Текст книги "Ватикан"

Вот, например, Гераклит: он сидит на ступенях на первом плане фрески и погружен в глубокую задумчивость. Неподалеку разместилась другая группа, единодушно склонившаяся над грифельной доской. Они следят за циркулем учителя, который что-то чертит на ней.

Дальше, за этой группой, юноша в спешке пытается записать мысль, неожиданно пришедшую ему на ум, на бумаге, которую он держит у себя на колене. Поза неудобная, но при этом очень естественна.

Среди действующих лиц здесь есть и другие мыслители. Диоген Лаэртский лежит на ступенях, лениво развалившись. Слева наверху стоит Сократ с математиком Евклидом и географом Птолемеем.

У последнего на голове корона, это отражает предание о Птолемее. Его в древности считали сыном царя, и на фреске Рафаэль обыграл этот мотив. Он беседует с Зороастром. На ступенях полулежит Гераклит с лицом Микеланджело. Он как будто отражает угрюмый и нелюдимый характер этого титана Возрождения.

Места стыковок штукатурки показывают, что эта часть фрески создавалась позднее, когда вся картина целиком была завершена. Рафаэль сделал Микеланджело героем своей росписи в честь его знаменитых фресок в Сикстинской капелле. Известно, что Рафаэль видел их в то время, когда они, уже наполовину готовые, были открыты специально для папы Юлия II. Тогда эта работа настолько потрясла воображение Рафаэля, что он решил прославить мастерство скульптора и поместить его портрет в «Афинской школе».

Удивительно, как причудливо сочетаются все фигуры между собой. Здесь собраны представители различных эпох, разных стран и религий, но они на картине ведут себя так, словно знали друг друга при жизни. Справа, у края картины, изображен сам Рафаэль и его ближайшие друзья.

Художник, следуя традициям Кватроченто, придает отдельным фигурам черты сходства с известными людьми. Так, в Евклиде все современники Рафаэля единодушно признавали архитектора Браманте.

Смешение эпох и разных временных пластов должно было отразить главную идею Возрождения, которая состоит в том, что искусство вечно. А следовательно, неважно, когда жил художник или поэт. Если его произведения приобретают широкую известность, он общается через свое творчество со всеми поколениями и со всеми народами мира. Искусство – это проводник отношений между людьми.

Вся картина построена на контрастах, очень тонких и искусных. Это контраст покоя и энергии и замирающего, малейшего движения мысли человека.

Так, погруженному в размышления ученому противопоставлен стоящий рядом человек, чья фигура наполнена энергией и динамикой. Контраст заметен не только во внешнем облике персонажей, но и в их характерах. Все герои разные, и каждый из них обладает своим индивидуальным психологическим портретом.

Ученики Евклида внимательно следят за действиями своего учителя, причем в их движениях и мимике запечатлено, как каждый из них понимает объяснения. Один только-только начал понимать, в чем дело, и боится потерять нить рассуждений, другой спешит радостно показать ему, что все понял, и здесь нет ничего сложного. Выражение лица его соседа, однако, говорит весьма красноречиво, что тот ему мешает. Крайний ученик еще не постиг всей тайны и напряженно следит за рукой Евклида-Браманте.

Такая психологическая разработка говорит только о том, что движение должно быть внутренне оправданно, должно найти выражение в глазах, жестах, позе человека. Таким образом, Рафаэль подчеркивал, что все между собой взаимосвязано тонкими психологическими нитями.

«Афинская школа» необыкновенно спокойна и гармонична, в ней нет никакой надуманности, царят здесь их величества Тишина и Логика человеческой мысли. На картине нет толпы, хотя персонажей хватает, чтобы создать впечатление огромной массы. И это, может быть, главное ее достоинство. Не создается впечатления маленького помещения, куда вошло слишком много людей одновременно. Скорее наоборот, фронтально расположенные фигуры подчеркивают пространственную глубину картины.

Современники называли фреску чудом, и она, бесспорно, является жемчужиной Ватикана. Она приобрела мгновенную славу и была единогласно одобрена всеми зрителями.

Следующая фреска, украшающая стены Станцы делла Сеньятура, – «Парнас», или «Жилище Аполлона». В ней художник на языке живописи говорит о стремлении человека к красоте, об искусстве, поэзии, литературе. «Парнас» стал воплощением царства красоты. Это также аллегорическое изображение, отражающее на языке символов преставления человека о прекрасном. Эта фреска расположена на стене, которую посередине прорезает окно, но Рафаэль справился с этим неудобством. Он использовал оконный проем, расположив действие и персонажей вокруг него. Композиция картины, таким образом, организована по форме окна. Вот что на ней изображено.

На вершине горы, том самом легендарном Парнасе, сидит Аполлон. Он, вопреки всем правилам и канонам времени, играет на скрипке. Это анахронизм, никак не оправданный историей. Скрипка была изобретена гораздо позднее. И даже не в Греции.

Фигура Аполлона, как центрального героя, представлена в полный рост, впрочем, так же как и фигура Гомера, второго по значимости образа. Вокруг него в лавровой рощице столпились музы, им посвящена вся фреска. Рядом с сияющим, солнечным богом расположены две сидящие фигуры. Это музы эпической и лирической поэзии. На склонах горы, гораздо ниже Аполлона, разместились все известные итальянские поэты.

Как всегда, не обошлось и без античных героев. Все фигуры объединены общим движением по вертикали и горизонтали, мощным воздушным потоком, расставляющим персонажи по их местам на картине. В левом нижнем углу примостилась Сапфо, она держит в руках свиток со своим именем, а рядом с ней молодой Петрарка.

Опять мы видим, как Рафаэль соединяет время, не дает разбежаться всем своим персонажам по разным временным отрезкам. Всем незримо руководит слепой Гомер. Он читает свои поэмы. Голова Гомера сильно напоминает голову статуи Лаокоона. Она показалась Рафаэлю настолько колоритной, что тот не замедлил увековечить ее черты и в своем Гомере. За Гомером снова появляется Данте, только здесь он уже немного другой, нежели в «Диспуте».

Возле Данте нарисован его учитель Вергилий; художник не стал разъединять две уже слившиеся в нечто единое фигуры итальянского и античного поэтов. Этим только подчеркивается близость культуры Италии к античному миру.

Вся сцена построена на контрастах, так полюбившихся Рафаэлю. Образы «Парнаса» не разрознены, они не теряются и не оторваны друг от друга. Группы персонажей связаны одна с другой отдельными линиями из одиночных фигур, так что получается, что каждая фигура самодостаточна, но в то же время включена во всеобщее пространство композиции.

Этой фреске соответствует люнет с добродетелями, аллегорическими фигурами. Они символизируют собой воплощенное Благо. Но вот что интересно. Влияние одного произведения искусства на другое очень сильно и неизбежно. А тем более у таких титанов Ренессанса, как Микеланджело и Рафаэль. То, что они работали в одно время и в одном городе, пусть даже таком огромном, как Рим, неизбежно должно было привести к некоторым параллелям в творчестве, которые недоброжелатели да и сами художники в приступах ревности приписывали плагиату в живописи.

Но это далеко не так. Считается, что глубина пространства, великолепно переданный объем в люнете – это не что иное, как просто подражание Микеланджело. Конечно, именно объем и перспектива отличают живописное наследие Микеланджело, делают его непохожим на творчество остальных художников. Но это еще не повод для обвинения!

Но что является безусловным, неоспоримым изобретением Рафаэля, это объединение трех персонажей в одно гармоничное целое. Так, на этом люнете изображены три основные человеческие добродетели – Сила, Мудрость и Мера. Сила облачена в доспехи (она еще и сила физическая, а не только моральная). Мудрость художник изобразил с двумя ликами – лицом молодой девушки, отражающимся в зеркале, и пожилого мужчины. Это символ возраста – необходимого условия для настоящей мудрости. Двуликий образ Рафаэль поместил на ступенях, в тени дуба.

Следующая фигура – Мера. Она держит в руках вожжи, обуздывая неуемные желания и заставляя придерживаться золотой середины. Гармоничное целое завершает собой Справедливость, которая находится несколько выше всех остальных. Она нарисована в отдельном медальоне. Этот же медальон помещен в композицию плафона станцы, разделенного на девять полей: четыре медальона над люнетами, четыре прямоугольника и восьмиугольник в центре.

Здесь Рафаэль сохранил работы своих предшественников. Танцующие ангелочки в центральном восьмиугольнике и маленькие сценки мифологического и исторического содержания между основными полями написаны разными художниками XV в. и другом самого Рафаэля – художником Содомой.

Справедливость сопровождают другие христианские добродетели. Это Милосердие, Надежда, которая освещает перед собой дорогу факелом, и Вера, показывающая пальцем правильное направление движения души человека, а это только небо.

Четвертая фреска станцы называется «Юриспруденция». Она несет в себе идею нравственности и добра. Эта фреска отличается от других тем, что состоит из двух параллельных композиций, которые сливаются во что-то неразрывно связанное.

Окно делит стену на две части. Справа изображен папа Григорий IX, передающий бумаги коленопреклоненному юристу. Слева нарисован Юстиниан, вручающий свод законов знаменитому составителю Кодекса Трибониану. В этих фресках уже чувствуется сильное влияние учеников Рафаэля.

Медальоны и прямоугольники, нарисованные Рафаэлем, служат дополнением к основным композициям. Медальон с фигурой Правосудия помещен над «Юриспруденцией», Философия – над «Афинской школой», Богословие – над «Диспутой» и Поэзия – над «Парнасом».

По принципу такой же смысловой связи расположены и сцены в прямоугольниках: суд Соломона, первое движение (Астрономия), грехопадение и «Аполлон и Марсий». Все сцены плафона сочетаются в орнаментальном узоре, составляющем единое целое с архитектурой помещения и росписью стен.

Успех фресок Станцы делла Сеньятура был так велик, что сразу после их окончания папа Юлий II немедленно поручил Рафаэлю расписать Станцу д'Элиодоро.

Так художник быстро переходит от одного произведения искусства к другому. Смерть папы Юлия II повлияла на сюжет и на работу над фресками. Кроме того, существенное влияние на роспись оказало знакомство Рафаэля с венецианским колористом, посетившим Рим. Себастьяно дель Пьомбо (ок. 1485—1547) заинтересовал художника своими необычными, яркими красками, горячим светом всех своих работ. У него Рафаэль учился насыщать роспись богатыми, живыми оттенками.

В результате картины Станцы д`Элиодоро уже не акварельные, как все предыдущие росписи, в них нет прозрачности красок. Они покоряют зрителя сочностью и яркостью.

По-видимому, еще одно обстоятельство сыграло свою роль в подобном обогащении творчества Рафаэля. Художник увидел роспись плафона Сикстинской капеллы, созданную рукой Микеланджело. Впечатление от данного произведения было столь велико, что повлияло и на рафаэлевскую манеру писать.

Второй цикл фресок отмечен новым решением цветового и светового оформления. Это нововведение, наряду со смелым использованием движения, позволяет Рафаэлю передавать полные драматизма и динамики ситуации, как, например, в «Изгнании Элиодора из храма».

На потолке станцы изображены эпизоды из Священной истории: неопалимая купина, предупреждение Ноя о потопе, сон Иакова, жертвоприношение Авраама. Все они так или иначе повествуют о вмешательстве Бога в земные дела человека. Некоторые другие картины рассказывают об истории церкви в Средние века. Это «Месса в Бальсене» и «Встреча папы Льва I с Аттилой».

Изгнание Элиодора из храма. Художник Рафаэль

Сюжеты взяты из Библии, «Деяний апостолов» и средневековых легенд. Здесь, как и в предыдущей станце, четыре фрески: «Изгнание Элиодора из храма», «Освобождение апостола Петра из темницы», «Месса в Бальсене» и «Встреча папы Льва I с Аттилой». В выборе этих тем, по-видимому, принимал участие сам папа, так как первые три фрески в большей или меньшей степени связаны с его деятельностью.

Характерной отличительной чертой фресок является то, что все они имеют свой сюжет, вполне определенный и законченный. Картины повествовательны и динамичны. Все они необыкновенно торжественны и грандиозны. Такого своеобразия и красоты фресок Рафаэль достиг благодаря тому, что в этом цикле он не соблюдал традиционной симметрии и круговой цикличности, как в картинах первой серии. Сыграл свою роль и сложный, специально подобранный колорит.

Все перечисленные черты проявились в первой фреске «Изгнание Элиодора из храма». Сюжет ее взят из Библии. Вот о чем рассказывается в легенде. По приказу сирийского царя Селевка его полководец Элиодор должен был взять из Иерусалимского храма сокровища, предназначенные для содержания вдов и сирот. Однако мольба священника храма, как гласит легенда, была услышана Богом, который наказал нечестивца и его сообщников.

Рафаэль избрал момент, когда свершается чудо и небесные мстители налетают на Элиодора, готовящегося покинуть храм, унося с собой сокровища. Рафаэль развернул действие этой легенды в храме, в его глубине и молился священник. Он не знает еще, что его мольба услышана.

На переднем плане разместились две группы. Слева – люди, пораженные чудом, справа – поверженные в прах Элиодор и его сообщники, на которых налетели ангелы с розгами, и прекрасный юноша на коне. Это кульминационный момент драмы.

Вся группа пронизана стремительным движением, усиленным развевающимися плащами стражников-ангелов, вздыбившимся конем и игрой света и тени на полу храма, на сводах, одеждах действующих лиц.

Динамике и драматизму правой группы противопоставлены спокойствие и величавость папы Юлия II, которого на носилках вносят в храм. Здесь, как и в других фресках, некоторым действующим лицам Рафаэль придал портретное сходство с чертами современников. Это прежде всего портрет Юлия II – мужественного и грозного владыки католической церкви. А мужчина, несущий носилки, – гравер Маркантонио Раймонди (ок. 1480 – ок. 1534). Кульминационный момент повествования драматически освещен и перенесен из центра в угол картины.

В самой середине господствует огромное пространство, которое почти ничем не заполнено. Вернее, здесь изображено небо, наполненное сиянием и светом от ангела. Этот мотив наиболее сильно и ярко звучит во всей фреске.

Элемент современности в легендарный библейский сюжет Рафаэль ввел неслучайно. Это было подсказано самой историей. В 1512 г. произошли события, где папа сыграл ту же роль, что и ангелы в «Изгнании Элиодора из храма».

Эта фреска символизировала победу над французами и их изгнание из Италии. Это был пик славы папы Юлия II, он находился просто в зените своей необыкновенной популярности.

Характерное лицо папы с его суровым взглядом и плотно сжатыми губами Рафаэль изобразил также на фреске, занимающей соседнюю стену. Это «Месса в Бальсене». Она посвящена одному из проявлений чудес, на которые способна христианская религия. Это праздник тела Господня.

Месса в Бальсене. Художник Рафаэль

По легенде, в Бальсене чудо с кровоточащей облаткой заставило священника уверовать в таинство причастия. Герой событий – усомнившийся священник – помещен в самый центр композиции. Слева расположена группа присутствующих в церкви прихожан. Они стоят с выражением благочинного и смиренного ожидания. Сзади главного священника Рафаэль нарисовал двух прислужников. Они перегнулись через парапет и смотрят вниз на происходящее чудо.

Вся сцена представляет собой нечто новое в творчестве Рафаэля. Художник с этого времени запечатлевает динамику при изображении фигур своих персонажей. В 1506 г. в Бальсене отслужил мессу папа Юлий II, поэтому он, коленопреклоненный, изображен напротив священника. Присутствие на картине папы придает достоверность всему происходящему на ней.

Немного ниже находятся прелаты, а у дверей – гвардейцы. Фреска асимметрична, и это впечатление усиливается волной, которая прошла по фигурам зрителей, стоящим справа, под влиянием происходящего чуда. Таким образом, на фреске, где изображены обе мессы, даны два разных хронологических момента, как и в «Изгнании Элиодора из храма».

«Месса в Бальсене» – торжество Рафаэля-колориста. Вместо светлых, прозрачных тонов «Афинской школы» в «Мессе» – полные богатства, теплые тона. Яркие костюмы швейцарской гвардии на фоне серой балюстрады и красные одеяния кардиналов придают насыщенность и интенсивность всей красочной гамме фрески. Лица гвардейцев, очень мужественные и твердые, безусловно, портреты.

Третья фреска в той же станце, «Освобождение апостола Петра из темницы», посвящена легенде из жизни апостола Петра. Без сомнения, эта тема была одобрена папой Юлием II.

Сцена соединяет в себе три момента, которые заимствованы из «Деяний апостолов»: страх стражи, появление ангела в темнице и уход потрясенного Петра, совершенно растерянного из-за своего неожиданного избавления. В принципе композиция этой фрески представляет собой вариацию на тему «Мессы в Бальсене».

Здесь Рафаэль использовал для контраста переходы света и тени как средство усиления драматизма. До этого такой же прием был использован в картине «Изгнание Элиодора из храма». Сюжет «Освобождения» дал возможность Рафаэлю создать воистину удивительное произведение. Фреска написана под окном, через которое в помещение льется яркий солнечный свет.

Никому до Рафаэля не удавалось написать освещение в картине с такой силой, что оно могло спорить с солнечным освещением. Действие происходит ночью. Фреска представляет собой что-то вроде триптиха.

В средней части апостол и солдаты, к которым Петр прикован цепями, погружены в глубокий сон. Ангел, окруженный ярким сиянием, будит Петра. В правой части ангел выводит его из темницы, а в левой изображена пробудившаяся стража. Самый сильный источник света на картине – ослепительное сияние, которое исходит от ангела. Слева – свет луны и факелов.

Смелые контрасты света и тени усиливают яркость основного источника света: действие центральной сцены происходит за черной решеткой темницы, и сияние ангела отражается в металлических латах стражников; ослепительным светом залита сцена в правой части, а слева луна пробивается сквозь грозовые тучи. Однако такое освещение далеко не трюк и не обман зрения с помощью ярких красок.

Контрастное противопоставление света и мрака создает атмосферу напряженного драматизма. Здесь, как уже упоминалось, Рафаэль использует тот же прием, что и в «Изгнании Элиодора из храма», но роль цвета становится еще более заметной, а его экспрессия обретает незнакомые прежде Рафаэлю драматизм и мощь.

«Освобождение апостола Петра из темницы» было закончено уже после смерти папы Юлия II, когда на престол взошел новый папа – Лев X. Последняя фреска этой станцы – «Встреча папы Льва I с Аттилой» – была выполнена при нем. В создании этой фрески, как и в последующих ватиканских росписях, принимали участие ученики Рафаэля.

В Станце дель Инчендио наиболее интересной и значимой является фреска «Пожар в Борго», которая почти целиком выполнена самим Рафаэлем. На ней представлены отдельные фигуры: охваченные страхом женщины, дети и люди, несущие воду.

Вся фреска четко делится на две части. Слева пространство занимает плотный ряд, состоящий в основном из пап и кардиналов. Папа указывает рукой на варваров, на них, кажется, надвигается мощный ветер. Его источник – движение апостолов Петра и Павла.

В глубине картины изображен Рим и древний Колизей, уже охваченный пожаром. Эта фреска не такая цельная и единая, как другие. Она четко распадается на несколько отдельных фрагментов. Исследователи отмечают, что такое деление является характерной чертой творчества одного из самых видных и талантливых учеников Рафаэля – Джулио Романо (1492 или 1499—1546).

«Пожар в Борго» еще и потому такой сложный по своей структуре и организации, что в нем очень много цитат из архитектурного прошлого и наследия Италии. Главное, что несет в себе картина, – прославление деятельности папы, его заступничества и защиты, которую он оказывал всем, кто в этом нуждался.

Пожар в Борго. Художник Рафаэль

Во фреске просматривается и влияние классики, что нашло отражение в ее композиции. Она представляет собой следующее: две колоннады, которые выделяются на общем фоне и сразу бросаются в глаза; папа Лев X, благословляющий народ; в глубине картины виден фасад собора Святого Петра.

Вся фреска очень декоративна, даже несколько театральна. Но несмотря на то что сам Рафаэль принимал мало участия в ее написании, и она почти целиком выполнена его учениками и подмастерьями, картина считается очень сильной.

Работе над станцами Рафаэль посвятил почти всю свою жизнь, с момента переезда в Рим и до самой смерти. Но после смерти Юлия II он почти ничего не писал на штукатурке, а занимался только набросками на картоне и наблюдал за учениками. Его картоны из серии «Деяния апостолов» сохранились до настоящего времени. Загруженный массой заказов от папы Льва X, Рафаэль целиком передает ученикам роспись залы Константина, где они работали уже после его смерти.

Такая перемена в работе объясняется тем, что при новом папе у мастера расширился круг обязанностей. Теперь Рафаэль должен был оформлять праздники и театральные представления, делать эскизы для мебели и интерьера комнат, а после смерти Браманте он достраивал собор Святого Петра. Однако именно станцы, несмотря на то что они только наполовину написаны рукой художника, принесли ему громкую славу.