Текст книги "Популярная история музыки"

Композитор, прославившийся как создатель неовенской оперетты, появился на свет в 1882 году в деревне Шиофок в Венгрии. С 10 лет он жил в Будапеште, где учился в гимназии, а затем в университете и одновременно в музыкальной академии по теории музыки и композиции.

В 1904 году Кальман впервые представил на суд широкой публики свое сочинение – симфоническую поэму «Сатурналия». Четыре года спустя он создал свою первую оперетту под названием «Осенние маневры». В то же время он перебирается в Вену, где остается до 1938 года.

Во время своего пребывания в Австрии композитор создает лучшие произведения, принесшие ему всемирную известность и до сих пор пользующиеся огромной популярностью в кругах любителей музыки. Это оперетты «Цыган-премьер» (1912), «Королева чардаша» («Сильва», 1915), «Фея карнавала» (1917), «Марица» (1924), «Принцесса цирка» (1926), «Герцогиня из Чикаго» (1928), «Фиалка Монмартра» (1930), «Дьявольский наездник» (1932), «Императрица Жозефина» (1936).

Следует заметить, что композитор пробовал свои силы и в других жанрах музыки: им написаны опусы для симфонического оркестра, вокальные циклы, романсы, инструментальные пьесы.

В 1938 году Кальман, будучи не в силах мириться с фашистским режимом, уезжает в Цюрих, затем в Париж, где живет до 1940 года. Когда над Францией нависает реальная угроза вторжения немцев, Кальман эмигрирует в США. Там он создает оперетту «Маринка» (1945).

Зимой 1948 – 1949 годов композитор возвращается в Вену, а через пару лет вновь отправляется в Париж. Именно в этом городе в 1953 году обрывается его жизненный и творческий путь. Последней опереттой Кальмана была «Аризонская леди» (1953).

Австрийский композитор, дирижер, музыковед, доктор философии, педагог Антон Веберн родился в 1883 году. Учиться музыке он начал в десятилетнем возрасте. В 1902 – 1906 годах Веберн обучался в Венском университете, его наставником по музыковедению был Г. Адлер, по гармонии и контрапункту – Г. Греднер и К. Навратил. А в 1904 – 1908 годах Антон занимался композицией у А. Шёнберга, ставшего его главным учителем. В этот период появились и первые музыкальные сочинения Веберна.

С 1913 года музыкант работал дирижером в Вене, Праге, Данциге, а в 1922 – 1934 годах он являлся дирижером Рабочего хорового общества и симфонических концертов Венского рабочего союза. Хотя активно писать музыку Веберн начал довольно рано, широкую известность он получил после окончания Второй мировой войны. Именно тогда его сочинения стали исполняться во многих странах Европы, а их автора громко объявили «апостолом нового искусства».

Представитель новой венской школы, Веберн был наиболее последовательным сторонником системы додекафонии, разработанной его учителем А. Шёнбергом.

Композиторская деятельность музыканта началась с «Пассакальи» для оркестра (1908). Уже в этом произведении ощущается будущая направленность творчества Веберна, что проявилось в элементах пуантилизма: звуки отделены друг от друга паузой по аналогии с живописным пуантилизмом с его точечными красочными мазками. Черты додекафонии заметны и в шёнбергских приемах «темброво-окрашенной» мелодии. В таком стиле написаны и необыкновенно лаконичные «Пять пьес для оркестра» (1913). Несмотря на явную абстрактность построения, эмоциональность и колористическая яркость делают музыку Веберна очень выразительной и привлекательной для слушателей.

Полностью к системе додекафонии Веберн обратился в «Трех духовных песнях» для пения, скрипки (или альта), кларнета и бас-кларнета (1924). С этого времени композитор начал самостоятельно разрабатывать принципы метода Шёнберга. Он стремился к строгому разделению не только интервалов, но и ритмических структур и динамики, что привело к трансформированию музыки в калькуляцию звуков.

Своеобразный стиль Веберна проявился в струнном трио (1927), симфонии для камерного оркестра (1928), квартете для скрипки, кларнета, тенорового саксофона и фортепиано (1930), а также в концерте для девяти инструментов (1934). Все эти произведения свидетельствуют об окончательном отказе композитора от тематических повторов и его стремлении твердо и последовательно проводить принципы пуантилизма. Сам Веберн писал: «Выраженная однажды, тема высказала все, что имела сказать. Необходимо продолжить ее чем-нибудь свежим».

Абстрактность конструирования музыкальной ткани хорошо заметна и в поздних произведениях композитора. Таковы вариации для фортепиано (1936), вариации для оркестра (1940), две кантаты для солистов, смешанного хора и оркестра (1939 и 1942). Структурная сложность и отвлеченность от традиционной системы интонирования соединяются с такими качествами, как тщательная отделка каждой детали, приобретающей самостоятельное значение.

Последний период жизни Веберн провел в Мёдлинге, где занимался исключительно творчеством. Жизнь его оборвалась внезапно: композитор погиб в 1945 году недалеко от Зальцбурга в результате случайного выстрела солдата американской армии.

Веберн оставил потомкам немного произведений, что свидетельствует о требовательности талантливого музыканта к своему искусству. Композитор, искренне веривший в правильность своих эстетических убеждений, никогда не стремился к популярности у публики. Сочинения Веберна, редко исполнявшиеся при его жизни, пользовались большим успехом после смерти композитора, ставшего кумиром представителей музыкального авангардизма.

Австрийский композитор, педагог, представитель новой венской школы Альбан Берг родился в 1885 году. Он был учеником и последователем А. Шёнберга, у которого обучался в 1904 – 1910 годах.

Свой путь в музыкальном искусстве Берг начал с фортепианной сонаты опус 1 (1908) и песен на слова П. Альтенберга (1912). Уже в этих произведениях проявилось его стремление к экспрессивности, с одной стороны, и к лиричности – с другой.

Несомненно, лучшим произведением Берга стала опера «Воццек», написанная в 1921 году по мотивам драмы немецкого писателя первой половины XIX столетия Г. Бюхнера. Впервые эта опера была поставлена в 1925 году, и с тех пор она много лет не покидала репертуар европейских театров.

Созданное в экспрессионистической манере, произведение повествует о печальной судьбе австрийского солдата Воццека и его жены Марии. Измученный издевательским отношением офицеров и полкового доктора, который внушает ему мысль о его неполноценности, австриец неуклонно движется к трагическому концу. Сцена на болоте становится завершающей: Воццек убивает жену и погибает, утонув в трясине.

Музыкальная ткань оперы атональна, она до предела насыщена диссонансными звучаниями. Сложный речитатив вокальных партий затрудняет выступление исполнителей.

В 1926 году появилось еще одно значительное произведение Берга – «Лирическая сюита» для струнного оркестра, ставшая первой работой композитора в манере додекафонии. Но, несмотря на явную схематичность конструктивного строя сюиты, Бергу удалось передать в ней свежесть и эмоциональность музыки.

В системе додекафонии выполнена и опера «Лулу». Композитор работал над ней с 1928 года и до конца своей жизни, но завершить ее музыканту не удалось. Не слишком понятное либретто Ф. Ведикинда, рассказывающее о преступлениях, причиной которых стала Лулу – роковая женщина, нашло воплощение в музыке, построенной по принципам додекафонии. Образные характеристики основаны на одном двенадцатизвучном ряде, и, хотя автор проявил настоящее мастерство и изобретательность, «Лулу», поставленная уже после смерти Берга, не имела успеха у зрителей, ранее восторженно принимавших его «Воццека».

В 1935 году Берг создал концерт для скрипки с оркестром. Это произведение говорит о том, что композитор перестал придерживаться всех требований системы додекафонии. Хотя музыка концерта изобилует драматическими контрастами, она не может не восхищать слушателя выразительностью сольной скрипичной партии и яркостью оркестра. Концерт для скрипки с оркестром стал последней работой композитора, умершего в том же, 1935, году.

Представитель новой венской школы, Берг тем не менее не всегда мирился со всеми правилами изобретенной А. Шёнбергом системы. Не случайно его называли «романтиком додекафонии». Сам Шёнберг отмечал, что Берг «перемешивал пьесы или фрагменты из пьес, написанные в определенной тональности, с другими пьесами или фрагментами „нетонального стиля“». Композитор, стремившийся к настоящей эмоциональной выразительности, не мог оставаться в рамках сковывающего его ортодоксального метода и потому часто выходил за его пределы.

Французский композитор, дирижер и музыкальный критик швейцарского происхождения Артюр Онеггер родился 1892 году. Сначала занимался музыкой дома, а в 1909 году поступил в консерваторию в Цюрихе. Продолжил обучение в Парижской консерватории под руководством Л. Капе (скрипка), Ш. Видора (композиция) и В. д’Энди (оркестровка и дирижерское мастерство).

Большую часть жизни Онеггер провел в Париже, покидая его лишь на время гастрольных концертов. В 1936 году стал одним из руководителей Народной музыкальной федерации Франции. Являлся также участником «Шестерки» – содружества французских композиторов.

В ранний период своей творческой деятельности Онеггер не избежал влияния авангардистского искусства. Первый успех к композитору пришел после появления его оратории на библейский сюжет – «Царь Давид» (1921), где внимание публики привлекли мелодически строгие, ясные и цельные хоровые сцены. Спустя два года была написана симфоническая картина «Пасифик 231» (1923), названная именем паровоза. Используя звукоподражательные приемы и точный конструктивный расчет, композитор натуралистично предал движение. Несмотря на формально-конструктивное начало, присутствие в произведении динамических моментов обеспечило «Пасифику 231» большой успех у любителей музыкального искусства.

Ускоряющиеся темпы жизни, определяющие XX столетие, нашли воплощение и в других работах Онеггера. Это прежде всего оркестровая пьеса «Регби» (1928) и появившееся вслед за ней «Симфоническое движение № 3», также встреченные публикой с большим интересом. Но композитор продолжал свои искания. Он стремился к более значительным темам. Одной из таких работ была созданная еще в 1927 году трагическая опера на античный сюжет – «Антигона».

К лучшим произведениям Онеггера можно отнести ораторию «Жанна д’Арк на костре» (1938), предназначенную для большого состава участников – смешанного и детского хора, солистов (чтецов и певцов) и симфонического оркестра. Проникнутая острым драматизмом и очень эмоциональная оратория производит на слушателей глубокое впечатление. Несмотря на присутствие в ней некоторой доли мистицизма, патриотический пафос «Жанны д’Арк на костре» сделал произведение необыкновенно популярным, особенно в период Второй мировой войны.

Патриотические настроения проявились и в других произведениях Онеггера. Вместе с Д. Мийо, Ж. Ориком и несколькими другими французскими композиторами он участвовал в создании музыки к пьесе Р. Роллана «14 июля». Онеггер написал эпизод «Взятие Бастилии». Его активная жизненная позиция видна и в оратории «Пляска мертвецов» (1940) на слова П. Клоделя. В этом глубоко трагичном по духу произведении, впервые прозвучавшем весной 1940 года, выразилась тревога за будущее человечества, вступившего в одну из самых кровопролитных войн в истории современной цивилизации.

В 1942 году, когда Франция была оккупирована фашистской Германией, Онеггер написал «Песню освобождения» для баритона, хора и оркестра. Событиям войны посвящены также Вторая и Третья симфонии.

Вторая симфония, появившаяся в 1941 году, написана для струнного оркестра и трубы. Виртуозно пользуясь возможностями такого состава, Онеггер сумел создать очень драматичную и суровую музыку, проникнутую тревожными размышлениями. В то же время в произведении нет безысходности и в заключительный эпизод с жизнеутверждающей и светлой мелодией вступает труба.

Впечатления композитора, своими глазами видевшего ужасы войны, выразились в Третьей симфонии («Литургическая», 1946). Постепенно драматизм, присутствующий в первой части, сменяется оптимистическими настроениями в финале, получившем название «Даруй нам мир». Хотя музыка Третьей симфонии довольно сложна для исполнителей и для слушателей, она не может не восхищать своей искренностью.

В 1946 году была написана и Четвертая симфония, совершенно не похожая на предыдущую. В этом спокойном, пасторальном произведении Онеггер воплощает образы своей родины – Швейцарии. Симфония впервые прозвучала в исполнении Базельского камерного оркестра под управлением П. Захера.

Труба

Тревожные настроения вновь появляются в Пятой симфонии композитора («Симфония трех ре», 1950), музыка которых поражает своей мрачной суровостью и напряженностью. Это произведение стало последней крупной работой Онеггера. Умер композитор в 1955 году.

Французский композитор, дирижер, музыкальный критик, участник «Шестерки» Дариус Мийо родился в 1892 году. Музыкальное образование получил в Парижской консерватории под руководством П. Дюка и Ш. Видора. В 1936 году Мийо стал членом Народной музыкальной федерации Франции, а в 1947 году – профессором Парижской консерватории.

Много экспериментировавший в области формы, Мийо увлекался политональной музыкой и выступал против романтизма. Стилю композитора свойственны политональность, яркие хоровые и оркестровые эффекты, нередко сочетающиеся с простыми провансальскими мелодиями.

В ранних произведениях Мийо прослеживается интерес к разнообразным авангардистским течениям. Первый успех музыканту, находившемуся на протяжении нескольких лет на дипломатической службе в Бразилии, принесла фортепианная сюита «Saudades do Brasil» («Бразильские города», 1921). Диссонирующие политональные созвучия удачно сочетаются в ней с мелодиями народных танцев. Энергичные ритмы и свежесть музыки позволили автору сюиты завоевать множество поклонников.

Интерес Мийо к политональности хорошо заметен в цикле «Маленькие симфонии» (1917 – 1923), состоящем из шести произведений, каждое из которых имеет собственную тональность.

В 1920-е годы появились такие работы Мийо, как «Каталог сельскохозяйственных машин», музыкальный фарс «Бык на крыше» и др. Все они полны беззаботного веселья и легкой иронии. К более значительным произведениям этого времени относятся оперы «Христофор Колумб» (1928) и «Максимилиан» (1930). Очень сложные, изобилующие политональными звучаниями, они не принесли автору успеха. Гораздо более удачной получилась «Провансальская сюита» для симфонического оркестра (1936), восхитившая слушателей свежестью и живостью музыки.

Во время Второй мировой войны Мийо жил в США. Здесь композитор написал большое количество произведений самых разнообразных жанров. Одна из наиболее интересных работ этого периода – опера «Боливар» (1943), рассказывающая о знаменитом герое, возглавившем национально-освободительную борьбу за независимость испанских колоний в Южной Америке.

В 1954 году Мийо создал кантату «Огненный замок», посвященную трагедии узников фашистских концлагерей. Музыка кантаты, полная горестных возгласов и рыданий, завершается плачем по погибшим в нацистских застенках. Добиваясь эмоциональной выразительности, композитор использовал в своем произведении приемы хорового речитатива, который сопровождается звучанием ударных инструментов. В кантате не чувствуется призыва к борьбе и явного протеста, и все же ее музыка не может не тронуть сердца слушателей.

Мийо стал создателем около 500 произведений. В их числе – 14 опер и более 14 балетов, вокально-симфонические произведения, концерты для разнообразных инструментов с оркестром, органные и фортепианные пьесы, хоры, вокальные циклы, музыка для драматических постановок, кинофильмов, радиопостановок.

Умер Дариюс Мийо в 1974 году.

Неоклассицизм

Неоклассицизм – общее название художественных течений второй половины XIX – XX века, основывающихся на классических традициях искусства античности, Возрождения и классицизма. Для неоклассицизма в музыке свойственно обращение главным образом к художественным принципам и стилистике барокко и венской классической школы как противопоставление романтической субъективности экспрессионизма и веризма. Воссоздание старинных жанров и форм сочетается с обновлением музыкального языка.

Александр Сергеевич Даргомыжский родился 2 февраля 1813 года в селе Троицкое Тульской губернии. Первые четыре года своей жизни он находился вдали от Петербурга, но именно этот город оставил наиболее глубокий след в его сознании.

В семье Даргомыжских было шестеро детей. Родители заботились о том, чтобы все они получили широкое гуманитарное образование. Александр Сергеевич получил домашнее воспитание, он никогда не обучался ни в одном учебном заведении. Единственным источником его знаний были родители, многочисленная семья и домашние учителя. Они были той средой, которая формировала его характер, вкусы и интересы.

Александр Сергеевич Даргомыжский

Особое место в воспитании детей в семье Даргомыжских занимала музыка. Родители придавали ей большое значение, считая, что она является началом, смягчающим нравы, действующим на чувства и воспитывающим сердца. Дети учились играть на различных музыкальных инструментах.

Маленький Саша в 6 лет стал учиться игре на фортепьяно у Луизы Вольгеборн. Через три года его учителем стал знаменитый в то время музыкант Андриан Трофимович Данилевский. В 1822 году мальчика начали учить игре на скрипке. Музыка стала его страстью. Несмотря на то что он должен был учить много уроков, Саша примерно в 11 – 12 лет уже начал сам сочинять небольшие фортепьянные пьески и романсы. Интересен тот факт, что учитель мальчика, Данилевский, был категорически против его сочинительства, и даже бывали случаи, когда он рвал рукописи. Впоследствии для Даргомыжского был нанят знаменитый музыкант Шоберлехнер, который завершил его образование в области игры на фортепьяно. Кроме этого, Саша брал уроки вокала у учителя пения по фамилии Цейбих.

В конце 1820-х годов стало окончательно ясно, что Александр имеет большую тягу к сочинению музыки.

В сентябре 1827 года Александр Сергеевич был зачислен в контроль министерства Двора на должность канцеляриста, но без жалования. К 1830 году весь Петербург знал Даргомыжского как сильного пианиста. Не зря Шоберлехнер считал его своим лучшим учеником. С этого времени юноша, несмотря на департаментские обязанности и занятия музыкой, стал все больше внимания уделять светским развлечениям. Неизвестно, как сложилась бы судьба Даргомыжского-музыканта, если бы провидение не свело его с Михаилом Ивановичем Глинкой. Этот композитор сумел угадать настоящее призвание Александра.

Познакомились они в 1834 году на квартире у Глинки, весь вечер оживленно беседовали и играли на фортепьяно. Даргомыжский был поражен, очарован и ошеломлен игрой Глинки: такой мягкости, плавности и страсти в звуках он не слышал никогда. После этого вечера Александр становится частым гостем в квартире Глинки. Несмотря на разницу в возрасте, между двумя музыкантами установились тесные дружеские отношения, которые длились 22 года.

Глинка старался помочь Даргомыжскому как можно лучше овладеть композиторским мастерством. Для этого он отдал ему свои конспекты по теории музыки, которую ему преподавал Зигфрид Ден. Александр Сергеевич и Михаил Иванович познакомились как раз в то время, когда Глинка работал над оперой «Иван Сусанин». Даргомыжский очень много помогал своему старшему другу: доставал нужные для оркестра инструменты, разучивал партии с певцами и репетировал с оркестром.

В 1830-е годы Даргомыжский написал множество романсов, песен, дуэтов и пр. Поэзия Пушкина стала основополагающим моментом в художественном формировании композитора. На стихи гениального поэта были написаны такие романсы, как «Я вас любил», «Юноша и дева», «Вертоград», «Ночной зефир», «В крови горит огонь желанья». Помимо этого, Александр Сергеевич писал и на гражданские, социальные темы. Ярким примером этого может служить песня-фантазия «Свадьба», которая стала одной из любимых песен студенческой молодежи.

Даргомыжский был завсегдатаем различных литературных салонов, часто появлялся на светских вечеринках и в художественных кружках. Там он много играл на фортепиано, аккомпанировал певцам, а иногда сам пел новые вокальные пьесы. Помимо этого, он иногда участвовал в квартетах в качестве скрипача.

В это же время композитор задумал написать оперу. Ему хотелось найти сюжет с сильными человеческими страстями и переживаниями. Именно поэтому он остановил свой выбор на романе В. Гюго «Собор Парижской Богоматери». К концу 1841 года работа над оперой была завершена, о чем было сообщено в газете «Разные новости». В небольшой заметке автор писал о том, что Даргомыжский окончил оперу «Эсмеральда», которую у него приняла дирекция петербургских театров. Было также сообщено о скорой постановке оперы на сцене одного из театров. Но прошел один год, потом другой, третий, а партитура оперы так и лежала где-то в архиве. Уже не надеясь на постановку своего сочинения, Александр Сергеевич в 1844 году решил уехать за границу.

В декабре 1844 года Даргомыжский прибыл в Париж. Целью его путешествия было познакомиться с городом, его жителями, образом жизни, культурой. Из Франции композитор писал множество писем своим родственникам и друзьям. Александр Сергеевич регулярно посещал театры, в которых чаще всего слушал французские оперы. В письме своему отцу он писал: «Французскую оперу можно сравнить с развалинами превосходного греческого храма… а между тем храма уже не существует. Могу вполне убедиться, что французская опера могла сравниться и превзошла всякую итальянскую, но все-таки сужу по одним обломкам».

Через полгода Даргомыжский вернулся в Россию. В эти годы на родине обострились общественно-политические противоречия. Одной из основных задач искусства стало правдивое раскрытие непримиримых разногласий между миром богатых и простых людей. Теперь героем многих произведений литературы, живописи и музыки становится человек, вышедший из средних и низших слоев общества: ремесленник, крестьянин, мелкий чиновник, бедный мещанин.

Александр Сергеевич также посвятил свое творчество показу жизни и быта простых людей, реалистичному раскрытию их душевного мира, обличению социальной несправедливости.

Не только лирика звучит в романсах Даргомыжского на слова Лермонтова «И скучно, и грустно» и «Мне грустно». Для того чтобы в полной мере понять и постичь значение первого из вышеназванных романсов, нужно вспомнить, как прозвучали в эти годы данные стихи Лермонтова. Композитор же стремился подчеркнуть в произведении значительность и весомость не только каждой фразы, но чуть ли не каждого слова. Этот романс представляет собой элегию, которая напоминает положенную на музыку ораторскую речь. Подобных романсов еще не было в русской музыке. Вернее было бы сказать, что это монолог одного из лирических лермонтовских героев.

Другой лирический монолог Лермонтова – «Мне грустно» – построен по тому же принципу сочетания песенности и декламации, что и первый романс. Это не размышления героя наедине с самим собой, а обращение к другому человеку, наполненное задушевным теплом и лаской.

Одно из наиболее важных мест в творчестве Даргомыжского занимают песни, написанные на слова поэта-песенника А. В. Кольцова. Это песни-зарисовки, показывающие жизнь обыкновенных людей, их чувства и переживания. Например, лирическая песня-жалоба «Без ума, без разума» повествует о судьбе крестьянской девушки, которую насильно выдали замуж за нелюбимого. Почти такая же по характеру и песня «Лихорадушка». Вообще, большая часть песен и романсов Даргомыжского посвящена рассказу о тяжелой женской доле.

В 1845 году композитор начал работу над оперой «Русалка». Он трудился над ней в течение 10 лет. Работа шла неравномерно: в первые годы автор был занят изучением народного быта и фольклора, затем он перешел к составлению сценария и либретто. Хорошо продвигалось написание произведения в 1853 – 1855 годах, а вот в конце 1850-х годов работа почти остановилась. Этому было много причин: новизна задачи, творческие трудности, напряженная общественно-политическая обстановка той эпохи, а также равнодушие к творчеству композитора со стороны дирекции театров и общества.

Отрывок из романса «Мне грустно» А. С. Даргомыжского

В 1853 году Александр Сергеевич писал В. Ф. Одоевскому: «По силе и возможности я в „Русалке“ своей работаю над развитием наших драматических элементов. Счастлив буду, если успею в этом хотя вполовину против Михайлы Ивановича Глинки…»

4 мая 1856 года был дан первый спектакль «Русалки». На представлении присутствовал тогда еще молодой Л. Н. Толстой. Он сидел в одной ложе с композитором. Опера вызвала широкий интерес и обратила на себя внимание не только музыкантов, но и разночинного слушателя. Однако спектакль не удостоился посещения особами царской фамилии и высшего петербургского общества, в связи с чем с 1857 года его стали давать реже и реже, а потом и вовсе сняли со сцены.

В журнале «Русская музыкальная культура» появилась статья, посвященная опере Даргомыжского «Русалка». Вот что в ней высказал автор: «„Русалка“ – первая значительная русская опера, появившаяся после „Руслана и Людмилы“ Глинки. Вместе с тем это опера нового типа – психологическая бытовая музыкальная драма… Раскрывая сложную цепь взаимоотношений между действующими лицами, Даргомыжский добивается особенной полноты и многосторонности в обрисовке человеческих характеров…»

Александр Сергеевич, по словам современников, впервые в русской опере воплотил не только социальные конфликты того времени, но и внутренние противоречия человеческой личности, т. е. способность человека быть разным в определенных обстоятельствах. П. И. Чайковский очень высоко оценил это произведение, сказав, что в ряду русских опер оно занимает первое место после гениальных опер Глинки.

1855 год стал переломным в жизни российского народа. Только что была проиграна Крымская война, несмотря на 11-месячную оборону Севастополя. Это поражение царской России выявило слабость крепостного строя и стало последней каплей, переполнившей чашу народного терпения. По России прошла волна крестьянских бунтов.

В эти годы наибольшего расцвета достигла журналистика. Особое положение в ряду всех изданий занимал сатирический журнал «Искра». Почти с момента создания журнала членом редакционной коллегии являлся Даргомыжский. Многим в Петербурге было известно о наличии у него сатирического дарования, а также о его социально-обличительной направленности в творчестве. Многие заметки и фельетоны о театре и музыке принадлежали перу Александра Сергеевича. В 1858 году он сочинил драматическую песню «Старый капрал», которая представляла собой одновременно монолог и драматическую сцену. В ней прозвучало гневное обличение общественного строя, который допускает насилие человека над человеком.

Большое внимание русская общественность уделила также комической песне Даргомыжского «Червяк», в которой рассказывается о мелком чиновнике, пресмыкающемся перед сиятельным графом. Яркой образности композитор достиг и в «Титулярном советнике». Это произведение – не что иное, как маленькая вокальная картинка, показывающая неудачную любовь скромного чиновника к надменной генеральской дочери.

В начале 60-х годов Александр Сергеевич создал целый ряд сочинений для симфонического оркестра. Среди них можно назвать «Украинского казачка», который перекликается с «Камаринской» Глинки, а также «Бабу Ягу», являющуюся первым в русской музыке программным оркестровым сочинением, содержащим в себе острые, витиеватые, иногда просто комические эпизоды.

В конце 60-х годов Даргомыжский взялся за сочинение оперы «Каменный гость» на стихи А. С. Пушкина, которая, по его мнению, стала «лебединой песней». Остановив свой выбор на этом произведении, композитор поставил перед собой огромную, сложную и новую задачу – сохранить в неприкосновенности полный текст Пушкина и, не сочиняя обычных оперных форм (арий, ансамблей, хоров), написать на него музыку, которая бы состояла из одних речитативов. Такая работа была по плечу тому музыканту, который в совершенстве владел способностями музыкального перевоплощения живого слова в музыку. Даргомыжский справился с этим. Он не только представил работу, обладающую индивидуальным музыкальным языком для каждого персонажа, но и сумел при помощи речитатива изобразить повадки героев, их темперамент, манеру речи, смену настроений и пр.

Даргомыжский не раз говорил своим друзьям, что если он умрет, не дописав оперы, то допишет ее Кюи, а инструментирует Римский-Корсаков. 4 января 1869 года в первый раз исполнилась Первая симфония Бородина. Александр Сергеевич в это время был уже тяжело болен и никуда не выходил. Но он живо интересовался успехами нового поколения русских музыкантов, хотел слышать об их работах. Пока шли репетиции Первой симфонии, Даргомыжский всех, кто приходил навестить его, расспрашивал о ходе подготовки к исполнению произведения. Он хотел первым услышать о том, как ее приняла широкая публика.

Этого шанса судьба ему не дала, потому что 5 января 1869 года Александр Сергеевич умер. 15 ноября 1869 года опера «Каменный гость» была полностью показана на обычном вечере у его друзей. По завещанию автора Кюи и Римский-Корсаков забрали рукопись оперы сразу после его смерти.

Даргомыжский был смелым новатором в музыке. Он первым из всех композиторов запечатлел в своих сочинениях тему большой социальной остроты. Поскольку Александр Сергеевич был тонким психологом, отличавшимся замечательной наблюдательностью, он смог создать в произведениях широкую и разнообразную галерею человеческих образов.