Текст книги "Искусство. Современное. Тетрадь девятая"

В 1990-е Капур получал заказы на крупные международные проекты. В 1999-м он сделал 170-футовую оранжево-красную скульптуру, заполнившую пустую впадину на Балтийском руднике в Нью-Касле, Англия, во время его трансформации в современное арт пространство. В 1998-м Донна Де Сальво, заместитель директора по художественным программам Галереи Тейт Модерн и хранитель постоянной коллекции музея Уитни, заказала Капуру работу для огромного Турбинного зала в Галерее Тейт Модерн. Де Сальво считает Капура одним из самых выдающихся скульпторов его поколения в Британии и во всем мире, восхищается его проницательностью, твёрдостью, блестящим знанием истории искусства и его редкой способностью находить контакт с публикой.

Для необъятного пугающего пространства Турбинного зала Капур сделал 550-футовую скульптуру из трёх огромных металлических колец с ярко-малиновой оболочкой, проходившей через них. Художник назвал работу «Марсий», потому что восхищался картиной «Наказание Марсия» (1575) Тициана. Выбранный индийцем ярко-малиновый цвет мембраны – отсылка к красному цвету старых мастеров, олицетворяющему содранную с человека кожу и кровь. Связь между работой Капура и Тициановской версией легенды о Марсии ассоциативная. Согласно мифу, Марсий вступил в соревнование с Аполлоном в игре на флейте, проиграл, за дерзость бог содрал с живого Марсия кожу. Как будто Капур специально назвал свою скульптуру «Марсий», чтобы отомстить Аполлону, намекая на то, что искусство, даже если оно воспевает хрупкость и недолговечность плоти, всё ещё может бросать вызов богам.

Хотя это и омаж шедевру Тициана, инсталляцию Капура всё же следует понимать как ответ скульптора на специфическое заполнение пространства, предназначенного для экспонирования его произведения. Работа по возведению инсталляции потребовала длительного и кропотливого труда, вовлечения инженеров в Лондоне, участия рабочих с ткацкой фабрики в Германии и установки скульптуры техниками из Германии и Индии. В нюансированной концепции скульптуры масштаб является существенным элементом. Поскольку «Марсий» охватывал всё здание, на него не было единой точки зрения и у зрителя сразу рождалось целостное впечатление о произведении.

Способность Капура вовлекать зрителей вызвала появление таких общественных проектов как «Облачные врата» (2004) в парке «Тысячелетие» в Чикаго. Местные жители прозвали скульптуру «Капля Ртути». На создание этой массивной сферы из стали с отражающей поверхностью длиной 18 м и высотой 9,9 м художника вдохновила ртуть. Он работал над ней 7 лет. Сфера создает особую игру для глаз зрителей. Каждый вступает с ней в контакт на равных.

С точки зрения Капура, общественная скульптура рождает множество неразрешимых проблем, связанных с заполнением пространства, касающихся символического обоснования цели их установления. «Бесконечная колонна Бранкузи» (1920) – эмблематический способ решения проблемы соединения земли и неба. По словам Капура, в «Облачных вратах» он стремился установить романтический диалог между небом и землей. Скульптура не кажется помещенной на поверхность. И всё же она глубоко укоренена в ней. Капур дал такую интерпретацию своего творения: «Меня всегда интересовали предметы в пространстве, в цвете. Предмет – очень реальная, физическая вещь, пространственная идея, а цвет – иллюзия. В разных сочетаниях эти три вещи становятся мощной силой».

В сентябре-декабре 2009-го в Королевской академии художеств в Лондоне проходила самая крупная выставка живущего художника – ретроспектива Капура. В центре исторических интерьеров находился «Свайамбх» (2007), 40 тонный блок из темно-красного воска, краски и вазелина, путешествующий на поезде через 5 залов. Слишком большой, чтобы проникать через арочные проемы, он распространял брызги, когда проезжал через них, оставляя следы, пятна на стенах, перекладинах, на полу. Каждое путешествие продолжалось 30 минут, причём поезд продвигался так медленно, что движение вовсе не ощущалось, хотя поезд, как и время, никогда не останавливался и никого не ждал.

Во время работы выставки поезд разбрызгивал и покрывал слоем воска, краски 5 залов Академии, превращая арочные проходы в туннели, на которых оставались шрамы, брызги, похожие на кровь: покрытый слоем краски театр военных действий. Поезд «Свайямбх» – на санскрите «самопорождающий себя» – совершил свое первое путешествие в 2001-м в неоклассицистическом Музее изящных искусств в Нанте, где он напоминал о потоках крови во время французской революции. Показанный затем в Доме искусства в Мюнхене, возведённом для демонстрации искусства, противостоящего нацистскому режиму, он неизбежно напоминал поезда с депортированными в Освенцим.

«Свайямбх», представленный в Королевской академии, напоминал и о рабстве, колониализме и подавляющем блеске королей. У поезда есть массивная живописная кисть, покрывающая поверхности абстрактными пятнами, обыгрывающая идеи случайности в искусстве, одновременно воплощая создание и разрушение.

Такие же темы прослеживаются в весьма оригинальной работе «Выстрелы в угол». Это большая пушка с канистрой темно-красной краски и воска. Каждые 20 минут некто, одетый в черное, выстреливал из оружия в соседний зал: слышались сильные удары, свист и красные пятна извергались через арку. К концу работы «пушки» было собрано 30 тонн штукатурки: осуществилась детская мечта Капура об изобилии на базаре.

И взрослые посетители, подобно детям, восхищались этим ритуалом с явной сексуальной нагрузкой. Прослеживается здесь и фрейдистский символизм как проявление агрессии мачо, фрустрации. Оружие и поезд Капура воплощают некий психосоциальный словарь, определявший его образность с самого начала, но работы последних лет стали более грандиозными, а также более пустыми и стерильными. Соблазнительная хореография в Королевской Академии увы, не могли скрыть этого.

Более живое впечатление производят его ранние, деликатные по раскраске работы как «Белый песок, красное просо, много цветов» (1982). Потоки шафрановой, золотой, красной пыли в форме фаллических пирамид и сталактитов, конусов, напоминающих женскую грудь, воспринимаются как молчаливый упрек новой монументальной помпезности. Как, например, «Слизняк», 6 м змей из стекловолокна, заканчивающийся пурпурно-красной вульвой или «Улей», 10 м стальная конструкция, спирально устремляющаяся к центральному проходу.

Один зал был заполнен рядами цементных конфигураций, очевидно производимых промышленным агрегатом, согласно схемам, сделанным компьютером. Не следует доверять поэтическому названию работы «Серый человек кричит, шаман умирает, сточная труба испускает зловоние, красота возрождается» (2009). Рабочее название этого творения «Между дерьмом и архитектурой» точно описывает эстетические обломки весьма претенциозного кургана. Капур всегда считал: «Чтобы сделать новое искусство, вы должны сотворить новое пространство». Лишенные цвета обломки инсталляции «Серый человек кричит…» низводят небоскреб до руин. Полная противоположность «Серому человеку» – созданная в Нью-Йорке работа «Небесное зеркало» (2013) и в Чикаго «Облачные врата» (2006), отражающие небо и привносящие свои метафоры изменения и красоты, соизмеримые с человеком.

Центральный и самый впечатляющий зал на выставке – группа стальных кубоидов, эллипсоидов, дисков – «Не предмет (поле)», «Не предмет (дверь)». Капур подчеркивал свою формальную геометрию через зеркальные конусообразные поверхности, которые искажают, расширяют, переворачивают наше представление о них, когда мы удивляемся, рассматривая эти чувственные кривообразные скульптуры. Капур превращает тела зрителей в сырой материал для метафизической, интригующей инсталляции, таким образом снова демонстрируя свою власть, своё умение трансформировать способ нашего видения мира и осознания нашего места в нем.

Процесс открытия индийского экспериментального искусства на Западе в последнее десятилетие как в зеркале отражает этап поразительного изменения на художественной сцене Индии, что выразилось в увеличении продаж и появлении индийских художников в главных международных культурных центрах.

В наши дни, как никогда ранее, в искусстве Индии ощущается проникновение элементов западного искусства. Может ли сегодня бывший колониальный потенциал Запада возродиться и установить новую зависимость, на сей раз культурную, по отношению к старым колониям? Каково истинное значение появления современного индийского искусства в Европе? Существуют ли определённые способы, подходы, механизмы для сопротивления новой зависимости от стран Запада? Очень непростые вопросы, на которые пока нет ответа.

Сегодня индийское искусство считается одним из самых перспективных проявлений актуальной культуры. В качестве примера можно привести десятки выставок, проектов, журналов, событий, в которые вовлечены индийские художники и скульпторы в крупных центрах Запада: США, Великобритании, Германии, Франции, Японии, Италии, Испании. Произведения современных индийских художников представлены в крупных частных и музейных коллекциях Запада.

За последние 20 лет иностранные покупатели проявляют всё больший интерес к произведениям индийских художников. С 2002-го цены на них даже возросли в 2—3 раза. Произведения самых продаваемых по высоким ценам современных художников – Атула Додийи и Субодха Гупты – уходят с торгов за сотни тысяч долларов. А аукционные цены на картины выдающихся индийских модернистов – Хуссейна, Ф.Н.Соузы – уже преодолели планку в млн долларов. В 2010-м стальная зеркальная скульптура Аниша Капура на аукционе Кристи в Лондоне ушла с торгов за рекордную сумму в 1,4 млн долларов. Холст Тайеба Мехты «Махисасура» про индуистского демона, побежденного богиней Дурга, был продан на аукционе Кристи в Лондоне в 2012-м за 2,2 млн. долларов.

Если раньше индийские художники завидовали успехам своих китайских коллег, то сегодня ситуация меняется к лучшему. Руководитель отдела модернистского и современного искусства Индии в аукционном доме Кристи в Лондоне Ямини Мехта говорит, что наступил благоприятный момент для бизнеса индийского искусства, но отсутствие институциональной поддержки остается большой проблемой. «В Индии не существовала государственная поддержка современного искусства, не выделялись средства на его развитие, как это было, например, в Китае», – говорит она. Китайские власти продвигали своих художников, чтобы компенсировать утрату креативности в визуальных искусствах во время «культурной революции» 1960-х. В отличие от китайского искусства, большую часть произведений индийских художников покупают индийцы. То есть индийские художники работают на внутренний рынок, что ограничивает распространение их произведений за границей.

«Большинство индийцев покупают работы местных художников, что является хорошим способом и стимулом для начала собирательской деятельности. Но постепенно индийское искусство должно выходить за пределы своей страны для более широкого приема на Западе» – сказал Стефан Виммер из галереи Бек Эглинг в Германии.

И всё же, несомненно, что в наши дни Индия уже располагает механизмами для продвижения своих художников. В 1980-е инфраструктура рынка насчитывала 20 галерей, в конце 1990-х-начале 2000-х – 240. Самая крупная галерея – Бодхи арт, имеющая филиалы в Бомбее, Дели, Нью-Йорке и Сингапуре.

Известная индийская художница Има Сараф, которая 10 лет провела в Нью-Йорке, заявила: «Новые галереи в Нью-Йорке, подобные Бодхи арт, обеспечили удобную платформу для знакомства с современным индийским искусством, наполненным вибрирующими цветами, смешанными эмоциями, богатой цветовой гаммой, экзотическими ландшафтами, что, по сравнению с искусством Запада, рождает более эмоциональные чувства».

О возрастающем интересе аукционных домов, коллекционеров, инвесторов к современному индийскому искусству свидетельствовала и выставка «Империя наносит ответный удар» в галерее Чарльза Саачи в Лондоне в феврале-марте 2010-го. Прославленный галерист, коллекционер, Саатчи начал собирать индийское искусство в 2008-м. Выставка, на которой было представлено 100 произведений 26 индийских художников, вызвала неоднозначную оценку у критиков. Эдриан Сирл из «Guardian» отмечал, что на выставке было много работ слишком экзотичных для галереи, в которых художники обыгрывали их постколониальное отличие скорее как удачный трюк, нежели создавали глубокое искусство.

Зеркало «глобализованной деревни» и земля глубоких экономических противоречий, кузница новых технологий и глубоко отсталая страна – такова реальность Индии в последние годы. И всё же в ней происходят большие изменения: появляется новая литература, новая мода, новая экономика и новое искусство.

Список использованных источников

1.[битая ссылка] http://thisishowitshouldbe.blogspot.com/2009/08/article-1168-indian-art-struggles-to

2.[битая ссылка] www.thefreelibrary.com/Famous+Indian+Contemporary+Artist+%3F+New+St

3.[битая ссылка] www.21stcenturyindianart.com

4.[битая ссылка] www.metmuseum.org/toah/hd/mind/hd_mind.htm

5.[битая ссылка] www.content4reprint.com/views/spanish-1000774.htm

6.[битая ссылка] www.aidanews.it/old_site/articoli.asp-IDArticolo=7871.htm

7.[битая ссылка] www.siliconeer.com/past_issues/2009/april-2009/apr09-the-growing-value-of-i

8.Brivio Giulia. India Arte Oggi. 2009

9. [битая ссылка] www.teknemedia..net/magazine_detail.html?mld=3694

10.[битая ссылка] http://johnnyml.blogspot.com/2009/12/indian-contemporary-art-within-india.html

11.[битая ссылка] www.wired.com/beyond_the_beyond/2009/11/as-art-critics-face-sudden-planeta

12.[битая ссылка] www.artsblog.it/post/4824/subodh-gupta-e-larte-dellassemblaggio

13.[битая ссылка] www.shambhoo.com/2009/05/subodh-gupta-il-warhol-dellindia/

14.[битая ссылка] www.luxury24.ilsole24ore.com/ArteCreativita/2009/12/subodh-gupta-libro-elec

15.[битая ссылка] http://guide.supereva.it/creativita/interventi/2009/05/subodh-gupta

16.[битая ссылка] http://artobserved.com/go-see-london-subodh-gupta-school-at-hauser-wirth-old-bond

17[битая ссылка] http://query.nytimes.com/gst/fullpage.html

18.Searle Adrian. The Empire Strikes Back: Indian Art Today. [битая ссылка] www.guardian.co.uk/artanddesign/2010/feb/02/the-empire-strikes-back-indian

19.Reflejos de la India Contemporanea. [битая ссылка] www.absolutmadrid.com/reflejos-de-la-india-contemporanea/

20.Vian Susana C. Arte contemporaneo indio, subastas al alza. Los artistos indios mas cotizados, Anish Kapoor y Tyeb Mehta. [битая ссылка] http://arte.suite101.net/article.cfm/el_arte_contemporaneo_indio_al_alza_en_subastas

21.[битая ссылка] www.culturalindia.net/indian-art/painters/m-f-hussein.html

22.[битая ссылка] www.picassomio.com/maqbool-fida-husein.html

23.[битая ссылка] www.iloveindia.com/indian-heroes/mf-husein.html

24.[битая ссылка] www.nytimes.com/1998/06/16/arts-abroad-a-muslim-artist-and-hindu-imag

25.An Artist Driven From Home Tests India’s Democratic Ideals. //New York Times. 8.11.2008

26.[битая ссылка] http://topics.nytimes.com/top/reference/timestopics/people/h/mf_husain/index.html

27.Husain. L’India e il pennello proibito. [битая ссылка] http://indonapoletano.wordpress.com/2010/03/09/husain-lindia-e-il-pennello-proibito/

28.[битая ссылка] http://dweb.repubblica.it/dweb/2007/06/30/attualita/attualita/024cin55524.html

29.[битая ссылка] www.answers.com/topic/tyeb-mehta

30.[битая ссылка] www.artxworld.com/recensioni_arte.aspx?opera=1041C039-53EE

31..[битая ссылка] http://cgi.ebay.it/NEW-DELHI-NEW-WAVE-CATALOGO-REGIATO-ITA

33.Frisco F. L’Italia rivelata dalle contaminazioni dell’arte. //Tempo Libero. 25.05.2007

34.Beyond destination. 10 Triennale India. New Delhi. 2001

35.[битая ссылка] www.independent.co.uk/arts-entertainment/art/reviewa/anish-kapoor

36.Burnett C. Space Odyssey. //Art News. 2005. January

37.[битая ссылка] www.ft.com/cms/s/2/5254f34e-a965-11de-9b7f-00144feabde0.html

Иллюстрации

Логотип мультфильма и манга Wata Mote. 2005. Creative commons

Логотип песни «Tentomuchi» для мультфильма А 974. Public domain

Манга Chara. Оригинальный персонаж. 2005. Public domain

Марико Мори (японская художница). Храм мечты. 2006. Tom Na H-iu. Creative commons

Ёситомо Нара (японский художник). Вид выставки «Место в моём сердце». Dairy Art. 2014. Лондон. Creative commons

Тадаси Кавамато (японский художник). Скульптура Walkway и башня. 2010. Бау. Германия. Creative commons

Изображение различных фаз рисования в стиле манга. 2008. Creative commons

Типичные глаза в мультфильме в стиле манга. 2014. Creative commons

Первый японский манга. 1915. Токио. Public domain

Субодх Гупта (британско-индийский художник). Три обезьяны. Скульптуры. 2013. Creative commons

Субодх Гупта (британско-индийский художник). Зеркало неба. 2005. Creative commons

Cубодх Гупта (британско-индийский художник). Облачные врата. 2004. Общественная скульптура. Чикаго. Creative commons

Субодх Гупта (британско-индийский художник). Высокое дерево и глаз. 2013. Музей Гуггенхайма. Бильбао. Public domain

Кацусика Хокусай (известный японский художник укиё-э, иллюстратор, гравёр эпохи Эдо). Страница из свитка «Манга. Хокусай». Более тысячи набросков манга на разные сюжеты в 15 свитках. Начало Х1Х века. Public domain

Хокусай (японский художник укиё-э, иллюстратор, гравёр). Страница из свитка «Манга. Хокусай». Начало Х1Х века. Public domain

Хокусай (японский художник укиё-э, иллюстратор, гравёр). Страница из свитка «Манга. Хокусай». 1814. Public domain

Хокусай (японский художник укиё-э, иллюстратор, гравёр). Страница из 6 свитка «Манга. Хокусай». 1824. Человек использует палки и канат для несения большой мошонки. Слева маленький человек поднимает хвост лошади прутом из бамбука, чтобы поймать экскременты в совок. Public domain

Хокусай (японский художник укиё-э, иллюстратор, гравёр). Страница из 6 cвитков сборника «Манга. Хокусай». Public domain

Хокусай (японский художник укиё-э, иллюстратор, гравёр). Изображение из свитка «Манга. Хокусай». Deji, любимая супруга жестокого императора Чжоу из династии Шан – 1600—1027 г. до н. э. Public domain

Като Кийомаса (японский художник). Охота на тигров в Корее. Х1Х век. Public domain

Като Кийомаса (японский художник). Тигр несёт шлем, флаг и веер. Х1Х век. Public domain

Икко Танака (японская художница). Афиша для театра Но. 2013. Creative commons

Такахиро Ивасаки (японский художник). Модель для размышления (подвешена слева, из дерева японского кипариса). Cкульптура. Биеннале. Лион. 2008. Creative commons

Икко Танака (японская художница). Графический японский рисунок. 2013. Сreative commons

Икко Танака (японская художница). Графический японский рисунок. 2013. Creative commons

Икко Танака (японская художница). Афиша для театра Но. 2013. Creative commons

Раджа Реви Варма (индийский художник, 1848—1906). Сарасвати (индийская богиня мудрости, знания, искусства, красноречия, красоты). 1896. Public domain

Раджа Реви Варма (индийский художник, 1848—1906). Шакунтала оборачивается, чтобы взглянуть на своего супруга Душьянту (древнеиндийский царь, герой литературных произведений и мифологии). 1898. Public domain

Яёй Кусама (японская художница). Сад Нарцисса. 2011. Инхотин. Брумадиньо. Бразилия. Creative commons

Яёй Кусама (японская художница). Кусама подписывает экспонат. 2012. Creative commons

Яёй Кусама (японская художница). Бесконечные зеркала. Инсталляция. 2010. Creative commons

Ацуко Танака (японская авангардистская художница, 1932—2005). «Работа. Токио». Инсталляция. 1955. Реконструирована на Documenta-12. 2007. Creative commons

Хема Упадхьей (индийская художница, 1972—2015). Думай слева, думай справа. Инсталляция. 2010. Creative commons

Сударшан Шетти (индийский художник). История упадка. 2010. Creative commons

Раджани Шеттар (индийский художник). Ореол. Инсталляция. 2010. Creative commons

Шеала Говда (индийская художница). Остановка. Инсталляция. 2012. Биеннале. Кочи Музирис. Индия. Creative commons

Йоко Оно (японская художница, пионер концептуальной, социальной, перформансной практик). Фрагмент выставки «Война закончилась (если вы этого хотите». 2013. Выставка Йоко Оно (название из Рождественской песни Оно и Джона Леннона) в Музее современного искусства. Сидней. Австралия. Creative commons

Йоко Оно (японская художница). Инсталляция выставки «Война закончилась (если вы этого хотите)» в Музее современного искусства Сиднея. Австралия 2013. Creative commons

Йоко Оно (японская художница). Фрагмент выставки «Война закончилась (если вы этого хотите)» в Музее современного искусства в Сиднее. Австралия. 2013. Creative commons

Мастерская Удзумаса Тоэи. 2002. Киото. Public domain

Зал Татами. Храм Кейдзо-джи. Камакура. Канагава. Япония. Public domain

Интерьер традиционного японского дома. Creative commons

Маски. Театр Кагура и театр Но. Художественный музей Д. У. В. Смита. Спрингфилд. США. Public domain

Яёй Кусама (японская художница). Инсталляция с преувеличенно большими пластмассовыми тюльпанами, покрытыми круглыми пятнами. Выставка в Национальном музее мирового искусства. Осака. Япония. 2012. Creative commons

Маска демона. (Япония). ХУ век. Институт искусств. Чикаго. США. Public domain

Маска театра Но. ХУШ-Х1Х века. (Япония). Музей азиатского искусства. Стокгольм. Швеция. Public domain

Цукиока Когуа (1869—1927, японский мастер укиё-э). Сцена из пьесы «Ямамба» театра Но. 1848. Гравюра на дереве. Public domain

Актёр в пьесе «Тикубусима» театра Но. Public domain

Танцы. Спектакль театра Кабуки. Х1Х век. Гравюра на дереве. Королевский музей Онтарио. Канада. Public domain

Утагава Кунисада Ш (1786—1865, японский мастер укиё-э). Пьеса театра Кабуки «Канадеон Чусингура». Public domain

Утагава Кунисада (1786—1865, популярный и успешный мастер укиё-э). Данюро Ичикава II в роли Камакура Гонгоро. Театр Кабуки. 1850. Гравюра на дереве. Public domain