Текст книги "Ватикан"

Библиотека Ватикана

Большую часть города занимают музеи и знаменитая библиотека, основанная во времена Раннего Возрождения. Еще раз напомним, что ее основателем стал папа Николай V, большой любитель древностей и один из меценатов Ватикана, не лишенный своих странностей и особенных привычек. Но в этом случае его причудам можно только сказать спасибо, так как они послужили на пользу городу и всей его истории.

Папа сам часто каллиграфически переписывал книги, особенно редкие и малоизвестные. Собирал изящные перепечатанные экземпляры. В его коллекции было несколько сот древних свитков и рукописей. Папа знал цену искусству и древностям. В его собрании находилось более 3600 томов; многие из них были большой редкостью даже по тем временам.

В Ватиканской апостольской библиотеке

Стены большинства зданий и дворцов расписаны художниками, галереи и переходы украшены фресками, которые насчитывают несколько веков. Все здесь окружено атмосферой искусства, красоты и роскоши.

Пинакотека Ватикана

Папская пинакотека располагается в саду, среди густых крон деревьев. Она находится на некотором отдалении от всех остальных зданий.

Всего в ней пятнадцать залов, в которых и размещены все картины. Это сравнительно небольшая по размерам и по количеству собранного материала коллекция, но от этого ее ценность не уменьшается. В Ватиканской пинакотеке собраны наиболее редкие произведения искусства. Среди них: «Преображение», «Мадонна ди Фолиньо», «Венчание Святой Девы», «Благовещение», «Рождество Христово», «Введение во храм Пресвятой Богородицы» и «Богословские добродетели» Рафаэля; «Причащение святого Иеронима» Иль Доменикино (1581—1641); «Положение во гроб» Караваджо; «Видение святого Ромуальда» Андреа Сакки (1599—1661); «Легенда о святом Николае» Фра Анджелико; «Святой Себастьян» Вечеллио Тициана (1476/77 или ок. 1487—1576); «Мученичество св. Эразма» Николя Пуссена (1594—1665); «Мучение святого Петра» Рени Гвидо (1575—1642); «Рождество Христово», «Воскресение», «Мадонна с младенцем на троне и святыми» (Пала Дечемвири) Пьетро Перуджино (1446—1523); «Святое семейство» Бенвенуто Гарофало (1481—559); «Святая Елена» Паоло Веронезе (1528—1588) и другие произведения.

Мученичество св. Эразма. Художник Н. Пуссен

Так, например, только здесь можно увидеть работы Мелоццо да Форли (1438—1494). Он был мастером и знатоком монументально-декоративного искусства XV в. Его творчеству отведена одна из зал пинакотеки. В ней находится фреска Форли, которая посвящена открытию библиотеки в Ватикане.

К сожалению, из-за многочисленных катаклизмов не сохранилось изображение в его первоначальном виде. Краски, очень чувствительные к малейшей сырости или, наоборот, к излишней сухости воздуха, в некоторых местах испортились. До нас дошли только отдельные фрагменты фрески. Она представляет собой довольно сложную и очень умелую работу.

Техника фрески необычна в первую очередь потому, что требовала росписи по сырой штукатурке, которая наносилась на потолок или стену. Задача усложнялась тем, что штукатурка очень быстро высыхала, поэтому рисунок нельзя было исправлять. Он оставался таким, каким его наносили первый и последний раз. Рисовать что-либо на готовой фреске крайне трудно, так как сухая штукатурка плохо поддается росписи.

Писать надо было красиво, точно и правильно с одного раза, а самое главное – быстро, чтобы не дать стенам высохнуть, а краске – испортиться. Если же случалось так, что фреску нужно было переделать, то штукатурку вместе с предыдущей росписью просто-напросто сбивали, поверхность снова покрывали штукатуркой и расписывали.

Как правило, краски смешивались на месте работы, в них добавляли часть сырой извести и природные красители, которые придавали краскам не только цвет, но и стойкость.

Учитывая всю сложность работы и ее трудоемкость, роспись фресок доверяли только самым умелым и искусным художникам, в мастерстве которых не сомневались. Количество фресок в Ватикане и их красота свидетельствуют о том, какие гении трудились во славу церкви.

Ангел, играющий на лютне. Художник Мелоццо да Форли

На уцелевших фрагментах росписи Мелоццо да Форли сохранились изображения поющих ангелов. Некоторые из них играют на музыкальных инструментах. Видны и головы апостолов. Мелоццо постарался представить ангелов в светской традиции живописи. Они напоминают изысканных, утонченных посетителей аристократических салонов. Ангелы легко касаются пальцами струн, миловидно улыбаются самим себе и своей игре.

Им противопоставлены образы апостолов. Их лица обращены к небесам, глаза смотрят сурово и строго. Они, кажется, ничего не видят, кроме открытых, сияющих небес. А по тому, как художник нарисовал их строгие, правильные лица с очень простыми и ясными чертами, в них сразу же можно узнать вчерашних рыбаков и пахарей, которые во имя новой веры отказались от своей прошлой жизни.

Эта роспись выполнена на апсиде, и ее нужно рассматривать снизу вверх. Художник учел все особенности перспективы и нарисовал фигуры так, чтобы они выглядели естественно.

Мелоццо поместил в эту композицию и портрет папы Сикста IV. Папа запечатлен в тот момент, когда передает в руки ученого-гуманиста Платины (?—1481) свою библиотеку. Вся фреска выполнена в сиреневых, оливковых, пурпурных тонах и отражает атмосферу торжественности и духовности. Усиливает значительность события и фон грандиозных, постепенно уходящих вдаль аркад.

Папскую пинакотеку расписывали многие известные художники Возрождения. Особенный интерес к ней возрос только в это время, поэтому и трудились в ней, исполняя папские приказы, мастера эпохи Ренессанса.

Так, например, Рафаэль совместно с Перуджино расписал фреску «Возрождение». Это произведение представляет собой образец работ раннего Рафаэля. Многие критики говорили о преобладании тенденций художественной манеры Перуджино в картине.

Всего в папской пинакотеке несколько фресок и картин, выполненных Рафаэлем. Это «Пределла», «Благовещение», «Поклонение волхвов», «Сретение». Каждая фреска не очень большая по размерам: всего 27 см на 50 см.

В 1502—1503 гг. была выполнена еще одна фреска – «Коронация Марии». История ее начинается с заказа семейства Одди, которое поручило написать ее Перуджино. Но тот из-за нехватки времени передал картину своим ученикам. Среди них оказался юный Рафаэль.

Вот что представляет собой эта работа. В пределах одной доски соединены две разные сцены, как это принято в иконографии. Сцена коронации Марии изображена в верхнем углу, а в нижнем представлен сюжет передачи пояса св. Фоме.

Традиционно этот эпизод не отрывали от Успения, представляли эти два мотива только вместе. Художник использовал перспективу и перспективное углубление в пространство. Это было нововведение, придуманное и впервые использованное Рафаэлем в своих работах. Придирчивые критики могли бы отметить некоторую композиционную незрелость картины, неуверенность. Это сказывается в традиционном разделении ее на две части, которые, несмотря на это, конечно же, тематически связаны друг с другом.

Новые черты заметны в отличном от Кватроченто построении и расположении действующих лиц. Так, фигура Мадонны изображена по диагонали – такого еще не было в традиционном представлении картин на библейские сюжеты. Рафаэль, бесспорно, очень тщательно и детально продумал композицию, учел каждый штрих, каждую деталь. Об этом красноречиво свидетельствуют его рисунки и многочисленные наброски к «Коронации Марии». Все изображение действительно удивительно красиво и даже в чем-то необычно для молодого Рафаэля. Особенно удачно получились спокойные, исполненные величавой торжественности лица апостолов. Фоном служит пейзаж, который изображен где-то в глубине.

«Поклонение волхвов» поражает огромной толпой народа, которая движется в непонятном направлении. Причем это движение настолько мастерски передано, что кажется, будто за толпой устремляется и воздух.

В одном из залов Ватиканской пинакотеки хранится «Святой Иероним» – единственное здесь произведение Леонардо да Винчи. Эта незаконченная вещь воспринимается как мастерский этюд обнаженной натуры в сложном движении.

Но надо отметить, что ни один из современников Леонардо не упоминает об этой картине. Тем не менее по поводу авторства данной работы никогда не возникало никаких сомнений. Безусловно, картина принадлежит кисти Леонардо да Винчи. Стилистические мотивы связаны с живописной манерой этого художника. Здесь в центре внимания одинокий герой, чье лицо высохло от поста, горя и покаяния, но его взгляд полон решимости и воли.

В произведениях Леонардо лица никогда не несут в себе второстепенного значения, неопределенных чувств. Они воплощают глубокие страсти, которые почти никто из известных мастеров эпохи Возрождения, кроме Леонардо да Винчи, не способен был передать в таком объеме и с такой впечатляющей силой. В изображении головы сказывается прекрасное знание великим мастером человеческой анатомии, которое, как указывают исследователи, восходит к традициям флорентийского искусства.

Св. Иероним. Художник Леонардо да Винчи

Новым в картине является синтез анатомического опыта и изучения движения. Фигура представлена коленопреклоненной, она устремлена вперед, в то время как правая рука протянута в сторону и сжимает камень. По этому движению можно догадаться, что вскоре последуют покаянные удары в грудь.

Фигура растянувшегося льва завершает спиральную пирамиду с фигурой святого. Композиционная схема начинается с четкого очертания гор в глубине картины, охватывает скалистый грот, место уединения Иеронима, и заканчивается кривой, образуемой спиной животного.

Такое построение наиболее характерно для Леонардо, который раз и навсегда отказался от установленной в эпоху Возрождения традиции строить картины симметрично, чтобы при этом левая сторона была полным отражением правой.

Леонардо да Винчи ввел новую концепцию живописного изображения. В его картинах, в том числе и в «Святом Иерониме», доминируют пространство и объем. Важную роль играет воздушное пространство, окружающее образы. «Святой Иероним» – достаточно ранняя картина, но уже в ней можно разглядеть основные приемы и методы, к которым прибегает Леонардо, увидеть и опознать стиль его письма.

В собрании искусств XVII в. в пинакотеке хранится единственное произведение Микеланджело да Караваджо. Это монументальная картина «Положение во гроб» – вершина его творчества, наряду с «Успением Марии», которая принадлежит парижскому Лувру.

Картина была выполнена по заказу для церкви Санта-Мария ин Валичелла в Риме. Художник начал работу над ней в 1602—1603 гг. Предполагалось, что это будет целая большая композиция, состоящая из двух частей – объединенных воедино евангельских иконографических сюжетов: «Оплакивание Христа» и «Положение во гроб».

Трагическая тема картины решена мастером с большой силой и благородной сдержанностью. Перед зрителем раскрывается зияющая могила с каменными плитами, в которую опускают безжизненное тело Христа. Его сопровождают и собственноручно опускают в гроб Никодим и Иоанн. За ними стоят три скорбящие арии. Композиция картины строится на последовательном развертывании ритмов склоняющихся фигур. Скорбное безмолвие группы нарушается лишь патетическим жестом вскинутых к небу рук Магдалины. Все образы наполнены огромным внутренним напряжением, которое передано автором в медленном движении тяжело опускаемого тела Христа и усилено звучанием насыщенных красок. В образе Иисуса Караваджо воплотил идею героической смерти.

Центральное место в композиции картины, как уже было сказано, занимает тело мертвого Христа. В его изображении, в красоте мощно смоделированного тела есть что-то языческое. Остается только удивляться, как Караваджо посмел влить эту языческую струю в картину, которая должна была украшать церковь. Кажется, что это сцена погребения вождя племени или жреца, но никак не Иисуса. Хотя, возможно, в такой способ показа Христа Караваджо вкладывает определенный смысл.

На заре формирования христианской религии Иисус Христос воспринимался не как Бог, а как вождь, как человек, за которым шли другие люди, которого слушались и которому поклонялись. Многие критики утверждают, что здесь Христос просто похож на цыгана и что Караваджо нашел интересное, колоритное лицо, запечатленное в этом образе. А вот святой Никодим похож на грузчика с Плацца Навона, плачущая Магдалина – на Лену, спутницу жизни Караваджо.

Мастер попросту написал в картине портрет своей подруги. Ввиду этого церковь, для которой предназначалась картина, отвергла ее, не задумываясь. Но это нисколько не уменьшило славы шедевра в веках.

Краски, доминирующие на полотне, очень яркие и насыщенные. Караваджо использует синие, красные, белые тона, которые усиливают напряжение происходящих событий, их значительность.

Неудивительно, что все произведение имело такой успех у соотечественников Караваджо. Его оценили не только друзья, но, что более удивительно и значимо, и враги. Картина покоряла не только монументальностью, необычностью пирамидальной композиции, яркостью красок, патетикой чувств, движений и эмоций, которыми перенасыщено полотно, но в основном беспримерной конкретностью живописного видения, наглядной, почти физической ощутимостью воплощения художественного образа.

Изображенная на картине группа, обладающая скульптурной монолитностью, помещена на сдвинутой вперед могильной плите. Таким образом, Караваджо ставил зрителя в непосредственную близость от происходящего. Предполагаемый эффект был достигнут. Зрителя буквально ошеломлял надвигающийся на него угол гробовой плиты, нависавшей своей гигантской тяжестью над черной пустотой могилы. Он был потрясен тем, что мог коснуться застывшей руки Христа, безжизненно упавшей на холодную громаду камня, он сочувствовал Никодиму, согнувшемуся над телом Иисуса, как над своим дитятей.

Странной и необычной является композиция картины. Все изображение как бы сдвинуто по диагонали, размещено так, чтобы подчеркнуть безмерное горе, переполняющее персонажи Караваджо. Перед нами не Бог, не святые и не идеальные люди, а обычные – такие, как все, кто приходил и смотрел на картину. Только на подобное восприятие и рассчитывал Караваджо, создавая свое произведение.

Неудивительно, что эта картина копировалась многими художниками прошлого и настоящего, от Рубенса до Сезанна.

Интересна история создания картины «Положение во гроб». Она была написана не сразу. Создал ее Караваджо после того, как отшумел громкий судебный скандал, разгоревшийся вокруг его имени. Художника и его близких друзей обвиняли в написании одного злобного пасквиля. Это событие само по себе не имеет никакого отношения к картине, но раскрывает качества личности Караваджо, что, несомненно, нашло отражение и в его произведениях.

Судебный протокол сохранил интересное высказывание Караваджо о современных ему художниках. О большинстве из них он отзывается с похвалой и признает их всех мастерами и знатоками своего дела. Со временем такая дерзкая смелость Караваджо принимала все более рискованный и отчаянный характер. Как сообщает Зандрарт[20]20
  Иоахим фон Зандрарт (1606—1688) – немецкий художник и писатель.


[Закрыть], среди многих «дерзких и отважных подмастерьев, живописцев и фехтовальщиков Караваджо жил согласно их безумному и фатальному девизу: ни надежды, ни боязни». Но это нисколько не мешало тому делу, которым он привык заниматься. Он писал и создавал картины. Это не ослабляло его творческой одержимости и способности как художника воспринимать и оценивать окружавшую его городскую жизнь во всех ее крайностях. И действительно, сама жизнь отражалась в его образах и картинах.

Все встреченное им на римских площадях и улицах переносилось на холст. Вся неуемная жизнь вторгалась в его церковные произведения. И поэтому неудивительно, что они так не похожи по стилю и по духу на все остальные произведения мастеров Возрождения. Его картины носят отпечаток всей его бурной и неоднозначной жизни. Это касается также и картины «Положение во гроб».

В пинакотеке Ватикана находится работа Фра Бартоломмео (1472—1517) – картина «Апостол Павел». По сравнению с картинами других мастеров это полотно не такое уж привлекательное. Но в нем есть своя неяркая прелесть.

Если смотреть на «Апостола Павла» после росписей Сикстинской капеллы или картины Леонардо «Святой Иероним», она кажется невыразительной и неглубокой, лишенной своей оригинальности. Но все работы разные, и каждая из них воспринимается по-своему. Поэтому сразу же можно установить дистанцию между произведениями великих художников и работами мастеров второго ряда, даже очень талантливых и даровитых. Произведения Фра Бартоломмео дают это почувствовать.

Но сразу же надо сказать, что подлинных ценителей живописи и просто зрителей работы этого художника привлекают тем, что он достиг неоспоримых высот в развитии одного из типов монументальной живописи – алтарной стены. И здесь его талант нельзя поставить под сомнение. Именно поэтому его творчество так ценили папы и поэтому он увековечен в стенах Ватикана.

«Апостол Павел» – лучшее и самое известное произведение Фра Бартоломмео. В картине отразились те черты, которые впоследствии стали традиционными в росписи и украшении алтарной стены.

Фра Бартоломмео положил начало традиции торжественной композиции с оттенком репрезентативности.

Основу его картин составляют первоначальные фигуры. Здесь сказывается умелое построение, основанное на принципах архитектонического расположения, симметрии и четкого выделения главных акцентов. Но при этом многие знатоки утверждают, что его работам недостает подлинно глубокого чувства и той крепости пластической формы, которая так необходима в картине.

Особого внимания также заслуживают работы знаменитого мастера Ренессанса, учителя Рафаэля – Пьетро Перуджино (настоящее имя – Пьетро ди Кристофоро Ваннуччи). Как рассказывает Дж. Вазари в «Жизнеописаниях наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих», изданных в 1568 г., художественная манера Перуджино «в ту пору так всем нравилась, что многие приезжали из Франции, Испании, Германии и других стран, чтобы ей научиться. И работами его… многие торговали, рассылая их в разные местности, пока не появилась манера Микеланджело».

Знаменитая «Мадонна с младенцем на троне и святыми», бесспорно, является одним из самых лучших произведений коллекции Ватикана. Судьба ее очень необычна. Картина была написана в Перудже, итальянском городе, в котором родился Перуджино и чье имя он носил. Это был заказ для капеллы приоров. Там картина и находилась до 1797 г., но после этого судьба занесла ее во Францию.

Знаменитому произведению пришлось попутешествовать, и неизвестно, что бы с ним стало, если бы не любовь итальянцев к своему искусству и не их горячее желание сохранить все произведения, которые когда-либо были написаны итальянцами, в одном месте и только на родине.

Во время оккупации Италии войсками Наполеона французы посчитали, что в Перудже слишком много картин одного художника. И они были вывезены во Францию. Тем более что работы знаменитого мастера любил и ценил сам император. Всего по специальному повелению Наполеона французы изъяли 32 картины.

Уже после того как французские войска были выведены из страны, итальянцам в знак примирения разрешили забрать работы, которые они сумели бы найти, и привезти обратно на родину. Это произошло через два года после конфискации. Но срок, во время которого должна была совершиться вся операция по розыску и возвращению картин, был сильно ограничен. Итальянским представителям разрешили хозяйничать на территории Франции всего десять дней.

За это время нужно было найти все работы, а французы, как большие поклонники искусства и всего прекрасного, сразу же оценили произведения Перуджино, и вся его коллекция в считанные дни разошлась по стране. Даже упаковка и перевозка картин на родину были сопряжены с огромными трудностями. Поэтому лишь малая часть произведений за время, отпущенное на розыск коллекции, смогла попасть на родину. Большинство из них остались во Франции. А то, что все-таки вернулось, осело в разных городах, а не в родной Перудже. Так, «Мадонна с младенцем на троне и святыми» оказалась не на привычном месте, а в Ватикане, где она находится и поныне.

Эта картина была создана в конце 1590 х гг. Несомненно, на ней запечатлен лучший образ Мадонны из всех, которые были написаны в то время. Богоматерь Перуджино строга и величественна, сидит она в свободной и непринужденной позе на троне, у нее на руках младенец.

Характерная деталь, создающая настроение и атмосферу на картине, – одежда. Все герои Перуджино облачены в длинные, мягкие одеяния, которые свободными, широкими складками ниспадают на пол. Можно сказать, что художник через одежду передает характер героев и их психологию.

Картина не раздроблена, ее невозможно разделить на части, как это было на фресках. Целая и неделимая композиция написана широкими мазками. Мадонна и святые находятся в одной плоскости, даже на одной горизонтальной линии. Перуджино мастерски передает психологическое состояние персонажей. При этом он прибегает к разным способам его выражения: через движение, наиболее красноречивые и выразительные позы и т.д., то есть только через внешний облик человека, не затрагивая его внутреннего мира.

Мария сидит, слегка наклонив голову набок, как будто прислушиваясь к словам святых. Перуджино и здесь прибегает к внешним приемам передачи единства. Движение Марии, легкий наклон ее головы, обращенный ко всем присутствующим, связывает между собой действующие лица картины. Группы святых, стоящие по краям от Мадонны, симметричны и уравновешивают друг друга.

Надо отметить, что картина не отличается многообразием движений и настроений. Напротив, каждая ее деталь стремится к единообразию. Таким способом передается общая атмосфера величия и умиротворенности.

Рассказывать о шедеврах, собранных в Ватиканской пинакотеке, можно бесконечно. Каждая картина связана с именем великого мастера и имеет свою неповторимую судьбу.

Через залы картинной галереи по крытым переходам можно пройти в ту часть апостолического дворца, где находится Сикстинская капелла.