Текст книги "Пастель. Полное руководство для художников"

Натяжка бумаги на планшет

Поверхность планшета должна быть из фанеры, она более устойчива к воде, чем оргалит. Фанерный лист крепится на подрамник.

Планшет можно заказать в багетной мастерской по своему размеру.

Края планшета лучше немного зашкурить, чтобы при сильном натяжении не рвалась бумага. Поверхности планшета, которые будут соприкасаться с водой, можно покрыть акриловым грунтом, чтобы фанера и дерево подрамника не сильно впитывали влагу. Все, планшет готов.

У меня есть несколько разных по формату планшетов для разных задач.

Натянуть бумагу несложно, главное не бояться.

Отрезанный лист нужно намочить с двух сторон, потом аккуратно разложить на ровной поверхности, накрыть планшетом и закрепить края кнопками, аккуратно подвернув углы. Потом положить планшет горизонтально и дать бумаге полностью высохнуть.

На влажной бумаге сначала видны крупные складки, но потом лист натягивается до идеально ровной поверхности.

При работе над картиной влажными материалами могут снова возникнуть небольшие складки, например при нанесении грунта, но при высыхании бумага снова натянется.

Натянутая бумага не любит, когда по ней работают влажными техниками, оставляя какие-то отдельные места сухими. Если собираетесь наносить грунт или краску, то покройте всю поверхность листа. Пастельная рулонная бумага в целом не требует дополнительного покрытия. Такая бумага хорошо растягивается, высыхает и сохраняет свою структуру. Если покрывать пастельную бумагу грунтом, то ее структура немного изменится, добавится абразивный слой, пастель будет ложиться по-другому, а краска выглядеть ярче.

Натянутые планшеты выглядят так, пока не высохли

И вот так, когда влаги совсем не осталось

После того как картина нарисована, я аккуратно срезаю ее макетным ножом.

Помимо традиционного способа натяжки бумаги на планшет, есть способ нанесения бумаги на основу с помощью горячего пресса. Это можно сделать в специализированных мастерских, которые имеют оборудование для этого.

Бумага может быть накатана на бескислотный картон или пенокартон. Это придаст ей плотность, и она не будет деформироваться от влаги или от работы на ней в смешанных техниках. Этот способ дорогостоящий, но может сэкономить время при подготовке поверхности.

Разные цели и форматы работ будут влиять на выбор бумаги и ее обработку.

Рабочее пространство

Как организовать рабочее место в мастерской

Мольберт, этюдник или стена

Чтобы пастельная пыль не летела во все стороны во время работы, лист нужно прикрепить к основе вертикально, тогда не зацепившиеся за поверхность частицы сами осыпаются вниз и не мешают работе. Хорошо, если под вертикальной поверхностью, на которой прикреплен лист, есть еще небольшая полочка, которая поможет собрать все эти частицы.

Иногда я рисую картину попеременно то на горизонтальной поверхности стола, то на вертикальной поверхности стены, особенно если использую в процессе влажные краски. Их растекание удобнее контролировать, рисуя на горизонтальной поверхности.

Можно приобрести большой устойчивый станковый мольберт для студии и перемещать его при необходимости так, чтобы свет падал на него.

У меня есть два легких мольберта, которые я использую на пленэре, они бывают полезны и в студии, например, если приходится параллельно работать над несколькими картинами и стена занята.

Пастельная пыль

Мое рабочее место выглядит так

Пастельная пыль

При работе на некоторых поверхностях пастельные частицы, не успев зацепиться за поверхность бумаги, осыпаются вниз. Отсюда миф о том, что пастельная картина может осыпаться, но это не так. Все, что осталось на бумаге, никуда уже не осыпается, а вниз на полку попадает то, что не имело шанса зацепиться. Особенно много пыли остается при работе на абразивных бумагах и грунтах.

То, что осыпалось во время работы, можно использовать вторично.

Я собираю пастельную пыль в банки, добавляю к ним кусочки мелков, которые уже такие маленькие, что ими неудобно рисовать, и потом толку все в ступке до однородной массы.

Добавив воды в эту массу, можно скатать из нее брусочек и получить новую пастельную палочку.

Если собрать в одну емкость остатки цветов определенной гаммы, то можно получить порошок нужного оттенка, а если собирать все подряд, то получаются универсальные, приглушенные оттенки холодного или теплого серого цвета. Они всегда нужны в большом количестве.

Процесс создания мелков

Хорошо растолките в ступке мелкие кусочки пастели и собранный порошок.

Добавьте совсем немного, по каплям, воды, чтобы получилась густая, однородная паста.

Скатайте из нее брусочки мелков.

Просушите их в течение нескольких часов.

Все. Можно рисовать мелками собственного производства.

Бывает, что я добавляю истолченный порошок в пастельные грунты для легкого оттенка основы и для настроения.

Много ли места нужно художнику

Многие художники мечтают о большой отдельной студии, я тоже мечтала, пока не поняла, что для работы важно не место, а увлеченность и правильное эмоциональное состояние. Чтобы рисовать, достаточно и небольшого квадрата 2×2, можно организовать хорошее место в углу комнаты со свободной стеной.

В одно время у меня была маленькая солнечная студия, со стенами цвета бетона и трещинами, которая совмещала в себе и спальню, и рабочее пространство, и гардеробную. Мне прекрасно в ней работалось, и самые большие свои форматы я стала делать именно в ней.

Старая стена

Пространство для работы может быть любым по размеру, больше внимания нужно уделить настройке студии.

Что вас настраивает на рабочее настроение? Вдохновляет ли вас творческий беспорядок, когда вокруг хаос из эскизов и картин и играет громкая музыка, или вам помогает работать тонко настроенное пустое пространство и тишина?

У каждого творческого человека свой ассоциативный мир, с ритуальными предметами, запахами и звуками, которые запускают механизм творчества.

Я очень люблю чистый пол в студии. У меня может быть бардак на полках с материалами, но пол и поверхности столов должны быть чистыми, пустыми и готовыми к работе. Когда на глаза попадаются альбомы с картинами моих любимых художников, то это всегда помогает мне настроиться на хорошую работу и по-новому взглянуть на свои поиски.

Музыка и аудиокниги, запахи аромамасел, цветные пигменты в стеклянных баночках, разное освещение во всех углах, чтобы можно было переключаться с яркого дневного света на вечерний мягкий и менять рабочие зоны и действия, – все это маленькие настройки, которые создают атмосферу. Мелочей не бывает.

Художник, особенно в наше время, не только рисует. У него есть еще очень много околохудожественных действий, которые требуют внимания, например, оформление картин, съемка, обработка фотографий, написание текстов для социальных сетей или статей, работа с учениками, если такие появляются.

Поэтому можно настроить разные зоны в студии, это очень здорово переключает.

Время от времени стоит проверять динамику своего рабочего пространства, чтобы не случалось мертвых зон, где скапливаются ненужные вещи или лишние материалы.

Освещение в мастерской

Переждать сумерки.

В художественной жизни дневной свет значит очень многое, но по моему опыту рисовать можно в любое время суток, кроме пары часов, когда день меняется через синий кобальт в чернильную ночь. Эти пару часов лучше заняться чем-нибудь другим: можно писать тексты, отвечать на письма, читать, гулять, все, что угодно, но не рисовать. Как только небо начинает синеть, цвета на картине меняются до неузнаваемости.

Когда совсем темнеет, можно включить лампу дневного света, и тогда можно продолжать. Глаз привыкает к цветам, мелки, уже отобранные для работы, никуда не исчезают, поэтому в гамме картины не ошибешься. Но начинать работу я всегда предпочитаю утром, при дневном свете.

Стол на колесиках

Это одна из самых удобных вещей в моей студии. Его размер 100×100, он легко перекатывается с места на место. На нем я раскладываю коробки с пастельными мелками, когда рисую, грунтую основы, мешаю краску, оформляю работы. Можно сказать, что это передвижной центр мира.

Стол для компьютера у меня отдельный, на нем живут ноутбук, списки дел, альбомы с эскизами и разноцветные карандаши.

Пара стеллажей для хранения материалов тоже необходима в студии.

Еще очень полезно иметь в мастерской штатив и фотоаппарат для съемки этапов и окончательного варианта картины.

Вдохновение

Вдохновение – это способность наблюдать.

У художников обычно хорошо развита наблюдательность, поэтому они даже в самом обыденном могут найти отличный сюжет для картины.

Я бы разделила вдохновение на две части.

Первая часть, когда художник заметил что-то интересное, влюбился и на миг замер.

Такое вдохновение может застать художника где угодно: за рулем автомобиля, на кухне за завариванием чая или в спонтанной поездке в новое место. Это влюбленность в какой-то сюжет, состояние, цвет, лицо. Подобные моменты нужно запоминать максимально ярко, со всеми подробностями.

Готовность увидеть сюжет – это основа всей работы художника. А если быть готовым к чему-то, то оно обязательно придет.

Вторая часть вдохновения помогает воплотить в материале увиденный сюжет. Обе части вдохновения могут быть рядом, а могут быть и разнесены во времени.

Некоторые сюжеты я запоминаю и откладываю на потом, могу вернуться к ним через несколько месяцев или через год. Это возвращение зависит от настроения и от желания поработать с каким-то цветом или с какой-то подходящей поверхностью.

Для того чтобы не забывать свои находки, нужно хранить о них информацию: фото, эскизы и зарисовки.

Когда приходит вдохновение?

Нужно ли ждать удачного времени, свободного графика и подходящего настроения для того, чтобы начать картину? Я никогда не жду, так как согласна с мнением, что аппетит приходит во время еды.

Кто-то однажды спросил Сомерсета Моэма, как он пишет, по расписанию или только когда придет вдохновение. На что Моэм ответил: «Конечно, по вдохновению! К счастью, вдохновение приходит каждый день ровно в девять часов утра».

Создавайте сами условия для вдохновения.

Не бывает идеального времени для того, чтобы начать картину. Подойдет любой отрезок времени от 15 минут до нескольких часов.

Но есть секрет быстрого старта – это подготовка к работе.

До того как первые штрихи появятся на листе, задайте себе вопросы.

1. Как должна выглядеть моя картина в финале?

2. Какое основное настроение я хочу передать?

3. Кто главный герой в моей работе?

4. Какие цвета будут основные, чем я могу их поддержать?

5. На какой основе будет лучше всего смотреться мой сюжет?

6. Какой формат лучше выбрать?

Предварительная работа тоже важна.

Если вы подумали о своем сюжете, собрали визуальный ряд, решили, какие материалы лучше всего подойдут для будущей картины, то должны почувствовать желание поскорее приступить к работе.

Размышления на эти темы – уже первый шаг к вызову вдохновения.

Если совсем нет вдохновения для работы с сюжетом, то я иду в студию и чищу мелки или разбираю скопившуюся бумагу, всегда возникает чувство готовности начать работу после простых действий, связанных с подготовкой материалов. Если же я не вошла в студию, то и начать не могу, нет ни мыслей, ни концентрации, ни привязки к материалу.

Ритуалы

Небольшие ритуалы очень помогают постоянно находиться в состоянии готовности и интереса.

Например, после активной работы, когда цветная пыль повсюду и мелки все перемешаны и выглядят как все оттенки серого, мне нужно полчаса для перенастройки. Я разбираю мелки, вытираю пыль, отрезаю новый лист и креплю его на стену. Это значит, что утром я сразу начну думать о сюжете картины, а не искать в горе мелков нужные оттенки.

Вечерами полезно посмотреть на эскизы с идеями или полистать альбомы с картинами вдохновляющих художников, все это очень просто, но и очень важно.

Самобытность

На формирование собственного художественного языка влияет набор определенных находок, которые каждый художник соединяет в своем творчестве особенным путем.

Что это за находки?

Большинство озарений приходит к нам из опыта, наблюдения и размышлений.

Самые лучшие учителя – это картины, которые нас вдохновляют.

Иногда при взгляде на фрагмент картины мастера приходят ответы. Небольшие детали, которые откликнулись чем-то, могут вылиться в серии ни на что не похожих собственных работ.

Отталкиваться от опыта хороших художников – это быстрый старт и важный элемент обучения. Нужно смотреть и думать, почему нравятся работы, как сделано, что особенного. Лучше вас никто не знает, на что конкретно вы смотрите.

В картине каждый художник видит то, что только для него имеет значение: динамика линий или как лежат мазки в правом углу. Потом можно несколько лет работать с каким-то уловленным в этот момент нюансом, который и будет формировать собственный язык художника.

«Единственным источником художественного образования для меня всегда было изучение произведений искусства как работ мастеров прошлого, так и моих современников, – которые могут дать ответы на наши вопросы, если, конечно, мы сформулируем их правильно».

Джорджо Моранди. Из интервью Эдуарда Родити

Мастера прошлого учились, делая копии и прослеживая, как двигалась рука художника или какую эмоцию вызывает определенное взаимодействие тона и штриха.

Первые картины, которые я рассматривала, еще учась в школе, были картины Дега в Пушкинском музее.

Я подолгу смотрела на его работы, а бабушки-смотрительницы сердито просили соблюдать дистанцию.

Но как же можно на расстоянии рассмотреть эти переплетения материалов, как можно понять, какой штрих из чего произошел и какой материал в каком слое. Картина издалека смотрится превосходно, вблизи это была тайна.

Художественный путь складывается также и благодаря учителям. Большая удача встретить рано хорошего учителя, который будет направлять и помогать в поисках, но если попадется плохой учитель, то можно разочароваться в живописи или стать посредственностью.

Важно слушать учителей, но и самому не стоит забывать искать для себя важное, особенное.

Учителями могут быть любые люди, которые встречаются на пути, даже совсем не связанные с живописью или искусством.

Самобытность художника складывается из добровольного выбора направления в искусстве, сюжетов, материалов, гаммы, способа наложения краски, направления штрихов, эмоциональности, образования. Возможно, я еще что-то забыла, но более важно то, что художник выбирает для своих глаз и размышлений в каждом дне его жизни.

О художниках

Хорошая привычка собирать работы интересных художников в отдельную папку и потом следить за изменением своих предпочтений.

Сейчас, с развитием Pinterest и других социальных сетей, можно найти много визуальной информации на любой вкус. Но самая эмоциональная встреча с картиной – это реальная встреча.

Я храню фотографии картин, найденные в поездках и музеях, «бриллианты» – лично для меня имеющие смысл, например картину Тулуза Лотрека Louis Bougle из Орсе и совсем случайно найденный в Убуде портрет старика, написанный Антонио Бланко.

Меня давно волнует вопрос, почему некоторые картины вызывают эмоцию, а другие, даже очень виртуозно исполненные, нет.

Работы некоторых художников в моих подборках можно увидеть чаще, среди них картины Эндрю Уайета с его почти монохромными сюжетами, композиционным минимализмом и правильной пустотностью, мягкие жемчужные картины Хаммершоя, многослойные картины Дега, а также наших современников Джорджа Шипперлея и Вольфа Кана и многое другое.

Почти каждая отобранная картина задевает что-то внутри.

Я понимаю, на что смотрит художник, какое ощущение в данный момент испытывает. Это похоже на то, словно тебе дали доступ к органам чувств другого человека. Ты можешь ощутить, холодно ему или тепло, как пахнет вокруг, какой цвет переживает человек в данный момент. На мой взгляд, это и есть мастерство.

Если в картине есть только механика, виртуозное исполнение, то зритель удивляется, восхищается, но чувств особых не испытывает. Мне нравятся картины, где все чувства обострены, это тоже виртуозное исполнение, но отношение к натуре другое через обобщение, через ритм.

Пленэр

Пленэр – это важная часть художественной жизни, особенно для тех, кто темой своих картин выбирает пейзаж. Рисование с натуры дает более глубокое понимание о воздушной перспективе, цветовых сочетаниях, влиянии света на цвет. Никакая теория не научит так тонко чувствовать все нюансы изменения цвета и тона, как наблюдение за объектами в разном освещении.

Материалы для пленэра

Этюдники и мольберты

Рисовать гораздо приятнее, когда все удобно настроено, когда не затекает спина на неудобном стуле и когда точка обзора выбрана сознательно.

На пленэре я предпочитаю рисовать стоя, поэтому начну с мольбертов.

Деревянный мольберт-тренога весом 2 кг. Был моим спутником пару лет. Я выбирала его среди прочих из-за специальных раскладывающихся полочек, на которые можно поставить коробку с мелками. Лучше всего и по размеру, и по весу к нему подходила деревянная коробка от мелков Schmincke, в которую помещалось не очень много, но достаточно мелков разных марок, если поломать их на треть.

Второй удобный вариант это американская коробка со съемной подставкой для картин, которая прикручивается на любой легкий штатив.

Этот вариант хорош для близких походов, поездок на машине или для велопленэров. Штатив и подставка легкие, но сам ящик, заполненный пастельными мелками, весит прилично. Зато при таком большом количестве пастели можно не бояться, что не найдется какого-то цвета.

Бумага

Для пленэра можно купить удобные альбомы, но подойдут и отдельные листы, нарезанные под нужный формат. Так как пастель материал, который не любит лишних механических воздействий, то даже нарисованные в альбоме рисунки я отрываю из общего блока и больше не ношу с собой. Поэтому отдельно нарезанные листы из любимой бумаги – это логичный и удобный вариант.

Также для работы нужна плотная поверхность, на которую можно прикрепить лист, и еще одна, чтобы без повреждений увезти рисунок с пленэра. Для этого можно применить два листа плотного пенокартона около 5 мм толщиной. Пенокартон – это очень легкий материал с гладкой поверхностью. Один кусок пенокартона может быть планшетом под рисунок, а второй такого же размера – защитой для перевозки готового рисунка. Картину можно положить лицом к его гладкой поверхности и, закрепив скотчем или зажимами, чтобы она лишний раз не скользила по поверхности, везти домой.

Лучше если лист пенокартона на 2–3 см шире, чем выбранный размер листов для рисунков. Сложив все листы между ними, можно отправляться на пленэр.

В «склейках» – специальных альбомах – чаще всего есть еще одна плотная поверхность для жесткости и можно рисовать прямо в таком альбоме.

Цвет бумаги может быть любой, но я предпочитаю, как и в студии, работу на нейтральных оттенках серого цвета разного тона, иногда рисую на черной бумаге.

Выбор бумаги каждый раз зависит от ситуации и от задачи художника. Не бойтесь пробовать разное.

Пастель

Набор для пленэра обычно собран из мелков разных марок, поломанных на треть, чтобы больше цветов поместилось в коробку. Здесь действуют те же принципы выбора цветов, как и в студии, нужно собрать весь спектр цветов в светлых, приглушенных, темных и ярких оттенках. Конечно, все с собой взять невозможно, но можно смешать цвет или заменить его.

Карандаши

На предыдущем фото виден набор карандашей, которые я беру с собой на пленэр. Карандаши каждой марки могут быть полезны для определенных задач и при работе на разных бумагах. Поэтому основного рецепта нет, главное, выбрать цвета и тона, которые могут подчеркнуть цвета мелков.

Минимальный набор для пленэра

Самый маленький набор для пленэра: один альбом, пастельные карандаши, небольшая коробка мелков в ограниченной гамме и легкая «пенка», чтобы было на чем сидеть. Такой вариант подходит, когда времени на рисование немного, нужно постоянно передвигаться с места на место и нет возможности носить с собой что-то тяжелое.

Походный набор с альбомом Fabriano, бумага Ingres

Такая ограниченность в материале дает интересные результаты, потому что вам приходится работать с тем, что есть, и если не хватает цвета, то приходится мешать его или заменять другим, что часто добавляет неожиданности и экспрессивности работе и заставляет больше обращать внимание на тон.

Альбомы для серий и грунт

Цвет бумаги может задать настроение целой серии работ. Удобно брать в поездки небольшие альбомы с одинаковыми листами, если не хочется распылятся на возможности разных основ.

В поездку можно также взять грунт в маленькой баночке. Его можно наносить только на некоторые части листа, получая интересные по структуре зарисовки, или использовать в виде дополнительного цветного фона.

Для экспериментов с грунтом лучше взять бумагу более плотную, например, 180 или 220 граммов.

В этих зарисовках я использовала серо-голубой оттенок грунта, который прекрасно подходил к прохладным зимним пейзажам, бумагу из альбома Toned Gray Strathmore, немного белой гуаши, пастельные и угольные карандаши.

Для зарисовок на пленэре также подойдут любые альбомы с черной бумагой легкой текстуры и различных оттенков от молочного до серого.

Для более живописных работ подойдут листы бумаги Pastelmat или Mi-Teintes® Touch, а также любая пастельная бумага, к которой вы привыкли.