Текст книги "Великие художники"

Васнецо́в Ви́ктор Миха́йлович

(1848–1926) – русский живописец, график, архитектор.

Васнецов родился в селе Лопьял Вятской губернии, в семье сельского священника. По настоянию родителей он учился в духовном училище, а потом в семинарии. В 1867 г. Васнецов оставил семинарию и уехал в Петербург, начал учиться в Рисовальной школе Общества поощрения художников. Деньги для поездки в Петербург предприимчивый юноша получил, написав две картины маслом и разыграв их в лотерею.

В 1868 г. он поступил в Академию художеств, познакомился с И. Репиным, И. Крамским и другими художниками. Во время учёбы Васнецов зарабатывал на жизнь рисунками и гравюрами, иллюстрировал книги и журналы.

В 1878 г. он стал членом Товарищества передвижных художественных выставок. Ранние картины Васнецова представляли собой жанровую живопись, которая тогда пользовалась большой популярностью: «Нищие певцы» (1872), «Чаепитие» (1873–1874), «Книжная лавочка», «С квартиры на квартиру» (1876) и др.

В 1876–1877 гг. Васнецов работал во Франции, где написал полотно «Балаганы в Париже» (1877) и создал эскиз к будущему шедевру «Богатыри».

В Санкт-Петербурге он создал ещё несколько жанровых картин, из которых самой известной является «Преферанс» (1879), изображающая пустоту и убожество чиновничьего быта.

В 1878 г. Васнецов переехал в Москву, и в его творчестве появились новые темы: русская история, былины, народные сказки. В 1880 г. художник написал большое полотно «После побоища Игоря Святославича с половцами», а за ним последовали «Алёнушка» (1881), «Витязь на распутье» (1882), «Иван-царевич на сером волке» (1889) идр.

Совместно с другими художниками Васнецов занимался росписью Владимирского собора в Киеве (1882–1885), он привнёс в канонические схемы иконописи выразительность, живость народных характеров.

Панно «Каменный век» (1883–1885), созданное художником для Исторического музея, произвело огромное впечатление на современников.

В Москве художник сблизился с семьёй промышленника и мецената С. Мамонтова, часто бывал в их имении Абрамцево под Москвой, где летом гостили многие известные художники, ставились спектакли.

В Абрамцево Васнецов попробовал свои силы в архитектуре: по его проекту была построена небольшая церковь-усыпальница. Там же он соорудил «Избушку на курьих ножках» – образец сказочной архитектуры.

В первые годы XX в. по рисункам художника были выполнены фасады здания Третьяковской галереи и нескольких частных домов.

Художник также создал много портретов, из которых наиболее известны: портрет крестьянина И. Петрова (1883), портрет М. Антокольского (1884), портрет Т. Мамонтовой (1884).

Около двадцати лет художник работал над монументальной картиной «Богатыри» (1881–1898), в которой воплотил мужество и отвагу русского народа.

После революции 1917 г. Васнецов продолжал создавать былинные и сказочные полотна. Многим замыслам художника не суждено было осуществиться. Васнецов умер в Москве, в своей мастерской, во время работы над портретом художника М. Нестерова.

Вела́скес Дие́го Родри́гес де Си́льва

(1599–1660) – испанский художник, наиболее яркий представитель периода высшего расцвета испанского искусства.

Веласкес родился в Севилье, в семье небогатого дворянина, выходца из Португалии Хуана Родригеса де Сильва (художник выбрал фамилию матери – Веласкес). Живописи он учился у признанных мастеров того времени, работал в художественной мастерской в Севилье и в 17 лет получил звание мастера.

Картины этого периода представляют собой сцены из народной жизни – «Завтрак» (ок. 1617), «Старая кухарка», «Продавец воды» (до 1623).

В 1623 г. Веласкес переехал в Мадрид, где стал придворным художником Филиппа IV и оставался им до самой смерти.

Знакомство с шедеврами мастеров итальянского Возрождения из Королевского собрания в Мадриде, встреча с П. Рубенсом в 1628 г., две поездки в Италию – всё это оказало сильное влияние на дальнейшее творчество мастера.

Портрет занимает основное место в творчестве Веласкеса. В основном художник рисовал членов королевской семьи и их приближённых. Несмотря на парадную торжественность изображений, художник сумел передать психологические особенности каждого человека, раскрыть его внутренний мир. Таковы портреты аристократов Алонсо Кано (ок. 1633), Мартинеса Монтаньеса (ок. 1637), министра Оливареса (ок. 1638). Над женскими портретами художник работал реже. Среди них лучшим считается «Дама с веером» (ок. 1648).

С 1653 по 1660 г. художник создал серию изображений инфанты Маргариты, которые позволяют проследить, как из маленькой девочки она превращается в девушку-подростка.

В творчестве Веласкеса часто встречаются мифологические сюжеты, порой дающие художнику возможность передать сцены из народной жизни, как, например, в картинах «Вакх», или «Пьяницы» (ок. 1627), «Кузница Вулкана» (1630). В 30—40-е гг. художник создал знаменитый цикл «Шуты и карлики», образы которого наполнены сильнейшим эмоциональным содержанием.

В 1650 г. Веласкес создал знаменитую картину «Венера перед зеркалом», которая воплощает идеал женской красоты. Художник писал картину в Италии, потому что испанская инквизиция запрещала изображать обнажённое женское тело.

Наивысшего мастерства Веласкес достиг в последнее десятилетие своей жизни. К числу шедевров мирового искусства принадлежат: портрет Папы Иннокентия X (1650), изображённого с беспощадной правдивостью, и два многофигурных полотна – «Меняны», или «Придворные дамы» (1656) и «Пряхи» (ок. 1657), символика которых до сих пор остаётся загадкой для искусствоведов.

Незадолго до смерти Веласкес, обладатель почётных званий и должностей при дворе, был возведён в рыцари и принят в аристократический военный орден Сантьяго.

Венециа́нов Алексе́й Гаври́лович

(1780–1847) – русский художник и педагог, основоположник бытового жанра в русской живописи.

Венецианов родился в Москве, в семье купца. Отец художника торговал плодовыми деревьями и ягодными кустарниками. В объявлениях купца Венецианова, помещённых в «Московских ведомостях», сообщалось не только о продаже саженцев, но и о продаже картин «по сходным ценам». Скорее всего, это были произведения юноши.

В 1807 г. Венецианов приехал в Санкт-Петербург, где служил в департаменте почт, а в свободное время делал копии с картин в Эрмитаже, рисовал портреты знакомых и близких. Он также брал уроки у художника-портретиста В. Боровиковского.

В 1811 г. Венецианов за две свои работы – «Автопортрет» и «Портрет К. И. Головачевского, инспектора Академии художеств, с тремя воспитанниками Академии» – получил звание академика. В это же время Венецианов занимался графикой. В конце 1807 г. он выполнил офорты для предпринятого им издания «Журнал карикатур на 1808 год в лицах» – первого в России иллюстрированного юмористического журнала. Однако рисунки, выполненные художником, были слишком смелыми, и журнал был запрещён. Во время Отечественной войны 1812 года он создал целую серию патриотических карикатур.

Однако настоящее призвание художник нашёл не в графике и не в искусстве портрета. Сущность его дарования проявилась в жанровой, бытовой живописи. В 1819 г. Венецианов ушёл с государственной службы и поселился в поместье Сафонково Тверской губернии. Жизнь в деревне дала художнику богатый материал, открыла новый мир, красоту и поэтичность родной природы. Центральным произведением в творчестве художника явилась картина «Гумно» (1823), которая открыла новую страницу в русской живописи. Художник сделал серию произведений на крестьянские темы. Русские крестьяне в изображении Венецианова – люди, преисполненные душевной красоты и благородства, внутренне цельные и гармоничные. Новаторство художника заключалось в том, что он обратился к ранее запретной для русского искусства теме – труду русских крестьян. Подлинный расцвет творческого дарования Венецианова падает на 1820–1830 гг. В этот период написаны такие шедевры, как «На пашне. Весна», «На жатве. Лето», «Дети в поле», «Спящий пастушок».

Венецианов сыграл выдающуюся роль в истории русского искусства как педагог. В Сафонкове он создал собственную живописную школу, куда набирал учеников из крепостных. Творчество Венецианова олицетворяло новый этап в развитии школы реализма: народная жизнь и русская природа стали объектом пристального отображения.

Жизнь художника оборвалась внезапно: он был сбит проезжавшим экипажем.

Верме́р Де́лфтский Ян

(1632–1675) – голландский живописец, крупнейший мастер делфтской школы живописи.

Вермер родился в городе Делфте, в семье торговца шёлком и картинами, который позднее стал владельцем гостиницы. Торговлю картинами и гостиницу отец передал по наследству сыну. Вермер женился на дочери богатого бюргера, а в 1653 г. был принят в Гильдию св. Луки (гильдия художников).

Под руководством своего учителя К. Фабрициуса Вермер писал картины на религиозные и мифологические темы – «Христос у Марфы и Марии», «Диана с нимфами». Однако в 1654 г. учитель художника погиб, и Вермер начал изображать окружающую его жизнь.

Известно около сорока его картин: художник работал медленно, создавал произведения для узкого круга друзей и редко их продавал, хотя его картины ценились чрезвычайно высоко.

Среди его первых картин наиболее известны «Девушка с письмом» (ок. 1657), «Служанка с кувшином молока» (ок. 1658), «Кружевница» (1664–1665), «Любовное письмо» (ок. 1667).

К тому же периоду принадлежат несколько изображений родного города – «Улочка» (ок. 1658), «Вид Делфта» (ок. 1660).

Позднее в своём творчестве он обращается к сценам из жизни богатых кавалеров и дам, подробно изображает богатые интерьеры, предметы быта, наряды и драгоценности в таких картинах, как «Концерт», «Дама, примеряющая ожерелье», «Дама, взвешивающая жемчуг».

Художник писал тонкой кистью, тщательно накладывал мелкие мазки, а завершал работу лёгкими, едва заметными касаниями кисти. Его картины кажутся чрезвычайно яркими, насыщенными цветом, а его техника наложения красок до сих пор остаётся загадкой для искусствоведов.

Одно из самых значительных произведений Вермера – «Искусство живописи», созданное им в поздний период творчества (1665–1667). Мастер изобразил себя за мольбертом, но сидит он, повернувшись спиной к зрителю. Картина насыщена символикой и в то же время представляет собой жанровую сцену.

В последние годы жизни художник тяжело болел и работал мало, а вскоре после смерти был забыт. Лишь в эпоху импрессионизма его картины, полные лиризма и поэзии, были оценены по достоинству.

Вру́бель Михаи́л Алекса́ндрович

(1856–1910) – русский живописец, театральный художник, график, скульптор и архитектор, один из представителей стиля модерн в русском искусстве.

Врубель родился в Омске, в семье военного юриста. С детства брал частные уроки рисования, закончил гимназию в Одессе с золотой медалью, в 1867–1869 гг. учился в Рисовальной школе Общества поощрения художников.

В 1874–1879 гг. он учился на юридическом факультете Санкт-Петербургского университета, а после его окончания поступил в Академию художеств. К этому моменту он уже был всесторонне образованным человеком: владел четырьмя языками, был знатоком философских течений.

В 1884 г. Врубеля пригласили выполнить росписи Кирилловской церкви в Киеве. Среди композиций, созданных художником, выделяется образ Богоматери, которой он придал черты любимой женщины. У многих этот факт вызвал недовольство.

Вскоре Врубель уехал в Италию, а вернувшись из Венеции в Клев, представил свои эскизы для росписи Владимирского собора. Жюри не приняло эскизы Врубеля из-за несоответствия общепринятому канону.

С 1889 г. художник жил под Москвой, в Абрамцево. Он увлёкся майоликой (вид керамики), создавал изразцовые камины, скамьи, сказочные скульптуры – «Садко», «Снегурочка», «Морской царь», «Берендей». Источником многих сюжетов было творчество композитора Н. Римского-Корсакова, с которым Врубеля связывала тесная дружба.

В 1890 г. художник создал картину «Демон (сидящий)», и впоследствии он не раз возвращался к этому образу из поэмы М. Лермонтова. Картина вызвала бурную полемику. Образ Демона будто бы соткан из противоречий: красота, величие, сила сочетаются в нём со скованностью, беспомощностью и тоской. Поэт А. Блок написал об этом: «Демон Врубеля – символ нашего времени, ни ночь, ни день, ни мрак, ни свет».

Впечатления от поездки по Италии и популярной оперы Ж. Бизе «Кармен» воплотились в декоративных панно «Венеция» (1894) и «Испания» (1894), а также в полотне «Гадалка» (1885). В 1890 г. художник писал портреты, работал над созданием театральных декораций, занимался архитектурными проектами, иллюстрировал книги.

В 1895 г. он познакомился с будущей женой – известной оперной певицей И. Забелой, образ которой запечатлён в «Маргарите» (1896), «Царевне-лебеди» (1900), её огромные глаза проступают сквозь линии и пятна на полотне «Сирень» (1900). В своём творчестве Врубель постоянно обращался к сюжетам из былин, легенд, сказок и классической литературы: «Суд Париса» (1893), «Фауст», «Принцесса Грёза», «Микула Селянинович» (1896), «Пан» (1899).

Счастливая семейная жизнь, рождение сына, всеобщее признание – ничто не предвещало бедствий, которые ожидали художника в начале XX в. В 1899 г. Врубель работал над полотном «Демон летящий», а в 1901–1902 гг. – над «Демоном поверженным». Эти картины глубоко трагичны, в них отразилась надвигающаяся на художника болезнь.

В 1902 г. Врубель был помещён в психиатрическую лечебницу, где провёл два года. Смерть маленького сына в 1903 г. усугубила его душевное состояние.

В 1904 г. художник вернулся в Петербург. Он написал несколько автопортретов, картины «Портрет Н. Забелы на фоне берёзок», «Жемчужина», а в 1905 г. получил звание академика. Из-за обострения болезни художник был вынужден вернуться в лечебницу. Однако и там он делал рисунки с натуры и портреты окружающих людей. Последней работой Врубеля стал графический портрет В. Брюсова (1906) – художник потерял зрение и последние четыре года жизни работать не мог.

Ге Никола́й Никола́евич

(1831–1894) русский художник, один из основателей Товарищества передвижников.

Ге родился в Воронеже, а детство художника прошло в Подольской губернии. В 1847 г. Ге поступил в Киевский университет на математический факультет, а затем перешёл в Петербургский университет. В 1850 г. Ге оставил университет и начал обучение в Академии художеств.

В 1856 г. за дипломную работу на библейскую тему «Саул у Аэндорской волшебницы» он получил Большую золотую медаль и право на поездку за границу. С 1857 г. художник жил в Италии, увлекался античной историей, писал эскизы «Смерть Виргинии», «Любовь весталки».

В 1863 г. Ге привёз в Петербург и выставил на осенней выставке в Академии художеств картину «Тайная вечеря». В этом произведении Ге выступил как последователь А. Иванова, его философско-нравственного направления в русском искусстве. Христианство рассматривалось ими как путь к нравственному совершенствованию человека. Известный евангельский сюжет Ге трактовал по-новому – как жизненную драму человека. За полотно «Тайная вечеря» Ге получил звание профессора портретной и исторической живописи Академии художеств.

С 1864 по 1869 г. художник работал в Италии. Там была написана одна из самых ярких картин на евангельские сюжеты «Христос в Гефсиманском саду» (1868), которая экспонировалась на выставке во Флоренции. За границей Ге познакомился с художником Г. Мясоедовым и, вдохновлённый его рассказами о создании Товарищества передвижных художественных выставок, вернулся в Россию.

В Петербурге Ге активно занимался организацией Товарищества передвижных выставок вместе с И. Крамским. В эти годы творчество Ге было близко демократическому реализму передвижников. Ярким примером этого может служить картина на историческую тему «Пётр I допрашивает царевича Алексея» (1871).

В 1870–1880 гг. художник работал над портретами. Ясностью, простотой, строгим колоритом отличаются портреты И. Тургенева (1871), Н. Некрасова, М. Салтыкова-Щедрина (1872) и Л. Толстого (1884).

В последующие годы у Те возникли разногласия с передвижниками.

В 1875 г. художник, неудовлетворённый результатами творческих поисков и в связи с материальными затруднениями, навсегда покинул Петербург. Он поселился на хуторе в Черниговской губернии.

Последний период творчества художника связан исключительно с евангельскими темами. Работы «Что есть истина» (1890), «Голгофа» (1892), «Распятие» (1894) глубоко философичны, эмоциональны и выразительны. Эти картины созданы мастером под явным влиянием мировоззрения Л. Толстого, с которым он поддерживал дружеские отношения с 1880 г.

Умер Те на хуторе в Воронежской губернии.

Гоге́н Поль

(1848–1903) – французский художник, создатель постимпрессионизма в живописи.

Гоген родился в Париже, но отец, сотрудник газеты, отправился с годовалым сыном в Перу. На корабле отец внезапно умер, и первые годы жизни Гоген провёл у родных матери в Южной Америке.

С 1865 по 1871 г. Гоген был матросом, кочегаром на флоте, а в 1872–1883 гг. служил в финансовой конторе в Париже, стал преуспевать и женился на зажиточной датчанке.

Он увлёкся живописью и в 1878 г. впервые участвовал в выставке импрессионистов. В 1883 г. Гоген переехал с семьёй в город Руан, а затем в Копенгаген. За это время он лишился всех сбережений и впал в нищету, которая не оставляла его до конца жизни.

Выставка работ художника в Копенгагене в 1884 г. не имела успеха, в 1886 г. он писал в Бретани пейзажи, затем увлёкся лепкой, создал множество керамических сосудов-портретов, оригинальных по исполнению.

В 1887 г. он посетил Панаму и Мартинику. Впечатления от этих мест воплотились в керамических работах и картинах, которые ничуть не улучшили материального положения художника.

Дойдя до предела нищеты, Гоген принял предложение Ван Гога поселиться в Арле, но грандиозная ссора положила конец дружбе этих двух мастеров.

В 1888 г. художник занялся разработкой нового стиля в живописи. Результатом этой работы стали картины «Видение после проповеди» (1888) и «Натюрморт с японским эстампом» (1889).

В 1891 г. Гоген отправился на Таити, где стиль художника приобрёл законченную форму. В течение двух лет он написал пятьдесят картин и создал цикл иллюстраций к сборнику местных сказаний. Наиболее известные работы этого периода – «Утрата невинности» (1891), «А ты ревнуешь?», «Таитянки» (1892), «Женщина, держащая плод» (1893).

В 1893 г. Гоген вернулся в Париж, но его персональная выставка была принята отнюдь не восторженно. В 1895 г. он возвратился на Таити.

Последующие шесть лет художник провёл на Таити, где создал такие шедевры, как «Женщина под деревом манго», «Жена короля» (1896), а также большое панно «Откуда мы? Кто мы? Куда мы идём?» (1897).

Тяжело больной художник продолжал жить в нищете, а в это время в Европе его произведения стали очень популярны.

В 1901 г. Гоген переехал на остров Хива-Ова. Там им были созданы такие выдающиеся картины, как «Золото их тел» (1901), «Мать и дочь», «Девушка с веером» (1902), «Автопортрет» (1903), а также написана книга «До и после». Художник умер отшельником, оставаясь в неведении о своей известности в мире.

Го́йя-и-Лусие́нтес Франси́ско Хосе́ де

(1746–1828) – испанский живописец и гравёр.

Гойя родился в селении Фуэндетодос, близ города Сарагоса, в семье ремесленника. В юности он обучался живописи у местного живописца, а в 1766 г. отправился в Мадрид.

В конце 1760 г. художник уехал в Италию, жил в Риме и Парме, а потом вернулся в Сарагосу. Его первая крупная работа – роспись церкви Аула Деи в Сарагосе (1772–1774).

В 1774 г. Гойя вновь приехал в Мадрид. Он получил заказы на эскизы для Королевской шпалерной мануфактуры (1776–1791), а в 1780 г. был избран в Королевскую академию.

Работы этих лет – «Зонтик» (1777), «Мадридский рынок», «Продавец посуды» (1778) – изображают красочные сцены из испанской жизни. Одновременно художник писал портреты и алтарные фрески для церквей Валенсии, Толедо и других городов. В 1786 г. он получил звание придворного художника, а впоследствии стал первым живописцем короля.

В 1792 г. после тяжёлой болезни Гойя потерял слух, стал вести замкнутый образ жизни. Жизнерадостность его первых произведений сменилась более критическим отношением к действительности, в картинах стал появляться сарказм. Серия «Капричос» («Игра воображения»), состоящая из восьмидесяти офортов и созданная в 1797–1798 гг., высмеивает людские суеверия и пороки, вырождение аристократии, карьеризм чиновников, ханжество и мракобесие духовенства. Наиболее известный из этих офортов – «Сон разума рождает чудовищ». Офорты этой серии моралистичны, но в них уже видны черты реалистического искусства XIX в.

В 1800 г. Гойя создал парадный групповой портрет королевской семьи, где некрасивые холодные лица Карла IV, его жены Марии-Луизы и их детей производят отталкивающее впечатление.

Одной из вершин творчества художника являются несколько жанровых картин с изображением прекрасных молодых женщин – серия «Махи» (1802–1812). Самые известные среди этих картин – «Обнажённая маха» и «Одетая маха», на которых запечатлена возлюбленная Гойи – Каэтана Альба. В то же время художник создал много портретов своих соотечественников, в которых он видел идеал свободной личности, бросающей вызов обществу.

Весной 1808 г. в Испании началось восстание, которое было подавлено французскими войсками. Эти события отразились в таких картинах мастера, как «Восстание 2 мая в Мадриде», «Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая» (ок. 1814) и др., а также в серии офортов «Бедствия войны» (1810–1820).

Среди графических работ этого периода выделяется также серия «Бой быков» (ок. 1815), где изображена история этого популярного в Испании развлечения.

В 1819 г. Гойя приобрёл загородный дом, в котором прожил вплоть до 1823 г. Там был создан цикл фресок, выразивший всю глубину разочарования художника ходом политических событий в Испании. Некоторое время художник был вынужден скрываться от гнева инквизиции и короля Фердинанда VII, который пригрозил ему казнью. В 1824 г. Гойя эмигрировал во Францию, и жил сначала в Париже, а потом в Бордо, где и скончался, забытый всеми.

Однако уже в середине XIX в. творчество Гойи обрело восторженных поклонников, увидевших в его работах черты, характерные для искусства XIX – ХХ вв.