Текст книги "Эти чудные японцы"

Глава 3.
Искусство, религия, праздники

Живопись

В японской живописи проявилась вся самобытность национального характера. В сюжетах картин преобладают сцены, насыщенные действием, а порой даже насилием. Предпочтение отдается ярким цветным плоскостям и четким контурам. Это хорошо заметно в ритуальных свитках и на расписных ширмах. Для традиционной японской живописи характерно большое разнообразие стилей, форм и техник. Основой всех стилей являются два главных направления: континентальное (привнесенное из Китая и Кореи) и чисто японское. До X в. в японской живописи доминировало китайское направление буддийского содержания. Затем начинает появляться японская живопись – ямато-э. Первые произведения в этом стиле представляли собой роспись ширм и сдвижных экранов, позднее появились многометровые живописные свитки и произведения на отдельных листах альбомного формата. Ранние из сохранившихся свитков, которые относятся к XII в., служат иллюстрацией классических произведений японской литературы периода Хэйан: «Свитка придворного Бан дайнагон», «Свитка ежегодных обрядов и церемоний», «Свитка веселящихся животных» и «Свитка адских миров». К XIV в. популярной становится монохромная живопись тушью в дзэнской манере, которая выходит за рамки монастырской традиции и становится неотъемлемой частью светского искусства. Эта живопись получила название суми-э. Многие дзэнские художники (Мусоо Сосэки и его ученик Мутоо Сюуи) обращаются в это время также к жанру полихромного портрета. Все же преобладающим жанром в XIV—XV вв. оставался пейзаж в стиле сансуйга, представителями которого были высокообразованные художники (Минте (1352—1430), Дзесэцу (первая половина XV в.), Тэнсео Сюубун (ум. в 1460 г.) и Сэссюу Тооео (1420—1506). В качестве основополагающих принципов изображения природы они применяли китайские философские концепции, берущие начало в даосизме, конфуцианстве и чань-буддизме. В 1481 г. официальным художником при дворе Асикага становится Каноо Масанобу (1434—1530), творчески объединивший принципы китайской живописи с традицией ямато-э. Он стал основоположником школы, к которой относится целая плеяда блестящих художников, разработавших целое направление декоративной живописи. Ширмы, веера и настенные панно, расписанные этими мастерами, стали лицом японского изобразительного искусства конца XVI в.

Большое значение в истории японской живописи имеют школы эпохи Эдо – Тоса и Римпа, – которые работали в стиле ямато-э. Школа Тоса находилась под покровительством императорского двора и была одной из самых процветающих в XV—XIX вв. Художники этой школы предпочитали сюжеты на классические произведения японской придворной литературы. Тоса характеризуется как изысканный, с богатой палитрой и тщательной прорисовкой деталей стиль.

Школа Римпа, основоположниками которой считаются Таварая Соотацу (ум. в 1643 г.) и Хонами Кооэцу (1553—1637), возникла в 1600 г. Ее самым выдающимся мастером признан Огата Коорин (1656—1716), работы которого повлияли на становление стиля арт-нуво (модерн). Изысканный декоративный дизайн композиций на классические сюжеты и декоративные мотивы в новой трактовке – вот что делает стиль этого художника таким потрясающим.

В эпоху Эдо наличествовали и такие направления живописи, как школы Маруяма-Сидзэео, Акита, Итоо и др. Популярностью пользовалось и направление намбан, художники которого подражали западной живописи, но использовали западные сюжеты на свой лад.

С начала XVIII в. в Японии был в моде стиль бундзинга, художников которого часто называют японскими импрессионистами. Выдающимися художниками этого направления, были Икэ-но Тайга (1723—1776), Урагами Текудо (1745—1820), Окада Бэйсандзин (1744—1820), Таномура Тикудэн (1777—1835) и др. Их достижениями можно назвать творческое переосмысление принципов традиционной японской и китайской пейзажной живописи. Работы этих мастеров полны лиричности и очень индивидуальны. Стиль будзинга оказал большое влияние на развитие японской школы Кано и на многих художников (Икэ-но Тайга, Еса Бусон, Тани Бунте, Маруяма Оке и Кацусика Хокусай). Двумя основными эстетическими принципами городской культуры периода Эдо были «ики» и «суй». Термин суй означает изысканность в манерах поведения. Ики подразумевает изысканность, с которой человек одевается и общается. Эти принципы отражали вкусы образованных и богатых людей из торгового сословия, которые с легкостью относились к деньгам и материальным благам и умели ценить красоту и роскошь. Этот стиль поведения относился также к женщинам высших рангов, к образованным гейшам и куртизанкам, чьей профессией было развлечение других людей. Принципы ики и суй повлияли и на стиль укие-э, появившийся в первой половине XVII века, но пришедший в упадок уже в XIX в. Под укие-э понимают живопись и гравюру. Термин укие-э заимствован из буддийской философии и означает «мир скорби», то есть мир преходящих иллюзий, в котором уделом человека являются скорбь, страдания, болезни и смерть. Непостоянство бытия воспринималось как источник страдания и как призыв к наслаждениям и удовольствиям, которые оно дарует. Укие-э и означает «картинки плывущего мира». В центре внимания художников укие-э были прекрасные дамы, гейши и куртизанки, актеры театра кабуки, эротические сцены, сцены любования природой, праздники и фейерверки, «цветы и птицы». Широкое распространение получили и пародии на изысканный стиль ямато-э: куртизанки изображались в одеяниях и позах знатных дам Хэйанской эпохи; дзэнский святой Дарума – в одеянии куртизанки; а божества изображались предающимися различным удовольствиям. Первые такие картинки появились еще в начале века; это были недорогие живописные работы. Зачастую автор был неизвестен, а композиция непритязательна. Эти картинки назывались сикоми-э, «быстро изготовленные картинки», их писали художники-матиэси, объединенные в большие артели. Главной темой картинок были дешевые проститутки и известные куртизанки. Первым мастером укие-э, начавшим подписывать свои работы, стал Хисикава Моронобу (ум. в 1694 г.), имевший огромный успех. Он прославился своей работой «Букэ хякунин иссю», вышедшей в 1672 г. в Эдо. Моронобу основал школу Хисикава, ставшую одной из основных эдоских школ укие-э, у него было много учеников, например Сугимару Дзихэи. Около 1770 г. взлет популярности пережил жанр якуся-э с новаторским изображением актеров как конкретных личностей (Кацукава Сюнсе (1726—1793) и Иппицусай Бунте. Стиль Кацукава Сюнсе в значительной степени повлиял и на ранние работы Кацусика Хокусая (1760—1849), одного и величайших японских живописцев. Исода Корюсай и Китао Сигэмаса изображали прекрасных обитательниц веселых кварталов, занятых повседневными бытовыми заботами.

Конец XVIII – начало XIX вв. считается золотым веком укие-э. Первое тридцатилетие XIX в. стало эпохой наиболее массового распространения укие-э. Тории Киенага, Китагава Утамаро, Тосюсай Сяраку, Тебунсай Эйси, Кубо Сюнман, Кацукава Сюите, Утагава Тоекуни и другие творили в это время. Одной из любимых тем укие-э становится пейзаж.

Основателем школы Утагава считается Утагава Тоехару (1735—1845). Он прославился своими пейзажами. Несколько особняком стоит Утагава Хиросигэ (1797—1858), второй великий мастер японского пейзажа, создавший свою собственную манеру.

В Японии укие-э долгое время считался низким жанром, а взглянуть на укие-э как на полноправные художественные произведения японцам помогли иностранцы. На западе японские гравюры оказали влияние на таких художников, как Эдгар Дэга, Клод Монэ и Винсент Ван-Гог.

Архитектура

Японцы всегда считали природу божественным творением. С древнейших времен они преклонялись перед ее красотой, поклонялись горным вершинам, скалам и камням, могучим старинным деревьям, живописным водоемам и водопадам. По мнению японцев, самые красивые участки природного ландшафта являются жилищем духов и богов. В VI—VII вв. появляются первые искусственно созданные японские сады, которые являются миниатюрной имитацией морского побережья, позднее становятся популярными сады в китайском стиле с использованием каменных фонтанов и мостиков. Во времена Хэйан изменяется форма прудов при дворцовых парках. Она становится более прихотливой: водопады, ручейки, павильончики для рыбной ловли украшают парки и сады.

В период Камакура развивалась и совершенствовалась тема мистического буддизма. При буддийских храмах и при резиденциях крупных аристократов устраиваются цукияма – крупные пейзажные сады. Золотым веком садов называют период Мурома. В качестве начала этого периода указывают 1339 г., когда один из крупнейших мастеров дзэн, Мусоо Сосэки (1275—1351), создал при храме Сайходзи знаменитый сад с 10 различными видами. В это же время появляются сады-харинива, то есть сады камней и сады мхов. Тщательно продуманная композиция этих маленьких по площади садов превращает их в миниатюрную модель Вселенной. Вид таких садов вызывает у созерцателей ощущение чистоты, спокойствия и безмолвия. Одним из принципов их построения была пустота, но не как отсутствие материальных предметов, а как строго организованное пространство, насыщенное внутренней гармонией, в котором обитают существа высшего порядка. Шедевром дзэнской архитектуры может служить знаменитый Золотой павильон при монастыре Рокуондзи в Киото, возведенный при третьем сегуне Есимицу (1358—1408). Стены этого павильона снаружи были покрыты тонкой золотой фольгой, за что он и получил свое название.

Характерная черта японской архитектуры XVI—XVII вв. (эпоха Сэнгоку дзидай) – замки с высокими башнями, украшенными многоярусными крышами. Самурайские вожди строили для себя на равнинах, на перекрестках торговых путей хорошо укрепленные здания, что вызывало необходимость принимать дополнительные меры к защите таких замков от возможных нападений. Вокруг замков строились каменные сооружения, способные выдержать долгую осаду. Такие замки получили название хирадзиро – «равнинный замок», или хираямадзиро – «замок на холме посреди равнины». Впоследствии многие из этих замков превратились в крупные города. Примером служит замок Эдо в Токио. На каменном основании возводили деревянную башню с прилегающими к ней пристройками, вокруг которых сооружали каменные стены, рыли защитные рвы и наполняли их водой. Вокруг хоммару, так назывался весь комплекс строений, располагались еще две цитадели – средняя и внешняя.

В главной башне обитал хозяин замка и его ближайшее окружение. Обычно все постройки внутри замка строились из дерева, поэтому для защиты поджогов деревянные стены покрывали противопожарной штукатуркой. Каждый замок имел несколько ворот: главные парадные и задние, а также тайные ворота или подземные ходы. Существовали ворота двух типов: кораи-мон (два толстых столба под деревянным навесом – крышей, поверх которой обычно возводилась вторая, меньшая крыша – карниз) и ягура-мон (первый ярус двух– или трехэтажной башни служил проходом, верхний ярус предназначался для стражи ворот). Стены и башни имели специальные окошки – бойницы, предназначенные для стрельбы из лука или для огнестрельного оружия. К концу периода Эдо замковая культура стала менее популярной. Сохранившиеся до сегодняшнего дня замки той поры реставрированы и приравнены к достопримечательностям.

Ярким примером этого может служить замок Сирасаги – Замок белой цапли. Его белые стены с серыми крыльями крыш напоминают взмывшую в небо птицу. Замок был заложен в середине XIV века. Сегодня его считают венцом японской замковой культуры.

Декоративно-прикладное искусство

Лаковые, фарфоровые и керамические изделия, резьбу по дереву, кости и металлу, художественно украшенные ткани и одежду, произведения оружейного искусства – все это относят к произведениям декоративно-прикладного искусства, которые в Японии имеют не только практическое применение, но и служат украшением обыденной жизни человека.

Японцы всегда придавали большое значение ритуалам: любование цветом сакуры, алыми кленами, первым снегом, восходами и закатами, икебана, питие чая или саке рассматриваются ими как мистические действа. При этом важную роль играют сопутствующие атрибуты. Поэтому многие произведения декоративно-прикладного искусства (фигурки нэцкэ, коробочки инро, косодэ (кимоно с коротким рукавом), веера, фонарики и японское оружие) должны быть эстетически красивы.

Примером может послужить меч, который для каждого японца является предметом преклонения, связанным с целыми поколениями владевших им воинов. Многие мечи рассматриваются не как предметы, а как одушевленные тела с собственной волей и характером. Меч в Японии – символ власти, самурайского боевого духа. Ковка меча составляет целое религиозное таинство, приступая к которому мастер соблюдает пост, совершает очистительные омовения, возносит молитвы к богам. Меч должен быть безупречным во всех отношениях. Любоваться хорошим мечом можно как произведением искусства. Особое значение придавалось и отделке меча: вырезанная из дерева рукоять обтягивалась кожей акулы, оплеталась шелковым или кожаным шнуром. Клинки и рукоятки украшались иероглифическими подписями и декоративными элементами. Часто мечи отделывали серебром и золотом. Ножны обычно вырезали из дерева и покрывали черным, красным или золотым лаком, обтягивали полированной кожей ската либо металлическими пластинами или вырезали из слоновой кости, или инкрустировали перламутром и насечкой из драгоценных металлов. Ножны многих мечей украшались шелковыми шнурами с кистями и декоративными узлами. По цвету, форме и убранству ножен судили о ранге самурая. Представители высшей аристократии имели мечи в золоченых ножнах, отделанных драгоценными камнями.

Лаковые изделия в Японии нашли широкое применение: благодаря климату дерево, покрытое лаком, хорошо сохраняется и долго служит. Сегодня при раскопках археологи часто обнаруживают домашнюю утварь, которая пролежала многие века и очень хорошо сохранилась. Традиционные японские лаки – красный, черный и золотистый, а к концу периода Эдо появились желтый, зеленый и коричневый лаки. Начало XX в. было ознаменовано изобретением лака белого, голубого и фиолетового цветов. Лак наносится в 30—40 слоев и полируется до зеркального блеска. Производство японских лаковых изделий процветает и по сей день.

Особое увлечение японцев – керамические и фарфоровые изделия, отличительной чертой которых кроме декоративного орнамента и цвета изделия являются тактильные ощущения при соприкосновении с ладонью человека. К художественным керамическим изделиям относятся чаши и чайники для чайных церемоний, вазы, горшки, сосуды для саке и т. д. Фарфоровые изделия представляют собой тонкостенные вазы, чайные и винные сервизы и разнообразные статуэтки.

Икебана

Икебана – это самостоятельный вид изобразительного искусства. Ближе всего к нему стоит, пожалуй, ваяние. Цель икебаны состоит в выражении красоты природы. Но икебана может выступать и средством самовыражения. Так, разные люди, имея одни и те же средства, могут создать разные букеты и вложить в них разные настроения.

Для понятия «икебана» в зарубежных языках до сих пор нет точного перевода. Такие выражения, как аранжировка цветов или искусство составления букетов не раскрывают сути понятия. Иероглифы икэ-бана иногда переводят как «живые цветы», но слог «икэ» означает не только «жить», но и является формой глагола «икасу», то есть означает «оживлять», «выявлять». Поэтому выражение «икебана» можно перевести как «помочь цветам проявить себя».

Современная икебана из изящной формы досуга превратилась в полноправный вид искусства. Корни его в Японии, где существуют множество различных течений икебаны. Самая крупная из них – Школа Согэцу, которую основал весной 1927 г. в Токио мастер Софу Тэсигахара (1900—1979). Слово «Согэцу» является сочетанием двух японских иероглифов «трава» и «луна» и выражает понимание художником природы в ее связи с бесконечностью Вселенной. Отличительной чертой этой школы является предоставление автору возможности использовать в своих произведениях, кроме цветов и листьев растений, еще и материалы и предметы окружающего мира. Особенность Согэцу – объемные композиции на открытых пространствах, которые призваны вносить гармонию в жизнь современного человека.

Составить букет может каждый. Даже букет полевых цветов – тоже икебана. Такие простые композиции, которые обладают естественными формой и средствами выражения, содержат естественную гармонию. Живая икебана – наивысшая ступень этого искусства. В этом заключается секрет правильного настроения при составлении композиции.

Существует притча о мастере чайной церемонии Рикю, сад которого славился на всю Японию цветами повилики, так что даже сам сегун Хидееси решил взглянуть на них. Придя в сад, сегун обнаружил, что все цветы срезаны. Разгневанный, вошел он в комнату для чайной церемонии и увидел икебану из одного-единственного стебля повилики. Рикю принес в жертву все цветы своего сада, чтобы подчеркнуть их красоту в одном, самом лучшем.

Икебана – создание японского образа жизни, японской культуры, порождение японской нации, которая веками воспитывала в себе умение обращаться к природе как к неисчерпаемой сокровищнице прекрасного. Японцы любят это искусство за его общедоступность, так как и бедные люди могут себе позволить им заниматься.

Литература

Японская литературная традиция считается очень древней и развитой. Самые ранние письменные произведения относятся к VIII в., но устная традиция восходит к более раннему периоду. Письменная литература возникла в связи с заимствованием китайской иероглифической письменности, вследствие чего японская литература долгое время находилась под влиянием литературы китайской.

Первые письменные памятники японской литературы – «Кодзики» и «Нихон секи». Эти произведения представляют собой собрания мифов и преданий о деяниях богов и героев, а также сведения о событиях реальной японской истории дохэйанского периода. Составлены эти дошедшие до нас литературные памятники были литераторами императорского двора в период Нара. Расцветом придворной литературы – и прозы, и поэзии – считается период Хэйан, во время которого складываются следующие жанры: моногатари (сказание) и никки (дневник). Шедевры этих жанров – «Гэндзи моногатари» Мурасаки Сикибу и «Макура-но сосии» Сэй Сенагон. Развивается также жанр сказания в стихах, например «Исэ моногатари». В период Камакура и Мурома популярность приобретают военные хроники – собрания легенд о событиях и героях известных самурайских войн. Самой известной военной хроникой XIII—XV вв. является сказание «Хэйкэ-моногатари», посвященное войне 1180—1185 гг. Сюжеты военных хроник послужили основой для многих пьес.

Классическим жанром японской поэзии считаются стихи в стиле вака, или танка – короткий стих. Они состоят из пяти строк с 31 слогом. Термином вака во времена Хэйан обозначали высокую поэзию на японском языке, которая пользовалась особым покровительством императорского двора. В то время при императорском дворе были популярны литературные состязания с целью отбора лучших стихов и их издания в императорском сборнике. Первый из таких сборников – «Манъесю» – состоит из 20 томов. За этим сборником последовало еще 20 императорских антологий стихов, в которых были объединены произведения лучших поэтов, императоров, государственных чиновников и воинов-самураев.

В аристократических кругах для развлечения занимались поэтической игрой, то есть сочинением рэнга – совместных стихов. Игра заключалась в следующем: кто-нибудь сочинял первые три строки (5 слогов в первой, 7 – во второй и 5 – в последней), следующий человек или группа людей – две последние (по 7 слогов в каждой). Рэнга был наиболее популярным поэтическим жанром до эпохи Эдо. Затем появился жанр хайку – 17-слоговой стих, допускавший разговорный стиль и считавшийся более легкомысленным. Самыми знаменитыми поэтами этого жанра считаются Нисияма Сеин (1605—1682), Ихара Сайкаку (1642—1693), Уэдзима Оницура (1661—1738) и, конечно же, поэт мировой величины Мацуо Басе (1644—1694).

С XVII в. стали издавать отоги-дзоси (легенды, притчи и рассказы), которые были давно известны и существовали в устной форме с XIV – XV вв.; они пользовались большим спросом не только у высших слоев населения, но и у бедноты, так как были записаны общедоступным алфавитом канна. В этот период под влиянием отоги-дзоси оформляется авторская проза, главным жанром который были развлекательные рассказы из окружающей жизни. Имелось несколько направлений этого жанра: сярэбон (остроумные рассказы), главной темой которых были истории из жизни «веселых кварталов»; коккэибон (юмористические книги); ниндзсобон – сентиментальные истории о дамах из «кварталов наслаждений» и их поклонниках. Известные прозаики XVII—XIX вв.: Ихара Сайкаку (1642—1693), Нитидзава Иппу (1665—1731), Эдзима Кисэки (1666—1735), Сантоо Ксодэн (1761—1816), Уэда Ааинари (1734—1809), Рюутэй Танэхико (1783—1842), Такидзава Бакин (1767—1849), Дзиппэнсай Иккю (1765—1831), Тамэнага Сюнсюй (1789—1843).

Новая японская литература XIX—XX вв. отличается от всей предшествующей тем, что во многом оказалась под влиянием и популярностью западной литературы.

Сценическое искусство

В Японии насчитывается пять основных театральных жанров: бугаку, но, кегэн, бунраку и кабуки, которые объединены общими эстетическими принципами.

Бугаку – церемониальный танец, являлся частью придворного ритуала, восходящего к VIII в. Бугаку носит следы влияния китайского, корейского и индийского церемониальных танцев.

Расцвет театра но относится к XIV в. Но основан на принципах дзэнской эстетики и отражает буддийский взгляд на жизнь. Этот жанр восходит к ритуальным синтоистским действам, когда актеры выступали при буддийских и синтоистских храмах, разыгрывая сцены религиозного содержания. Маски театра но связаны с традицией древних ритуальных представлений – гигаку; музыкальное сопровождение заимствовано из ритуального синтоистского танца – кагура. Самым ранним произведением но является «Окина» (X в.), которая состоит только из трех ритуальных танцев, представляющих собой моление о мире, плодородии и долгой жизни. Становление театра связано с именем Дзэами Мотокие (1363—1443), который в 1374 г. вместе со своим отцом выступил перед сегуном Асикага Еримицу. Их игра была настолько великолепной, что покорила сердце властителя, и тот взял театр но под покровительство сегуната. Спектакль но представляет собой гармоничное единство литературного текста, актерской игры, танца, музыки и хора из 8—10 человек. Особую функцию несет одеяние актера и маски, выражающие тончайшие оттенки человеческих чувств. Каждый элемент драмы от актерской игры до покроя и цвета костюмов и декора веера должен строго соответствовать единой системе символов, позволявшей раскрыть особенности образа героя. Актеры но буквально гипнотизировали аудиторию своей игрой, что требовало от них высочайшего профессионализма. Но и от зрителей театр требовал высокой образованности, поэтому этот жанр относился к высокому, элитарному искусству.

Репертуар но весьма разнообразен: известно около 240 пьес различного содержания. Образы героев большей частью трагические: монахи, божества, демоны и одержимые ими люди, женщины, страдающие от потери своих любимых, старцы. В классическом театре но все роли исполнялись только мужчинами.

Традиция театра кабуки связана с городской культурой. Кабуки – любимое зрелище горожан всех слоев и уровней достатка – возникло в начале XVII в. и связано с именем Окуни, известной исполнительницы ритуальных танцев при синтоистском храме в Идзумо. Она путешествовала по всей стране с группой танцовщиц, с помощью которых разыгрывала целые представления. Внешний вид и манеры поведения Окуни и ее труппы шокировали публику, поэтому исполняемые ими танцы прозвали кабуки-одори, что означает «отклоняться», «шокировать». Театр кабуки был женским, но в 1629 г. правительство, недовольное аморальным поведением актрис, запретило участие женщин в театре. Женщин стали заменять юноши, представления имели еще более громкий успех, однако с 1652 г. сегунат запретил по тем же причинам и юношеское кабуки. Участвовать в театральных постановках кабуки было разрешено только взрослым мужчинам, спектакли подвергались цензуре, актерам запрещалось покидать пределы «веселых кварталов». Постановки театра кабуки постепенно превратились в сложное действо, объединяющее различные сценические искусства. Пьесы кабуки посвящались популярным в Японии сюжетам из народных легенд, самурайских эпосов, исторических хроник и из репертуара театра но и кукольного театра бунраку. Известные драматурги Тикамацу Мондзаэмон (1644—1694), Цуруя Намбоку (1755—1829), Каватаки Мокуами (1816—1893) специально сочиняли пьесы для кабуки.

В театре кабуки используют не маски, а грим, искусство наложения которого восходит к традиции старинной Пекинской оперы. Спектакль проходит при музыкальном сопровождении, причем музыканты находятся и на сцене, и за ней. Основными музыкальными инструментами являются сямисэны, флейты, барабаны и деревянные палочки.

Декорации кабуки разнообразны и роскошны, они призваны создавать и подчеркивать эстетический фон и эмоциональный настрой спектакля. Традиция японского кукольного театра бунраку, известного также как аяцури дзерури (кукольное действо), развивалось в это же время. Каждая из кукол, размер которых составляет примерно 1/2 человеческого роста, управляется сразу тремя людьми. Куклы имеют подвижные глаза, веки, брови, рот, руки и ноги. Кукловоды одеты в черные одежды, а озвучивает всех кукол один декламатор. Для бунраку было написано много знаменитых пьес, например «Сонэдзаки синдзю» (1703), «Канадэхон тюсингура» (1748). Наиболее известными драматургами, работавшими для бунраку, принято считать Тикамацу Мондзаэмон (1644—1694), Ки-но Кайон (1633—1742), Такэда Идзумо II (1691—1756), Намики Сосукэ (1695—1751), Мисси Сераку (1696—1772), Тикамацу Хандзи (1725—1785). Бунраку к концу XVIII в. был постепенно вытеснен театром кабуки и переживал период упадка, когда многие японцы отвернулись от своей традиционной культуры в сторону западных ценностей. В настоящее время традиционный кукольный театр вновь пользуется огромной популярностью как среди японцев так и среди туристов.

Музыка

В начале VIII в. в Японии по образцу существующей с конца VII в. китайской школы музыки, танца и акробатики было создано правительственное ведомство саругаку, во главе которого были поставлены китайские артисты. Оно просуществовало до 782 г., выполняя функции обучения актеров и устройства представлений саругаку. Японский придворный оркестр создавался по образцу придворного оркестра Чанъаня, в котором насчитывалось более 500 инструментов: 120 арф, 180 щипковых – типа лютни, 40 флейт, 200 духовых органов, 20 гобоев, различные барабаны, колокола и гонги. К VII и началу VIII в. относится формирование японской музыкальной и театральной системы. Первоначально существовало подразделение на китайский музыкальный стиль, корейский и японский. Инструментальная музыка китайского и корейского стилей образовала гагаку, то есть торжественную музыку. В VII—VIII вв. гагаку исполнялся во время богослужений в буддийских храмах и во время придворных церемоний. Но очень скоро в гагаку были включены отдельные вокальные номера.

В это время китайские и корейские музыканты все чаще приглашаются на службу в Японию. Теория гагаку заимствована в основном из китайской философии и литературы, одним из элементов которых была и музыкальная теория. Китайская музыкальная система люй проникает в Японию вместе с философией и литературой в VI в. Японская музыкальная теория оформляется только в IХ в., хотя музыкальные каноны складываются в общих чертах уже к VIII в.

Помимо системы люй с ее специфическим звукорядом в VIII в. в японской ритуальной музыке появляется через Вьетнам и Камбоджу индийская музыка, основанная на звукоряде рага. По свидетельству японских источников, в 763 г. во время придворного праздника в Нара впервые исполнялась музыка Южного Вьетнама. Таким образом, японская музыкальная теория наследует и развивает возникшее прежде направление, которое привело к синтезу различных музыкальных и театральных форм.

Религии

Как синтез направлений в музыке, в Японии наблюдается смешение религий. Древнейшая религия Японии – синто, то есть «путь богов». В основе ее заложен миф о возникновении мира. Богиня Солнца Аматэрасу, от которой Земля и императорский род ведут свое происхождение, является дочерью прародительской божественной пары Идзанаги и Идзанами, создавших японские острова. Богиня Солнца ниспослала на землю своего внука Ниниги, потомкам которого поручила править Японией. Правнук Ниниги Дзимму-тэнно завоевал священную местность Ямато и основал там в 660 г. до н. э. японское государство. Синтоизм возник из древнего культа обожествления умерших предков и природы.

С распространением буддизма в Китае, Тибете, Корее, Японии, Монголии, Вьетнаме и других странах религиозно-мифологические системы местных народов испытывали существенные изменения.

Буддизм проник в Японию в середине VI в. из Китая. Японский буддизм – это синтез буддийских идей, мифологии синто и японской культуры. Характерной чертой сложившегося синтезированного религиозного культа стала двуединство входящих в него божеств: то или иное божество являло себя через определенное божество в синтоизме, сохраняя при этом собственные свойства и приобретая дополнительные свойства этого божества. Одним из главных действующих лиц буддийских мифов, преданий и легенд стала Бодхисаттва Каннон (санскр. «Будда безграничного сострадания»).

На протяжении веков в Японии образовывались многочисленные религиозные секты, которые существуют и сегодня. В школе Тэндай, например, магические формулы и ритуалы смешиваются с учениями народных целителей.

Учение школы Сингон представляет собой, скорее, магическое учение аскетизма со множеством ритуальных церемоний.

Самой массовой на сегодняшний день является созданная еще в 1253 г. секта Нихирэн с подчеркнуто националистскими традициями.

Число приверженцев новых сект и религиозных движений невелико. Они стараются привлечь к себе внимание сенсационными выходками.

В дзэн-буддизме с его двумя важнейшими сектами Риндзай и Сото во главу угла ставится внутреннее просветление (сатори), которое достигается путем медитации с помощью практики дзадзэн – сидения в состоянии сосредоточения, созерцания. Большое значение имеет передача учения напрямую от учителя (дзэн) ученику с помощью парадоксальных вопросов (коан), которыми наставник стремится расшатать логическое мышление ученика и тем самым освободить его от ложной привязанности к миру вожделений и страданий. Благодаря своей аскетической направленности, воспитанию воли и сосредоточению на главном дзэн приобрел влекущую силу для касты самураев и оказывает неослабевающее влияние на эстетико-культурное развитие современной Японии.