Текст книги "История искусств. Просто о важном. Стили, направления и течения"

Романское искусство иногда выходит за пределы храма, создавая предметы декоративно-прикладного искусства. Например, ковёр из Байё, где рассказывается история о Вильгельме Завоевателе и битве при Гастингсе.

Пример

На ковре длиной почти в 70 м последовательно представлены события, связанные с нормандским завоеванием Англии.

Мы видим множество героев, которые кочуют из одного эпизода в другой. Здесь много кораблей, коней, оружия – они заполняют почти всё отведённое для изображения пространство.

Все действия разворачиваются на первом плане – это напоминает аппликацию или комикс. Лишённые объёма человеческие фигуры – смешные человечки, похожие друг на друга – активно жестикулируют, двигаются, сражаются.

Архитектура изображена очень схематично, её масштабы сильно уменьшены для того, чтобы поместиться в композицию, и трактованы условно – только линии, обозначающие колонны, арки, крышу. Море показано непрерывными волнистыми линиями, земля – полукруглыми.

Как и на фресках, изображение повествовательно, схематично и похоже на нарисованное ребёнком.

В Винчестерской Псалтири видно, что образ причудливого зверя не ушёл из искусства, но стал играть в нём новую роль.

В виде хищников и причудливых зверей теперь изображается дьявол, в пасти которого оказываются грешники после смерти. В образе зверя чаще всего изображаются отрицательные персонажи, спутники дьявола и он сам.

Вслед за фресками и рельефами к повествовательности стремится и книжная миниатюра.

Пример

Часто сами изображения на странице расположены в несколько «строчек», как в иллюстрации к 9 главе Откровения Иоанна Богослова из Сен-Севера. Три яруса изображений даны на трёх ярких контрастных фонах. Всадники сидят на фантастических животных, шерсть показана точками. Грешники, лежащие внизу, расположены на разных уровнях, иначе лежащие на первом плане загородили бы дальних.

Реалистичность здесь уступает место наглядности и очевидности.

Конспект

Романский стиль возникает после 1000 года в связи с развитием паломничества и необходимостью в более прочных и вместительных храмах. Название было придумано в XIX веке и связано с тем, что средневековые архитекторы пользовались римскими инженерными решениями (romanus – римский).

К XI веку, когда романский стиль окончательно сформировался, обозначились его главные свойства – простота, выразительность и повествовательность. Огромное значение приобрёл сюжет.

Визуальные образы – в основном фрески и рельефы – были «Библией для неграмотных», их главная черта – наглядность. Поэтому изображениям свойственны схематичность, отсутствие лишних деталей, условность – чтобы каждому человеку было ясно, о чём идёт речь.

Со временем такое наивное, но стремящееся к рассказыванию простых и важных историй для человека искусство всё больше и больше будет концентрироваться на объяснении морали и христианских ценностей через близкое к реальности и понятное человеку.

Это способствовало пробуждению в искусстве интереса к земному миру. Также на это оказал влияние рост городов, где процветало свободное от феодалов население, улучшение условий жизни, что дало возможность воспринимать эту жизнь не только как путь искупления грехов, но и как время наслаждения красотой окружающего мира. Наконец, научные и инженерные прорывы.

Эти изменения в жизни людей привели к возникновению нового стиля – готики.

Готика

Готическое искусство, как и романское, в первую очередь выразило себя в архитектуре. В результате новых инженерных приёмов здания из тяжеловесных и приземистых превратились в стремящиеся ввысь, состоящие из множества заострённых башенок, стоящие на тонких столбах-опорах. Первый готический собор появился в середине XIII века, и всё построенное до начала 13 принято называть ранней готикой.

Готический собор невозможно представить без большого количества скульптур внутри, и особенно снаружи здания. Статуи того времени как бы знают, что они лишь часть собора, полностью подчиняются его форме.

Пример

• Скульптуры на западном фасаде Шартрского собора – одновременно и колонны, поддерживающие арки портала. Как все элементы собора, статуи вытянутые и плоские.

• Слишком узкие плечи и необъёмное тело скрываются под драпировками, складки которых похожи на простые полоски, идущие снизу вверх. На ступни словно бы не давит вес, они повисли в воздухе – это подчеркивает невесомость тела.

Нечто подобное мы видели в византийском искусстве, где торжество духа над телом было показано невыразительной фигурой, противопоставленной одухотворённому взгляду. Здесь лица пророков также наиболее правдоподобны и привлекают внимание напряжённым взором. Хотя в лицах пока нет ничего индивидуального, мужская и женская внешность в основном отличаются лишь наличием и отсутствием бороды, иногда причёской.

Южная часть собора в Шартре, несколько раз горевшего и перестраивавшегося, была создана почти на сто лет позже западной, в середине XIII века. Те образы, которые возникают здесь, сильно отличаются от раннеготических.

Пример

• Скульптуры периода зрелой готики в XIII веке становятся заметно объёмнее и самостоятельнее, перестают полностью зависеть от архитектурной формы.

Святой Георгий – крепкий, сильный воин, его статуя объёмна. В отличие от ветхозаветных пророков западного портала XII века, он уверенно стоит на земле, причём очень правдоподобно, естественно: опирается на одну ногу, другую расслабляет. Это так называемый приём контрапоста – он был открыт Поликлетом в V веке до н. э., но после завершения эпохи античности вернулся в скульптуру только в XIII веке.

• Используются образы, близкие и понятные средневековому человеку.

Георгий одет в кольчугу, в руках у него меч, который можно было увидеть у рыцарей-крестоносцев. Будучи римским воином, жившим в III–IV вв., в реальности Георгий выглядел совсем иначе: римляне носили другие доспехи и использовали оружие другого вида. Но готический скульптор не только плохо знает исторические реалии прошлого – он стремится быть понятным своему современнику. Экзотика и далёкие от понимания образы не способны были затронуть душу средневекового европейца.

⁂

Готическая скульптура ставит перед собой цель не только быть «Библией для неграмотных», но и поучать человека, наставлять на правильный путь.

Пример

Это хорошо показывает статуя Святой Модесты. Латинский корень «модест» означает скромный. Перед нами действительно скромная девушка, которая правой рукой отталкивает от себя мир с его соблазнами и грехами, а левой держит Новый Завет, показывая единственный путь, которым она хочет идти. Книгу она держит как щит – учение Христа должно спасти её от грехов.

• Одежда на теле Модесты смотрится гораздо реалистичнее, чем на раннеготических скульптурах.

Складки робко, но подчёркивают очертания тела. Они струятся вниз, не выглядят линейными, как на пророках XII века, внизу же они загибаются и создают ощущение лёгкого волнистого движения.

• Лицо Модесты тоже говорит о скромности, на нём не запечатлены яркие эмоции.

Отношение к эмоциям в Средневековье было неоднозначным: сильный гнев и бурная радость были знаком того, что в человеке природное преобладает над духовным, и это считалось неправильным. Таким образом, безэмоциональная Модеста является воплощением идеала христианина.

⁂

Указывать человеку правильный путь, говорить, что хорошо и что плохо – важнейшая цель готической скульптуры.

Пример

Немецкие статуи «Искуситель и де-ва» – отличная демонстрация этих целей. Герои сценки откровенно улыбаются, что должно привлечь внимание зрителя. Богато одетый кавалер слева активно жестикулирует, привлекая внимание дамы. Она отвечает на его интерес улыбкой и слегка отодвигает одежду, демонстрируя тело.

Подобное поведение должно казаться аморальным само по себе, однако более глубокой эту сцену делают изображенные за спиной у кавалера змеи и жабы – спутники дьявола. Речь идёт о том, что дьявол подстерегает человека повсюду, и под угрозой каждый, кто забыл о правилах и нормах.

Яркие противопоставления – любимый приём в готической скульптуре. Мастер чётко делит мир на чёрное и белое, подчёркивая положительное и отрицательное в героях. Для этого часто изображались человеческие эмоции – не как разговор о сиюминутной радости или печали, а как способ воздействия на зрителя, возможность объяснить суть сюжета.

Это хорошо видно в скульптурах Магдебургского собора. В оформлении его портала использован сюжет о разумных и неразумных девах – эту притчу рассказывал Христос.

Десять дев ожидали прихода жениха – по иудейской традиции он с родными являлся ночью для совершения свадебного обряда. Пять дев запаслись маслом для светильников, чтобы зажечь их во время прихода жениха, а пять других нет. Когда жених явился, пятеро дев пошли покупать масло, покинув дом. Оставшиеся девы и свадебная процессия затворили двери, и ушедшие неразумные девы не смогли вернуться назад. Дом – Царствие небесное, жених – Бог.

Лица разумных дев улыбчивы, неразумных – грустны, из глаз одной в виде каменного потока льются слёзы. Радость одних и страдание других показаны красноречиво.

Любимый образ зрелой и поздней готики – Богоматерь, она становится главной героиней готического искусства.

Многие соборы в Европе посвящены именно Богоматери – в её лице видели заступницу и пример для любого человека. Поэтому её образ можно встретить в любом соборе внутри и снаружи.

Пример

Например, на портале Амьенского собора она держит на руках младенца Христа, на её голове корона, а над головой ангелы поддерживают нимб. Интересно, что нимб представлен не как мистическое сияние над головой святого, а как нечто материальное. Он напоминает большую красивую тарелку с ажурными краями. Корона на голове Марии проработана так же тщательно.

Мастер уделил одинаковое внимание как главному образу, так и деталям вокруг него. Это важнейшее новшество, возникшее в эпоху зрелой готики.

Интересно обратить внимание на фигуру Марии. Очертания её тела выражены слабо, всё скрывают драпировки, но складки драпировок элегантно струятся и создают игру линий, что имеет сильный декоративный эффект. Сама Мария стоит, опираясь на одну ногу – здесь также использован контрапост. Однако этот приём здесь усилен, поэтому вся фигура напоминает латинскую букву S.

Многие статуи того времени напоминают эту линию, поэтому её принято называть «готическая кривая» или «с-образная кривая». Это декоративный приём, который придаёт чётким прямым линиям архитектуры собора изящество.

Пристальное внимание к окружающему миру не могло не сказаться на изображении человека. Мастеров привлекают не только эмоции, способные ярче подчёркивать образ или сюжет.

• В XIII веке в Германии появляются статуи, передающие индивидуальность человеческой внешности в полной мере. Это статуи донаторов – людей, пожертвовавших деньги на строительство городского собора.

Люди перед нами – это разные темпераменты, возрасты и внешности. Каждое лицо наделено своими уникальными чертами, мы видим разные наряды и головные уборы. Если сравнить эти скульптуры с ранними образами пророков Шартрского собора, то мы поймём, какой огромный путь проделало готическое искусство всего за одно столетие.

В отличие от брутальной романики готика очень изящна и легка.

Собор не производит впечатления крепости – наоборот, он взмывает ввысь. Вместо фресок, освещённых тусклым светом маленьких окошек романского храма, в готическом мы видим огромные окна, заполненные витражами. Сквозь них проходят солнечные лучи, которые создают игру света и ощущение чуда внутри собора. На витражах изображено множество сюжетов Ветхого и Нового Заветов, жития святых.

Яркие краски витражных стёкол вдохновляли и художников, иллюстрировавших книги – в книжных миниатюрах цвета были яркими и сочными.

ХАРАКТЕРНЫЕ ПРИЁМЫ КНИЖНОЙ МИНИАТЮРЫ

• Как и в скульптуре, фигуры изображённых героев немного вытянуты и s-образно изогнуты.

• Интерес к окружающему миру выражен через обилие деталей и передачу индивидуальных особенностей во внешности человека. Если на рисунке несколько персонажей, то внешность их будет отличаться: разные причёски, разная одежда, разные детали, характеризующие образ. Однако лица будут похожи – нет подробной проработки внешности.

• В рисунках обнаруживается не только разнообразие обликов, но и богатство ракурсов. Герои развёрнуты к нам лицом, показаны в профиль, иногда стоят спиной или в три четверти.

• Детали фона также проработаны тщательно. Много подробностей обстановки – это может быть часть интерьера или пейзажа. Хотя художники ещё не знают прямой перспективы, объекты уже располагаются на нескольких планах.

• Появляется протопейзаж – предшествующие пейзажу попытки схематично изобразить природу и архитектуру. На рисунке мы видим замок, имеющий множество готических элементов, несколько деревьев говорят о том, что действие происходит в лесу.

• Зрелая и поздняя готика обильно используют декоративные детали, фон может быть заполнен орнаментальным узором, а одежда героев причудливо расписана. В самой глубине рисунка мы не видим неба. Вместо него декоративный фон.

• Рисунок помещается в рамку – однако, в отличие от раннего Средневековья и романики, эта рамка выглядит реалистично, точно передавая либо архитектурные, либо природные элементы.

Готическая рамка часто выглядит очень архитектурно, что делает изображение как бы вписанным в готическое здание. Изображённые элементы этого здания довольно точно фиксируют его реальный облик.

Иногда рамка может состоять из растительных элементов, но это совсем не похоже на звериную раннесредневековую плетёнку или простые романские узоры. На ней могут изображаться известные мастеру растения, птицы, животные, переданные очень точно, как в атласе природы.

Конспект

Готическая архитектура, в отличие от романской, стремилась ввысь, была изящной, наполненной светом. При этом в скульптуре и живописи сохранилась функция поучения и наставления на правильный путь. Скульптуры, однако, перестали быть схематичными – постепенно начала возвращаться традиция реалистичности, в лицах и позах появилась естественность, возникли эмоции. Снова появились декоративные детали, тогда как в романской скульптуре не было ничего лишнего.

Живопись в готике в первую очередь представлена витражами с библейскими сюжетами, а также книжной миниатюрой. Для нее характерны яркие краски, подробная проработка деталей, появление индивидуальных особенностей внешности у героев.

На этот поворот к земному и реальному как в выборе объектов изображения, так и в самом подходе к передаче картины мира, повлияло несколько обстоятельств. Когда западноевропейское искусство поставило перед собой цель стать «Библией для неграмотных», оно стало рассказывать о важном, используя понятные человеку образы и реалии. Оно не говорило о блеске божественного мира, а рассказывало о событиях священной истории при помощи земного, знакомого человеку.

Наиболее важная тема – искупление грехов, напоминание о человеческих слабостях, добродетелях и пороках – также влияла на привлечение внимания к земной составляющей жизни и отображение её в искусстве.

Возникновение университетов и Крестовые походы расширили знания о мире как с научной, так и с бытовой точки зрения. Это тоже не могло не повлиять на художников, скульпторов и строителей.

Все эти настроения в мире и искусстве наиболее явно обозначились в XIII–XIV вв., но в последующие века они усилятся и повлекут за собой ряд глобальных перемен. И это позволит называть последующие века «Возрождением», или «Новым временем».

Возрождение XV – первая четверть XVI В.

Проторенессанс, или Предвозрождение

Пока во Франции, Германии, Нидерландах и других странах Европы пламенела готика, оплетая соборы кружевами, поучая при помощи скульптуры и развлекая посредством миниатюры, в Италии происходило нечто особенное. Будучи тесно сплетённой с Византией политически и географически, Италия была связана с ней и культурно. Особенно сильным византийское влияние было в XIII веке, когда многие мастера покидали Константинополь из-за нашествия крестоносцев, занимавшихся грабежами, и перебирались в Италию.

Отделённость Италии от общеевропейских готических тенденций проявилась прежде всего в живописи. Поэтому, глядя на итальянскую живопись XIII века, мы видим действие византийского канона. В глаза бросается непропорциональность фигур и лиц, золотой фон, обратная перспектива и иерархический подход к изображению фигур.

Однако к XIV веку интерес к человеку и окружающему его земному миру проник и в итальянское искусство. Этот период, когда произошли серьёзные изменения в живописи, называют Проторенессансом, или Предвозрождением. По времени он соотносится с периодом зрелой готики в других европейских странах.

Важнейшую роль в этом повороте сыграл Джотто ди Бондоне, мастер, который первым начал менять византийский канон. Если посмотреть на его работу «Мадонна Оньисанти»[1]1
  Оньисанти – церковь Всех святых (Ognissanti) во Флоренции, для которой был написан образ Оньисанти. Мы часто сталкиваемся с тем, что к образу Богоматери, Мадонны, как называют её в Италии, прибавляется какое-то имя. Чаще всего это имя заказчика, последнего владельца или самого известного из владельцев картины, или название церкви, для которой писали образ.


[Закрыть], то на первый взгляд она покажется образом, написанным в соответствии с византийскими правилами.

Но если присмотреться внимательнее, можно заметить реалистично переданные детали. Тёмно-синие драпировки образуют складки и выделяют объём колен и ног. Белая туника подчёркивает грудь, и Мадонна выглядит женственно. Она ближе к реальности ещё и благодаря тому, что младенец Иисус, сидящий на её коленях, больше похож на живого ребёнка лицом и фигурой, чем на византийских иконах.

Трон стоит на мраморном полу, а левая и правая стороны трона изображены уходящими в глубь пространства. Это ещё рано называть прямой перспективой, пока она построена неточно, но попытка создать трёхмерное пространство говорит о том, что Джотто посмотрел на небесный мир не как на противоположный и далёкий, а как на продолжение земного.

Это один из ярчайших примеров, показывающий, что взгляд на человека и мир с его особенностями стал более пристальным. С этого момента божественный мир в искусстве начинает приобретать земные черты.

• Одно из новшеств проторенессанса – наделение небесных героев человеческими эмоциями.

В полиптихе «Благовещение», несмотря на обильный готический декор и византийский золотой фон, есть что-то, что делает это произведение не средневековым, а проторенессансным. Когда архангел Гавриил спустился с небес сообщить благую весть Марии о будущем рождении Иисуса, она испытывает испуг и смущение, отклоняясь от Архангела и закрываясь мофорием. О такой реакции Богоматери говорится в Евангелии от Луки, однако так точно её испуг художники прежде не передавали.

Это человеческая реакция на неожиданную и важную новость. И, хотя на лице Марии эмоции не отображены, жесты её очень естественны и правдоподобны.

Убедительно показаны эмоции в сцене «Оплакивание Христа» Джотто, где на лицах склонившихся над снятым с креста Иисусом выражено страдание. Мария нежно, по-матерински обнимает тело Христа. Женщины, смотрящие на них, по-разному демонстрируют скорбь – одна подняла вверх руку, другая прижала руки к лицу. Фигуры героев объёмны, складки одежды переданы при помощи светотени. Мы видим разнообразие поз и ракурсов, в которых показан человек.

В «Возвращении Иоакима к пастухам» можно обратить внимание на героев, по-разному одетых и наделённых разной внешностью. Писатель и художник Джорджо Вазари утверждал, что Джотто зарисовывал лица своих земляков и использовал их для своих картин.

Рядом с пастухами стадо овец. И, хотя пока сложно говорить о точной передаче облика животного, мастер явно стремился изобразить настоящее стадо. Овцы движутся, смотрят в разные стороны. Рядом с Иоакимом собака, она радуется его возвращению – художник запечатлел эмоцию даже у животного.

• Джотто создаёт в своих фресках уходящее в глубь пространство и реалистично изображает детали пейзажа: мы видим объёмную скалу за спинами героев, деревья и синее небо.

Самый смелый из шагов Джотто – замена золотого фона на синий. Тем самым художник окончательно «переселил» библейских персонажей с небес на землю и утвердил новые интересы в искусстве. С этого момента итальянская живопись будет продолжать и развивать тенденцию, начатую Джотто – показывать человека и окружающую его реальность.

Конспект

В XIV веке, в период зрелой готики в остальной Европе, в Италии под влиянием византийской живописи в Италии возникает Предвозрождение (Проторенессанс). В этот период пробуждается интерес к земной жизни, и божественные герои обретают человеческие черты. Они начинают проявлять эмоции, их фигуры становятся более живыми, плотными, объемными, уходит византийская схематичность и нарочитая принадлежность к небесному миру.

Наконец, Джотто совершает революцию в византийском каноне, заменяя золотой фон на синий – цвет неба. Так библейские персонажи окончательно спускаются с небес на землю, и в дальнейшем итальянское искусство продолжает тенденцию изображения реальности.

Можно назвать проторенессанс переходным периодом от Средневековья к Возрождению, временем, когда был намечен новый курс искусства и новый вектор развития европейской цивилизации, связанный с осмыслением главной роли человека в мире.