Текст книги "Начало и становление европейской музыки"

Игумен Петр (Мещеринов)
Начало и становление европейской музыки

Лекция 1
Начало становления западноевропейской музыки

Музыка – самое загадочное из искусств, она и самое древнее искусство, и самое близкое, естественное человеку.

Что может быть проще и естественнее, чем выразить свои эмоции и чувства песней? Музыка непрерывно развивалась на протяжении всей истории человечества. В процессе своего развития она достигла необыкновенных художественных высот, стала способна отобразить не только всё богатство внутреннего мира человека, но и гармонию мира и звучание небесных сфер. Отличие музыки заключается в том, что она в качестве главного своего средства выражения имеет само время, которое разворачивается согласно своим музыкально-эстетическим законам, имеющим много общего с философией и математикой. С точки зрения православной антропологии музыка, будучи принадлежностью душевной, эстетической сферы человеческой жизни, вплотную подходит к уровню духовному, хотя, конечно, с ним не смешивается и его не подменяет. Говоря словами Феофана Затворника, музыка принадлежит душевно-духовной области внутреннего строения человека и потому она всегда сопровождала богослужения. Священное Писание в Ветхом Завете призывает «восславить Бога в тимпане и лице… во струнах и органе». Эта богослужебная способность музыки определяет ее эстетическое достоинство. В этом искусстве, как ни в каком другом, может отобразиться Божественная гармония. Наши лекции будут посвящены композиторам и музыкантам, которым был дан от Бога талант эту Божественную гармонию воплощать в звук. Но прежде всего, нужно хотя бы кратко коснуться истории музыки.

Классическая музыка имеет два источника: христианская церковь (ее богослужения) и народное творчество. Но и в народном творчестве, как мы увидим, тоже сильны специфические христианские мотивы. В древности вся музыка была одноголосная. Известны древнегреческие лады, которые были восприняты церковью, и она, если говорить кратко, выкристаллизовала из них три направления богослужебного пения: амвросианское, григорианское и осьмогласие св. Иоанна Дамаскина. Последнее впоследствии было воспринято на Руси и переплавилось в одно из величайших (наряду с русской иконописью) творческих даров русской нации Православной церкви – в знаменное пение.

Оно, к сожалению, в наше время почти вышло из русского церковного обихода. Характерной особенностью осьмогласного византийского пения и русского знаменного распева служит некая эстетическая самодостаточность, совершенная, абсолютно законченная форма выражения, конгениальная созерцательному молитвенному строю православного богослужения. Поэтому в этом виде церковного музыкального искусства, можно сказать, нет импульсов к развитию. Система закончена и не нуждается ни в каком дополнении, будучи совершенным воплощением того, что называется Церковной Традицией с большой буквы. В греческой церкви до сих пор эта древнейшая система богослужебного пения употребляется неизменно. Повторюсь, что в Русской церкви традиция знаменного пения была оставлена.

А вот западная музыкальная система импульс развития в себе несла. Я думаю, что это связано с различием между западным и восточным менталитетом, западной и восточной формой восприятия христианства и духовной жизни. Разумеется, тут нельзя сказать, что лучше, а что хуже. Как не говорим мы, что береза лучше или хуже пихты. Здесь проявляется разнообразие Божьего творения, великое богатство творческих даров, которыми Бог наделил человека.

Итак, оставив в стороне рассмотрение греческого осмогласия (это отдельная и очень интересная тема), займемся историей становления классического музыкального искусства. В основе его лежат, как я уже говорил, два вида церковного пения – амвросианское и григорианское. Первое связано с именем святителя Амвросия Медиоланского, который ввел это пение в своей церкви, а второе – с именем Григория Великого, Григория Двоеслова, который упорядочил во всей западной церкви музыкальную часть богослужения. Он воспользовался как амвросианским, так и византийским распевами. Давайте послушаем амвросианское пение. Это будет рождественская музыка «Kyrie, eleison!» («Господи, помилуй!»).

Теперь послушаем пение григорианское, более позднее, но также одноголосное. Начальное песнопение богослужения аналогично нашему «Приидите, поклонимся…».

Такое пение было в церквах, и оно было достаточно долго одноголосным. На рубеже тысячелетий началась так называемая композиторская музыка, в которой одноголосная мелодия некоторым образом расщепилась, к ней стали приписывать подголоски. Это стало возможным в связи с изобретением нотной записи (мы знаем, что профессиональная музыка без нот невозможна) где-то в 1000 году, в начале второго тысячелетия христианской эры. Ее изобрел Гвидо де Ареццо, итальянский бенедиктинский монах и учитель хорового пения, работавший в монастыре в Ареццо, в Тоскане. До Гвидо музыка обозначалась невмами, такими знаками, которые ставились над текстом и указывали приблизительное звучание нот. С ними можно ознакомиться, раскрыв дониконовские старообрядческие певческие книги, где над текстовой строкой находятся различные значки. Это и есть невмы, обозначающие не-нотную запись музыки. Гвидо разместил их на четырех линейках и этим облегчил чтение мелодии, зафиксировал нотную запись. А четыре линейки возникли из его пальцев на руках. Руководя хором, Гвидо вытягивал перед певчими ладонь и на четырех пальцах одной руки пальцем другой указывал, куда должна идти мелодия, вверх или вниз. Это называется системой сольмизации. Гвидо ввел нотные названия и разработал систему гексахорда, т. е. диатонических шестиступенных звукорядов. Нарисованная рука с обозначением на каждом суставе ступени названий нот до сих пор называется «Гвидоновой рукой» и во всех музыкальных учебниках публикуется на первых страницах. Название нот произошло от первых слогов молитвы Иоанну Крестителю с просьбой о сохранении голоса: «Дай нам чистые уста, святой Иоанн, чтобы мы могли всей силой своего голоса свидетельствовать о чудесах твоих деяний». Каждая строчка этого стихотворения начиналась с известных нам уже сегодня слогов – «ут», «ре», «ми», «фа», «соль», «ля», затем появилась нота «си», составленная из инициалов Иоанна Предтечи (святой Иоанн, Sancti Ioannis), а потом первая нота «ут» была заменена на «до», так как это было гораздо удобнее для пения.

Реформа нотного письма создала предпосылки для точной записи музыкальных произведений и сыграла очень важную роль в развитии композиторского творчества. До сих пор мы пользуемся этой нотацией. Замена невм на точно фиксированные ноты помогла и сократить срок обучения певчих, потому что не надо было уже усваивать такую сложную премудрость, как невменая нотация. Ноты стали изучаться гораздо легче. С появлением нот появились и профессиональные композиторы.

Первые известные в истории музыки композиторы – это два регента собора Парижской Богоматери Леонин (магистр Леонинус) и Перотин. Леонин был мастером школы Нотр-Дам, так называемой «Ars antiqua», т. е. музыки церковной, продолжающей античную традицию одноголосного пения, о которой уже говорилось. В основу своих оранумов, т. е. песнопений, Леонин положил григорианский хорал, очень протяжный, изложенный величественными длинными звуками, а для верхнего голоса он использовал свободную мелодию. Верхний голос был гораздо свободнее, чем сам григорианский хорал, он то опускался, то поднимался, то прыгал. Это расщепление мелодии на собственно хорал и сопровождение дало начало полифонии, т. е. многозвучию, многоголосию.

Послушаем григорианский хорал «Videret omnis» («И увидит вся Земля славу Божию»), рождественское песнопение, и затем послушаем, как обращается при помощи своей композиторской техники этим хоралом Леонин, присоединяя к нему другой голос.

Это был Леонин, первый европейский композитор (слово «композитор» происходит от слова «компонировать», т. е. сочетать). И мы услышали, как Леонин сочетает григорианский хорал со вторым голосом, который полифонически опевает мелодию. Это было уже двухголосное сочинение.

Развитие музыки на этом не остановилось. Творчество ученика Леонина, также служившего в соборе Парижской Богоматери, Перотина, который удостоился звания Перотин Великий, приходится на начало XIII века. С ним развитие музыки пошло дальше, и обработка григорианского хорала уже велась тремя и четырьмя голосами. Органумы Перотина были весьма масштабными, крупными и протяженными. Перотин предложил ряд замечательных идей, которые позволили упорядочить такое большое многоголосье. Мелодия хорала стала очень растянутой, а мелодии остальных голосов стали использовать фрагменты и попевки самого хорала, положив, таким образом, начало европейской полифонической техники имитации. Так весь органум, т. е. песнопение, пропитывался насквозь одной мелодической мыслью, которая давала разнообразные побеги и несла в себе большие возможности для интонационного музыкального развития.

Сегодня, когда мы слушаем музыку Перотина или Леонина и вообще музыку того времени, нам это может напомнить авангардистские сочинения последних десятилетий. Европейский авангард подобен этим первым композиторским попыткам Леонина и Перотина, которые рождаются из неких математически-умозрительных построений и устремлены к космическому звучанию. Совершенно необыкновенное впечатление производит на слушателя эта музыка, когда ее слушаешь в готическом соборе, когда с хоров, из-под сводов собора, льется эта бесконечная, непривычная для сегодняшнего слуха, еще гармонически неупорядоченная, но очень мелодически структурированная музыка, такой музыкальный поток. Если слушать такую музыку некоторое время, то даже начинает кружиться голова, человек впадает в какое-то такое особое медитативное состояние.

Давайте послушаем четырехголосный органум Перотина на тот же рождественский текст «И увидит вся Земля славу Божию». Как говорится – современный авангард отдыхает!

Всё это были примеры музыки, относящиеся к стилю так называемой «Ars antiqua», т. е. строгой церковной музыке, которая продолжала античную традицию, развивала древнегреческие амвросианские, григорианские напевы.

Возникновение многоголосья, полифонии и проникновение в церковную строгость народной музыки, о которой мы сейчас с вами поговорим, привело к смене эпох в музыкальном искусстве. Эпоху «Ars antiqua» сменила «Ars nova», т. е. новое искусство. Основные его черты – это отказ от использования жанров исключительно церковной музыки и обращение к светским вокально-инструментальным жанрам, которые сближали музыку с бытовой песенностью, а также использование разных музыкальных инструментов.

Теоретиком «Ars nova» стал французский музыкант, поэт и философ Филипп де Витри, написавший трактат «Новое искусство» («Ars nova»).

Что же такое народная музыка? Прежде всего, это рыцарская музыка, музыка трубадуров и миннезингеров, т. е. странствующих певцов, и, собственно, народная песенность. Рыцарство, которое складывалось в эпоху Крестовых походов, обогатилось своим собственным искусством, искусством, с одной стороны, народным, с другой стороны, имеющим значительную церковную основу, в связи с тем, что Крестовые походы воодушевлялись религиозной идеей освобождения Святой земли.

Послушаем сейчас «Марш рыцарей» Вальтера фон дер Фогельвейде, одного из самых известных миннезингеров, здесь использована подлинная мелодия, звучавшая во времена Первого крестового похода.

А вот другой образец рыцарского музыкального искусства, написан не кем иным, как самим королем английским Ричардом I Львиное Сердце. Это печальная песнь о разлуке родилась, когда он находился в австрийском плену во времена Крестовых походов. Два года он провел в плену и написал печальную, исполненную скорби и драматизма песнь, которая изображает скорбь его разлуки с родной Англией.

Это были образцы рыцарской музыки, написанной рыцарями.

Но сейчас я покажу два образца музыки, уже собственно народной. Первый образец – это известная «Carmina Burana» («Кармина Бурана»), поэтический сборник раннего Средневековья, который сейчас хранится в Мюнхене. Это название нам известно по кантате немецкого композитора ХХ века Карла Орфа, которая так и называется «Carmina Burana», являющаяся очень популярным сочинением. Карл Орф воспользовался мелодиями из средневекового сборника, составленного в Южной Германии в XIII веке и насчитывающего свыше двухсот стихотворений на латыни и мелодий. Коллекция этих стихотворений была разделена на несколько частей, туда входили и религиозные стихи, и песни моральные и сатирические, и любовная лирика, и так называемые пьяные песни, т. е. застольные, песни азартные и пародийные и др. Множество текстов оказалось утрачено, но многие мелодии сохранились.

И сейчас мы с вами услышим танцевальную мелодию из этого сборника.

Вот такая лихая, удалая, плясовая средневековая песня.

И наконец, последний образец народной музыки, о котором мне хочется вам сказать, – это еврейско-испанская колыбельная, музыка совсем другого настроения, печальная, отчасти заунывная, но очень красивая. Надо учитывать, что это XIII век. Этим она и интересна.

Итак, сегодня мы познакомились с церковным средневековым искусством и говорили о становлении профессиональной композиторской музыки, о творчестве Леонина и Перотина и о нескольких образцах народной музыки того времени.

Лекция 2
Музыка Средневековья и Возрождения

В прошлой лекции мы говорили о музыке эпохи «Ars antiqua», когда впервые появилась композиторская техника и первые европейские композиторы Леонин и Перотин начали свои эксперименты в области полифонической музыки. Также мы с вами прослушали множество примеров народной музыки. Церковное многоголосье, несомненно, испытало на себе влияние этой, более гармоничной, простой музыки, и, когда церковная музыка сплеталась с музыкой улицы, она сама видоизменялась и совершенствовалась. Начала складываться не только полифония, т. е. логическое сочетание двух мелодических линий, но и гармония как таковая, т. е. правильное соотношение звуков по вертикали, взаимная обусловленность звуков не только параллельно движущимися мелодиями, но и созвучиями, которые образуются каждый момент. Эти созвучия складываются в консонансы и диссонансы, а их чередование, как отмечали средневековые теоретики, соответствует гармонии небесных сфер. Музыка оказалась в состоянии выражать соотношение микрокосма и макрокосма, небесного и земного, статического и динамического, Божественного и человеческого. И в этом одна из важнейших характеристик искусства Средневековья. Вообще, представление о Средневековье как о мрачных и темных временах совершенно неверно, богатство духовной и эстетической жизни той эпохи для нас порой уже даже недостижимо, оно вытеснено в наше время научно-техническим прогрессом. В области эстетики музыка из тончайшего искусства превратилась в массовое, стадное, какое-то такое слуховое времяпрепровождение. Средневековье же относилось к эстетическим явлениям именно в контексте Божественной жизни – человеческое через Божественное, – и всему находилось свое место.

Итак, эпоха «Ars antiqua» сменилась новой эпохой «Ars nova», в которой, как я уже сказал, церковная и светская музыка взаимно обогащали друг друга.

Давайте посмотрим на музыкальные процессы на примере замечательных композиторов Средневековья и эпохи Возрождения. Первый, кого здесь следует упомянуть, это Гийом де Машо, французский поэт и композитор, самый яркий представитель эпохи «Ars nova». В его произведениях традиция рыцарского и народного искусства сочетается с достижениями церковной полифонии. Именно его музыкально-поэтическое творчество сосредоточило в себе главные музыкальные особенности той эпохи.

О жизненном пути Машо до 1323 года мы мало что знаем. Известно только, что он родился около 1300 года в городе Машо (умер в 1377 году). В 1323 году он поступил на службу к королю Богемии Иоанну Люксенбургскому и постоянно участвовал с ним в походах, путешествиях, празднествах, охотах во всех концах Европы, что дало ему возможность отлично узнать искусство и светское, и церковное, бытовавшее тогда в Европе. После смерти короля Богемии в 1346 году Машо находился на службе у французских королей, Иоанна Доброго и Карла V. Также он был регентом в соборе Нотр-Дам в Реймсе. Музыкально-поэтическое творчество Машо, таким образом, сочетало в себе как церковную, так и светскую традицию. Он был также известен как поэт, написавший множество стихотворений и поэм, преимущественно светского содержания, любовной лирики, создавал музыку на собственные стихи.

Давайте послушаем образец церковной музыки Гийома де Машо. Это месса «Нотр-Дам», как раз Реймского собора, 6-я часть «Agnus Dei» («Агнец Божий»). Обратите внимание, как кристаллизуется музыкальная гармония, как линеарное развитие различных мелодий уже становится подчиненным законом гармонии. Но это музыка XIV века, в которой гармонический стиль еще не сложился, и мы это услышим с вами, как шаткая пока гармония часто разрушается и опять переходит в жесткие созвучия, которые были характерны для более ранней эпохи.

Гийом де Машо, как я уже сказал, является автором большого количества не только церковных, но и светских сочинений. Они были очень популярны и сохранились во многих рукописных копиях, украшенных прекрасными цветными миниатюрами, всем художеством той эпохи. Давайте с вами послушаем одно светское рондо Гийома де Машо. Слова, на которые написана эта музыка, – ничего в истории не меняется! – вполне соответствуют словам, на которые пишутся современные песни. Вот текст: «Ты забыла обо мне, о нежная подруга! / Я говорю – прощайте радость и любовь!»

Говоря о дальнейшем развитии классической музыки, мы приходим к строгому стилю. Упорядочивание полифонии, усложнение и гармонизация, т. е. строгое соотношение полифонии, самостоятельного движения мелодических линий и гармонии (созвучий, возникающих между ними в каждый момент времени) приводят к расцвету полифонического искусства, которое и называется «строгим стилем».

«Строгий стиль» окончательно сформировался во Фландрии, нынешней Бельгии и Голландии, поэтому он называется еще нидерландской школой, из которой, собственно, вышла вся церковная музыка эпохи Возрождения. Важно здесь то, что грани между церковной и светской музыкой стирались, отличаясь к концу эпохи лишь текстом, так что на слух часто не различишь, что звучит – церковное песнопение или светский любовный мадригал. Параллельно развивалась самостоятельно инструментальная музыка, сначала как усложнение танцевальной сферы, а затем как самостоятельные полифонические жанры, т. е. ричеркары, фуги и т. п. Мадригально-светская сторона светского искусства привела к эпохальному музыкальному событию – возникновению в 1600 году первой оперы. Это был «Орфей» Клаудио Монтеверди.

Мы с вами рассмотрим некоторых композиторов эпохи «строгого стиля». Один из значительнейших творцов строгой полифонии – Йоханнес (Жан) Окегем, нидерландский композитор, крупнейший представитель этой нидерландской школы. Родился он около 1425 года в Восточной Фландрии, умер в 1497 году в Туре. По обычаю той эпохи музыканты меняли места своего служения, перемещаясь по всей Европе. Тогда была такая своеобразная европейская глобализация, когда на пути искусства еще не стояло национальных преград, поэтому музыканты могли получать различные музыкальные впечатления и музыкальный опыт во всех частях Европы. Сорок три года Окегем прослужил при французском королевском дворе в должности первого капеллана. Он создал высокие образцы хоровой полифонии: мессы, мотеты и другие сочинения, в том числе изысканные светские пьесы, песни и миниатюры. Современники называли Окегема «главным мастером контрапункта». Контрапункт – это высшее достижение полифонии, полифонической сложности, слово происходит от лат. punctum contra punctum, punctus contra punctum – нота против ноты, буквально – точка против точки. Окегем значительно обогатил технику имитации, т. е. повторения тех или иных мотивов, и систему этих повторений. Он утвердил четырехголосное полнозвучие в хоровом стиле и достиг совершенства именно в полифонии, в свободном развитии мелодических линий. Окегем был типичным художником Возрождения – не только музыкантом, но и математиком, астрологом, философом и богословом. Окегем строил свои композиции на математических расчетах, внося в них скрытую философскую и религиозную символику. Славились его так называемые загадочные каноны, в которых исполнителям задаются задачи вычисления интервалов момента вступления не выписанных голосов. Это очень сложные полифонические кунштюки.

Музыка Окегема пользовалась исключительным успехом по всей Европе. Он был знаком со многими выдающимися людьми той эпохи, например, с Эразмом Роттердамским.

Давайте послушаем произведение Окегема, посвященное Божьей Матери. Это песнопение необычно тем, что заканчивается в миноре, и, несмотря на то что строгий стиль не допускает каких-то особых индивидуальных черт в своем музыкальном характере, здесь мы слышим суровость и отрешенность, свойственную именно Окегему.

Следующий представитель нидерландской школы строгого стиля, о котором хочется сказать, – это Якоб Обрехт. Он родился 22 ноября 1450 года в Утрехте, а умер в 1505 году в Италии, в Феррари. Служил регентом в крупнейших нидерландских соборах в своем родном Утрехте, в Антверпене и других городах, а с 1488 года он становится придворным музыкантом герцога Феррарского. В Ферраре Обрехт и умрет во время эпидемии чумы. Обрехт – крупнейший мастер вокально-полифонической музыки, как культовой, так и светской. Он широко использовал фламандские и немецкие народные песни и темы, искусно вплетал их в полифоническую ткань и церковные песнопения. Как и все люди той эпохи, начавшейся эпохи Возрождения, он был не только композитором, но и математиком, и философом. Обрехт основывал свои композиции на строго рассчитанных математических пропорциях. Среди сохранившихся произведений Обрехта 26 месс, 31 мотет и множество светских фламандских песен, а также несколько инструментальных переложений песен для танцев.

Сейчас мы с вами услышим первую часть мессы Якоба Обрехта «Kyrie, eleison!» («Господи, помилуй!») на праздник святых апостолов Петра и Павла.

Следующий замечательный, выдающийся композитор той эпохи – Жоскен Депре, (Жоскен де Пре), франко-фламандский композитор, который работал главным образом в Италии. Он родился около 1450 года и умер в 1521 году. Итальянское Возрождение повлияло на него очень сильно. Жоскен Депре служил в Милане, в Риме, в Париже, при дворе Людовика XII и в других крупных европейских городах. Ему принадлежит множество духовных и светских произведений. Вот одно из его инструментальных сочинений.

Это была павана, медленный испанский танец Жоскена Депре, редкая запись, которая сделана мной с пластинки.

Последним из нидерландских мастеров, представителей «строгого стиля», был Орландо ди Лассо, франко-фламандский композитор и капельмейстер, родившийся около 1532 года в Бельгии, в Монсе, и умерший в 1594 году в Мюнхене. Он был одним из крупнейших музыкальных деятелей эпохи Возрождения, жил в Неаполе, в Риме, бывал в Англии, работал в Голландии, в общем, вел жизнь типичного представителя искусства Европы того времени, когда музыканты перемещались по всей Европе, служа то тут, то там и обогащая музыку того места, где служили, и сами впитывая музыкальные впечатления тех местностей, которые посетили. Орландо ди Лассо писал музыкальные произведения и церковных, и светских жанров. В качестве одного из примеров послушаем его церковное песнопение Страстной недели – Плач святого апостола Петра.

Мы слышим, как в строгий, высокий полифонический стиль уже проникает итальянская пластика, музыка становится какой-то более раскованной по сравнению с произведениями Окегема и Обрехта, уже приближается к расцвету Возрождения.

Сам же расцвет эпохи Возрождения связан с Джованни Пьерлуиджи да Палестрина, родившимся в 1525 или 1526 году в Палестрине недалеко от Рима, умершим в Риме в 1594 году. Он был наиболее значительным представителем римской школы музыки.

Джованни Пьерлуиджи да Палестрина музыкальное образование получил на своей родине, в Италии, служил органистом и хормейстером в церкви, в своем городке Палестрине, а в 1551 году переселился в Рим, где занимал должность руководителя детского хора при соборе Святого Петра. Со временем он стал чуть ли не официальным композитором католической церкви, потому что Тридентский собор (1545–1563 годов) поручил Палестрине написать некую пробную мессу, которая стала бы образцом для многоголосой церковной музыки. На сочинения Палестрины равнялись последующие композиторы. После Тридентского собора композитор до конца жизни занимал почетную должность руководителя капеллы главного собора католической церкви, собора Святого Петра в Риме. Палестрина написал огромное количество произведений, очень много церковных сочинений, также и светских мотетов. В его творчестве и средневековая музыка, и музыка эпохи Возрождения достигли самого большого расцвета. Он до сих пор остается непревзойденным мастером именно полифонического строгого стиля. Все голоса в его произведениях действительно поют, т. е. это строгий стиль, который проникся итальянской пластикой и народной мелодикой, не такой суровый, как строгий стиль первых лет своего существования. Полифоническое движение голосов создает своим согласным звучанием совершенно иную гармонию, чем та, которая была свойственна музыке предыдущих эпох. Палестрина упростил технику пения. Он тщательно следил за точностью произнесения слов литургии, старался избегать всяческих излишеств в музыке. Таким образом, с одной стороны – это строгое искусство, с другой – очень свободное и пластичное. Всестороннее совершенство музыки Палестрины позволяет его сравнивать с великими художниками итальянской эпохи Возрождения.

Давайте послушаем два фрагмента из музыки Палестрины. Первым будет «Kyrie, eleison!» одной из месс композитора. Это образец церковной полифонии Палестрины.

А сейчас мы послушаем полифоническое произведение без участия голосов, инструментальное. Это ричеркар № 1 Джованни Пьерлуиджи да Палестрины. Ричеркар – сложная полифоническая форма, когда голоса вступают один за другим, с одной и той же темой и сочетаются в различных вариантах.

Итак, мы с вами услышали фрагменты музыкальных произведений эпохи Возрождения, когда музыка перестает быть по преимуществу вокальной, уже очень значимы инструментальные жанры. Мы услышали полифонический жанр, относящийся уже к области чисто инструментальной музыки. В церковь кроме органа проникают и иные инструменты, уже становится возможным исполнение мессы в сопровождении оркестра. Также развиваются жанры светские, как я уже говорил, в эту эпоху была написана первая опера Клаудио Монтеверди «Орфей».

Эпоха Возрождения охватывает не только Италию, но и всю Европу. Очень интересна английская музыка того времени, которая дала несколько замечательных имен прекрасных композиторов. Но с английской музыкой мы будем с вами знакомиться в следующий раз.