Текст книги "История искусств. Просто о важном. Стили, направления и течения"

Когда в XIV веке искусство переориентировалось на изображение земной реальности, итальянцы стали быстро осваивать реалистические приёмы. В отличие от других европейских стран, у которых в прошлом было примитивное варварское искусство, для достижения новых целей Италия могла обратиться к искусству Римской империи и Древней Греции. Одним из первых этот новый ориентир указал поэт Франческо Петрарка, современник Джотто.

Так появился термин «Возрождение», то есть возвращение итальянцев к своему культурному прошлому.

Античный мир видел человека главным героем жизни и именно его делал объектом изображения. Мы уже знаем, как много открытий на своём пути совершили греки и как эти открытия освоили римляне. Мир природы, окружавший человека, изображался в античности, начиная с классических времён, правдоподобно и ярко – мы видим это на многочисленных фресках и мозаиках.

Немногие примеры античного искусства были известны итальянцам, но их было достаточно, чтобы получить импульс для совершения своих открытий.

Первым и важнейшим открытием итальянцев стало изобретение прямой перспективы.

Это произошло во Флоренции, городе, который в XV веке стал главным городом Возрождения. Открытие перспективы принадлежит архитектору Филиппо Брунеллески, автору купола собора Санта-Мария-дель-Фьоре во Флоренции. Именно он придумал систему расчётов и построений, позволяющую на плоскости изобразить трёхмерное пространство так, как его видит человеческий глаз. Античности была известна иллюзия глубины на плоскости, но точных расчётов по сокращению масштабов фигур и предметов по мере их удаления тогда не проводилось.

Современник и друг Филиппо Брунеллески, художник Мазаччо, был первым, кто воплотил законы прямой математической перспективы в живописи. Его фреска «Троица» повлияла на дальнейшее развитие искусства. Распятие вписано в архитектурный интерьер, и благодаря этому мы видим, как линии, идущие от нас, стремятся в одну точку. Кроме того, изображённая архитектура восходит к римским образцам. Арка и углубления в её полукруглом своде, греческие колонны – это прямая отсылка к античному искусству, на которое ориентируется всё итальянское Возрождение.

Возникновение перспективы ознаменовало новый взгляд на мироздание.

Обратная перспектива в иконе показывала центром мира Бога, который взирает на человека – точка схождения линий находилась за пределами иконы, в мире зрителя. Прямая перспектива картины сказала, что мир таков, каким его видит именно человеческий глаз.

Такие перемены – результат нового отношения к человеку, который становится центром мироздания, а значит, объектом изображения, изучения и восхищения. Впервые эта идея была сформулирована греческим философом Протагором (V в. до н. э.), который заявил, что «человек есть мера всех вещей». К этому утверждению пришли и мастера XV века.

Поскольку создание картины – это создание мира, человек сам становится творцом и уподобляется богу. Начиная с XV века, человек воспринимается итальянцами как высшее существо, наделённое разумом и творческими способностями, которые позволяют делать мир совершенным. Такое отношение к человеку названо гуманизмом.

Гуманизм – философская основа эпохи Возрождения, где главной ценностью утверждена человеческая личность.

ПОЯВЛЕНИЕ ПОРТРЕТА

Интерес к личности повлёк за собой возникновение нового жанра в искусстве – портрета.

• Первые портреты, написанные в Италии в XV веке, были профильными.

Это связано с тем, что первые попытки создания портрета восходят к изображениям донаторов – заказчиков молитвенного образа. Чтобы подчеркнуть важность Богоматери, донатор изображён стоящим перед ней в молитвенной позе. Он дан в меньшем масштабе и в профиль: в византийской иконе главный образ всегда был развёрнут анфас, а второстепенные герои изображались в профиль. Когда в картину начали включать изображение заказчика, его внешность нередко передавалась довольно точно, так что подобные изображения можно считать предшественниками жанра портрета.

Ещё одним прообразом профильного портрета стали античные монеты и медали, где чеканился профиль императора или другой значительной персоны.

Типичные свойства итальянских портретов XV века:

• Они красочные и выразительные.

• Герои спокойны, выглядят величественно.

• Мастер точно фиксирует внешность и подробно прорабатывает детали одежды, не упускает никаких нюансов причёски, украшений и прочего.

• Лицо, фигура и детали одежды освещены равномерно и ярко. Ярким светом залит и пейзаж.

Этот приём обнаруживает новый внимательный взгляд художника: он изучает всё и любуется в равной степени всем, что пишет. Также этот эффект отражает новое оптимистичное отношение к миру – открытому, светлому, ясному, понятному.

Важно, что чаще всего герой изображён именно на фоне природы – в эпоху Возрождения она становится метафорой прекрасного гармоничного мира. Линия горизонта изображена очень низко, что визуально возвышает человеческую фигуру над пейзажем – то есть возвышает человека над остальным миром.

В некоторых портретах фон не был пейзажным. Иногда он оставался не заполненным деталями, и человеческое лицо выделялось на спокойном тёмном фоне. Можно встретить примеры декоративного оформления фона – цветы или растительные орнаменты.

• Важная особенность профильных портретов – это чёткий контур, очерчивающий лицо и фигуру, в которых чувствуется полная неподвижность.

Лицо героя довольно быстро развернулось к зрителю: в последнюю треть XV века появился трёхчетвертной портрет. В таком ракурсе и будут писать портреты художники в последующие десятилетия.

Портрет – это новый светский жанр, оформившийся в XV веке и продолжающий жить и по сей день.

Начиная с XIV века, в церковное искусство стремительно проникают элементы светской реальности в виде архитектуры, причёсок, деталей одежд героев, бытовых подробностей. В XV веке художники расширяют возможности и обращаются к светским сюжетам.

Можно вспомнить, что литература сделала это раньше: в XIV веке Данте написал «Новую жизнь» – поэтическое произведение о любви, а Джованни Боккаччо создал знаменитый «Декамерон». Светская литература появлялась и в других частях Европы, например, поэзия трубадуров на юге Франции или миннезингеров в Германии. Итальянские художники XV века нередко обращаются к историям из «Декамерона».

Серия картин, написанных Сандро Боттичелли о герое одной из новелл «Декамерона» Настаджо дельи Онести, – яркий пример произведения на светскую тему. История несчастно влюблённого юноши Настаджо, представленная в нескольких работах, ярко демонстрирует характерные черты искусства XV века.

Перед нами пир, где разворачивается сцена погони всадника за отказавшей ему в любви девушкой. Сидящие за столом люди в ужасе вскакивают со своих мест. Ближе всего к нам главный герой, Настаджо, развёрнутый спиной. Он застыл в красивой изящной позе и больше похож на того, кто выполняет балетное па, нежели призывает всех сохранять спокойствие. Выразительна поза дамы слева. Наклон её головы и жесты театральны, поза кажется танцевальной.

• Фигуры готически изогнуты и невесомы, складки одежд героев не подчёркивают объёма фигур.

• Эту картину можно было бы принять за позднеготическую, но правильные пропорции фигур и точно построенная перспектива обнаруживают действие законов искусства Возрождения.

• В картине есть и воздушная перспектива. Мастера XV века стали делать дальний план более бледным, как бы тающим в голубой дымке, тем самым показывая плотность воздуха, сквозь которую человеческий глаз видит объекты на горизонте.

Цвета в картинах XV века порой очень яркие. Сочетая их, художник не использует плавных переходов, контрастные холодные цвета соседствуют, из-за чего колорит многих картин кажется пёстрым.

Живописи как будто не хватает плавности в сочетаниях цветов, хотя в линиях она в избытке.

Это связано с несколькими причинами.

• В XV веке итальянские мастера использовали прочную, вязкую и непрозрачную темперную краску. В её основе – яичный желток. Краска ложилась на картину плотным слоем, разные цвета крайне неохотно смешивались друг с другом, а структура темперы не давала возможности накладывать слои один поверх другого. Эти ограничения не давали возможности усложнять и обогащать оттенки.

• Для художника было важнее работать с фигурой, пропорциями, перспективой и сложными ракурсами. В эпоху кватроченто отношение к цвету отчасти напоминало средневековое. Ещё неважна была фактура ткани и красота её оттенка, а цвет сохранял символический смысл.

Однако в начале XVI века колорит ренессансной картины сильно изменится благодаря переходу от темперной краски к масляной – с прозрачной, легкой текстурой.

Абсолютным новшеством для искусства XV века являются античные сюжеты и образы. В это время их не так много, а самым известным является «Рождение Венеры» Боттичелли.

Боттичелли ввёл в европейское искусство новый образ – Венеру. К средневековому символу женственности и красоты, который олицетворяла Богоматерь, прибавился античный образ богини любви. Интересно, что нередко символом обеих героинь была роза.

• В этой картине художник как бы воспроизводит образ Афродиты Книдской, созданной Праксителем. Венера стыдлива и отрешена от реальности, в которой существует зритель.

• Боттичелли не сосредоточен на том, чтобы передать реальное живое тело, это образ больше целомудренный и нематериальный, чем телесный. Здесь чувствуется сплетение средневековой и ренессансной традиции.

Подобные сюжеты мастера создавали для частных домов – вилл и дворцов, нового типа архитектуры. Работая над такими картинами и фресками, написанными не для всеобщего рассмотрения, а для конкретного адресата, художники действовали смелее и позволяли себе больше действовать исходя из собственного видения или предпочтений заказчика.

Церковь больше не имела такого сильного влияния на художника, как в Средние века.

Однако мастера по-прежнему получали заказы от Церкви, поэтому библейские сюжеты продолжали быть важной темой в искусстве кватроченто. Тем не менее представлены эти сюжеты по-новому.

Увлекаясь окружающей действительностью, художник помещал библейских героев в современную ему обстановку, одевал в модные на данный момент наряды и окружал великолепной классической архитектурой.

Сцена обручения Девы Марии со Святым Иосифом разворачивается в интерьерах роскошного дворца. Огромное внимание уделено нарядам, причёскам и головным уборам героев. Подробно прописаны орнаменты, украшающие одежду. Библейский сюжет, изображённый в капелле одной из флорентийских церквей, как бы становится поводом показать актуальную для художника жизнь.

Особенное значение в кватроченто имеет классическая архитектура, тщательно прописанная во многих произведениях. Постоянное возвращение к образцам римской архитектуры связано с планомерным изучением античности.

У Гирландайо этот интерес выражен в изображении многочисленных арок, к которым действительно вернулись зодчие в XV веке. В глаза бросаются пилястры (вертикальные выступы стены, изображающие колонны), по всей длине расписанные растительным узором и завершающиеся вверху коринфской капителью.

Внимание к архитектурному декору и его обилие, порой кажущееся чрезмерным – одна из визитных карточек кватроченто.

Во фреске Гирландайо эти пилястры продолжают линию пилястр, реально существующих в интерьере капеллы. За счёт этого приёма сцена, разворачивающаяся перед нами, приобретает ещё большую связь с настоящим. Тем не менее, эта архитектурная составляющая в живописи часто выглядит как декорация.

Особенно внимательными к изображению интерьера были венецианские мастера. Венеция – второй центр итальянского Возрождения, и в её искусстве есть свои особенности.

Часто местом действия служит венецианский дворец с его роскошной обстановкой: на полу чёрно-белые плиты, а за окном венецианский пейзаж. Если представители флорентийской школы часто изображали выдуманный образ из римской архитектуры, то венецианцы делали фоном картины живую обстановку дворца.

Художник Витторе Карпаччо представил сцену Рождества Девы Марии как событие, случившееся в венецианском палаццо: повсюду ковры, камины, кровать с балдахином, где лежит мать Марии, Анна. Суетливая служанка несёт для неё горячий бульон, в то время как новорождённого младенца собираются купать. На первом плане картины кадка с водой и свивальник – детали итальянской жизни.

• В картинах венецианских живописцев много бытовых деталей, точных, ярких, показывающих их любовь и внимание к повседневности.

В Венеции более внимательно относились к мелочам в картине, интерьеру, проработке пейзажа. В дальнейшем именно там появятся удивительные пейзажные произведения.

• Композиция в картинах эпохи Кватроченто нередко тяготеет к сухости и симметрии. Это средневековая черта: симметрия была знаком порядка, торжествующим в Царствии Небесном.

Это свойство не потеряло актуальности и для Кватроченто. На фреске Пьетро Перуджино «Передача ключей апостолу Петру» мы видим подобную симметрию в расположении фигур и в архитектурном пейзаже.

На первом плане Христос и апостолы, разделённые центральной вертикальной осью – ключом. Если провести прямую линию от ключа вверх, то она разделит изображение на две практически равные части. Симметрично здание храма на дальнем плане, а пространство площади между апостолами и храмом разделено на квадраты, и мы видим перспективу в действии.

• Декоративную цельность первого плана создают герои, выстроенные в одну линию. Их головы расположены на одном уровне, и ноги также стоят на прямой, параллельной нижнему краю картины.

Это явление называется изокефалия – по-гречески «равноголовие». Это один из любимых приёмов XV века, он подчёркивает идею равенства людей в их творческих и познавательных возможностях.

Подобный принцип расположения фигур напоминает также греческие и римские рельефы, которые часто служили образцом для художников.

• Ощущение порядка и равновесия должно усиливаться благодаря тому, что герои как на первом, так и на втором плане движутся по горизонтальным прямым.

Однако первый и второй план выглядят разобщёнными: сложно представить, что эти линии и эти герои когда-нибудь пересекутся. У каждого плана как бы своя горизонтальная колея, и только по ней осуществляется движение. Это определённый этап работы с прямой перспективой: художник уже освоил глубину пространства, но ещё не знает, как помещать в него фигуры так, чтобы все планы выглядели цельно.

• Фигур на картинах, как правило, очень много; порой даже в небольшом по размеру произведении их может быть несколько десятков.

Мастера XV века, открыв для себя мир, с упоением погрузились в его изучение и получили к тому же возможность изображать всё, что заслуживает внимания. А поскольку в то время были одинаково внимательны ко всему, в картинах наблюдается избыток: героев, предметов, узоров, изображаются животные, птицы, природа. Так выражается желание понять и изобразить весь мир.

• Художников интересуют всё более неожиданные ракурсы.

Начиная с готики, художники по-разному разворачивают в пространстве человеческие фигуры, отчего в картине появляется динамика. Работой с ракурсами увлечены и в раннем Возрождении.

К этому времени человека научились изображать анфас и в профиль, в три четверти, со спины и в сложных позах, но эксперименты не закончились.

Самый яркий пример – работа Андреа Мантеньи «Оплакивание Христа». Фигура Иисуса, лежащего на столе и закрытого плащаницей, перпендикулярна горизонтальной оси картины, и на первом плане мы видим его ноги. В этой вещи сошлись две цели – изобразить человеческое тело в перспективе, но так, чтобы находящаяся дальше всего от зрителя голова была видна лучше, чем ступни на первом плане.

Мантенья осуществил эту задачу не без нарушения перспективы: ему пришлось пойти против математики и оптики, нижняя часть тела Христа получилась короче верхней, и благодаря этому внимание фокусируется на его лице, полном страдания. В этой картине соединились поиск нового ракурса и изображение сильных человеческих чувств.

• Отталкивающий натурализм картины – черта, которая иногда встречается у мастеров XV века.

В глаза бросаются натуралистично прописанные раны на теле Иисуса, пожилое лицо Богоматери, её искажённый страданием рот. Cтремление подмечать детали, выписывать подробности коснулось и неприятных сторон жизни – как было у древних римлян.

Хотя картина Мантеньи уникальна, в ней выражены характерные стремления века: эксперименты, расширение живописных возможностей, разговор о внешнем и внутреннем мире человека, его чувствах, интерес к анатомии и натурализму.

Конспект: Живопись Кватроченто

Понятие «Возрождение» появляется в XV веке и означает возвращение итальянцев к культурному прошлому, то есть к античности. Как и в то время, в период Кватроченто в центре мироздания находится человек. В эту эпоху главной ценностью становится человеческая личность – эта философия получает название гуманизма.

В искусстве внимание к человеку и восприятие его как центра мира выражается в изобретении прямой перспективы – мир изображается именно таким, как его видит человек. Сам прием перспективы был разработан Брунеллески, именно он произвел необходимые расчеты.

Интерес к человеку влечет за собой появление жанра портрета. Сперва герои на портрете изображены в профиль, вслед за римской и средневековой традицией, но довольно быстро разворачиваются в три четверти – этот ракурс остается основным на несколько последующих веков.

Портреты в эпоху кватроченто делают подробными и детальными, и изображенные фигуры, и фон залиты ярким светом.

Это отражение любопытства художника по отношению к миру и стремления изобразить его максимально подробно.

Портрет – это один из первых светских жанров. Светские сюжеты становятся все более значимы в эту эпоху. При этом в фокусе внимания мастеров – фигуры, пропорции, перспектива и различные ракурсы. Цвет находится на втором плане. Цвета в эпоху кватроченто плотные и тяжелые, им не хватает плавности переходов – это связано как и с плотностью самой краски (использовалась темпера на основе яичного желтка), так и с тем, что мастера не придавали этому особенного значения.

Живопись становится все более независимой от церкви. В ней появляются античные сюжеты – например, Венера у Боттичелли. Мастера чувствуют себя более свободно, поскольку появляются частные заказы, которые не выставляются на всеобщее обозрение.

Однако Церковь тоже продолжает поставлять заказы, поэтому библейские сюжеты сохраняются – но обретают новые трактовки. В частности, в Венеции начинают помещать античные сюжеты в очень реалистичные и правдоподобно прописанные современные декорации.

В остальной Италии развивается интерес к римской классической архитектуре – обилие архитектурных деталей можно считать одним из ключевых признаков кватроченто. Кроме того, интерес к классической архитектуре – частное проявление интереса к античности.

Однако в картинах сохраняются и средневековые черты – в частности, симметрия. При этом также возникает приём изокефалии – изображение всех людей на одном уровне, что выражает их равенство с позиции творчества и познания.

На картинах наблюдается избыток фигур, предметов и деталей. Это связано с тем, что художники получили наконец возможность изображать всё, что угодно, и, поскольку им был интересен мир в любых проявлениях, они стремились охватить сразу всё.

Характерными стремлениями живописцев в эпоху кватроченто можно назвать следующие: эксперименты, расширение творческих возможностей, разговор о внешнем и внутреннем мире человека и его чувствах, интерес к анатомии и натурализму.

Эти стремления будут по-новому оформлены в искусстве начала XVI века.

Скульптура

В скульптуре XV века проявились те же тенденции, что и в живописи: интерес к человеку, достоверность, обращение к античности и светским сюжетам и так далее. По-прежнему имеет огромное значение строительство храмов и их декор. Как и в Средневековье, мастера оформляют врата, ведущие в храмы. Изображения на них по-прежнему рассказывают о библейских событиях, но подход к созданию рельефов у мастеров становится другим.

Множество фигур как желание объять в одной картине весь мир, детализированный архитектурный фон и пространство, живущее по законам прямой перспективы – вот новые принципы живописного рельефа XV века.

Ярчайший пример нового рельефа – «Райские врата» баптистерия Сан-Джованни во Флоренции, выполненные скульптором Лоренцо Гиберти, характерным представителем эпохи. На вратах десять сцен из Ветхого Завета. Даже при поверхностном рассмотрении видно, что эти рельефы сильно отличаются от романских и готических.

Первое поле рельефа представляет сразу несколько событий. Вверху Господь в окружении ангелов создаёт мир, слева внизу сцена сотворения Адама, правее – Ева, выходящая из его тела. На втором плане сцена грехопадения, справа изгнание из рая. На последнем рельефном поле изображена встреча царя Соломона с царицей Савской.

• Это средневековый принцип симультанности – когда несколько событий из одного сюжета представлены в одном изображении. Этот приём связан с повествовательной целью искусства, стремлением рассказать и показать историю в картинках.

При схожих целях рельефы на «Райских вратах» выглядят совсем иначе, начиная жить по живописным законам. Многоплановые и многофигурные (в духе кватроченто) композиции завораживают деталями.

• В глаза бросаются обнажённые и задрапированные объёмные фигуры, достаточно точные анатомически.

• Поражает проработанность каждого из планов, обилие разнообразных деревьев, богатство ракурсов и поз.

• Врата рая, через которые изгоняются Адам и Ева, напоминают римскую арку.

Если сравнить эти врата с гильдесгеймскими, можно увидеть, как изменился подход к рельефу: теперь он похож на картину художника.