Текст книги "Путь иллюстратора. Как стать детским иллюстратором и создать собственную книгу"

Часть 2
Книга – лучший учитель. Каждое произведение – шаг вперед

Как я создаю книгу? Как я иллюстрирую книгу, когда получаю заказ от издательства?

Ну вот, теперь мой официальный статус – «иллюстратор детской литературы», теперь можно сказать, что я попала в своеобразную индустрию фрилансеров. Фриланс подразумевает, что твой рабочий график гибкий, работодатель постоянно меняется, а рабочее место ты можешь подстраивать под свои нужды. Иными словами, ты сам себе начальник, в чем и заключается самая основная сложность. Мой внутренний босс бесконечно ссорился с коллегами: один требует работать, другие хотят отдыхать. Какое-то время от моего рабочего стола до холодильника было всего пять шагов. Можете себе представить страшные последствия – я набрала вес. Самодисциплина для всех иллюстраторов становится первой и самой важной заповедью в работе! Потом все начинает идти своим чередом. Ты получаешь первый второй, третий заказ… Начинается первое, второе, третье обсуждение сотрудничества с издательством. Ты постепенно проходишь через разногласия, их урегулирование и постоянное изучение нового…

Со временем вырабатывается следующий подход:

1. Превосходное знание сюжета. Когда мне только приходит заказ на иллюстрацию того или иного произведения, мне обязательно нужно потратить определенное время, чтобы прочитать его от корки до корки. Что хотел сказать автор? Каков лейтмотив истории? И каким должны быть общее настроение и оттенки в иллюстрациях?

2. Выбор общего тона, стиля и техники. Как только определен лейтмотив, я приступаю к выбору общего тона, начинаю продумывать стиль, технику, темп и множество других значимых деталей.

3. Раскадровка. Когда я читаю книгу, по мере повествования в моей голове постепенно возникают все новые и новые сцены. Параллельно я начинаю обдумывать, каким стилем мне лучше воспользоваться, чтобы изобразить разные эпизоды. Я также размышляю над тем, как выразить в иллюстрациях всю суть произведения и сделать так, чтобы незаметные детали заиграли новыми красками и ни в коем случае не были бы упущены читателем. Книга – единый организм, и каждая страница является ее неотъемлемой частью. Именно для этого мы прибегаем к методу раскадровки. На обычном листе бумаги эскизами зарисовываем разные эпизоды простым карандашом. Основная задача в том, чтобы равномерно «распределить» сюжет. Далее все части нужно выстроить по порядку, сопоставить, внимательно проанализировать и определить, плавно ли выстраивается визуальное восприятие истории и выдержан ли общий темп повествования. Кроме того, нужно обратить внимание на то, как влияет угол зрения (точка, с которой мы смотрим на иллюстрацию) на композицию, и решить, как будет располагаться текст относительно иллюстраций.

На данном этапе иногда стоит провести встречу с редакторами, чтобы обсудить проделанную работу и выслушать объективные комментарии для дальнейшего прогресса. После того как все согласовано, можно официально приступать к созданию эскизов.

4. Эскиз. Теперь требуется увеличить маленькие и на скорую руку зарисованные в раскадровке эпизоды до эскизов на всю страницу. Также мы добавляем большое количество деталей. Нужно принимать во внимание все больше и больше нюансов, из-за чего становится гораздо сложнее. Например, очень важны такие технические аспекты, как композиция, перспектива, ракурс и размер. После завершения эскизов вся история визуализируется. Тогда я начинаю листать книгу страница за страницей, представляя реакцию и предвосхищая эмоции юного читателя, и уже затем принимаю окончательное решение. Я делаю это для того, чтобы не быть слишком эгоцентричной и смотреть на себя со стороны, а также чтобы не разговаривать (рисовать) самой с собой невесть о чем.

Итак! Наши эскизы готовы, а значит, господа редакторы могут почувствовать первое биение сердца. Второе они ощутят, когда получат готовые иллюстрации. Особенно важен данный шаг для начала сотрудничества: и редактор, и иллюстратор переживают неловкость и волнение, потому что только прощупывают почву. Если обе стороны окажутся на одной волне друг с другом, то и будущая работа пойдет гладко.

Рис. 1. Раскадровка

Рис 2. Эскиз

Рис. 3. Законченная иллюстрация

Однако если возникает ощущение, что коллеги вставляют друг другу палки в колеса, то в будущем непременно придется тратить очень много времени на то, чтобы договариваться, подстраиваться и даже оспаривать какие-то решения и отстаивать свое мнение! Иногда, если на этапе создания эскизов что-то пошло не так, в итоге выпустить книгу становится крайне непростой задачей, а рабочий процесс превращается в сплошные тернии, но я отклоняюсь от темы. Возвращаясь в русло нашего повествования, хотелось бы сказать, что после встреч с редакторами, обсуждений и разумных корректировок можно приступать к финальной стадии – раскрашиванию.

5. Раскрашивание. Это искусство дает мастеру передышку в моральном плане, но требует от него выносливости и отбирает много физических сил. Один и тот же персонаж появляется неоднократно на десятках страниц. Как сделать так, чтобы твои впечатления были такими же свежими, будто ты рисуешь его впервые? Я говорю именно о свежести впечатлений, потому что в какой-то момент и герой, и история начинают мозолить глаза. Боюсь, что таково очередное серьезное испытание, к которому должен быть готов каждый иллюстратор.

Что касается техники, то у каждого иллюстратора есть собственный индивидуальный набор. Лично мне не очень нравится зацикливаться на чем-то одном. За более чем десятилетний опыт работы иллюстратором я использовала акварель, акрил, цветные карандаши, гелевые ручки, коллажи, смешанную технику и даже компьютерную графику – все потому, что каждое произведение требует определенного подхода. Любой творческий метод имеет специфику, что может значительным образом повлиять на стиль и характер повествования книги.

Для меня любая история – настоящая terra incognita. Никогда не стану предсказывать результат своей работы или придерживаться привычных правил создания рисунков. Просто постараюсь понять «характер» произведения и выберу именно ту технику, которая будет больше всего подходить для него и максимально передаст суть.

За десять лет работы и несколько десятков разных по объему проиллюстрированных мной детских книг у меня было достаточно и успешных, и провальных заказов.

Самым ценным, конечно же, является тот опыт, что я вынесла из ошибок и неудач.

В 1990 году я решила вернуться в университет, чтобы отдельно изучать искусство иллюстрации. За два года обучения в магистратуре мне удалось поэкспериментировать со многими техниками и расширить кругозор. Хотя учеба никак напрямую не повлияла на мою занятость (я параллельно работала и училась), она сыграла ключевую роль в культивации моего профессионализма. Как говорится, «хочешь справиться с делом, сперва наточи инструменты»! Мои методы, скорее всего, сформировались именно в те дни, когда я продолжала впитывать новые знания, экспериментировать и развиваться, отделяя зерна от плевел!

Еще некоторые мысли

Изображение всегда должно казаться свежим. Часто бывает так, что после первого штриха мы погружаемся в сложный и замысловатый процесс, в ходе которого изначально оригинальное, полное жизненной энергии изображение превращается в вычурное и теряет ощущение новизны. Оно как будто бы тонет в «косметике» и изнывает от усталости, а линии становятся уже не так хорошо прорисованными и теряют присущую им интенсивность. Поэтому пока вы заняты стиранием лишних элементов и добавлением изысканных цветов и украшений, ни в коем случае не допустите того, чтобы иллюстрация «постарела».

Часто стереотипными и искусственными кажутся всевозможные нереалистичные образы, гротескные персонажи и наигранные эмоции. Например, к таким можно отнести мультяшных животных или иных героев, выглядящих слишком милыми. Они так воспринимаются из-за того, что лишены реального прототипа. Поэтому нужно стараться по возможности избегать подобных типажей – стандартизированных и лишенных воли к жизни. Однако, конечно, нельзя их категорически исключать. На самом деле, многие довольно успешные детские книги проиллюстрированы в таком стиле, а дети обожают гротескных персонажей. При этом все же, если слишком сильно полагаться на свое воображение, герои в итоге могут получиться ограниченными и неубедительными.

Самое правильное – обратиться к природе и понаблюдать за тем, как именно объекты выглядят в реальности. Если вы смотрите на фотографию, то плоское изображение в 2D нужно преобразовать в объемное 3D. Сперва ознакомьтесь с базовой структурой, научитесь представлять его со всех сторон, а уже потом задействуйте фантазию и вносите изменения. Помните, что ни в коем случае нельзя прибегать к плагиату!

Создайте личную базу данных с изображениями. Выработайте привычку вырезать и сохранять изображения, которые в будущем можно использовать как образцы. Например, фотографии из газет и журналов! Их можно разделить на разные группы и хранить в качестве личного архива. (Хе-хе! Снова говорю так, будто я из каменного века! Уважаемые читатели, вы наверняка догадались, что сейчас уже все можно конвертировать в онлайн-формат и найти в Интернете.) Эта привычка может оказаться полезной и прийтись кстати в самые неожиданные моменты.

В итоге, когда определенные техника и стиль станут частью вас самих, вы, скорее всего, постепенно забудете о них, но они будут выступать в качестве ваших инструментов, когда это потребуется. А вот над сюжетом действительно придется много работать каждый раз. Его нужно понять и прочувствовать. Вам придется войти в выдуманный мир и ощутить весь спектр эмоций и настроений. Постарайтесь уловить свое первое впечатление о книге и проследить, как работает интуиция по мере чтения. Позвольте истории пожить внутри вас. Возможно, поначалу возникнет хаос, но наберитесь терпения. Все странные и рандомные образы постепенно улягутся у вас в сознании, и сложится четкая картинка.

По моему многолетнему опыту, первая стадия творчества – самая волшебная его часть.

Сначала путаница окутывала меня, словно туман, но потом я брала в руки карандаш и начинала водить им по листу бумаги. Сперва действовала интуитивно и рефлекторно создавала какие-то образы. Например, рисовала голову, а потом медленно штрих за штрихом прорисовывала очертания фигуры, и тогда образ начинал становиться все более и более четким – подобно тому, как перед тобой по мере движения вперед открывается дорога.

Каждый новый шаг должен быть продуманным и полным сосредоточения. Я часто спрашиваю себя, передает ли моя иллюстрация посыл произведения? Удалось ли мне осуществить задумку автора? Понятно ли по рисунку, как именно развернулся сюжет? Никогда не бойтесь совершить ошибку, но не переусердствуйте и не торопитесь создавать слишком яркие образы, от которых начнет рябить в глазах и которые в итоге подпортят впечатление от произведения. Тема и посыл куда важнее, чем просто красивая картинка! Донести определенную информацию до читателя – самая важная из задач иллюстратора. Кроме того, на свете не существует ни одной безупречной картины. Гораздо важнее то, насколько она живая и убедительная.

Невидимый скелет оплот каждого произведения

“What Can a Giant Do?”[4]4
  Cuneo M.L. What Can a Giant Do? NY: Harpercollins; Ex-library/stated first Edition, 1994.


[Закрыть] («На что способен великан?») – первая книга, которую мне довелось иллюстрировать. Да-да, такая молодая и неопытная я получила заказ от одного из крупнейших в США издательств Harper Collins Publishers. Тогда у меня в душе, кроме волнения, ничего не было. Я совсем не знала, что такое страх, и не понимала, что из себя представляет командная работа в издательском деле. Я только выпустилась с факультета искусств и упорно полагала, что это будет мое личное творчество. Прямо как ребенок, ей-богу! Мы работали вместе с редактором, тоже только-только вставшим с университетской скамьи. Не знаю, повезло мне тогда или нет, но мы начали притираться друг к другу и вынесли богатый опыт из ошибок и неудач. К счастью, тогда с нами сотрудничал еще один более опытный редактор, терпеливо направлявший нас и курировавший процесс. Несмотря на то что книгу опубликовали только спустя довольно долгое время, мы узнали много ценного.

Этот рассказ… О, нет! Это же была детская поэма! Стихи, вообще, – самые творческие произведения из всех, а тут еще и такое название – «На что способен великан?» Тогда-то мое воображение и разыгралось! При выборе образов для персонажей (один – великан, другой – ребенок) и стиля мне, естественно, приходилось заострять внимание на контрасте размеров, но нужно было стараться избегать прямого конфликта между маленькими и большими объектами. Книга стала для меня настоящим испытанием.

В поэзии также важно учитывать рифму и ритм. Чтение стихотворения должно напоминать плывущие облака или журчащий ручей, поэтому когда я делала раскадровку, то тратила очень много времени на выразительное чтение вслух. Благодаря этому поэма обычно приобретает ритмичность, а чередование текста и иллюстраций позволяет читателю отдохнуть и перевести дух, а потом, увидев композицию следующей страницы, снова погрузиться в новую волну творчества… Представьте себе, что вы сидите в маленькой лодочке. Просто позвольте течению нести вас туда, куда нужно. После прочтения одного стихотворения читатель ощущает, будто бы буквально только что своими глазами видел все пейзажи и переживал многогранную гамму эмоций. В итоге он получает глубокое моральное удовлетворение от написанных строк.

Композиция. Вся жизнь книги заключена во внутреннем «скелете», и мы можем подробно ознакомиться с ней, составив раскадровку, а вот скелетом является композиция. То есть организация расположения различных элементов и логика их объединения в одно изображение. Существуют сотни способов создания композиции. В разные эпохи у каждого художника или школы живописи было собственное видение, но объединяет нас всех один принцип – успех картины всегда зависит от того, насколько тщательно продумана ее композиция. Когда мы смотрим на иллюстрацию, то сперва обращаем внимание на лейтмотив и некоторые детали, но вот расположение элементов часто остается незамеченным. Подобно тому, как скелет человека отвечает за положение всех частей тела, композиция организует структуру картины. Это в том числе касается размещения и размера всех объектов и деталей, а также их взаимосвязи друг с другом. Когда я только задумываюсь над созданием рисунка, я грубыми линиями намечаю примерную структуру и место элементов, игнорируя детали. Потом продолжаю вносить правки, пока не буду удовлетворена композицией. Только после этого можно начинать детализацию, разделяя многосоставные объекты на более мелкие. В конце концов постепенно один за другим начинают вырисовываться индивидуальные образы.

Создание персонажей. Мой скетчбук похож на громадный сад. Именно в нем я создаю каждого персонажа и занимаюсь мозговым штурмом. Когда я начинаю работу над новым героем, иногда у меня в голове возникает определенный типаж, а иногда творится полная неразбериха, и мне приходится конкретизировать свои мысли.

Персонаж часто проходит через множество исправлений и корректировок, и его внешность тоже меняется. Бывает, что я начинаю снова и снова, пробую и ошибаюсь, и только со временем постепенно вырисовывается нужный образ. Этот процесс требует колоссальной усидчивости и не терпит спешки.

Помимо скелета, есть еще одежда

Несколько лет назад я впервые получила заказ от одного издательства, занимающегося выпуском религиозной литературы. Насколько мне тогда было известно, автором был какой-то именитый религиовед. В глубине души я говорила себе: «О нет! Только не история о Боге…» Когда я прочитала его детскую басню, меня приятно удивило то, что слог вовсе не строгий и скучный. Это была весьма возвышенная история, написанная живым языком и наполненная воображением. Я быстро разобралась со стилем, который, как мне казалось, должен немного уходить в сатиру. На этапе раскрашивания я уделяла огромное внимание выбору тонов: для создания основного фона смело смешивала акварель, а затем аккуратно прорисовывала цветными карандашами детали. Такой подход действительно иногда дает непредвиденные результаты. В некоторые моменты меня это особенно веселило, как будто с некоторыми иллюстрациями мне и правда сам Бог помогал!

После публикации книги The Bedtime Rhyme[5]5
  Wangerin W. The Bedtime Rhyme. Brewster: Paraclete Press, 2008.


[Закрыть] («Рифмы на ночь») мы с ее автором были приглашены на выставку книг от галереи Every Picture Tells A Story («Каждая картина рассказывает историю»), расположенной в районе Беверли-Хиллз Лос-Анджелеса на западном побережье США. Там специально готовят экспозиции с авторскими рукописями произведений детской литературы. Идея заключалась в том, чтобы показать читателям историю в первозданном виде и попросить автора лично прочитать забавную детскую басню. После этого наши простодушные маленькие читатели могли задать писателю вопросы и поделиться своими искренними впечатлениями. Милая беседа продолжалась очень долго, и мы все никак не могли наговориться. В тот вечер и автор, и дети получили незабываемый и приятный опыт.

Рис. 4

Процесс раскрашивания. Когда все 32 страницы эскизов были закончены, я начала готовиться к раскрашиванию. Мне нравится использовать полупрозрачную бумагу для маркеров Graphics 360 от бренда Bienfang для создания набросков, потому что она достаточно плотная, чтобы выдерживать постоянное стирание линий, и при этом полупрозрачная, что позволяет легко отпечатывать изображение. В общем, гораздо практичнее, чем обычная тонкая белая бумага. Кроме того, Layout Bond от Strathmore тоже неплохой выбор. Что касается бумаги для рисования, то я обычно выбираю Arches Watercolor140 Lb cold press на этапе раскрашивания. Она прочная и упругая, на нее замечательно ложатся цвета, да и к тому же везде можно купить (а это важно). Между эскизом и акварельной бумагой я кладу artist graphite paper (графитовую копировальную бумагу), обвожу набросок и перевожу его[6]6
  См. рис. 4.


[Закрыть].

Рис. 5

Затем наступает черед раскрашивания. Вот уже 20 лет я пользуюсь наборами акварельных красок Winsor & Newton. Мне не нужно слишком много цветов – дюжины или около того более чем достаточно, потому что нужный цвет всегда можно получить, смешав основные.

Сперва я широкими мазками наношу рисунок на весь лист, не обращая внимания на штрихи и линии, оставляя все это на потом[7]7
  См. рис. 5.


[Закрыть]. Потом беру марлю и наматываю на указательный палец, а затем промакиваю его, словно кисть, и начинаю растирать цвета по полотну, создавая различные оттенки и текстуры. После смешивания цветов иногда меняются яркость и насыщенность изображения. В таком случае нужно воспринимать получившееся в качестве основного фона: вам должна быть ясна общая картина, а о деталях пока можно не беспокоиться. На этом заканчивается акварельная часть, и остается лишь дождаться, пока краски высохнут. Последний этап – использование всех имеющихся цветных карандашей для разнообразия, прорисовки деталей и всех текстур – одним словом, создание трехмерного изображения. Качество карандашей достаточно сильно зависит от производителя. Есть пастельные, как Felissimo, к примеру, а есть и масляные американские Berol Prismacolor, английские Derwent Artists, швейцарские Pablo Caran d’Ache, немецкие Faber-Castell и Staedtler Karat Aquarell, которые можно смешивать с водой.

Карандаши разных брендов имеют разную жесткость, да и по текстуре тоже немного отличаются, а уж цветов вообще сотни. Немного поэкспериментировав и потренировавшись, вы сможете разобраться в особенностях каждого из брендов, а потом спокойно подбирать под ваши цели самые подходящие инструменты.

Светлые цвета + штриховка. Использование светлых тонов и перьевой ручки дает мне чувство свободы и раскрепощения. Что касается материалов, то я люблю жидкие акриловые краски немецкого бренда Rotring: разбавляю их водой, а потом наношу тонким слоем. При этом цвета остаются яркими, можно смело класть несколько слоев, не боясь, что иллюстрация помутнеет.

Для перьевой ручки можно выбрать темно-коричневые чернила того же бренда и прорисовывать ими границы. Эти линии должны жить своей жизнью: где-то потолще, где-то потоньше, иногда четкие, а иногда едва различимые. Кроме того, их изломы, изгибы, насыщенность тоже должны меняться в рамках одного изображения. Они ведь тоже часть картины, а не просто бессмысленные контуры. Затем остается, как в раскраске, заполнить иллюстрацию цветами, и готово!

Штриховка появилась еще на заре цивилизации, когда не было письменности и красок. С помощью линий можно деликатно описать такую тонкую материю, как наши эмоции. Я с самого детства под влиянием отца серьезно занималась каллиграфией. Именно тогда я полностью убедилась в том, что линии и правда обладают неограниченными возможностями, достойными восхищения. Когда на учебе мне было скучно, я рисовала штриховкой в блокноте, и это помогало хоть как-то развеять скуку. Такой способ создания изображения остается моим любимым и по сей день. Хочу напомнить, что контрастность области, раскрашенной цветными карандашами, снижается при печати. Это необходимо учитывать при нанесении цвета и усиливать нажим. Однако, конечно же, таков мой опыт, накопленный после печати огромного количества работ.

Удобочитаемость. Удобочитаемость картины – феномен, который можно сравнить с местностью, где на каждом шагу находится какой-то интересный пейзаж. Иногда за природой в таких зонах слишком много ухаживают, искусственно украшают и чересчур озеленяют. Тогда пейзаж теряет свой первоначальный облик, становится неестественным и лишается жизненной силы. К сожалению, такова же и судьба рисунка. Первый эскиз всегда полон оригинальности, потом мы начинаем постепенно добавлять детали, а в процессе раскрашивания слишком сильно украшаем. Иллюстрация начинает мало-помалу терять свою удобочитаемость. Ее заменяет картинка с броским поверхностным содержанием, но оно совершенно лишено жизненной энергии. Боюсь, что это самый страшный кризис!

Какой бы искусной ни была ваша техника, никогда не пренебрегайте вниманием к инструментам и материалам. Всегда помните об их свойствах и особенностях, но не переусердствуйте. Если вы пишете акварелью, то пусть «белизна» акварельной бумаги станет основным тоном. Помните о прозрачности белого и позволяйте картине «подышать», чтобы в центр всегда мог просочиться воздух. Если вы задействуете слишком много цвета, то «белизна» исчезнет и ваша картина «задохнется». Или, например, когда вы кладете слишком много мазков, постоянно стираете линии и смешиваете краски, возникает риск испортить рисунок, лишив его жизненных сил. В нашем деле и правда непросто знать меру и всегда делать именно так, как следует, но можно сказать, что такова самая главная задача художника на этапе раскрашивания.