Электронная библиотека » Вероника Ганчурина » » онлайн чтение - страница 3


  • Текст добавлен: 27 декабря 2020, 08:53


Автор книги: Вероника Ганчурина


Жанр: Изобразительное искусство и фотография, Искусство


Возрастные ограничения: +6

сообщить о неприемлемом содержимом

Текущая страница: 3 (всего у книги 8 страниц) [доступный отрывок для чтения: 3 страниц]

Шрифт:
- 100% +

Глава V
Русский классицизм (вторая половина XVIII века)

Вдохновение есть расположение души к живому приятию впечатлений…

А. С Пушкин

Вторая половина XVIII века – это период наивысшего развития абсолютной монархии в России, связанный прежде всего с правлением Екатерины Великой. При Екатерине крепостные крестьяне лишились права официально жаловаться на своих помещиков; привилегии дворянства, наоборот, были существенно расширены, как и российские территории – например за счет присоединения Крыма. С именем Екатерины, которая собирала произведения живописи и переписывалась с Вольтером, связана эпоха Просвещения в России.

Таланты из академии художеств

Основание Академии художеств (1757) произошло чуть раньше, чем воцарение Екатерины (1762). Инициатива организации учебного заведения принадлежала И. И. Шувалову, меценату, куратору Московского университета, содействовал ему М. В. Ломоносов. Академия художеств в Санкт-Петербурге стала первым и на тот момент единственным в Российской империи высшим художественным заведением. Ее правильное название – «Академия трех знатнейших художеств» (зодчества, ваяния и живописи). В ней были воспитаны выдающиеся архитекторы, скульпторы, живописцы, графики, работа которых определила путь русского искусства на ближайшую перспективу.

РУССКАЯ «АНТИЧНОСТЬ»

Классицизм, будь то литература или живопись, активно использовал античные сюжеты. И не только. Если посмотреть на бюсты полководцев и политических деятелей, созданные в этот период, они очень напоминают наследие Древнего мира

Как происходило обучение? Базой служило изучение творчества великих мастеров прошлого, в первую очередь античности, и копирование образцов. Кроме этого практиковалась работа с натуры – рисование и лепка натурщиков, позировавших студентам. Ведущим направлением в искусстве этого периода является классицизм – как, собственно говоря, и в Европе. Идеалы классицизма – гармония, соразмерность, полезность, служение, сочетание внутренней и внешней красоты – вполне отвечали просветительской миссии академии.

ИСКУССТВО МОЗАИКИ

Мозаика появилась на Руси после принятия христианства, но была мало распространена из-за того, что закупка смальты в Византии и ее доставка обходились дорого. Идея возрождения мозаичного искусства в России принадлежала Михаилу Васильевичу Ломоносову. Его мозаика, посвященная Полтавской битве, заняла достойное место в числе его достижений. Но дело его продолжилось лишь спустя значительное время – в середине XIX века

Директором академии был архитектор А. Ф. Кокоринов, профессорами пригласили скульптора Н.-Ф. Жилле, архитектора Ж.-Б. Валлен-Деламота и других.

Русский классицизм пропагандировал также идею «естественного человека» – близкого античным идеалам, ключевыми свойствами которого были разумность, простота, верность, что являлось практически синонимом прекрасного.

Сочетание европейского и национального было основной художественной идеей преподавателей и студентов этого учебного заведения. Академия возродила пенсионерство – обучение за рубежом, что активно практиковалось в Петровскую эпоху, но впоследствии прекратилось. Однако теперь это стало более чем просто паломничеством одаренных молодых людей за знаниями. Это был обмен, сотрудничество, взаимовыгодный творческий способ диалога культур.

СТРОИТЕЛЬ И РУКОВОДИТЕЛЬ

Александр Филиппович Кокоринов (1726–1772) был учеником прославленного архитектора И. К. Коробова. Совместно с Ж. Б. М. Валлен-Деламотом спроектировал здание Императорской Академии художеств, уже являясь директором этого учебного заведения (позднее – его же ректором)

В 1764 году при академии открыли Воспитательное училище, куда принимали пяти-шестилетних детей неблагородного происхождения (дети мастеровых, солдат и так далее). Лучшие ученики принимали участие в конкурсе на золотую медаль. Выпускники, удостоенные этой медали, получали право на пенсионерскую поездку на несколько лет за границу – во Францию и Италию – для знакомства с музеями и совершенствования в своем искусстве.

Лучшими учениками академии признавали скульпторов Ф. И. Шубина, Ф. Г. Гордеева, М. И. Козловского, архитектора В. И. Баженова.

История в картинах

Классицизм в живописи второй половины XVIII века проявился через исторический жанр. Это античные и библейские сюжеты, события мировой и российской истории, изображенные на картинах, которые отражали патриотическую идею.

Один из первых выпускников Академии художеств, автор «Изъяснения краткой пропорции человека для пользы юношества, упражняющегося в рисовании», Антон Павлович Лосенко (1737–1773) был первым русским профессором класса исторической живописи. Переехав в Петербург с Украины, он благодаря череде удачных совпадений в 1759 году стал слушателем академии, после чего поехал на стажировку во Францию и Италию. По возвращении сам начал преподавать.

ВТОРОЙ ЛОМОНОСОВ?

Федот Иванович Шубин (1740–1805) во многом повторил судьбу Михаила Васильевича Ломоносова. Начать с того, что он тоже был простолюдином, земляком Ломоносова – уроженцем Архангелогородской губернии и тоже имел поморские корни. Учась в Петербурге, достиг поразительных успехов, в 34 года получил звание академика. Интересно, что одна из его работ – бюст Ломоносова

Его рисунки и картины («Жертвоприношение Авраама», «Каин», «Авель») пользовались у современников большим успехом, долгое время служили образцами мастерства и копировались учениками.

Самые известные произведения художника – «Владимир и Рогнеда» (1770) и «Прощание Гектора с Андромахой» (1773). «Владимир и Рогнеда» – это первая русская историческая картина на национальную тему, она рассказывает о новгородском князе Владимире, решившем силой увезти полоцкую княжну Рогнеду.

Как педагог Лосенко прославился не меньше. По его пособию училось не одно поколение студентов, из его классов вышли самые крупные исторические живописцы, а рисунку у него обучались слушатели всех отделений академии.

Искусство портрета

Во второй половине XVIII века портретное искусство достигает своего расцвета. Это время, когда на небосклоне русской живописи взошли такие яркие звезды, как Ф. С. Рокотов, Д. Г. Левицкий и В. Л. Боровиковский. Благодаря их трудам мы имеем удивительное наследие в виде портретов людей того времени, в каждом из которых отражены красота и глубина человеческой личности.

Федор Степанович Рокотов (1736–1808) был одним из крупнейших портретистов. Уже молодым человеком он получил широкую известность какумелый и оригинальный живописец. Интересно, что в XIX веке художник был почти забыт и только в XX столетии возродился интерес к его биографии и творчеству. С 1760 года Рокотов – преподаватель Академии художеств, а через пять лет – академик. Однако затем Рокотов внезапно переехал в Москву, где продолжил творческий путь.

МИФОЛОГИЯ «ПОЛОСЕНКО»

«Прощание Гектора с Андромахой» – не единственный античный сюжет Лосенко. Широко известно его полотно «Зевс и Фетида». На нем Зевс предстает в облике зрелого мужчины. Юная богиня Фетида явно проявляет к нему интерес. Как связаны эти два сюжета? Если следовать мифу, Гера приревновала Фетиду к своему супругу и устроила ее брак со смертным – царем Пелеем. У пары родился сын Ахилл – знаменитый греческий герой. У стен Трои ему суждено было сразиться с Гектором, троянским царевичем, и сокрушить его

Портреты Ф. Рокотова – камерные, то есть небольшие. Художник любил изображать человека без парадного окружения, в естественной обстановке, не позирующим. В поздних произведениях чувствуется желание передать внутренний мир изображаемого человека, а не только добиться внешнего сходства.

Среди известных произведений живописца – портрет поэта Василия Майкова (1728–1778). Это темпераментная, яркая работа, в которой краски – противопоставление красного и зеленого – становятся отражением оригинальной личности поэта.

Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735–1822) создал серию правдивых, глубоких по характеристике портретов. В 1770 году на выставке в Академии художеств Левицкий выступил с рядом картин, представ зрелым и крупным мастером. За портрет архитектора А. Ф. Кокоринова (1769) он был удостоен звания академика. Левицкий следует традиции барочного портрета – Кокоринов изображен в своем кабинете у стола, на котором лежит план Академии художеств. Детали переданы великолепно, материалы, жесты и лицо архитектора прописаны с тонкой дотошностью.

ПОКРОВИТЕЛЬ НАУКИ И ИСКУССТВА

Иван Иванович Шувалов (1727–1797) происходил из небогатой дворянской семьи, но сумел сделать блистательную карьеру при дворе. Однако больше всего его интересовали науки и искусства. При его активном личном участии была основана не только Академия художеств, но и, двумя годами ранее, Московский университет. Интересно, что традиция отмечать Татьянин день как День студента тоже обязана своим возникновением ему: Татьяной звали мать Шувалова, и, весьма вероятно, он намеренно подал на подписание императрице проект об учреждении университета именно в этот день

Известным произведением Левицкого является портрет Екатерины II Законодательницы (1783). Этот портрет, как пишут искусствоведы, воплотил мечты дворянской интеллигенции о просвещенном монархе, истинном гражданине своего отечества, не только издающем справедливые законы, но и подчиняющемся им, как и остальные.

Владимир Лукич Боровиковский (1757–1825), сын художника, начинал как иконописец. После переезда с Украины в Петербург познакомился с Левицким и, видимо, учился у него.

Стиль работ Боровиковского сближает его с направлением русского сентиментализма, который в литературе, например, представлял Н. М. Карамзин. Портрет Екатерины II, изображенной на фоне умиротворенной природы Царскосельского парка (1794), кисти Боровиковского лишен привычного церемониала и полон возвышенных чувств, сердечных переживаний и теплоты.

Живые красоты и застывшая красота

До второй половины XVIII века пейзаж использовался в декоративной живописи и на гравюрах. Теперь он становится самостоятельным жанром благодаря ландшафтным классам, открытым в Академии художеств. Занятия проходили часто на пленэре – зарисовки происходили с натуры, вот почему логичным следствием стало то, что в пейзажной живописи того времени доминируют изображения Петербурга и его пригородов.

ПОРТРЕТ СТРУЙСКОЙ

Широко известный портрет Струйской, написанный Рокотовым, – изображение жены поэта Николая Струйского Александры. Она была музой своего супруга – ей посвящено множество его стихов, оцененных современниками крайне неоднозначно. Что уж точно представляет ценность для истории, так это высказывания Струйского о Рокотове

Сложилась также особая система традиционного пейзажа: на первом плане высокие деревья или часть здания, в центре – дворец или парковый павильон, перспектива улицы или руины. Передний план изображался в теплых коричневых тонах, второй – в зеленых, а даль писалась холодными синими и голубыми красками, что создавало визуальную цветовую перспективу и глубину.

Как мастер паркового пейзажа прославился Семен Федорович Щедрин (1745–1804). Он создавал пейзажи Гатчины, Павловска, Петергофа. Благодаря его картинам в истории осталась красота этих мест, особенности парковой архитектуры.

Городские пейзажи писал Федор Яковлевич Алексеев (1754–1824). Он писал виды Москвы, Воронежа, Херсона, но прежде всего строгие и стройные перспективы Петербурга и набережных Невы.

Графика стала одной из важнейших дисциплин в Академии художеств, благодаря чему вышла на новый уровень развития. Среди наиболее прогрессивных графиков того времени нужно упомянуть Евграфа Петровича Чемесова, который создал серию гравюр с живописных оригиналов – портреты И. И. Шувалова (1760), императрицы Елизаветы Петровны (1761), первого русского актера Федора Волкова (1764), автопортрет (1764–1765).


Санкт-Петербург – город со строгой планировкой и типично европейской архитектурой


Церковь Иоанна Воина на Якиманке, построенная в начале XVIII века, знаменует переход от нарышкинского барокко к петровскому


Эрмитаж


Портрет графа де Готланд (Густава III, короля Швеции). Гравюра работы Алексея Яковлевича Колпашникова, XVIII век


Глава VI
Смешение стилей (первая половина XIX века)

…Свободный художник настолько же ограничен окружающею его природою, насколько природа ограничена своими вечными, неизменными законами. Великий Брюллов черты одной не позволял себе провести без модели. <…> И потому-то его идеалы, полные красоты и жизни, кажутся нам такими милыми, такими близкими, родными.

Т. Г. Шевченко

Главные события первых десятилетий XIX века в России это, в первую очередь, Отечественная война 1812 года, восстание декабристов, уход императора Александра I и воцарение Николая I. Все это, а также – что действительно важно – поэзия Пушкина определили культурный строй этого периода. На заре XIX столетия в русское искусство начинает проникать так называемый романтизм.

Творческая интеллигенция

Романтизму конкретно на русской почве свойственны были две тенденции. Во-первых, это создание образов эмоциональных, одухотворенных, тонких. Во-вторых – упрощение, в противовес эстетике классицизма, обращение к так называемым «низким» жанрам (бытовые зарисовки, пейзаж без величественных архитектурных сооружений – высокими жанрами в классицизме считались в первую очередь историческая живопись и портрет).

«Я решился искать того предположенного разнообразия в тех формах простой натуры, которые нам чаще встречаются и нередко даже более нравятся, нежели строгая красота статуй»

(Карл Брюллов)

Однако перемены в живописи коснулись не только жанровой стороны.

Не менее важными были социальные трансформации, произошедшие в первые десятилетия нового века. Художник – в широком понимании этого слова, необязательно живописец или рисовальщик, – как бы сказали в XXI веке, творческая личность, получает совершенно новую общественную роль, новый уровень значимости, уважения. А также право на свободу творчества. Отныне художники и другие представители творческих профессий составили особый слой творческой интеллигенции.

Романтизм – идейное и художественное направление, провозглашающее самоценность духовно-творческой жизни личности, сконцентрированное на сильных, экстраординарных эмоциях. Для художников особо интересны патетические, героические, чуждые повседневности сюжеты

Рост интереса к художественной жизни в России выразился, например, в издании специальных журналов: «Вольного общества любителей словесности, наук и художеств» (1801), «Журнала изящных искусств» сначала в Москве (1807), а затем в Петербурге (1823 и 1825), «Общества поощрения художников» (1820), «Русского музеума…» П. Свиньина (1810-е годы) и «Русской галереи» в Эрмитаже (1825).

В обществе возникает интерес к выставкам и мероприятиям, связанным с художественной жизнью. В 1834 году в «Северной пчеле» – политической и литературной газете, которая издавалась с 1825 года, – писали, что желание видеть «Последний день Помпеи» К. П. Брюллова охватило петербуржцев, разлилось «во всех состояниях и классах». Эта картина, считали журналисты, послужила сближению «нашей публики с художественным миром».

И все-таки романтизм. Кипренский

Обращение к сложностям человеческой души, как эстетический принцип романтизма, нашло отражение в первую очередь в портретной живописи. И тут пальма первенства принадлежит Оресту Кипренскому (1782–1836).

Образование Кипренский получил в Воспитательном училище при Санкт-Петербургской Академии художеств (1788–1803), а затем и в самой академии. Окончил класс исторической живописи у профессора Г. И. Угрюмова, получил Большую золотую медаль (1805) за картину «Дмитрий Донской по одержании победы над Мамаем» и, как следствие, право на зарубежную стажировку. Однако за рубеж, в Италию, художник отправился лишь в 1816 году, там он и провел всю свою оставшуюся жизнь, а до этого момента работал в Москве, где, в частности, помогал скульптору Мартосу в работе над памятником Минину и Пожарскому.

ИСТОРИЯ ДЕВОЧКИ В МАКОВОМ ВЕНКЕ

Считается, что натурщицей для картины «Девочка прекрасного лица в венке маковом с цветочком в руке» Кипренскому послужила Мариучча – Анна-Мария Фалькуччи. Ее мать позировала Кипренскому для ряда картин. После внезапной кончины прекрасной итальянки Кипренский позаботился о том, чтобы девочка получила воспитание. Новая встреча много лет спустя привела к бракосочетанию. Супруги прожили вместе всего три месяца. Кипренский умер от воспаления легких. Дочь родилась уже после его смерти. История в духе романтизма

Важным для становления Кипренского как художника было его общение с творческой интеллигенцией, например, с поэтами Батюшковым, Жуковским, а позже и Пушкиным. Среди самых известных работ Кипренского – портрет лейб-гусара Е. В. Давыдова (1809), В. Жуковского (1816) и А. С. Пушкина (1827). Поэт ответил художнику стихотворным посвящением:

 
Любимец моды легкокрылой,
Хоть не британец, не француз,
Ты вновь создал, волшебник милый,
Меня, питомца чистых муз, —
И я смеюся над могилой,
Ушед навек от смертных уз.
 
Чудо простоты. Тропинин

Интересный феномен представляет собой творчество Василия Андреевича Тропинина (1776–1857). Этот художник лишь к 45 годам освободился от крепостной зависимости, а впоследствии получил звание академика и стал самым известным художником-портретистом в Москве 1820-1830-х.

ГЛАВНАЯ ТЕМА

Конечно, люди труда на полотнах Тропинина достаточно условны, он романтизирует их образы. Наверное, демократизм полотен Тропинина связан с его биографией: он был из крепостных, а обучаться рисованию начал в связи с тем, что, будучи отдан в учение кондитеру, должен был получить навык изображения фигур людей и животных

Стиль Тропинина узнаваем. Начинает мастер с сентиментальных опытов в духе Боровиковского, но затем обретает собственное творческое лицо. Его работы не так возвышенно-романтичны, как у Кипренского, зато в них есть правдивость, простота и искренность. Тропинин выбирает путь естественности. Выразительных средств он использует минимум.

На портрете А. С Пушкина кисти Тропинина – художник, кстати, создавал его в том же году, что и Кипренский, – мы видим поэта в домашней обстановке, в простой, непринужденной позе.

Кроме того, Тропинин – создатель особого типа портрета, в который привнесены черты жанра. «Кружевница», «Пряха», «Гитарист», «Золотошвейка» – это типажи, характеристики, а не конкретные люди, однако внешнему сходству и проработке конкретных черт художник уделяет также немалое внимание. В наиболее известной «Кружевнице» он обращается к стилистике сентиментализма.

«Гений компромисса». Брюллов

Именно так называл искусствовед М. М. Алленов, пожалуй, самого знаменитого художника XIX века Карла Павловича Брюллова (1799–1852). Компромисс подразумевался стилевой: Брюллов, как никто другой из его современников, сумел виртуозно соединить классические принципы масштабных полотен и эмоциональную проработку романтизма.

«РУССКИЙ БИДЕРМЕЙЕР»

Бидермейер («простодушный, обывательский») – ответвление романтизма, более близкое вкусам буржуазии, а не дворянства. Типичные сюжеты – изображение домашнего уюта, быта, природы во взаимосвязи с деятельностью людей. Как отдельное явление в российском искусстве его вряд ли можно рассматривать, но его влияние заметно в работах А. Г. Венецианова и В. А. Тропинина

Уже в годы обучения в академии Брюллов сумел зарекомендовать себя и, разумеется, по окончании учебы в 1821 году получил Золотую медаль. Целью заграничной поездки Брюллов выбрал Италию.

Если в Петербурге основной темой Брюллова были античные и библейские сюжеты, то в Италии он обращается к бытовым сценам и портретным образам. Знаменитый «Итальянский полдень» (1827), буквально залитый солнечным светом, демонстрирует успехи художника при работе на пленэре – открытом пространстве. Сам автор писал об этой картине так: «Я освещал модель на солнце, предположив освещение сзади, так что лицо и грудь в тени и рефлектируются от фонтана, освещенного солнцем, что делает все тени гораздо приятнее в сравнении с простым освещением из окна».

На создание его главного шедевра Брюллова, скорее всего, вдохновила опера Пачини «Последний день Помпеи», которая тогда была популярной на итальянской сцене. Это была масштабная постановка с роскошными декорациями, бенгальскими огнями, хоровыми сценами – по словам Александра Бенуа, Брюллов испытал «театральный восторг» и принялся за работу над огромным живописным полотном.

«Искусство рисования и самая живопись суть не что иное, как орудия, содействующие литературе и, следовательно, просвещению народа»

(Алексей Венецианов)

Картина Брюллова театральна – позы, жесты, мимика персонажей, световые эффекты. Все это производит эффект и вызывает сопереживание. Однако при этом Брюллов стремился к исторической правде, изучал открытые археологами памятники, опирался на описания Плиния Младшего в письме к Тациту.

Картина выставлялась в Милане, в Париже и лишь потом, в 1834 году, была привезена в Россию. Здесь ее ждал восторг публики. Как сказал поэт Баратынский: «И стал „Последний день Помпеи“ для русской кисти первый день».

Внимание! Это не конец книги.

Если начало книги вам понравилось, то полную версию можно приобрести у нашего партнёра - распространителя легального контента. Поддержите автора!

Страницы книги >> Предыдущая | 1 2 3

Правообладателям!

Данное произведение размещено по согласованию с ООО "ЛитРес" (20% исходного текста). Если размещение книги нарушает чьи-либо права, то сообщите об этом.

Читателям!

Оплатили, но не знаете что делать дальше?


  • 0 Оценок: 0
Популярные книги за неделю


Рекомендации