Текст книги "Саммари книги «История искусств. Просто о важном. Стили, направления и течения»"

Саммари книги «История искусств. Просто о важном. Стили, направления и течения»
Проект CrossReads

Как научиться говорить на языке искусства? Учебники по истории мировой культуры, энциклопедии или альбомы с репродукциями пестрят фактами, датами и именами, но не отвечают на этот вопрос. Да и других важных проблем – как понимать художественные символы, не теряться в музеях и считывать послания автора – не решают.

Алина Аксенова в книге «История искусств. Просто о важном» делает попытку охватить эти и многие другие вопросы, чтобы научить читателей не только отличать Мане от Моне, но и понимать важные вехи развития искусства.

Проследив исторический контекст – религиозные и политические события, в рамках которых работали художники, – мы сможем усвоить правила, по которым развивается искусство. А также узнать, какое влияние авторы и их произведения оказывали друг на друга сквозь века.

Для этого рассмотрим следующие периоды-направления:

• Античность

• Средневековье

• Романский стиль

• Готика

• Возрождение

• Искусство XVII в.

• Искусство XVIII в.

• Искусство XIX в.

• Искусство XX в.

Античность

Древнегреческая и древнеримская цивилизации (именно эти две культуры обозначены словом «античность») не только поспособствовали развитию того, что мы сегодня понимаем под словом «культура», но и заложили фундамент для многих концепций, без которых наша жизнь немыслима, – архитектуры и скульптуры, театра и поэзии, философии и медицины, демократии и республики.

Почему античность? Мы начинаем разговор о европейском искусстве с нее, поскольку культуры, которые появились раньше античности, не повлияли напрямую на Европу. А отклики античности будут звучать в разные периоды истории.

Древняя Греция

1. Гомеровский период (XI–VIII вв. до н. э.)

Об этом времени известно мало, за исключением того, что именно тогда древнегреческий поэт Гомер создал эпические поэмы «Илиада» и «Одиссея». А также то, что люди жили в землянках, строили деревянные храмы и лепили глиняные горшки с орнаментным узором.

Особенности периода:

• Самые ранние памятники были деревянными и не сохранились. До нас дошли только осколки глиняных горшков.

• Узоры имели геометрический рисунок. Орнамент состоял из кругов, треугольников и прочих форм, и поэтому первый стиль, который возник в этот период, назвали геометрикой.

• Рисунки и орнаменты на вазе важно было расположить в очень строгом порядке. Природа воспринималась непредсказуемой, и через искусство люди стремились упорядочить мир.

2. Архаика (VIII–VI вв. до н. э.)

«Архаика» значит древность. В этот период греки активно путешествовали и познавали традиции других народов, что дало им возможность значительно расширить представление о мире. Греки отказались от геометрических форм в пользу более реалистичного изображения и стали развиваться в скульптуре и архитектуре.

Особенности периода:

• Возникли два типа статуй: куросы и коры.

Статуи юношей называются «куросы». Куросы были красивы, сильны и молоды, показывая идеал греческого человека.

Статуи девушек называются «коры». Мастера делали эти статуи яркими при помощи цвета. Они раскрашивали волосы, глаза и губы статуй, дополняли орнаментами детали одежды (в отличие от обнаженных куросов, коры одеты).

• Архаические статуи также отличаются неестественностью позы и ненатуральностью деталей. Тело кажется скованным, поза не дает ощущение динамики, волосы больше напоминают вытянутые пластины.

• Древние греки, в отличие от египтян, концентрировались на изображении человека. Они считали, что раз человек наделен разумом, значит он и есть высшее существо. Именно поэтому все греческие боги антропоморфны (т. е. имеют человеческий облик).

• Среди греческих статуй много фигур атлетов, поскольку сила и ловкость показывали способность воевать и побеждать. Войны для греков были повседневностью, поэтому изображение красивых молодых людей считалось традицией.

3. Классика (V в. до н. э.)

В Классический период в Греции были созданы самые выдающиеся скульптуры. Мастера-классики находились в поиске идеала человека и прославляли его в своих работах.

Одна из самых известных скульптур этого периода – Дискобол, или Бросающий диск. Ее отличительные черты:

• Сложная и напряженная поза, далекая от архаической.

• Внутренний баланс – благодаря нему Дискобол удерживает равновесие тела, что видно по его спокойному лицу.

• Выражение его лица не соответствует состоянию тела.

Другой пример: статуя Дорифор, или Копьеносец скульптора Поликлета.

Поликлет создал расчеты мужской красоты, которые используются по сей день, а также открыл прием хиазма – неравномерного распределения напряжения в человеческом теле. За счет этого его статуи выглядели более реалистичными, нежели в период архаики.

На лице всех статуй изображено спокойное, умиротворенное выражение. Эмоции считались проявлением необузданности, которая шла вразрез с красотой души, которую старались подчеркнуть мастера.

4. Поздняя классика (IV в. до н. э.)

Изображение идеального героя начинает трансформироваться. Поиск гармонии сменяется интересом к внутренней жизни человека. Личность, индивидуальность, а вместе с тем и эмоции начинают цениться больше, чем в классический период. Проявление чувств больше не является признаком слабого духа. Эмоциональное выражение появляется даже в скульптуре греческих богов. У статуй меняется положение тела, их позы становятся более динамичными и экспрессивными.

Пример: статуя Гермеса с младенцем Дионисом на руках скульптора Праксителя.

Гермес, один из самых могущественных богов Олимпа, покровитель путешественников и торговцев, в изображении мастера выглядит утонченным, нежным и даже хрупким юношей. Выражение его лица задумчиво.

«Мастерам становится интересно говорить о живых людях, их чувствах. Теперь в искусстве не люди наделяются чертами богов, а боги обретают свойства человека. Они страдают, ленятся, мечтают», – пишет Алина Аксенова.

5. Эллинизм (323–30 гг. до н. э.)

Эллинизм – период, начавшийся со смерти Александра Македонского, когда греки оказывали влияние на большинство земель Средиземноморья. Поэтому культура эллинизма обширна и включает территории Египта, Сирии, Финикии и Персии. Это также последняя культурная эпоха в истории Древней Греции, так как период эллинизма заканчивается с установлением римского господства.

Эллинизм – время контрастов. Классическая Греция создала демократию, эллинизм ознаменовал появление небольших монархий, на которые разбилась империя Александра Македонского после его смерти.

Демократия предполагала соразмерность памятников искусства человеку, эллинизм же изменил эти масштабы. Наряду с 5-метровыми статуями и сооружениями 50-метровой высоты возникают совсем небольшие строения и миниатюрные скульптуры.

Появляется интерес к разным периодам человеческой жизни, героями становятся не только атлеты или боги, но и старики и дети. По характеру изображения статуи достигают пределов реалистичности.

Примеры: Ника Самофракийская, Афродита (или Венера) Милосская, скульптурная группа Лаокоон.

Древний Рим

Цивилизация Древнего Рима делится на три периода:

• до 510 г. – Царский период,

• до 30 г. – Республика,

• до 476 г. – Империя.

Алина Аксенова выделяет основные черты римского менталитета, обусловленные их культурной жизнью:

1. Римляне были прагматиками (они занимались возведением государства, созданием законов, военными завоеваниями, а также строительством дорог и водопроводов).

2. Римляне ценили комфорт (военные лагеря отличались удобством, а для мирного времени активно строились жилые виллы и возводились акведуки).

3. Римляне совершили настоящий прорыв в архитектуре (изобрели бетон, строили арки, длинные мосты и многоэтажные дома).

Скульптура

Греческая скульптура почти не дошла до наших дней в оригиналах, зато благодаря римлянам, которые делали десятки копий с каждой греческой статуи, мы знаем о Дискоболе и многих других произведениях.

Традиции скульптуры римляне позаимствовали у ближайших соседей – греков и этрусков. Но в отличие от древнегреческой эмоциональности и идеалистичности, римляне обращали внимание на точное изображение внешности. В галерее римских портретов вы не найдете скульптуры с одинаковым выражением лица – все они неповторимы. Причем порой портреты могут показаться чересчур натуралистичными – они сохраняют все черты лица, подчеркивая как достоинства, так и недостатки.

Но всё меняется с началом периода Империи. Новое время поставило новые цели, а именно – создать безупречный образ римского императора.

Пример: статуя Мрака Кокцея Нервы.

Император сидит на троне с жезлом в руке, верхняя часть тела обнажена, что уподобляет его Зевсу или Юпитеру.

Однако стоит заметить, что в каком бы образе ни был представлен император – в виде жреца, бога или воина – фигуры скульптур не сильно отличались друг от друга. Главным отличием оставалось лицо – ему уделялось особое внимание, значение портретного сходства не ослабевало, несмотря на меняющиеся художественные тенденции.

Живопись

Поскольку римляне с особой заботой относились к личному комфорту, на землях, полученных в награду за военные походы, они строили виллы, оснащенные всеми удобствами и архитектурными новшествами: канализацией, горячей водой, застекленными окнами. Такие виллы часто возводились на берегу моря. Вернувшийся с военной службы или уставший от городской суеты римлянин приезжал в загородный дом, чтобы насладиться пейзажами и отдохнуть в располагающей обстановке. Отсюда следует, что и убранству дома уделяли пристальное внимание. В комнатах можно было увидеть не только красивую и удобную мебель, но и великолепный живописный декор. Во времена империи оформление богатых домов было настоящим искусством.

Пример: виллы в Помпеях, Геркулануме и Стабиях.

Декоративно-прикладное искусство

Благодаря вниманию, с которым римляне относились к своему жилищу, внутреннее убранство представляет значительный интерес для исследователей.

Мебель и кухонная утварь могут многое рассказать о своих владельцах. А по тому, как изысканно выглядели предметы интерьера, можно сделать вывод, что римляне ценили внешний вид предметов больше, чем их утилитарность.

Например, небольшие круглые столики с высокими бортиками служили своеобразной витриной, на которую можно было выставить дорогую посуду из серебра и продемонстрировать гостям вкус и уровень достатка. Каждая деталь – ручки, ножки, дверцы – имели свой образ, представлялись в виде человеческих лиц, цветов, рыб и многого другого.

Византия

В 395 году Римская империя раскололась на две части – Западную и Восточную, которую принято называть Византией. Ее столица Константинополь стала центром развития христианской культуры.

Византия унаследовала и частично продолжила богатые традиции римского искусства. Западная часть была захвачена варварами, которые обладали своей самобытной культурой, сильно отличающейся от античности. При этом как на Западе, так и на Востоке, искусство было религиозно ориентированным. Византийское искусство знакомо многим по иконам, мозаикам и фрескам. В то время как западное искусство известно предметами быта и архитектурой.

На развитие искусства средневековой Европы оказали влияние три явления: традиции античности, языческие обычаи, характерные для каждой отдельной территории, и христианство.

У византийского искусства есть несколько отличительных особенностей:

1. Живописцы активно обращались к символам – передаче смысла через образы.

Изобразить бога, веру, святость – невероятно сложная задача для художника. Донести идею, связанную с такими понятиями, можно только посредством символов.

2. Переосмысление языческих образов.

Христианство отвергало старые религии, но заимствовало образы из языческого искусства. Например, атрибуты богов приобрели новое значение. Так, символы бога Диониса – вино, виноград, лоза – стали ассоциироваться с кровью Христа и христианством.

3. На первом плане живопись, а не скульптура.

Статуи в христианстве были связаны с поклонением идолам, поэтому византийские мастера были сосредоточены на живописных образах. В них не было реалистичности, объема и проработки деталей, поскольку изображалось божественное, а не земное. Художники стремились говорить о возвышенном, поэтому отказались от материальной характеристики предметов, а в изображении героев не акцентировали внимание на телесном.

Живопись

Когда христианство было провозглашено единственной религией Римской империи, искусство перестало быть запретным и доступным только посвященным.

Храм – важнейшая архитектурная форма эпохи Средневековья – стал местом, где прихожане могли любоваться мозаиками и фресками. Эти два вида монументальной живописи стали неотъемлемой частью внутреннего храмового убранства.

Мозаика – изображение, сделанное из квадратных камешков и цветного стекла, смальты. Стеклянную массу смешивали с цветным пигментом и после застывания разрезали на кусочки квадратной формы. Из них выкладывались изображения любого масштаба.

Фреска – вид живописи по сырой штукатурке водорастворимой краской.

В храме всё имеет смысл и символику, а оформление строго упорядочено (согласно высшему порядку Царствия Небесного).

Пример: мозаика из церкви Святого Виталия в Равенне – одна из самых древних и знаменитых – отлично демонстрирует особенности нового художественного языка.

Основные черты, которые характеризуют мозаичное искусство:

• Всё, что напоминает о земном мире, исчезает. Художник повествует не о земном пространстве и времени, а о небесном.

• В мире, который мы видим на мозаиках, не существует зла, смерти или тьмы. Главное – это свет и вечность.

• У фигур и предметов нет объема, поскольку для его изображения нужна тень. Но тени (тьме) нет места в небесном мире.

• Материал, из которого сделана мозаика, создает эффект свечения, поскольку золотые кусочки смальты хорошо отражают свет. Блики от горящих в храме свечей скользили по поверхности золотого мозаичного изображения, придавая ему таинственность и настраивая зрителя на мистический лад.

Византийским иконам свойственна аскетичность. Им характерны удлиненные фигуры, строгость, худоба и сдержанность. Лица тоже выглядят вытянутыми, они лишены эмоциональности, на них не видно признаков возраста. Всё объясняется тем, что христианские образы говорят не о радости земного бытия, а о стойкости верующего.

Книжное искусство

Возникновение книжной миниатюры связано с переходом европейской цивилизации от папирусного свитка к кодексу – сшитым между собой тонким страницами пергамена, выделанной телячьей кожи. Кодекс представляет собой ту форму, которую унаследовали современные книги.

Книжное оформление было стилистически очень ярким на севере Европы, особенно в Ирландии и скандинавских странах.

Пример: «Келлское Евангелие» VIII века, в иллюстрациях к которому мы видим переплетающиеся растительные и животные мотивы.

Изображение миниатюр строится из уже знакомых принципов: симметричная композиция, зависимость персонажей от их места в иерархии, отсутствие объема. Западноевропейские рисунки проще в своем воплощении и скромнее византийских. В них нет богатства красок, тонких деталей и изысканности.

Романский стиль в западной Европе, XI–XII вв.

С начала X века стали возникать большие стили изобразительного искусства. Основные границы королевств – будущих государств Франции, Германии, Швейцарии и др. – обозначились и перестали меняться. Помимо того что стали возникать университеты, спокойная обстановка в Европе позволила начать обширное строительство храмов. Рыцари отправились в Крестовые походы, а паломники – путешествовать по святым местам.

Этот исторический фон поспособствовал развитию романского стиля. Его название связано с обращением к римской архитектуре и инженерии. Главным фокусом формирования нового стиля стал храм. Он не только выполнял роль крепости и спасал жителей во время нападений на город, но и очищал их душу от грехов. Поэтому внешне храмы были крепкими и неприступными, а интерьер способствовал наставлению на праведный путь.

Скульптура и рельеф в храме

Самые примечательные образцы романского стиля в скульптуре можно найти на фасадах романских церквей, особенно во Франции.

Изображения несли повествовательную функцию. Все детали, которые можно было заметить на рельефах и скульптурах, были призваны уточнить обстоятельство сюжета, необходимые для рассказа.

Одна из важнейших характеристик романского изображения – наглядность и понятность. Это связано с тем, что в период иконоборчества, пытаясь отстоять право на использование изображений, церковь в Западной Европе назвала рельеф и живопись «Библией для неграмотных» и тем самым обозначила функциональный смысл храмового искусства.

Пример: Гильдесгеймские врата.

Фрески

Герои фресковых изображений ведут себя так же, как и в скульптуре.

• Художник не мыслит в трехмерном пространстве, он выдвигает все фигуры на первый план.

• Фигуры грубы в исполнении. Порой сложно различить, женщина перед нами или мужчина, здание или предмет мебели. Образы наивны, просты, условны и схематичны.

• Позы застывшие, руки, как правило, большого размера, так как их жесты в сюжете имеют важное значение.

Пример: Христос Пантократор из церкви в Тауле.

Книжное искусство

Вслед за фресками и рельефами к повествовательности стремится и книжная миниатюра. Образ зверя не ушел из искусства, но трансформировался. В виде хищников и причудливых зверей теперь изображаются дьявол, в пасти которого оказываются грешники после смерти, а также его спутники (и другие отрицательные персонажи).

Пример: Винчестерская Псалтырь.

Готика

Знания о мире расширялись: европейские города стали стремительно расти, развивались торговля и наука. Крестовые походы и глобальное насаждение христианской религии укрепляли положение церкви. Поэтому готический стиль, несмотря на развитие светской жизни, нес религиозный характер. Произведения искусства иллюстрировали библейские сюжеты, художественный посыл был обращен в сторону веры.

Готическое искусство в основном проявило себя в архитектуре. В результате новых инженерных приемов были разработаны элементы построек, которые помогли уйти от романской тяжеловесности в сторону легких, изящных, устремленных вверх конструкций. Первый готический собор появился в середине XIII века.

Собор больше не выполняет роль крепости. Теперь он поражает разнообразием резных деталей, а также обилием света и пространства внутри.

Скульптура

Продолжая византийские традиции, готические мастера создают скульптуры с невыразительными фигурами, которые говорят о торжестве духа над телом. Одухотворенность передается через взгляд, в самих лицах нет ничего индивидуального: мужская и женская внешность андрогинна и различается лишь наличием или отсутствием бороды, а также прической.

Пример: статуя Святой Модесты.

Одежда на теле Модесты смотрится гораздо реалистичнее, чем на ранних работах. А ее лицо говорит о скромности и смирении.

Яркие эмоции считались признаком страстей и в основном выставляли героя в негативном свете. Мастера четко делили мир на черное и белое – подчеркивали достоинства и противопоставляли им недостатки. Поэтому человеческие эмоции использовались в основном для изображения какого-либо поучительного сюжета.

Живопись

Живопись развивалась в книжной миниатюре. Вот основные черты готической иллюстрации:

• Интерес к окружающему миру (через обилие деталей) и к индивидуальным особенностям во внешности человека. Одежда и прически персонажей отличаются, но лица – нет.

• Разнообразие ракурсов. Герои могут быть повернуты к нам лицом, стоять в профиль или спиной.

• Тщательно проработанные детали фона и расположение объектов на нескольких планах. Хотя художники еще не знают прямой перспективы, подробности обстановки говорят о понимании глубины картины.

• Появление протопейзажа. Это предшественник привычного нам пейзажа, то есть изображение природы или архитектуры, но более простым и схематичным способом.

Проторенессанс, или Предвозрождение

В отличие от других европейских стран, где царила изящная готика, Италия проходила свой путь развития под влиянием политики и культуры Византии.

В Италии возникает Проторенессанс – так называемый переходный период от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения. Это время, когда был намечен новый курс развития европейской цивилизации, связанный с осмыслением главной роли человека в мире. В этот период пробуждается интерес к земной жизни, уходит византийская условность, а божественные герои приобретают человеческие черты.

Живопись

Важнейшую роль в живописи проторенессанса сыграл Джотто ди Бандоне – мастер, который первым начал менять византийский канон.

Божественные герои проторенессанса начинают испытывать человеческие эмоции.

Пример: полиптих «Благовещение».

Мария, узнав от Гавриила благую весть о будущем рождении Иисуса, в смущении отклоняется от архангела. Это человеческая реакция на неожиданную и важную новость. И хотя на лице Марии эмоции не отражены, ее жесты естественны и правдоподобны.

Джотто создает в своих фресках уходящее вглубь пространство. Пока рано говорить о принципах прямой перспективы, но мастер уже дает понять, что видит божественный мир продолжением земного. Об этом «переселении» небесного на землю говорит также фон на его фресках: золотой Джотто заменяет на синий.