Текст книги "Искусство. Современное. Тетрадь девятая"

В работах серии «Начало конца» Мори использует уникальную выдержку фотоаппарата, позволяющую видеть на 360 градусов. На всех фотографиях автор-киборг предстает в центре изображения в прозрачной капсуле. Персонаж плавает внутри техноустройства, представляющего безопасное место в любой точке земного шара. Помещенный в центре деловой улицы Токио киборг в капсуле становится символом жизни в стиле хайтек в Токио.

Серия «Начало конца» состоит из 13 панорамных изображений, разделенных на 3 серии:

Прошлое, 4 изображения. Ангхор, Камбоджа, 2000; Теотиуакан, Мексика, 2000; Гизе, Египет, 2000; Ла Пас, Боливия, 2001.

Современность, 4 изображения. Тайм Сквер, Нью-Йорк, 1997; Шибуя, Токио, 1995; Площадь Пиккадилли, Лондон, 1997; Гонконг, Китай, 2000.

Будущее, 5 изображений. Площадь Согласия, Париж, 1996; Шанхай, Китай, 1998; Доки, Лондон, 1997; Одайба, Токио, 1997; Берлин, Германия, 2000.

А в работе «Волна НЛО» (2003) – гигантская капля воды из стекловолокна на земле, Мори прослеживает связи между индивидом и космосом. Работа над проектом продолжалась три года. В этом динамичном по форме произведении (нечто среднее между скульптурой больших размеров и биоморфной конструкцией) она связывает искусство, науку, перформанс, музыку и архитектуру в тотальное произведение. В проекте «Волна НЛО» Мори добилась синтеза новых технологий с графическими техниками и видеопроекциями. Согласно концепции художницы, посетители принимают непосредственное участие в проекте, подтверждая её постулат о нашей внутренней связи с воображаемыми мирами. Мори смешала в проекте «Волна НЛО» (2003) новые технологии в синтезе с графическими техниками, позволяющими максимально развивать художественный опыт. Удобно расположившиеся в пористых креслах зрители совершают 7-минутное путешествие, благодаря двухчастному видео, проецируемому на потолок капсулы. В первой части «Реальное время мозговой волны» непосредственно используются зрители. Проецируемые на экран изображения рождаются посредством интерактивной реакции: у каждого их трёх участников есть электроды, прочитывающие его мозговые волны. Информация мгновенно трансформируется в проецируемое изображение в совершенном временном совпадении с мозговой деятельностью: 6 биоморфных клеток представляют левую и правую доли мозга и волнообразная линия развивается, согласно функции лицевых движений, как и морганий глаза. Эта мгновенная биореакция включает в себя и опыт видения проекции, и взаимодействие между тремя участниками. Изображения меняют форму и цвет, согласно функции типов мозга, демонстрируя кто из троих участников доминирует. Волны альфа в голубом указывают на состояние пробужденной релаксации, волны бета в розовом иллюстрируют состояние тревоги или возбуждения. А волны тета в жёлтом обозначают, что участник находится в состоянии близком ко сну.

Вторая часть проекции «Связанный мир» опирается на индивидуальный опыт во вселенной, который можно получить посредством последовательности анимации, осуществленной благодаря серии картин Мори. Цветные абстрактные формы медленно раскручиваются как клетки или молекулярные структуры, создавая непривычный фантастический мир. С этой последовательностью художница помещает зрителя на уровень биореакции по отношению к тому, что она описывает. Как самое глубокое осознание, в котором индивид и вселенная вступают во взаимодействие. В основном это действо основано на буддийском принципе. Цель – передать публике новое видение мира, в котором человек сможет преодолеть все барьеры между культурами. Это отклик на видение мира Мори. «Волну НЛО» можно интерпретировать как маленькая вселенная, где люди образуют единое сообщество, преодолевают культурные различия и границы в позитивной творческой эволюции.

Традиция перформанса в японском искусстве. Гутай. Шозо Шимамото

Обширная сфера междисциплинарного и мультимедийного видов сотрудничества под названием искусство перформанса, «живые» искусства, имеет историю, охватывающую более сотни лет, начиная с ранних акций дадаистов до перформансов с вовлечением публики в 1960—1970-х. Новый всплеск этого вида искусства произошел после Второй мировой войны. Роберт Раушенберг описал перформанс как «желание обратить внимание на расхождение между искусством и жизнью», что главным образом проявлялось в интересе и обращении художников к обществу и повседневной жизни путем введения зрителя в произведение искусства. И таким образом произведение внедрялось в жизнь.

Сегодня Япония играет ключевую роль в возрождении интереса на международной сцене к «живым» искусствам. Разные поколения художников переосмысляют историю перформанса и разных видов искусства, связанных с акциями, действиями. Япония имеет уникальную историю в сфере перформанса, переживая настоящий ренессанс в этом виде искусства. Городские группы как «Высший красный центр», «гутай», функционировавшие в 1950-е, были передовыми в новой ангажированности искусства с обществом и гражданами.

Ассоциация гутаи основана Хиро Йосихара (1904—1972), жестуальным художником-абстракционистом в 1954-м, просуществовала до 1974-го. Слово «gutai» состоит из 2 знаков: «gu», означающее инструмент и «tai», означающее тело. Переводится по-разному – конкретизация или инкарнация. Согласно посылу членов гутай, – создавать не существовавшее ранее искусство – молодые художники с энтузиазмом экспериментировали не только с картинами, но и с разными видами художественных практик, как работа на открытом воздухе или акции, которые были предшественниками инсталляций и перформансов.

Шозо Шимамото (1950—2008), прозванный «самураем, акробатом взгляда», был связан с движением «гутай, ориентированном на художественный жест, живопись действия. Он использовал такие формы выражения как хэппенинг и перформанс ради осуществления «мессы по изгнанию кисти», как Шимамото назвал в 1974-м Манифест своего искусства будущего. Чтобы освободить цвет от кисти, художники группы «гутай» заменили ее любыми другими инструментами, материалами, способными превозносить и фиксировать качество красочной поверхности, – с помощью, рук, ног, лап, игрушек, лейки.

Шимамото, изобретатель нового способа восприятия живописи, аниматор зрелищных и мультимедийных форм, создатель идеального моста между западными авангардистскими течениями и типично японской традицией каллиграфии дзен, играет лидирующую роль в современном художественном процессе. По словам известного критика, куратора Акилле Бонито Оливы, он превратился «в кочевника-самурая в искусстве, сумевшего исследовать его истоки». Шимамото занимает особую позицию на мировой художественной сцене. Казалось, он старался преодолеть присущую современному миру инерцию и стимулировать энергетику людей.

В своей художественной деятельности Шимамото уделял большое внимание проблемам защиты окружающей среды. Живописная продукция для него также являлась способом стимулировать жизненную энергию, чтобы поддерживать свои пацифистские чувства и находить подходящие способы для их выражения. По этой причине в 1996-м его номинировали на Нобелевскую премию.

С исторической точки зрения, Япония уникальна. Еще 1,5 столетия назад она представляла собой общество, закрытое от общения с остальным миром. И вдруг в результате гигантского броска Япония впитала в себя и адаптировала всё, что ей было необходимо, причём в ускоренном темпе. Главным образом из Европы. Однако всё закончилось катастрофой во Вторую мировую войну, после которой Япония снова закрыла дверь в прошлое и начала вносить свежую струю в повседневность, главным образом через американские модели. Происходящие в японской культуре и искусстве процессы больше не проявляются в своеобразных, присущих Японии формах. Многие творения японских художников, словно наполнены сиюминутным духом, тем, что происходит сегодня.

Мы живем в эпоху, когда различия предстают двусмысленными, произвольными, когда оригинальность обесценивается, иерархии дискредитированы, а подлинность кажется лишенной значения. 40 лет назал поп-артисты Уорхол, Раушенберг совершили дерзкую инновацию в искусстве, заимствуя коммерческую образность из рекламы в качестве сюжетов для своих произведений, показанных в галереях. Каким смелым это казалось тогда! И как устарело сейчас! Слишком много предметов нас окружает, чтобы их можно было ранжировать. Мы все живем в мире Мураками.

Молодые японские художники с лёгкостью используют зрелищные приспособления, роботов и символы масс-медиа. Они удивляют западную арт-сцену замысловатыми материалами, хай-тековскими устройствами, необычными, часто гиперреалистическими рисунками предметов, сделанных в стране с самыми передовыми технологиями. Хотя такая традиция полностью ориентирована на Запад, японские художники всё ещё имеют доступ к другим символическим и семиотическим традициям. Но их произведения невозможно свести или проанализировать с помощью проблематичных дихотомий, подобно западным или восточным, современным и традиционным методам. Надо также отказаться от аналитических рассуждений о японской символической традиции, предлагаемых Роланом Бартом или Жаком Бодрияром, которые делают акцент на симулякре и говорят об империи знаков, уничтожающих любую субстанцию. В конце концов это евроцентристские концепции и обусловлены они реакцией зрителей, неспособных осмысливать замысловатую культуру и технологии за пределами западных стандартов.

Список использованных источников

1.[битая ссылка] http://nezumi.dumousseau.free/japcontar1.htm

2.[битая ссылка] www.performarts.net/ejournal/1-PerformArts/artistes.html

3.[битая ссылка] www.tesionline.com/intl/preview.jsp?idt=14983

4.[битая ссылка] www.articlealley.com/article_217450_22.html

5.[битая ссылка] http://guide.supereva.it/creativita/interventi/2008/11/shozo-shimamoto

6.Lubow A. The Murakami Method. //The New York Times Magazine. 2005.3.04

7.[битая ссылка] www.answers.com/topic/naoya-hatakeyama

8.[битая ссылка] www.zingmagazine.com/zing3/reviews/041_momoyo.html

9.[битая ссылка] www.artfacts.net/en/artist/shigeo-toya-18284/profile.html

10.[битая ссылка] www.pnaumann.net/naumannMain/reviews/ToyaShigeo.html

11.[битая ссылка] www.uam.ucsb.edu/Pages/yanobe.html

12.[битая ссылка] www.superflatart.info/aya_takano

13.[битая ссылка] http://online.sfsu.edu/-amkerner/ch/yanobe.htm

14.[битая ссылка] www.virtualjapan.com/wiki/Japanese_Contemporary_Art

15.[битая ссылка] www.businessweek.com/globalbiz/content/jul2007/gb20070725_057698.htm

16.[битая ссылка] www.agora-gallery.com/catalog/japanese_fine_art_exhibition_2_24_2009.aspx

17.[битая ссылка] www.picassomio.es/articulos-sobre-arte/artistas-japoneses-mas-importantes-arte

18.[битая ссылка] www.japansociety.org/making_a_home

19.[битая ссылка] www.mentelocale.it/genova2004/contenuti/index_html/id_contenuti_variant_1

20.[битая ссылка] http://artradarasia.wordpress.com/category/artist-nationalitu/japanese

21.Art in America. 1999. February. P.93—97

w9.com/…/futurist-Japanese-artists-show-us-life-in-the-next-century

22.[битая ссылка] www.arthereandnow.com/2007/08/a-new-wave-for-japanese-art/

23.[битая ссылка] www.nretc.org/tm/schartly/tei-sch091JMS.html

24.[битая ссылка] www.superflatart.info/japanese_art

25.Yayoi Kusama at Museum of Contemporary Art, Sydney /Artipedia. 12.03.09

26.Artforum. 1997. February. P.66—73, 100, 104, 109.

Современное искусство Индии

Первое, что приходит в голову тому, кто никогда не ступал ногой на эту землю: непонятная экзотика, запутанная символика, шум, суета в переполненных людьми городах, нищета, пряные ароматы, социальные касты, духовность и заклинатели змей. И, наконец, самый яркий аспект – Болливуд, производящий музыкальные фильмы для Запада. Это страна, воплощающая хаос, риски и возможности, рожденные глобализацией. С населением 1 млрд. 179 702 000 человек, 6 крупными религиями (индуизм, ислам, христианство, буддизм, сикхизм, джайнизм) и множеством мелких, 22 официальными языками, помимо английского и хинди и экономикой, характерной для стран «третьего мира», Индия – настоящий калейдоскоп, пребывающий в изменении. В стране дворцы и квартиры городских жителей сильно контрастируют с баракоподобными жилищами, трущобами на городских окраинах. Многообразие языков, диалектов, разных проявлений религиозности часто является мотивом для конфликтов, порой весьма напряженных. Индия – это также и страна, где в наши дни многочисленные элементы древних традиций, обрядов, культов всё ещё имеют важное значение для понимания других людей и самопознания. Однако более 300 млн. индийцев по-прежнему живут в нищете, экономика растет очень медленно, с ежегодным приростом 6%. В результате такого прироста 200 млн. индийцев образовали новый средний класс, открытый для многообразных связей с рынком, что влечет за собой рост потребления и вложений, в том числе в искусство.

Современные художники Индии обращаются не столько к истории прошлого страны, безусловно, вдохновляясь старинными храмами, монастырями, сколько пытаются осмыслить новые тенденции, возникающие за пределами традиционных контекстов. Искусство Индии в наши дни многоаспектное: от декоративного – к документальному, от юмористического – к загадочному, символическому, от изображения сцен на шумных улицах – до свободной интерпретации происходящего в залах для медитации. Во многих произведениях прослеживается острая социальная и политическая критика. Художники рассказывают об индийском обществе с его противоречиями и опасностями. Их произведения позволяют лучше понять разнообразие и конфликтную множественность этой страны и сильно отличаются от привычного для человека Запада экзотического взгляда на Индию.

В работах некоторых индийских художников ощущается влияние искусства Запада, от романтизма, реализма – до дадаизма. Индийские художники по-своему интерпретируют модернистские тенденции в искусстве Запада. Так, в работе «Магическаие горы» Джиатхи Басу можно усмотреть отзвуки европейской живописи Х1Х века. Другие индийские художники переиначивают на свой манер элементы «ар брю» и обращаются к традициям индийской миниатюры.

Хотя в произведениях актуальных индийских художников каждый рассказывает свою версию истинного положения дел в Индии, «прочитать» эти творения нелегко. Так, Вазудха Тхозбур на зарубежных выставках демонстрирует автобиографическую работу «Четыре способа реконструкции боли или восстановления киберкарт для старой экономики». Это коллажи, сделанные из многочисленных клише из его картин, пакетов и вырезок из журналов. Расположенные на четырёх красочных панно, напоминающих ковры, коллажи сопоставляются с находящимися здесь механизмами для прослушивания, наушниками, CD и плексигласовыми сидениями, на которых можно слушать, как художник читает свои дневники. «Я ищу форму коммуникации, которую могут использовать все» – заявляет автор.

На картинах Судхара Ратвардхана всегда предстают один или два пожилых человека, изображенных в небольших комнатах с несколькими, тщательно выбранными предметами. Взгляд направляется к имеющимся на всех картинах форточкам. С подачи автора, они выражают оппозицию внутреннее/внешнее.

А Ранбар Калека – автор сложных видеопроектов. В одном из них четыре синхронизированные видеопроекции проецируются на расписанные экраны, на которых возникают силуэты людей. Один встает, другой начинает говорить, что-то происходит. Такое приближение к истории имеет документальную ценность. Но именно зритель должен представлять себе отношения между персонажами и осмыслять значение их движений, как если бы он сидел в кафе и рассматривал двух людей, спорящих или задающих вопросы о том, как они встретились.

Работы актуальных индийских художников позволяют лучше понять разнообразие и конфликтную множественность этого континента. Они сильно отличаются от произведений их коллег, традиционных художников, демонстрирующих привычное, экзотическое видение Индии. От изображения предметов повседневного пользования – гиперреалистических кастрюль на ранних картинах Субодха Гупты – до фотографий лунных фаз Джитима Каллота и жутких комиксов в стиле поп-арта (Рой Лихтенштейн) Читры Ганеша, в которых осуждается жестокость языком комиксов.

Художники Шила Говда, Амар Канвар, Акун Мэтью обращаются к темам конфликтных ситуаций в обществе (насилие, эмиграция, культурная идентичность и трансформация городских и сельских зон), занимаются видео, живописью и фотографией, создают инсталляции. В своих произведениях они всегда интерпретируют такие темы, подчеркивая напряжение между современным и традиционным миром, религиями и обычаями, уходящими вглубь тысячелетий.

Термин «модернистский» можно интерпретировать по-разному. Нет единогласия по этому вопросу у художников, критиков, историков искусства. Многие считают, что модернистский период в индийском искусстве начался в 1857-м. Это историческая предпосылка. Национальная галерея современного искусства Дели начинает отсчет своей коллекции с этого периода. Модернистский период в Индии продолжался с 1860-х до 1970-х. Индийское искусство постоянно бросает вызов общепринятым понятиям, так как в этой стране каждая религиозная и философская система обладает своими нюансами, метафорами и подобиями, богатыми ассоциациями, дикими, с точки зрения человека Запада, образами, оригинальной гуманизацией образов богов и небесных существ, специфической характеристикой людей. Всё это следует учитывать при рассмотрении модернистского и современного искусства Индии. На Западе, как известно, отсчет модернистского периода начинают с импрессионизма. Когда говорят о модернистском периоде в индийской живописи, обычно имеют в виду «бенгальскую школу живописи».

В широком смысле характерными чертами модернистского искусства в Индии является определенный отказ от изобретательства, принятие эклектического подхода в творчестве, когда произведения индийских художников вводятся в контекст мирового искусства, как протест против обращения к традиционным техникам.

К концу Х1Х века индийская живопись, увеличенный аналог миниатюрной живописи, пришла в упадок и деградировала, стала слабой и вторичной из-за исторических, политических и социальных причин. Возникшая лакуна заполнилась только в начале ХХ столетия. Существовало лишь несколько малозначительных видов художественных проявлений в период интервенции: стили «базар» и «компания», помимо народных форм, которые продолжали жить во многих штатах страны. За этим периодом последовал следующий этап увлечения западной концепцией натурализма, выразителем которой был Раджа Реви Верма. В его произведениях прослеживаются отсылки к идеям «сходства» и «подобия» в индийской литературе.

Попытку освободиться от такого культурного штампа предпринял Абаниндранат Тагор, ставший лидером нового направления, рождавшегося в живописи, – ностальгического и романтического. Так, в течение трёх десятилетий сформировалась «бенгальская школа живописи» (первое самостоятельное направление в индийской живописи, представители которого стремились создать национальный стиль). Несмотря на её широкое распространение в стране в начальный период, в 1940-е её влияние было сведено к минимуму.

В середине ХХ столетия Индия была новой демократической страной, управляемой Индийским национальным Конгрессом. В период рождения независимости культурная сфера Индии была сильно политизирована. Авторы литературных сочинений критиковали способ управления национальных лидеров, выступая за независимость и разделение Индии и Пакистана. Одни художники обращались к политическим темам, местным традициям, а другие – к западным художественным практикам.

В конце Второй мировой войны художники столкнулись с новой политической и культурной ситуацией: появились беспрецедентные возможности для прохождения курса модернизации и конфронтации с остальным миром, прежде всего с Западом, с далеко идущими последствиями, исключающими обращение к индийской традиции.

В 1930—1940-е на культурной сцене Индии активно заявляли о себе разные коммунистические группировки. Вместе с театральными деятелями и писателями художники объединялись под знамена прогрессивного движения и идентифицировали себя с марксизмом. В Бомбее в 1947-м Френсис Ньютон Соуза (1924—2002), Макбул Фида Хуссейн (р. 1915—2005) и другие образовали группу «Прогрессивные художники». Они увлекались левацкими учениями, отвергали националистическое искусство «бенгальской школы» и обращались к международной модернистской практике. В последующие годы Соуза получил международное признание за картины эротического и религиозного содержания, демонстрировавшие увлечение разными стилями: экспрессионизм, кубизм, сюрреализм. Хуссейн также обращался к разным западным методам и стилям живописания. Члены группы «Прогрессивные художники» были инициаторами проведения в Индии выставок крупных европейских художников – Эмиля Нольде и Оскара Кокошки.

К. Дж. Субраманьян (р.1924) изобрел способ наложения, сопоставления современного искусства с поп-культурой, смело сочетая традиции народного искусства с элементами городской культуры. Он учился у Нандалала Бозе в пригороде Калькутты. В этой художественной школе, основанной поэтом Рабиндранатом Тагором, акцент делался на изучение индийских традиций и ремёсел. Свои блестящие знания изобразительного и народного искусства Субраманьян передавал новым поколениям художников. Его влияние распространилось по всей Индии, благодаря трудам по истории и теории искусства и преподаванию в университете Махараджа Сайяджиро в Бароде.

Художники, родившиеся в период английской оккупации, испытали влияние западного авангарда ХХ века. А более молодые художники полностью осознали свою культурную автономию и чётко обосновывали свою идентичность. Арнипа Синги в картинах 1980-х обличает унизительное положение женщины в Индии, нищету, войну, обращаясь к архаической манере письма с элементами фантастики.

На первый взгляд, в произведениях индийских художников ХХ века, в их системе образности обнаруживается мало различий, по сравнению с работами их коллег в других частях мира. Тем не менее, индийское культурное наследие оказало сильное влияние на их творчество, даже, если это не сразу бросается в глаза. В эфемерных абстрактных картинах Налвара Бхавзара (р.1934) ощущается свободное дыхание и насыщенность цветовых полей («227», 1980). Хотя в 1960-е он переехал в Нью-Йорк и был современником абстрактных экспрессионистов, древняя индийская культура продолжала быть источником его вдохновения. В использовании цветовых сочетаний, например, он руководствовался принципами индуизма.

Наилрин Мохамеди (1937—1990) создавала минималистские рисунки тушью. Энергичные мощные линии ее работ сравнивают со звуками индийской музыки. В её произведениях ощущается влияние чистых форм исламской архитектуры и дизайна.