войны, причем важным условием участия в ней было представлять проекты только в современном стиле, никакие исторические реминисценции не допускались. Но из-за войны проект свернули и смогли возобновить лишь позже[18]18
  Александр Острогорский. Ар-деко: лайнеры, небоскребы и маленькое черное платье. Арзамас. https://arzamas.academy/materials/2476?ysclid=lhnr7cuflh12602829.


[Закрыть].

Важно, что тогда, в 1925 году, впервые на международной выставке в Париже были представлены достижения не техники, науки или тяжелой промышленности, а именно промышленного дизайна. По сути, эта выставка стала предтечей всех культовых современных выставок, будь то Salone del Mobile Milano, Maison & Objet Paris или IMM Cologne.

Только представьте размах события и дух времени! Для этой выставки знаменитый французский архитектор Ле Корбюзье, один из основателей конструктивизма и функционализма, спроектировал и построил павильон «Эспри Нуво» (франц. Esprit Nouveau – «Новый дух»), блистательный ювелир Рене Лалик – фонтан из цветного стекла со световыми эффектами и «стеклянный интерьер» павильона Севрской фарфоровой мануфактуры[19]19
  Власов В.Г. Большой энциклопедический словарь изобразительного искусства. В 8 томах, Т. 1.СПб.: ЛИТА, 2000. https://santosh.ru/library/_images/art-deco_001.php.


[Закрыть]. А СССР представлял свои достижения в павильоне, построенном архитектором-авангардистом Константином Мельниковым.

На выставке 1925 года в полной мере проявилась удивительная притягательность ар-деко, полностью построенного на противоречиях. Так, здания павильонов представляли собой соединенные простые формы – куб, параллелепипед, цилиндр. При этом входы, карнизы и окна украшались узорами, упрощенными и контрастными.

Внутри посетителей ждало многократное усиление эмоций и впечатлений: предметы мебели и объекты дизайна, в которых упрощенные силуэты сочетались с дорогими материалами и изощренными орнаментами – растительными и античными, восточными и отсылающими к достижениям прогресса. Пожалуй, нарочитая поэтизация прогресса была одной из самых заметных черт нового стиля, отмечает Александр Острогорский[20]20
  Александр Острогорский. Ар-деко: лайнеры, небоскребы и маленькое черное платье. Арзамас. https://arzamas.academy/materials/2476?ysclid=lhnr7cuflh12602829.


[Закрыть].

В США проявление ар-деко наиболее полно реализовалось в строительстве небоскребов, из которых два самых знаменитых – Крайслер-билдинг и Эмпайр-стейт-билдинг – стали буквально иконами этого стиля.

В целом, стиль ар-деко – ответ художников, архитекторов и дизайнеров на сложные контрасты эпохи. Революции и войны вызвали в людях стремление к гедонизму, к открытому прожиганию жизни, женщины стали свободнее и в своих любовных притязаниях, и в реализации своих творческих и интеллектуальных возможностей, а мужчины стали пересматривать ценности маскулинности и милитаризма (здесь важно упомянуть антивоенную прозу Эриха Марии Ремарка).

Одновременно западная цивилизация резко расширила свой эстетический опыт: словно катастрофа Первой мировой войны заставила усомниться в правильности избранного пути («Закат Европы» – философский труд немецкого публициста Освальда Шпенглера, опубликованный как раз в 1918–1922 годах) и обратиться к культурам других цивилизаций: Древнего Египта, ацтеков и майя, Африки, Дальнего Востока.

Немаловажную роль в проникновении этих культур в массовый дизайн сыграли подешевевшая пресса и доступные, многократно ускорившиеся благодаря поездам, самолетам, автомобилям и лайнерам путешествия, а также то, что линейность, графичность, геометричность орнаментов этих цивилизаций оказались очень востребованы промышленностью[21]21
  Там же.


[Закрыть].

Но ар-деко был внимателен ко всем видам искусства. Так, увлечение джазом породило любовь к черно-белым сочетаниям, к решениям, которые подражают клавишам фортепиано. Художники авангарда, и прежде всего Казимир Малевич, выверенными композициями и строгими решениями оказали влияние на предметный и промышленный дизайн и на возникновение института Баухаус в Германии. Начало эпохи автомобилестроения привлекло обилие металла и блестящих поверхностей в интерьерный дизайн.

Поэтому интерьеры, оформленные в стиле ар-деко, производят впечатление не выверенной и однообразной композицией, а суммой отдельных компонентов, группировкой «стильных вещей» – мебели, тканей, изделий из бронзы, стекла, керамики. Не случайно многие из таких интерьеров в 1920-е назывались «павильон коллекционера», «ателье художника»[22]22
  Власов В.Г. Большой энциклопедический словарь изобразительного искусства. В 8 томах, Т. 1.СПб.: ЛИТА, 2000. https://santosh.ru/library/_images/art-deco_001.php.


[Закрыть].

В Советском Союзе звучание ар-деко можно было проследить в архитектуре конструктивизма и в художественном опыте таких мастеров искусства, как Эль Лисицкий, Александр Родченко, Наталья Гончарова, Александр Дейнека и др. Далеко ходить не надо: Мавзолей Ленина на Красной площади, спроектированный архитекторами Исидором Французом и Алексеем Щусевым, – это реплика с зиккуратов Месопотамии с элементами неоегипетского стиля. Однако в 1930-е произошел жестокий партийный и идеологический слом авангарда и переход к социалистическому реализму. Кроме того, коллективизация и ликвидация частной собственности в нашем государстве фактически лишили страну возможности развивать такое направление, как частные интерьеры.

Манифестацией советского ар-деко называют отдельные станции московского метрополитена (в частности, «Маяковскую» и «Кропоткинскую» по проектам архитектора Алексея Душкина) и здание Российской государственной библиотеки (ранее Библиотека имени Ленина) Владимира Гельфрейха и Владимира Щуко[23]23
  Н.О. Душкина. Ар-деко. Энциклопедия русского авангарда. https://rusavangard.ru/online/history/ar-deko/?ysclid=lhnrbugrc2389994484.


[Закрыть]. Массово доступными примерами ар-деко в СССР стали элементы промышленного дизайна, созданные скульптором Верой Мухиной, и самый известный из них – граненый стакан. Простой, геометричный по форме, с четким ритмом вытянутых ложбинок и пояском поверху – да, безусловно, он обесценен своей массовостью. И тем не менее остается примером художественных решений того времени[24]24
  Граненый стакан (англ. Faceted glass). https://en.wikipedia.org/wiki/Faceted_glass.


[Закрыть].

В современной России чувствуется неизбывный интерес к ар-деко. Известный декоратор Лейла Улухани работает именно в этом направлении: «Мне близка эклектичность этого стиля. Позволялось смешивать в интерьере все, что нравилось декоратору: искусство, экзотические мотивы, новые дорогие материалы. В этот период работали художники с тонким эстетическим вкусом, который помогал им балансировать, удерживаясь от чрезмерного»[25]25
  Лейла Улуханли о своем любимом стиле ар-деко. MyDecor. https://mydecor.ru/how-to/design-tips/leila-uluhanli-ar-deko-id6779261.


[Закрыть].

Лейла отмечает, что в отделке она часто использует латунь, лакированное дерево, инкрустацию, кожу ската и строго следит за соблюдением геометрии. Кроме того, декоратор добавляет, что в современных проектах элементы ар-деко хорошо работают в дизайне витражных дверей и отделке потолка, в узорах штор и обивке мягкой мебели. «Предметный дизайн эпохи характеризуется внешней простотой. Несмотря на драгоценную отделку, мебель имеет лаконичные силуэты и очень эргономична. Коллекции в стиле ар-деко встречаются у Nancy Corzine, The Rug Company, Baker, Galimberti Nino», – отмечает Лейла.

Современное прочтение ар-деко в зарубежном дизайне часто называют Millennial Deco, что можно перевести на русский как «ар-деко нового тысячелетия». Крупными инфлюенсерами этого направления сегодня можно назвать дизайнера Дэвида Коллинза и итальянские бренды Visionnaire и Giorgio Collection, а более радикально и ярко стиль ар-деко проявлен в коллекциях Roberto Cavalli Home Interiors[26]26
  Елена Лурье. Инфлуенсеры стиля ар-деко. Журнал дизайн-центра Casa Ricca EXPO. https://www.casaricca.ru/journal/influensery_stilya_ar_deko/?ysclid=lhnrnizxlq129080180.


[Закрыть].

КОРОТКО: ХАРАКТЕРНЫЕ ЧЕРТЫ АР-ДЕКО

Атмосфера: обстановка должна создавать ощущение роскоши, гедонизма, вызывать сильные впечатления, подчеркивать ценность искусства и многообразие культур.

Помещение: минимум 80 кв. м по площади, высота потолков не менее 3 метров, большие окна. Подходящий архитектурный стиль здания – неоклассика, современный с репликами ар-деко или в стилистике нью-йоркских небоскребов, дома исторической постройки или сталинки (илл. 1).

Лейла Улухани: «Атмосфера интерьера в стиле ар-деко провоцирует на эмоции. Она призвана поразить гостей, удивить роскошью, поэтому крайне важно, чтобы и само пространство было соответствующим»[27]27
  Лейла Улуханли о своем любимом стиле ар-деко. MyDecor. https://mydecor.ru/how-to/design-tips/leila-uluhanli-ar-deko-id6779261.


[Закрыть].

Цветовая гамма: золото, серебро, латунь, цвет слоновой кости, золотисто-коричневый, черный, белый, стальной, дозированно могут быть включены вишневый, малахитовый, темные оттенки фиолетового.

Отделка: разнообразие геометрических форм, зигзаги, полосы, упрощенные до сочетаний элементарных фигур орнаменты различных народов, а также отделка, геометрично повторяющая шкуры животных (например, зебры).

Использование дорогих материалов – натуральной кожи, позолоченных и посеребренных поверхностей, мрамора, шелка, бархата, фресок, декоративных панно.

Мебель: позиции из полированной и лакированной древесины, металла; мебель с узорами в виде зигзагов и полос, с отделкой шелковым и бархатным текстилем. Строгая геометричность и выверенность композиций и одновременно – использование «необязательных» элементов обстановки, таких как буфеты, тумбы, дополнительные столики и консоли, кресла бержер и т. п. Активно используется маркетри, техника инкрустации столешниц и фасадов тонкими полосками шпона (илл. 2).

Освещение: светильники с абажурами граненых, кристаллических форм, с силуэтами в виде многогранников, а также светильники с эффектными абажурами с геометричным рисунком; многоярусные люстры, в том числе хрустальные, фантазийные дизайнерские подвесы (илл. 3)

Декор и мотивы: обилие зеркал, мотивы фонтанов, музыки и музыкальных инструментов, вазы, подсвечники, картины и статуэтки, животные принты, экзотическая отделка жемчугом и черепашьими раковинами, солярные символы (илл. 4).