Текст книги "Музыка, движение и воспитание"

Татьяна Сергеевна Овчинникова, Анна Александровна Симкина
Музыка, движение и воспитание

Введение

Для того чтобы понять, в чем особенность метода коррекционной ритмики, необходимо разобраться в таких простых технологиях, близких по содержанию и формам, как ритмика, аэробика, хореография, логоритмика, фонетическая ритмика, хореотерапия, танцевальная динамическая терапия и пр.

Часто педагоги, заменяя одно понятие другим, «изобретают» инновационные технологии, не подозревая, что решают одни и те же задачи такими методами и приемами работы, которые отличаются только текстами или музыкой. Для детей дошкольного возраста это особенно недопустимо, поскольку никогда «взрослые» методы работы не могут быть применимы к малышам. Адаптация методики для детей должна быть осуществлена педагогами, которые понимают, в чем сущностное отличие ее от других подобных техник.

Мы живем в такое удивительное время, когда образование «накрывает» то одной, то другой «модной волной». В дошкольных учреждениях все чаще можно услышать слова «стретчинг», «шейпинг», «черлидинг», «аэробика», «танцевальный дошкольный фитнес», «танцевальный тренинг», «спортивные танцы», «бальные танцы».

Как сориентироваться во всем этом многообразии? Можно ли эти методики применять для моего ребенка? А если у меня ребенок особенный и у него есть некоторые (пусть небольшие) ограничения возможностей здоровья?

Вместе с вами, дорогие читатели, попробуем разобраться во всех этих вопросах. Предлагаемый синкретический метод коррекционной ритмики основывается на многих названных техниках, а музыкальным сопровождением ему служат простые, очень доступные по интонации и ритму мелодии Анны Александровны Симкиной. Замечательный Санкт-Петербургский педагог, многие годы занимаясь музыкальным воспитанием детей в логопедическом са ду, написала для них эти мелодии. Главная идея творчества Анны Александровны заключается в том, чтобы каждый ребенок мог спеть ее песни, не задумываясь о своих вокальных возможностях, пофантазировать, подурачиться и получить радость от движения, не зависимо от возраста, двигательных и танцевальных умений.

Часть 1
Обучение, развитие, коррекция

Выразительность движения

Движение под музыку – неотъемлемая часть пластической культуры человека, которая формируется с раннего детства, оно воспитывает у ребенка музыкальный вкус и представления о красоте. Обучение танцевальным движениям развивает у детей выразительность и эмоциональность, вырабатывает красивую осанку и элегантную походку.

Овладение элементами хореографии, народных, современных и бальных танцев повышает самооценку ребенка и уверенность в себе, учит доброжелательности, внимательности к окружающим. Танцевальные игровые импровизации обогащают детей яркими образами, создают условия для эмоциональной разрядки, развивают фантазию и воображение.

Проявления эмоциональных переживаний и намерений человека в мимике (в выражении лица, в улыбке, в движениях глаз), в пантомимике (в движениях тела, в осанке, в жестах), и в интонации речи называются выразительными движениями – по определению, данному в психологическом словаре. Выразительные движения – это своеобразный «язык» для передачи чувств, оценок, желаний: недовольства, одобрения, похвалы, гнева, презрения, просьбы, мольбы. (Кондаков И., Психологический словарь, 2000)

Определение сущности выразительности движения представлено в музыкальной, танцевальной и театральной педагогике, в художественной гимнастике, психологии, физиологии.

Понимание выразительности движения в театральной педагогике связано с именами М. М. Бахтина, К. С. Станиславского и другими деятелями культуры, которые рассматривали выразительность через эстетику мироздания.

В музыкальной педагогике выразительные движения наделяются качествами, которые необходимо воспитывать у детей: чувством ритма и пространства, темпом и точностью мышечных усилий (Н. Г. Александрова, А. Я. Арисменди, Л. Л. Бочкарев, Э. Далькроз, Г. А. Ильина и др.).

В танцевальной педагогике (Р. В. Захаров, А. М. Мессерер, и др.) выразительное движение – не только овладение определенной танцевальной формой, а в первую очередь выражение индивидуальности и свободное владение собственным телом.

В художественной гимнастике (Э. П. Аверкович, Ю. И. Смирнов, О. А. Иванова и др.) выразительность движения оценивается с позиции двигательных умений, физических качеств, координации, свидетельствующих о совершенном владении пространством и временем.

В психологических исследованиях считается, что выразительность движения осуществляется через ритмическое переживание, регуляцию своих движений и освоение новых способов невербальных коммуникаций (С. Лангер, К. Рудестам).

Именно с таким широким спектром понимания выразительности движения связано развитие самостоятельных направлений воздействия на человека средствами музыки и появления такого огромного числа разнообразных технологий (см. схему).

Схема

Технологии музыкального воздействия на основе движения

Среди всех музыкально-двигательных воздействий выделяют следующие:

1) танцевальную педагогику (хореографию) – обучение навыкам танца;

2) музыкально-ритмическую педагогику (музыкально-рит мическое воспитание) – развитие музыкальных способностей ребенка (чувства ритма, музыкального слуха, отзывчивости на музыку);

3) коррекционную музыкальную педагогику (коррекционную ритмику) – двигательный тренинг и коррекция движения, познавательных и эмоционально-волевых процессов, позволяющих исправить нарушенные навыки и автоматизировать новые;

4) музыкотерапию – помощь в решении личностных проблем человека; музыка играет вспомогательную роль, активизируя эмоции человека и усиливая процессы «проживания» и «отыгрывания» имеющихся трудностей;

5) гимнастику – тренировка человека за счет выполнения упражнений в разных темпах и характерах, музыка имеет второстепенное значение и используется только как катализатор двигательной активности.

ДОГОВАРИВАЕМСЯ!

В какой бы технике мы ни работали, цель нашего музыкально-эстетического воспитания:

✓ формирование у ребенка потребности в самовыражении через движение, танец, пение, рисунок и пр.;

✓ обучение ребенка выразительным средствам экспрессии (мимике, пантомимике, интонированию);

✓ удовольствие и радость, получаемые ребенком от любого музыкального творчества, не зависимо от результата.

Движение и обучение. Танцевальная педагогика

Человечество танцует с незапамятных времен. Уже в наскальных рисунках, созданных несколько тысяч лет тому назад, встречаются изображения пляшущих людей. А в дошедших до нас творениях живописи и скульптуры Древней Греции и Рима, Древнего Египта и Китая танцевальным сюжетам нет числа. Рядом с человеком танцующим нередко изображен человек играющий, с музыкальным инструментом в руках. Музыка и танец неразлучны, танец без музыки почти немыслим. Танцевальная музыка двухтысячелетней давности для нас, к сожалению, потеряна, однако чем ближе мы к нашей эпохе, тем сведений больше, а о танцах последних пятьсот лет нам уже многое известно. Танцевальная мода за это время неоднократно менялась. Тем более что у каждого народа есть свои пляски, у каждой общественной группы – свои танцевальные символы, у каждой эпохи – свой танец-фаворит. На балах у испанских королей танцевали медлительную павану или торжественную сарабанду, а на палубах кораблей английские матросы лихо отплясывали жигу. В украинских деревнях плясали гопак, а на улицах итальянских городов царила тарантелла.

Возникновение танцевальной культуры тесно связано с древним бытом – танцы по-своему отражают жизнь народа. «Посмотрите, – говорил Н. В. Гоголь, – народные танцы являются в разных уголках мира… Откуда родилось такое разнообразие танцев? Оно родилось из характера народа, его жизни и образа занятий». Многие народные пляски произошли от трудовых движений или древних игр. Музыка каждого танца имеет свой темп, размер и только ему присущий ритмический рисунок. Для русской камаринской, итальянской тарантеллы типично быстрое, стремительное движение. А для французского менуэта, кубинского танго – движение спокойное, неторопливое. Вальс и мазурка обязательно имеют трехдольный размер, а кадриль и полька – двудольный.

Ребенок начинает реагировать на танцевальную музыку с рождения. Уже в пять-шесть месяцев можно увидеть улыбку на его мордашке, дрыганье ножками в ритм мелодии, попытки хлопать в ладоши – ребенок возбужден и обрадован.

Маленький человек первый раз приходит на занятия в музыкальный зал заниматься хореографией, смотрит на себя в большое зеркало, слышит музыку – и начинает творить. Он постепенно узнает, что танцевальная культура очень многогранна и разнообразна, что одни движения неспешны, другие порывисты, некоторые движения просты и незамысловаты, другие чрезвычайно изощренны и глубокомысленны.

Что такое хореография?

Хореография, хореографическое искусство (от др. – греч. χορεια– танец, γραφω – пишу) – танцевальное искусство в целом, во всех его разновидностях.

Высшей формой хореографического искусства является балет, средствами которого стала система европейского классического танца. В исторически сформировавшейся программе подготовки артистов балета классический танец является базой, формирующей комплекс из следующих дисциплин сценического танца: дуэтно-классический танец, народно-характерный танец, исторический танец, современный танец и актерское мастерство.

В основе обучения балетному искусству лежит принцип перевоплощения – актерское мастерство (Actor’s skill) – техника, которая в хореографии отличается спецификой, прежде всего связанной с ограниченным набором «инструментов» танцовщика (тело; танцевальная техника; музыкальность; чувство ритма; эмоциональность; наблюдательность; память; воображение; эрудиция; скорость реакции и пр.), исключающих использование голоса. Актерское мастерство танцовщику необходимо, чтобы выразить содержание музыки через танец. Одно из главных выразительных средств балета – танец, предполагающий создание хореографического образа на сцене.

• Классический танец (Classical dance) – вид сценического танца, главное выразительное средство которого – система художественного мышления, оформляющего выразительность движений, присущих танцевальным проявлениям человека на различных стадиях культуры.

• Дуэтно-классический танец – танец двоих с использованием поддержек, строится на основе классического.

• Характерный танец (Character dance), иногда его называют народный, – синтез элементов танцев различных народностей на основе классического танца.

• Исторический танец (Historical dance) – переработка бальных, бытовых танцев различных эпох на основе классического танца.

• Современный танец (Contemporary Dance) – направление искусства танца, включающее танцевальные техники и стили XX – начала XXI в., сформировавшиеся на основе американского и европейского танца модерн и танца постмодерн.

Современный танец в отличие от классического подвижен, непредсказуем и не хочет обладать какими-то правилами, канонами. Он пытается воплотить в хореографическую форму окружающую жизнь, новые ритмы, новые манеры, создает новую пластику. Поэтому современный танец интересен и близок молодому поколению.

Сейчас в нашей стране происходит подъем современного танца, он живет и активно развивается. Существуют различные школы, труппы, театры современного танца, которые отличаются своеобразным стилем хореографии:

• Стэп (степ, или чечетка, или теп-дэнс) – танец, который еще называют «музыка ног». Во время танца мы отражаем мелодию, выстукивая ритм ногами, и создаем музыку. Сейчас этот танец снова в моде и испытывает свое второе рождение. Tap drums – новое направление в стэпе – соединение элементов традиционного стэпа (traditional tap) и хуфер (hoofer) на специальной деревянной подставке, подобно page star dancing, под собственный аккомпанемент на цифровом баяне.

• Бальный танец – вид парного танца, имеющий народные истоки, исполняемый в специальных помещениях (в театре, кино, на телевидении и др.). Исторический бальный танец – любая форма формального общественного танца, который исполнялся в обществе в разные эпохи ради развлечения.

• Народный (фольклорный) танец – вид народного танцевального творчества, распространенный в быту, отражающий пластическую выразительность этноса или этнической группы, которая проявляется в характере, координации движений, в музыкально-ритмической и метрической структуре танца, манере его исполнения и др.

• Социальный танец (Social dance) – массовый, общедоступный, бытовой танец. К социальным танцам относятся: латиноамериканские (сальса, меренге и др.), восточные танцы (танец живота), аргентинское танго, ирландский степ, фламенко, так называемые танцы улиц (хип-хоп, брейк и т. п.), клубные танцы, хастл, рок-н-ролл и джаз. Отличительным признаком социальных танцев является импровизационность.

• Эстрадный танец (Variety dance) – характерна внешняя выразительность, развлекательный характер, виртуозность, внешняя эффектность

• Джазовый танец (Jazz dance) – направление танца, зародившееся в США в конце IX в. Основные черты джаз-танца – основополагающая роль ритма, импровизация, высокое техническое мастерство исполнителя. В настоящее время существует несколько стилей джаз-танца, среди которых выделяются: модерн-джаз, (соединивший технику классического танца, модерна и джаза), афро-джаз, фолк-джаз, стрит-джаз, блюз-джаз.

Таким образом, танец – это форма хореографического искусства, в которой средством создания художественного образа являются движения и положения человеческого тела. Именно танец является «китом» музыкально-ритмического воспитания детей.

ЗАПОМИНАЕМ!

Научить выразительным танцевальным движениям – вот главная цель педагогики. В дошкольном детстве мы не учим классической хореографии, мы всего лишь расширяем у ребенка «словарь» экспрессивных двигательных умений.

Особое место в развитии танцевального искусства занимает свободный танец (для нас это очень важно), развитие которого связано с именем Айседоры Дункан[1]1
  Дункан Айседора (урожденная Дора Энджела Дункан, в русской транскрипции Изадора Дункан (1877–1927) – американская танцовщица, основоположница свободного танца, предтечи танца модерн. Танцевала босиком, вместо балетного костюма была одета в древнегреческий хитон. В основе своих танцев использовала пластику солнечной Греции. В 1921–1924 гг. жила в России, организовала танцевальную студию в Москве.


[Закрыть]. Танцовщица настаивала на том, что танец должен быть естественным продолжением человеческого движения, отражением эмоций и характера исполнителя. По убеждению Дункан, танец рождается от импульса, посланного душой исполнителя. Душевный порыв танцовщицы воплощается в музыке движений, тогда как в классике музыка дает пищу воображению и рождает танец. Все эти идеи, новаторские по своему характеру, естественно, вступали в противоречие с классическим танцем и балетной школой того времени. Стремления великой танцовщицы шли намного дальше простого совершенствования исполнительского мастерства, она мечтала о создании homo novus (лат. – «новый человек»), гармоничного, духовного, высоконравственного. А. Дункан писала, что новая женщина будет иметь высокий интеллектуально-физический уровень: «Если мое искусство символично, то символ этот – только один: свобода женщины и эмансипация ее от закосневших условностей, которые лежат в основе пуританства». Своим танцем она восстанавливала гармонию души и тела.

Свободный танец стал основой импровизации и родоначальником всех техник, которые связаны с воображением, переживанием, свободой выражения чувств. Танец А. Дункан подготовил ритмику Э. Жака-Далькроза и музыкальное движение С. Д. Рудневой[2]2
  Руднева Стефанида Дмитриевна (1890–1989) – музыкальный педагог, основатель и художественный руководитель студии музыкального движения «Гептахор» в Петрограде (Ленинграде) (1914–1935), методист по художественному воспитанию детей в Москве и Московской области (1935–1956). Одна из старейших российских педагогов в области танцевальной работы с детьми, ей принадлежит основная заслуга в разработке метода музыкально-двигательного воспитания, с помощью которого она и ее многочисленные ученики на протяжении многих десятилетий проводили занятия по художественному воспитанию детей.


[Закрыть], стал основой системы Л. Н. Алексеевой[3]3
  Алексеева Людмила Николаевна (1890–1964) – танцовщица знаменитой студии Елены Книппер-Рабенек. Создала собственную студию в 1913 г. Начало века – время славы Айседоры Дункан, когда много говорили и писали о физическом вырождении человечества, о запущенности тела, время создания новой двигательной школы, когда теоретики новой гимнастики Ф. Дельсарт, Э. Жак-Далькроз, Ж. Демени ратовали за сближение движения с музыкой, с искусством. Л. Н. Алексеева создала систему музыкального движения, по которой можно учиться и учить и которая выдержала испытание временем и эпохой.


[Закрыть].

Музыкальное движение Стефаниды Рудневой – это целое направление популяризации ритмики в России, ставшее мостиком между танцевальными образами на темы классических программных произведений А. Дункан и музыкально-двигательными этюдами Л. Алексеевой. Если Дункан в танцах выражала то, как она слышит, переживает и проживает музыкальные произведения, растворяясь и сливаясь с ним, то гимнастика Л. Алексеевой подготовила появление техник актерского мастерства и психогимнастику.

Что же такое система Алексеевой и в чем ее уникальность? В том, что на уроке исполняют не упражнения, а законченные выразительные этюды, сочиненные Алексеевой на определенную музыку и имеющие определенную двигательную задачу. Под какую только музыку не танцуют! Тут и классика: Бах, Шуман, Шопен, Брамс, Бетховен, тут и этюды Черни, Шитте, Лешгорна, Лютша, Хеллера. Оценка «этюды, сочиненные на определенную музыку» звучит очень сухо. На самом же деле драгоценным свойством системы Алексеевой является необычайное слияние музыки с движением. Идеальный танец создается только тогда, когда все наше тело станет звучащим музыкальным инструментом и на каждый звук, как его резонанс, будет рождаться жест.

Л. Н. Алексеева создала более трехсот этюдов. За время урока ученики разучивают от тридцати до сорока этюдов, заставляя трудиться все группы мышц, все тело от головы до кончиков пальцев. Каждый музыкальный этюд – это выразительный, лаконичный сюжет с завязкой, развязкой и кульминацией.

Именно этот прием взят нами в работе с дошкольниками за основу, когда простейшие песни превращаются в уникальные двигательные, танцевальные этюды.

ПРАВИЛО ПЕРВОЕ

Учить дошкольников танцевальным движениям, для того чтобы помочь детям выразительно показать тот или иной образ (животного, сказочного персонажа, ожившего виртуального героя и т. д.), а не ради освоения хореографии. Соединяем музыку и движение, создавая «двигательную картину».

Движение и развитие. Музыкально-ритмическая педагогика

Ключевое понятие музыки – музыкальный ритм – это чередование и соотношение различных музыкальных длительностей и акцентов. Ритм – яркое выразительное средство. Именно он создает иллюзию движения и развития во времени, часто определяет характер и даже жанр музыки. Благодаря ритму мы можем, например, отличить марш от вальса, мазурку от польки. Для каждого из этих жанров характерны определенные ритмические фигуры, которые повторяются в течение всего произведения.

Прародителем и основоположником ритмики традиционно считают Эмиля Жака-Далькроза – швейцарского композитора и педагога[4]4
  Жак-Далькроз Эмиль (1865–1950) – швейцарский педагог, композитор. Разработал систему музыкально-ритмического воспитания. Его метод, основанный на передаче образного содержания музыки пластическим движением, использовался в балетных школах и институтах ритмического воспитания ряда стран, в том числе в России.


[Закрыть]. Наряду с серьезной музыкой он писал забавные и остроумные стишки, сочинял на них песенки и сам распевал их. Музыка Далькроза была столь характерна и своеобразна, что достаточно было прослушать несколько тактов, чтобы назвать автора. В Женевской консерватории профессор Эмиль Жак-Далькроз, отчаявшись научить своих учеников воспринимать ритмическую структуру музыкального произведения, предложил им на уроке сольфеджио пользоваться дирижёрским жестом, что сразу помогло ученикам действенно ощутить ритм музыки. Позднее Далькроз присоединил к движениям рук шаги, бег и прыжки при выполнении ритмических рисунков (обратите внимание на то, что, соединив руки, ноги, голову и слово, можно добиться многого). Именно сольфеджио навело его на мысль о воплощении музыкального звучания в движение. Это и было началом системы, названной впоследствии системой ритмической гимнастики, а позднее – ритмикой, а пока соединение музыки с движением называли «faire les pas» (делать шаги). Многие шутя говорили просто «pas Jaques» (шаги Жака)!

Так началась революция в сфере музыкального воспитания. Далькроз чувствовал необходимость участия всего тела в интерпретации элементов музыкальной выразительности. Он искал связь между моторикой и слуховыми восприятиями и считал, что стоит на пороге нового вида искусства, к которому приближался с трепетом. Главные принципы, которые проповедовал Далькроз, обучая ритмике: «Музыка звуков и музыка жестов должна быть воодушевлена одними чувствами»; «Музыка должна одухотворять движение тела, чтобы оно воплотилось в «зримое звучание». Движение-танец становится элементом, имеющим действенное, эстетическое и социальное значение.

Система Далькроза изначально вызвала резкое осуждение общественности. Желание сопровождать песни движением называли «гримасничаньем». Борьба Далькроза за воплощение своих идей длилась долго. В 1903–1905 гг. Далькроз много писал о музыкальном воспитании, горячо возражал против устаревших методов обучения, считая, что учителя музыки, пренебрегая самим искусством музыки, заботятся об одной только технике. Далькроз утверждал, что порядок преподавания должен быть таков: ритм, звук, инструмент. Этому соответствуют: 1) физические упражнения, 2) упражнения для слуха и голоса, 3) выяснения взаимоотношений между движениями тела и механизмом данного инструмента.

Далькроз особенно подчеркивал значение ритмики для детей, так как движение является биологической потребностью их организма. Он говорил, что, вводя ритм в школьное образование, мы тем самым готовим ребенка к познанию искусства вообще, поскольку ритм является базой для всякого искусства – музыки, скульптуры, архитектуры, поэзии. Система музыкально-ритмического воспитания заключается в развитии чувства ритма как чувства времени, иными словами, в развитии координации между нервной и мускульной деятельностью человека, что помогает достигать автоматизма в самых сложных движениях. Работа над созданием и оформлением метода ритмического воспитания относится к 1900–1912 гг.

НАПОМИНАЕМ!

Для того чтобы научить двигаться под музыку, необходимо иметь развитое чувство ритма, приемы работы над ним мы заимствовали из системы Далькроза.

ПРАВИЛО ВТОРОЕ

Развиваем все музыкальные способности (ритмическое чувство, эмоциональную отзывчивость, мелодический, динамический и тембровый слух) через синкретическую деятельность всех анализаторов: зрение, слух, движение. Ребенок осваивает не технику выполнения движения, а создает динамический двигательный образ, для чего он должен его ритмически визуализировать (представить и нарисовать черно-белый рисунок образа, характер которого определяют ритм линий. Соединяем графический рисунок, ритм и движение.