Текст книги "Пастельная живопись. Русская реалистическая школа. Учебное пособие для вузов"

Юлия Дорофеева, Алексей Моисеев
Пастельная живопись. Русская реалистическая школа. Учебное пособие для вузов

Научный консультант:

С. П. Ломов – доктор пед. наук, профессор, действительный член РАО, почетный член РАХ

Рецензенты:

Е. Л. Суздальцев – зав. кафедрой живописи МГОУ, канд. пед. наук, доцент

Е. В. Ромашко – заслуженный художник РФ, действительный член РАХ, канд. пед. наук, профессор, зав. кафедрой академической живописи МГХПА им. С. Г. Строганова

С. Е. Игнатьев – доктор пед. наук, профессор кафедры теории и методики преподавания изобразительного искусства МПГУ

© Дорофеева Ю. Ю., Моисеев А. А., 2014

© ООО «Гуманитарный издательский центр ВЛАДОС», 2014

От авторов

В книге пастельная живопись рассматривается как учебная дисциплина, системно изучаемая на факультетах изобразительного искусства, с учетом методических, технологических, исторических аспектов пастельной техники, а также с искусствоведческой точки зрения и психолого-педагогических основ преподавания. В этом – особенность издания.

Опыт преподавания искусства пастельной живописи, ее использование в смешанной технике на занятиях по живописи, пленэрной практике и в творческой работе студентов приводит к необходимости более глубокого рассмотрения этой техники в традициях отечественной реалистической школы. Данное учебное пособие делает акцент на технике работы сухой пастелью методом растирания. Пастель хорошо подходит для решения любых творческих задач, в частности для работы над мало освещенными ранее жанрами: тематическим натюрмортом, сюжетной и тематической композицией.

Особое внимание мы решили уделить пастели в контексте развития отечественного изобразительного искусства, описать творческий опыт художников, оказавших наибольшее влияние на формирование русской школы пастельной живописи: Александра Орловского, Карла Брюллова, Алексея Венецианова, Константина Маковского, Ильи Репина, Исаака Левитана, Валентина Серова, Михаила Врубеля, Льва Бакста, Леонида Пастернака, Александра Головина, Бориса Кустодиева, Константина Сомова, Сергея Малютина, Зинаиды Серебряковой, Алексея Грицая. В книге описаны произведения художников с раскрытием технико-технологических особенностей, авторских приемов и техник.

В книге приводится методика обучения пастельной живописи в сочетании со смешанными техниками. Методика основывается на передовом опыте отечественных и зарубежных ученых, педагогов и художников. В основе ее формирования лежит опыт мастерской станковой графики факультета Изобразительного искусства и народных ремесел Московского государственного областного университета под руководством канд. пед. наук, доцента А. Н. Витковского, канд. пед. наук, доцента Чистова П. Д. Иллюстративный материал книги включает работы преподавателей (П. Д. Чистова, А. А. Моисеева, Ю. Ю. Дорофеевой) выпускников (Ю. Кушевского, Г. Лосева, М. Лавровой и др.), а также учащихся факультета Изобразительного искусства и народных ремесел.

Введение

В настоящее время существует необходимость повышения эффективности подготовки студентов на факультетах изобразительного искусства, что возможно при развитии технических навыков в рисунке, живописи и других специальных дисциплинах, учете связей между областями изобразительного искусства, активизации творческих способностей, повышении мотивации к самообучению.

Реализация данной цели возможна посредством включения интегрированного курса искусства пастельной живописи в процесс обучения, поскольку пастель имеет качества и выразительные свойства живописи и рисунка, подходит для учебной, творческой аудиторной и самостоятельной работы над любым из жанров изобразительного искусства, предполагает вариативность техник, позволяющих выполнять задачи любого уровня сложности: наброски животных, многоплановые пейзажи, реалистические портреты, сюжетные фигуративные композиции, тематические натюрморты и др.

Важно отметить необходимость грамотной организации процесса обучения пастели, в том числе на факультетах изобразительного искусства, поскольку по данным опросов студентов можно выявить их потребность в более глубоком обучении пастельной технике на занятиях по рисунку, живописи, композиции, пленэрной практике и в самостоятельной творческой работе.

Тенденция возрастания интереса к технике пастели объясняется отчасти тем, что пастель – доступный и удобный материал с широким спектром возможностей, применяемый в рисунке и живописи, но не требующий при этом разбавителей, кистей, палитры, мастихинов и пр. Для ознакомления с этим материалом, достаточно иметь подходящую основу (например, шероховатую бумагу) и около десяти мелков различного цвета и тона.

Зародившаяся в эпоху Возрождения, пастель активно использовалась художниками в стилях рококо, символизма, импрессионизма, неоимпрессионизма, экспрессионизма, академизма, реализма, фовизма, авангардизма и абстракционизма. В данном разделе мы рассмотрим творчество основных представителей характерных художественных школ пастели Франции, Италии, Германии, Англии, а также художников Швеции, Швейцарии, Австрии, Голландии, Турции, Норвегии, Литве, Чехии, Испании использовавших пастельные техники.

Пастель может рассматриваться как универсальная техника, способная решать творческие задачи в портретном жанре, натюрморте, пейзаже, тематической композиции. Нами будет проанализировано творчество и приемы художников, внесших наиболее значительный вклад в искусство пастели, будут указаны наиболее значимые пастельные произведения, составляющие неотъемлемую часть мировой культуры. При анализе зарубежного искусства наибольшее внимание мы уделим следующим художникам: Розальба Каррьера, Жан Батист Перроно, Жан Этьен Лиотар, Морис Кантен де Латур, Жан Батист Симеон Шарден, Жан Франсуа Милле, Эдгар Дега, Эдуард Мане, Мэри Кессэт, Берта Моризо, Одилон Редон, Эдвард Мунк, Пабло Пикассо.

Слово «пастель» многозначно и означает в первую очередь художественную технику рисования цветными мелками. Также пастелью называют произведение, выполненное в данной технике и сами мелки. Пастель занимает промежуточное положение между живописью и графикой. С технологической точки зрения (процесс изготовления, особенности хранения и реставрации, состав материала, методы и приемы работы им), пастель является графикой. По своим выразительным возможностям пастель может быть отнесена к живописи. Однокоренным слов «пастель» является и достаточно далекий термин «пастозность», обозначающий живопись густым слоем краски. Оба слова имеют корень pasta – «тесто».

Пастель – необыкновенно красивая и разнообразная техника, позволяющая художнику наиболее точно передать настроение и замысел картины. Пастель способна вобрать в себя все богатства живописи, в то же время сохраняя непосредственность наброска.

В зависимости от задачи пастелью можно работать быстро, как это делали Дега и Мэри Кэссет, используя энергичную штриховку без тщательного растирания и проработки мелких деталей, а так же выполнять сложные композиции, растушевывая, сглаживая переходы, добиваясь большей реалистичности.

В этом качестве пастель не только не уступает масляной живописи и другим живописным техникам, но и превосходит их. С помощью пастели можно показать в работе материал с любой фактурой: мягкий бархат, прозрачное стекло, тонкое кружево, изысканную вышивку, дерево, металл, керамику, мрамор и т. д.

Нежная бархатистость красочного слоя, удивительная чистота цвета, легкость и благородство оттенков, не изменившихся за столетия, придают пастели особое очарование. Таковы работы известных мастеров: Жана Этьена Лиотара, Розальбы Каррьеры, Мориса Кантена де Латура, Жана Батиста Симеона Шардена, Франсуа Милле, Валентина Серова, Бориса Кустодиева и др.

В настоящее время общества художников, работающих пастелью, существуют во всем мире (в России, Франции, Англии, Германии, Испании, Канаде, Китае, Японии), они объединены в Международную ассоциацию пастельных обществ (IAPS). Интерес к этому материалу растет как у художников-профессионалов, так и у любителей. То, что интереса к технике пастели растет, объясняется отчасти тем, что пастель – доступный и удобный материал с широким спектром возможностей, применяемый в рисунке и живописи, но не требующий при этом разбавителей, кистей, палитры, мастихинов и пр.

Учебное пособие содержит обширный исторический материал, показывающий развитие техники пастели в течение нескольких веков, рассказывает об особенностях производства и выборе оптимальных материалов и художественных техник. Особое внимание уделено защите, хранению, экспонированию и реставрации пастели – тем технологическим особенностям, которые необходимо знать как художникам, так и владельцам пастельных работ, например, коллекционерам. В учебное пособие включены разделы, посвященные неотъемлемым составляющим изобразительного искусства – композиции, перспективе, цвету и тону.

Глава 1. История пастельной живописи

Пастельная живопись в Европе

История пастельной живописи как самостоятельного вида искусства насчитывает около 300 лет, однако краски на основе мела с добавлением натурального пигмента использовались тысячелетиями. Обнаруженные наскальные росписи на юге Франции, в Испании и Южной Африке свидетельствуют о том, что первобытный человек работал мелом, добавляя в него при необходимости земляные пигменты, обожженную кость и уголь. Термин a pastello впервые можно встретить в трактате теоретика маньеризма Дж. П. Ломаццо, однако многоцветный рисунок мягкими материалами (мел, уголь, сангина) стали использовать во второй половине XV века мастера итальянского Возрождения.

Одним из первых художников, работавших с применением материалов, используемых в пастельной живописи (уголь – «черный камень» в тенях, сангина в полутонах и белый мел на светах), был Леонардо да Винчи. Художник называл технику работы мягкими материалами «сухие краски» и использовал, помимо выше названных, несколько других цветов. В схожей технике выполняли работы Ж. Фуке и П. П. Рубенс. Питер Пауль Рубенс начал применять смешанную технику рисования углем, сангиной и мелом. Эта техника позднее стала классической как для учеников художника, так и для последующих поколений; в XVIII веке она получила название dessin a trois crayons («рисунок тремя карандашами», фр.).

Пастельные мелки, состоящие из сухого красочного пигмента, скрепленного смолой акации (гуммиарабиком), изобрел в XVI веке французский художник Жан Перреаль (ок. 1455–1530), использовавший мелки для раскрашивания рисунков. Метод Перреаля постепенно распространился в Италии, в частности, помимо Леонардо да Винчи (1452–1519), мягкими графическими материалами работал Микеланжело (1475–1564).

В XVI–XVII веках многие художники использовали пастель только как графический материал для подцветки рисунков. Наиболее известные мастера пастели – Д. и П. Дюмустье, П. Бриар, Н. Ланьо, Ш. Лебрен, Р. Нантейль во Франции, Х. Голциус в Голландии, Ганс Гольбейн Младший в Германии, Дж. А. Больтраффио, Б. Луини, Л. Карраччи, Гвидо Рени в Италии. Постепенно в связи с возрастающим интересом к живописи пастельная техника начинает использоваться для работы над станковыми картинами. Примером данной тенденции могут служить станковые работы пастелью французского художника Жозефа Вивьена (1657–1734).

Салон 1704 года демонстрировал двадцать портретов пастелью в натуральную величину работы Жозефа Вивьена. Успех выставки повлиял на стремительный рост популярности данной техники, что привело к признанию ее самодостаточности в XVIII веке. Высокий уровень технического мастерства художника виден в «Портрете Людовика, герцога Бургундского». Это наглядный пример живописных качеств пастели с тонкими цвето-тоновыми нюансами.

В первой половине XVIII века художники использовали широкий спектр приемов: работа на тонированной бумаге, растирание, оптическое и механическое смешивание пигмента и т. д. Материал позволял передавать сложные цветовые отношения и добиваться реалистичности наравне с масляной живописью. При этом пастельная техника была удобна в передаче малейших изменений цвета и тона.

Особенности пастели наиболее точно отвечали эстетическим вкусам общества XVIII века, сформировавшим стиль рококо, что обеспечило популярность данной техники в жанре портрета. В стиле рококо большое внимание уделялось оттенкам человеческой кожи, материальности и осязаемости предметов – лепесткам цветов, легким и прозрачным тканям. Легкость визуального восприятия пастели (отсутствие сильного блеска красочного слоя), яркость цветов позволяли художникам выполнять как парадные так и камерные портреты. Здесь можно вспомнить имена известных художников-пастелистов XVIII века: А. Р. Менгс – в Германии, Г. Лундберг – в Швеции, Т. Лоуренс, У. Гамильтон, Ф. Котс – в Англии, Н. Влейгельс, Л. Дюпон, Ж. Дюкре, Ф. Фрей, Ж. Вальд, Ж. Дюплесси, К. Уэн, А. Гийяр – во Франции. Наиболее знаменитые представители эпохи рококо Жан Антуан Ватто (1684–1721) и Франсуа Буше (1703–1770) работали в пастельной технике, однако большая часть известных произведений этих художников выполнена маслом. Ватто наравне с Рубенсом считается одним из лучших мастеров трехцветного рисунка мягкими материалами.

Мастером, наиболее сильно повлиявшим на формирование основных принципов работы пастелью, была Розальба Каррьера, художник-портретист (1675–1757) (см. рис. 1). В Венеции она получила большую известность миниатюрами и росписями табакерок в сотрудничестве с французским художником Жаном Стевом. Ее первые портреты пастелью (около 1703) были высоко оценены современниками. По совету шотландца Кристиана Коула художница выбрала пастельные портреты как основное направление творчества. Заказы на портреты от влиятельных людей Розальба Каррьера получала со всей Италии, росла ее популярность у влиятельных и коронованных особ, среди которых были король Датский Христиан VI, король Польский Август Сильный. Их портреты заложили основу дрезденской коллекции пастелей художницы.

Рис 1. Р. Каррьера. Портрет Антуана Ватто. Музей Байло, Тревизо

В 1720 году Розальба Каррьера по приглашению банкира Пьера Кроза работала в Париже, где ее творчество получило повсеместное признание. В 1730 году художница по приглашению императора Карла VI и его супруги рисовала при австрийском дворе.

В XVIII веке пользовались большой популярностью женские портреты, поскольку их часто писали, чтобы дать представление о внешнем облике молодой дамы ее жениху, когда знакомство было заочным. Сухая пастель по сравнению с не менее популярной в жанре портрета масляной живописью, была предпочтительнее, так как она позволяла работать быстро и без потери качества. Во время пребывания во Франции в течение одного года художница написала большое количество портретов представителей высшего общества.

Розальба Каррьера обладала высоким чувством гармонии цвета, сравнимого с живописью красками, что выделяло ее среди современников. Мягкая цвето-тональная гамма с оттенками розового и голубого была наиболее характерна для ее работ. До сих пор такие оттенки ассоциируются у зрителя с пастелью и «пастельными» цветами. Сначала художница динамично наносила широкие плоские штрихи разного цвета, затем, растирая их, добивалась тонких тоновых и цветовых нюансов, а в конце добавляла карандашные штрихи для передачи бархатистой воздушной фактуры.

На картинах Каррьеры заказчицы изображены смотрящими прямо на зрителя или в три четверти оборота. Творчество художницы имело успех в эпоху Людовика XV, подтверждением этому служит тот факт, что 150 пастелей работы Розальбы Каррьеры хранятся в Дрезденской картинной галерее. Стиль Каррьеры оказал заметное влияние на манеру живописи мастеров рококо Франсуа Буше (1703–1770) и Жана Батиста Перроно (1715–1783), Жана Батиста Греза (1725–1805) работавших как в масляной технике, так и пастелью. Ее работы вдохновляли шведского художника-пастелиста Густава Лундберга (1695–1786).

Наиболее известным художником XVIII столетия, работавшим пастелью, стал французский художник Морис Кантен де Латур (1704–1788). Он не сразу начал использовать пастель как основной материал для творчества, отдавая предпочтение масляной живописи; есть предположение, что под влиянием работ Розальбы Карреры молодой художник обратился к графической технике. Использование пастели в XVIII веке было относительно новым явлением, поэтому многие зрители отдавали предпочтение более привычной масляной живописи.

Рис. 2. М. К. де Латур. Портрет маркизы де Помпадур. 1755. Лувр, Париж

Рис. 3. М. К. де Латур. Портрет Людовика XV. 1748. Лувр, Париж

Чтобы продемонстрировать возможности пастели, Морис Кантен де Латур написал два портрета необычайно больших размеров. Виртуозное владение техникой проявляется в «Портрете президента парижского парламента Габриэля Бернара де Рие в своем кабинете» (1741). Одной из наиболее значительных работ не только в творчестве де Латура, но и в истории пастельной графики можно назвать «Портрет маркизы де Помпадур» (см. рис. 2), фаворитки короля Людовика XV (175 × 128 см). Маркиза изображена на картине больше натуральной величины, сидящей в окружении различных символов науки и искусства. Предметы окружения указывают на ее многогранные интересы: литература, музыка, астрономия и графика. Оставшиеся подготовительные зарисовки раскрывают технологию создания произведения. Де Латур с натуры рисовал только голову, а всю остальную работу выполнял отдельно, прибегая к помощи натурщиц.

Рис. 4. М. К. де Латур. Портрет Жан Жака Руссо. 1753. Музей искусства и истории, Женева

Пастели де Латура стали находить все больше поклонников, постепенно увлечение этой техникой охватило весь Париж. Более двух с половиной тысяч как профессионалов, так и любителей к 1780 году отдавали предпочтение работе в пастельной технике.

Де Латур создал портреты наиболее видных деятелей эпохи: Людовика XV (см. рис. 3), д'Аламбера, Вольтера, Жан-Жака Руссо (см. рис. 4), Мориса Саксонского, Марии Лещинской. Известно довольно большое наследие автопортретов художника, в которых де Латуру с легкостью и изяществом удалось выразить не только собственное настроение, но и дух «галантного века». Согласно определению Мариетта – известного знатока искусства того времени, Латур получил прозвище «король пастели». Его работы больше тяготели к жанру парадного портрета, для которого внешняя составляющая изображения была важнее передачи внутреннего состояния портретируемого.

Ничем не приукрашенный реализм, простота и емкость композиции, передача внутреннего мира человека, его характера более всего интересовали другого французского художника – Жана Батиста Симеона Шардена (1699–1779) – мастера камерного пастельного портрета (см. рис. 5). Шарден более известен своими натюрмортами и жанровыми картинами маслом, поскольку начал рисовать пастелью в возрасте 72-х лет, когда ухудшающееся зрение и состояние здоровья уже не давали возможность работать в привычной ему технике. За три месяца до кончины художник экспонировал в Салоне два пастельных автопортрета. Шарден создавал картины, проникнутые душевной теплотой, без следа кокетливости или манерности.

Рис. 5. Ж. Б. С. Шарден. Автопортрет. 1771. Лувр, Париж

Шарден, наносил пастель на освещенных участках отдельными штрихами несмешанных цветов. Это особенно хорошо видно в его «Автопортрете с пенсне» 1771 года. Он предвосхитил манеру письма другого французского пастелиста – Эдгара Дега (1834–1917). Шарден оказался художником, который опередил свое время. Позднее способ работы Шардена получит название «дивизионизм».

Многие художники в зрелые годы останавливали свой выбор на пастельной технике. Она позволяла работать не только быстрее, но и более чутко, непосредственно ощущая живопись пальцами. Говоря о том, что пастель – доступная техника и подходит начинающим художникам, нельзя забывать, что она требует аккуратности, последовательности и умения для достижения хороших результатов.

XVIII век дал немало талантливых художников-портретистов, работавших в технике пастели. Джон Рассел (1745–1806) – один из самых ярких английских живописцев, которого называли принцем пастели («Портрет миссис Дженет Грайзел Каминг», «Портрет девушки в капоре»). Известны пейзажные романтические пастели тулонского мариниста Пьера Жака Волера (1729–1802).

Стоит упомянуть имя друга Шардена Жак-Андре Аведа (1706–1766) и ученика Франсуа Буше – Гюбера Дровэ (1727–1775), писавшего детские портреты. Живописцы более позднего поколения – известный немецкий художник Антон Рафаэль Менгс, также выполнявший работы в пастельной технике, и испанский мастер пастели Висенте Лопес-и-Портанья, в 1815 году удостоенный звания придворного живописца, Ангелика Кауфман (1741–1807), уже в девятилетнем возрасте рисовавшая портреты пастелью.

Примером мастерского подхода к выполнению работ пастелью может служить творчество Жана Этьена Лиотара (1702–1789). Этот художник в живописи стремился к максимально точной передаче действительности, он считал, что поскольку в жизни нельзя увидеть мазки, штрихи и контуры, то и в картине этих средств выразительности стоит избегать. Для этого он отделывал каждую деталь картины с поразительной тонкостью и изяществом. Иллюстрацией данного принципа является работа, известная в области пастели не меньше, чем знаменитая «Мона Лиза Джоконда» Леонардо да Винчи, – «Шоколадница» (1774), хранящаяся в Дрезденской картинной галерее (см. рис. 6). В этой работе художник запечатлел Анну Бальдауф. Лиотар работал преимущественно в жанре портрета в Швейцарии, Италии (в т. ч. выполнял портреты кардиналов и папы Клемента XII), Австрии (при дворе императора Франциска I), Франции, Англии, Голландии, Турции, был королевским живописцем и членом Академии при покровительстве маркизы де Помпадур.

Рис. 6. Ж. Э. Лиотар. Шоколадница. 1774. Дрезденская картинная галерея

За четыре года, проведенные в Константинополе, Лиотар написал большое количество портретов людей в национальной одежде. Художник не боялся экспериментировать с сюжетами: известен его автопортрет в национальном турецком костюме и с приклеенной бородой (1773). Одним из шедевров графики Лувра является работа 1758 года «Портрет мадам Троншен», супруги государственного советника Теодора Троншена. Несмотря на популярность пастели в Европе, передовые тенденции в искусстве и моде исходили именно из Франции. С началом Великой французской революции 1789 года кардинально изменились взгляды общества. Пастель стала ассоциироваться со старым режимом и «королевским» стилем рококо – легкомысленным и поверхностным. Аристократы-заказчики пастельной живописи подвергались гонениям и даже казням, многие бежали из страны. Художники были надолго забыты, многие в поисках работы отправились в длительные поездки.

Три десятилетия пастель практически не использовалась, пока выдающийся французский представитель романтизма Эжен Делакруа (1798–1863) не начал использовать мелки для эскизов к картинам маслом. Делакруа высоко почитал английского пейзажиста Джона Констебла (1776–1837) и подобно ему делал зарисовки пейзажей с натуры. При этом он часто пользовался пастелью, позволявшей ярко и быстро передавать изменения в состоянии природы. Делакруа работал пастелью как средством, способным на быструю фиксацию динамики действия. Опыты Делакруа в области света, колорита, динамики в рисунке предвосхитили поиски импрессионистов в 1850-х годах. Француза Эжена Будена (1824–1898), учителя Клода Моне также можно назвать человеком, оказавшим существенное влияние на импрессионистов. Он заявил, что «все, написанное на натуре, имеет силу, мощь и живость, которые не могут быть переданы в мастерской». Как и Делакруа, Буден часто пользовался пастелью на этюдах, рисуя пейзажи со стаффажем, изменчивую природу побережья Нормандии.

Вторая половина XIX века ознаменовалась появлением разнообразных направлений в искусстве, однако поиски «живого» впечатления, новых цветовых сочетаний; стремление избавиться от «засушенности» послойной живописи объединяли многих художников. Пастель была хорошо пригодна для этих целей, поэтому целый ряд блестящих мастеров того времени, в том числе Жан Франсуа Милле (1814–1875), Эдгар Дега (1834–1917), Эдуард Мане (1832–1883), Огюст Ренуар (1841–1919) и Одилон Редон (1840–1916), Фелисьен Ропс (1833–1898), создавали работы пастелью или с использованием пастели в смешанной технике. Вторую половину XIX века без преувеличения можно назвать «золотым веком» пастельной живописи.

Французский художник Жан Франсуа Милле (1804–1875) был одним из художников, внесших существенный вклад в развитие пастели, многие его работы, в том числе наиболее известные – «Полдень» «Дневной сон», «Букет маргариток», «Цикламены» (см. рис. 7), «Вечер», несут в себе эстетику символизма в сочетании с визуальными приемами импрессионизма. Милле работал пастелью в жанрах, мало раскрытых другими художниками в этой технике: на пленэре (с натуры он изображал только части будущих картин маслом), для работы над натюрмортами, сюжетно-тематическими композициями. Милле использовал метод короткого перекрестного штриха для моделировки формы в сочетании с растертыми участками.

Рис. 7. Ж. Ф. Милле Цикламены.1867–1868. Музей изящных искусств, Бостон

Эдгар Дега в большей степени работал маслом, но ухудшающееся зрение заставило прославленного мастера отказаться от этой трудоемкой техники. Дега начал искать сравнимое по выразительности и значительно более удобное средство воплощения своих идей. Постепенно Дега начал завершать пастелью масляные картины («Репетиция» – ок. 1874–1877), а потом и полностью перешел на новый материал («Жокеи под дождем» – ок. 1886). Для Дега рисунок был нерушимой основой творчества, еще и поэтому пастель была выбрана художником. Работа в этой технике имела сильное сходство с рисованием мелом, углем, карандашом, но давала несравнимо большие возможности (см. рис. 8, 9).

Рис. 8. Э. Дега. Голубые танцовщицы. около 1887, Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва

Рис. 9. Э. Дега. Женщина расчесывающая волосы. 1886. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Именно Эдгар Дега смог новаторски подойти к процессу рисования пастелью. Его плодотворный труд окончательно доказал, что пастель – универсальное и равноправное живописное и графическое средство. Дега постоянно экспериментировал: смешивал сухие пигменты с гуашью, темперой; держал пастель под горячим паром и затем наносил жесткой кистью, получая эффект масляной живописи. Распаренная пастель, при быстрой не успевшей высохнуть живописи, гораздо лучше сцеплялась с основой и последующими слоями. Увлажняя отдельные штрихи растворителем и комбинируя их с сухими участками, Дега добивался выразительности фактуры, глубины пространства и сложности в переходах. Излюбленными сюжетами Дега были портреты и сценки из жизни балерин, прачек, певиц и модисток. Дега не использовал импрессионистический метод рисования и никогда не считал себя импрессионистом, для работ художника характерны тщательность построения композиции и постановочность сюжетов.

Дега был не только одним из лучших рисовальщиков XIX века, но и тонким колористом. Он умел создавать гармоничные цветовые сочетания, используя прием дивизионизма, где теплые и холодные цвета несли роль взаимодополняющих. Дега тщательно фиксировал каждый из живописных слоев, при этом послойная живопись для художника была лучшим средством передачи полупрозрачности оттенков. Параллельная и перекрестная штриховка, нерастушеванные или смягченные линии, точки и пятна – приемы, помогавшие Дега создавать выразительные и содержательные композиции.

Эдуард Мане, как Дега и Шарден, обратился к пастели в конце жизни. Он предпочитал работать на полотне или картоне. Коричневатая матовая поверхность картона служила удобной основой для мастера, поскольку как имприматура просвечивала сквозь слои пастели. Художник использовал растушевку на больших поверхностях для передачи богатства цветовых сочетаний, а контуры акцентировал выразительной темно-синей или коричневой линией, создавая ощущение «быстрого» рисунка. Палитру Мане можно назвать лаконичной, содержащей сравнительно небогатый набор мягких тонов и оттенков.

В противоположность претенциозным портретам представителей высшего света, типичных для XVIII века, художники, так или иначе причисляемые к импрессионистам, писали «живые», естественные портреты простых мужчин и женщин в смелой, новаторской манере.

Пастелью работали самые известные женщины – представительницы импрессионистической школы: Мэри Кэссет (в другом прочтении – Мари Кассат, 1845–1926). Они рисовали тонкие и душевные картины, на которых словно оживали простые сценки из жизни женщин и детей. Русская художница Зинаида Серебрякова в своем творчестве смогла продолжить их импрессионистические традиции.

Рис. 10. О. Редон. Полевые цветы в высокой вазе. 1912. Музей д'Орсэ, Париж

Современник Кэссет и Моризо Одилон Редон (1840–1916) рисовал пастелью в основном натюрморты (см. рис. 10), портреты и мифологические сюжеты. Как и все художники-символисты, он стремился в искусстве выразить то, что скрывает подсознание, переплетая фантазию с реальностью. Пастель, по мнению Редона, идеально подходила для передачи таинственной атмосферы. В конце XIX века многие художники увлекались искусством Востока с его чистыми красками и декоративными решениями композиций. Редон сочетал открытые цвета с «сумрачными» темно-коричневыми тонами, создавая гармоничные и в то же время эмоциональные композиции.

Считавшийся одним из лучших мастеров своего времени Джеймс Эббот Мак-Нил Уистлер (1834–1903) также работал пастелью. Его красочные, полные экспрессии пастели похожи на работы импрессионистов: «Аннабель Ли» – 1870 год, «Закат во время шторма. Венеция» – 1889 год, «Арабская женщина» – 1892 год, «Синее и фиолетовое» – 1889 год и другие работы.

На рубеже XIX–XX веков к пастели обращаются художники различных художественных течений – постимпрессионисты, символисты, экспрессионисты, художники модерна: чешский художник А. Муха, норвежец Э. Мунк, М. К. Чюрленис в Литве, П. Боннар и Ж. А. Вюйяр во Франции, Х. ван де Велде в Нидерландах, немецкий художник М. Либерман, австриец Э. Шиле. В XX веке мрачные экспрессионистические работы создавал Жорж Руо. Хоакин Миро (1873–1940) приблизил пастельную технику к масляной живописи, в работе «Миндальные деревья в цвету» штрихи, положенные плотными параллельными группами, напоминают эффекты масляной живописи.

Анри де Тулуз-Лотрек (1864–1901) чаще использовал пастель как материал для набросков и эскизов, но существуют и самостоятельные законченные пастельные произведения художника, примером может служить «Портрет Винсента ван Гога» – 1887 год (см. рис. 11). В данной работе использована штриховка короткими перекрестными линиями, хорошо выражающими объем и фактуру. Чаще художник использовал протяженные изогнутые штрихи разного цвета – манеру, впоследствии часто встречающуюся в стилистике модерна и экспрессионизма. Тулуз-Лотрек сочетал пастель с тушью, карандашом и маслом.