Текст книги "В помощь учителю рисования при подготовке к уроку"

7. Плэнерная живопись С. Ф. Щедрина (1745–1804)

Задача искусства не в том, чтобы копировать природу, а в том, чтобы ее выражать.

Делакруа

Художник Семен Федорович Щедрин, как и П. Аргунов, принадлежал к семье живописцев и скульпторов. Его брат, Феодосии Федорович (1751–1825), был скульптором и создал такие известные работы, как «Морские нимфы, несущие глобус», впоследствии установленную у здания Адмиралтейства в Санкт-Петербурге, и мифологическую статую «Венера». А сын Феодосия, Сильвестр Феодосиевич (1791–1830), входил в число родоначальников пейзажного жанра. Многие его работы носят декоративно-видовый характер или представляют монументальные панно.

Сам же Семен Федорович Щедрин прославился тем, что первым из русских художников обратился к плэнеру и четко выделил два типа русского пейзажа: видовой и декоративный.

Родившись в солдатской семье, мальчик сразу обнаружил страсть к живописи, а потому его отправили обучаться в Академию художеств. Закончив ее на «отлично», Щедрин был удостоен чести отправиться в Италию для продолжения занятий живописью у иностранных мастеров. Именно оттуда Семен привозит новые правила изображения живой природы – писание с натуры. Вернувшись на Родину, Щедрин получает звание придворного художника и вынужденно начинает писать излюбленные места петербургского светского общества: парки, аллейки, дорожки и т. п. В свободное же от этого занятия время художник пишет сельскую местность и окрестности.

В конце XVII в. многие жанры живописи достигли огромного развития. Наконец, были преодолены традиции иконописи в портретной живописи, и люди стали изображаться реальными. Появилась масса исторических и мифологических произведений. Не сдвинулся с места только жанр пейзажа. Он так и продолжал занимать ту ступень развития, на которой был и раньше.

Но это и понятно, ведь пейзажи писали из головы, выдумывая и сочиняя или вспоминая работы прежних мастеров. А если и возникали сложности с изображением какой-либо детали, то художники отправлялись за ответом не на природу, а за стены музея, отыскивая и срисовывая там нужный им элемент. И это считалось правильным, ведь сами преподаватели, давая задание студентам, заранее оговаривали, что они хотят увидеть на их пейзаже. Что еще оставалось делать ученикам, если преподаватель четко разъяснял, что к завтрашнему дню он хочет видеть поляну, залитую солнцем, на которой пасется стадо коров, а возле дерева дремлет юный пастух. Искать такой вид в деревне ни у кого не было желания. А ведь именно там пейзаж был реальным, а не надуманным.

Потому-то Семен пренебрег правилами академии и начал писать с натуры. Первые такие опыты он проделал, будучи в Италии, откуда привез множество живописных работ. Работа с натуры помогла ему постичь игру солнечного света, морских волн и колебаний воздуха, добиться «горения» красных оттенков в разгар дня и тени, падающей от освещенных солнцем предметов.

Применительно к пейзажу очень часто используется понятие «плэнер». Это слово французского происхождения, переводится как «полный воздуха» и указывает на то, что данное произведение выполнено на свежем воздухе, а не за стенами здания.

Для сравнения лучше использовать на уроке репродукции не только работ Семена Щедрина, но и его семьи. Из творчества Сильвестра Щедрина можно использовать картины «Терраса» и «Новый Рим», «Колизей», а из работ самого художника – русские парковые ансамбли Петергофа и Гатчины, картины «Дорога в Коннетабль», «Вид Гатчинского парка».

Наиболее приближенными по настроению к работам Щедриных являются произведения итальянских поэтов и писателей.

Учитывая то, что Семен Щедрин – первый изучаемый художник-пейзажист, во время урока может быть зачитан отрывок из стихотворения Теофиля Готье «Пейзаж»:

 
Нигде ни единой птицы,
Нигде не качнется лист,
И только дрожат зарницы,
И запад багров и мглист…
 

После прочтения стихотворения можно предложить учащимся найти среди произведений художника такое, которому бы данное описание соответствовало.

Здесь, как и в предыдущем случае, следует использовать музыку итальянских композиторов. Подойдет для урока и произведение композитора М. Глинки «Венецианская ночь», один из великолепных примеров итальянской музыки, а также композиция П. И. Чайковского «Времена года».

Жанр пейзажа, особенно плэнерного, просто немыслим без упоминания имени Семена Щедрина, человека, пренебрегшего правилами академии и начавшего писать с живой природы, а не с работ, уже давно всем известных, тысячи раз перекопированных, а потому довольно однотипных. Справочный материал о нем может быть использован как на ознакомительных занятиях по теме «Жанр пейзажа в произведениях живописи», так и во время выполнения детьми практических работ на плэнере. Это отвлечет школьников от разговоров и поможет сосредоточиться на своих собственных работах.

Закрепляя материал по плэнерной живописи, можно использовать различные методы: беседу, игровой материал, собственные рисунки и т. д. При этом беседа, опрос и игра могут быть тесно переплетены, как в приведенном ниже случае.

Урок по пройденной теме начинается с опроса:

1. Какой была система обучения пейзажной живописи в Академии художеств? В чем состояла ее ошибка?

2. Могли ли быть на самом деле предметы, срисованные с разных картин, освещены так, как они освещены на завершающей работе ученика академии? Почему?

В данном случае необходимо, чтобы дети поняли, что если взять копию стога сена с работы, выполненной вечером, и коровы, изображенной поутру, то между ними не будет никакой гармонии. Проверить это можно при помощи игры. Из нескольких репродукций надо вырезать различные детали и наложить их на какой-либо пейзаж, а затем охарактеризовать, что же получилось.

Чтобы ученики на себе почувствовали, что пейзаж с натуры и созданный в воображении резко отличаются друг от друга и что в последнем непременно будет гораздо больше ошибок, обязательно следует дать задание нарисовать к уроку один пейзаж с натуры, а второй – по описанию в книге или со слов учителя. По полученным работам можно устроить итоговый урок по теме пейзажа. Во время его проведения ученики должны поочередно рассказать, что и как в обеих работах они изображали и какие ошибки сделали в том и ином случае. Конечной целью урока должно стать подтверждение неэффективности данного метода обучения.

8. Работы В. А. Тропинина (1776–1857)

Портрет человека пишется для памяти ему близких людей, людей, его любящих.

В. А. Тропинин

Василий Андреевич Тропинин родился в семье крепостного и уже в детстве был разлучен с родителями и подарен дочери барина как необходимое дополнение к приданому. В новом доме мальчика назначили лакеем и сразу же завалили работой. Свободного времени у него почти не было, а когда случалось, что его никто не звал, Тропинин ускользал в парадные залы и начинал рассматривать висящие в них на стенах картины мастеров живописи. Его привлекали краски и сама работа художника, но, не имея возможности иметь собственные и учиться рисованию, юный лакей начинает собирать все кусочки бумаги, какие ему попадаются, и делать на них собственные рисунки. Его учителями были картины, какие он видел. Через некоторое время юный самоучка уже мог с закрытыми глазами создать их копии.

Но его «малевание» никому в доме не было нужно, а посему его владелец, граф Морков, отсылает юношу обучаться кулинарному искусству. Правда, потом понимает, что кондитером Тропинину не стать, так пусть хоть собственный художник будет, и определяет его в Академию художеств «посторонним учеником». В это время юноше было чуть более 21 года. Академия пришлась Тропинину по душе. В ней он чувствовал себя в своей стихии, но продолжаться этому долго было не суждено, т. к., видя успехи своего крепостного, граф испугался, что потеряет дарование, если государь потребует отпустить его на свободу. И, не закончив обучения, Валентин возвращается в хозяйский дом, а оттуда отправляется в самое дальнее имение графа – село Кукавку (Украина).

Оказавшись в полной изолированности от бурлящего мира, полного искусства, Тропинин пал духом. Но граф не дал ему заскучать и загрузил работой. Художнику было поручено написать портреты своих хозяев и их детей, оформить интерьер имеющейся в селе маленькой церквушки. А если работы не было, его заставляли печь куличи и пироги, украшать кушанья к графскому столу и даже помогать в буфете.

Возможно, что художник так бы и прожил в полной изолированности от развивающегося мира искусства, если бы в имение графа не приехал гость. Им оказался какой-то иностранец, явно почитающий искусство, т. к., осмотрев весь дом и увидев мастерскую художника, он решил, что в доме живет еще один гость, какой-то незаурядный мастер. Когда же иностранец вновь столкнулся с художником, а это произошло во время ужина, где Тропинин выполнял свою вторую обязанность – прислуживал хозяевам, гость пришел в ужас и едва не усадил его за стол рядом с собой, выказывая т. о. ему свое уважение. Это стало толчком к решению графа о запрете выполнять Тропинину работу лакея. Теперь времени на занятия живописью оставалось больше.

Дарить же свободу художнику графу Моркову было жалко. Тропинин был нужен и ему самому. И лишь когда художник стал стареть, граф соизволил дать ему свободу. Тропинину было 47 лет. Обрадованный художник уезжает в Москву, уединяется в своей мастерской и полностью посвящает себя своему любимому делу, ведь теперь он мог писать все, что ему хочется.

Работы Тропинина – это особый тип жанрового, несколько идеализированного изображения человека из народа. При этом любое его произведение – это и картина, и одновременно самостоятельный портрет, где каждый человек изображен в самом близком ему образе, таким, какой он есть. Его работы характерны отсутствием фанфаронства и блеска, дорогих одежд и неописуемых причесок. Художник этого не писал. Его стремлением было передать душевную теплоту человека, его спокойствие и глубину, что можно было сделать, только облачив изображаемую модель в простой домашний халат, раскрывающий все тайны и снимающий груз проблем, расстегнув вороты рубах и давая вздохнуть полной грудью.

За время своей жизни он создал целый ряд портретов, из которых можно оформить отдельную галерею, состоящую из образов простых дворовых детей, сельских девушек, друзей. Его работы совершенно лишены лести, и если в них и есть что-то привлекательное, то только потому, что художнику удавалось усмотреть в любой своей модели что-то примечательное, доброе.

Произведения, созданные В. Тропининым, сегодня всемирно известны. Это и его ошеломляюще русская «Кружевница», и «Золотошвейка», и такие картины, как «Портрет сына Арсения Тропинина», «Портрет А. С. Пушкина», а также собственный «Автопортрет». Именно эти работы должны присутствовать на уроке изобразительного искусства при изучении творчества художника.

Чтобы подчеркнуть особенность передачи характера человека, изображенного Тропининым, необходимо сопроводить просмотр репродукций его картин стихами и отрывками из литературных произведений, посвященных величию русского народа, духовной красоте обычной русской женщины.

При просмотре картин «Золотошвейка» или «Кружевница» просто сама напрашивается мелодия из музыки С. Прокофьева к балету «Золушка». Музыка словно воссоздает атмосферу чистоты души девушек и их легкость в работе. Кажется, что кружево само собой сплетается в прекрасный узор, да и игла скользит по ткани, будто лодочка по волнам.

Остальные портреты и картины, написанные художником, также вполне сочетаются с этой музыкой, ведь во всех них чувствуется чистота, легкость и какое-то убаюкивающее спокойствие.

Образы простых людей в живописи не так уж редки. Крестьян и тружеников писали едва ли не все мастера прошлого, но только Тропинину удалось показывать величие человека в самом обыденном образе: в домашнем халате, расслабленным и отрешенным от забот, увлеченным любимым делом, сделать крестьян подобным царственным особам и не уступающим ни одному императорскому портрету. В связи с этим справочный материал о его творчестве и жизни может быть использован при изучении таких тем, как «Портретная живопись», «Характер человека и его передача посредством изобразительных средств», «Образы крестьян в русской живописи», «Парадный и бытовой портрет» и т. д.

Используя на уроках материал о Тропинине, стоит уделить как можно больше внимания анализу его картин: рассмотреть и выделить отличительные черты его творчества, найти главные различия в изображении им портретов людей – от манеры изображения их же иными мастерами живописи. Кроме того, ненадолго желательно остановиться на следующих вопросах:

1. Почему художник избрал необычный способ изображения человека (не парадный портрет, а бытовой)?

2. Почему образы его «Кружевницы» и «Золотошвейки» кажутся нам образами поистине королевскими и практически не вызывают мысли о том, что это всего-навсего обычная труженица или крестьянка? Какими средствами Тропинину удалось этого добиться?

9. Основоположник русской живописи А. Г. Венецианов (1780–1847)

Я постоянно питаюсь природой. Иногда я преувеличиваю, изменяю видимое, но никогда не выдумываю картину. Наоборот, я нахожу ее в природе уже готовой, хотя и требующей раскрытия.

Ван Гог

Алексей Гаврилович Венецианов родился 18 февраля 1780 г. в семье московского купца. Отец сразу заметил склонность мальчика к рисованию и отдал его в частный пансионат обучаться живописи. Получив там поверхностные знания, юноша в 1807 г. уезжает в Петербург и начинает там почти ежедневно посещать Эрмитаж, в котором срисовывает все понравившиеся ему картины, делает копии картин мастеров живописи.

Некоторое время спустя он увлекается графикой и мечтает создать собственный сатирический журнал. Первый его выпуск под названием «Журнал карикатур на 1808 год в лицах», не успев появиться, запрещается правительством. Но своего стремления передать жизнь так, какой он ее видит, высмеять основные пороки, он не оставляет, буквально через 4 года выпустив в свет созданные совместно с друзьями сатирические листовки.

В 39 лет (1819 г.) Венецианов впервые выезжает в сельскую местность и сталкивается с жизнью, совершенно отличной от виденной им ранее. С этого момента он обращается к образам простых крестьян, пишет их портреты, бытовые картины. При этом пишет Венецианов только с натуры, несмотря на то, что Академия художеств не признавала такого способа работы. Осознав, что все его творчество отныне будет связано именно с деревней, Венецианов в 1815 г. покупает себе имение в Сафонково, в котором и проживает всю оставшуюся жизнь.

Но просто жить и творить для художника было недостаточно и не очень интересно. Хотелось осознавать свою пользу и дарить людям радость. В конце концов Венецианов основывает в этой же деревеньке свою собственную художественную школу. Получить обучение в ней мог любой крестьянский ребенок, вход для которого в ту пору в академию был совершенно закрыт. В образовании школы ему помогает Общество поощрения художеств.

Художник настолько увлекается этой затеей, что буквально посвящает воспитанию нового поколения художников всю оставшуюся жизнь, тратит на это все свои заработки. Он сам разъезжает по деревням и отбирает наиболее талантливых мальчиков, затем поселяет их в своем доме, где все лето они, не прекращая, работали, а с наступлением зимы везет своих подопечных в залы Эрмитажа, давая им возможность не только познакомиться с произведениями великих мастеров, но и сделать с них копии.

С самого начала Венецианов вырабатывает свою собственную систему обучения, состоящую из нескольких ступеней. Сначала все его ученики тщательно изучают натюрморт, постепенно переходят к интерьеру, затем к письму с натуры и, наконец, осваивают плэнерную живопись. Этот метод сам Венецианов называл методом преподавания с натуры. Все его ученики в дальнейшем так и не окончили академии, но работы многих становятся известными.

Первые работы Венецианова носили чисто графический характер. Он делал много шаржей и карикатур, во время Отечественной войны 1812 г. написал несколько листовок «на злобу дня». А побывав в сельской местности, резко изменил свои пристрастия.

Все последующие его произведений были написаны в Тверской губернии, в небольшой деревеньке под названием Сафонково. Попав в деревню лишь однажды, он был просто покорен ею.

В первый же день он был настолько переполнен впечатлениями, что ему сразу захотелось перенести их на полотно, но как это сделать, как перейти от сатирической графики к живописи, он не в силах был понять. И тут художнику на глаза попадается работа, написанная французским художником и изображающая внутреннее убранство русской церкви. Внимательно осмотрев картину, художник решается сделать аналогичную, заменив только церковь на сарай. Так появляется картина «Гумно».

Какую ни возьми книгу по искусству, непременно встретишь в ней французское слово «жанр». Это понятие рассматривается как объединяющее, т. е. оно связывает воедино произведения, имеющие сходную тематику: пейзажи, портреты, сюжетные работы, натюрморты и т. д.

Создавая «Гумно», Венецианов долго не мог найти правильного сочетания цветов. Сделав несколько неудачных попыток, он решает убрать одну стену сарая, чтобы с наибольшей силой передать освещение. Это ему удается. Следом за «Гумном» появляются и другие картины на крестьянскую тему. В числе них и наиболее известная его картина «Жнецы», которую считают парным портретом крестьянской семьи: матери Анны Степановой и ее сына Захара.

Приступая к работе над очередной картиной, художник всегда писал только с натуры, делая героями простых русских крестьян и окружающую его северную природу. Он одним из первых из среды художников отказался от правил письма, принятых в академии (от копирования произведений мастеров прошлого), и осознал, что лучшим учителем живописца может быть только живая природа.

Приступая к написанию портрета «Захарка», художник избрал моделью сельского мальчика, сына Федула и Анны Степановых, живших в том же самом селе Сафонково. За плечом у мальчугана настоящий топор, на голове привычная для крестьянских мальчишек кепка. Но все это лишь дополнение к образу, главное в произведении – выражение лица мальчика, его глаза, изгиб губ. Через них художник нес зрителю главную мысль. Вполне возможно, что этот мальчуган входил в число его «учеников», т. е. детей, которые часто жили у художника в доме и которых он знакомил с правилами живописного письма.

На уроке могут быть использованы репродукции следующих картин Венецианова: «Гумно», «Жнецы», «Спящий пастушок», «На пашне», «Захарка», «Крестьянские дети в поле», «Утро помещицы», «Крестьянский мальчик, надевающий лапти», «Крестьянка с васильками», «Старая крестьянка с клюкой», «Автопортрет».

Через картины Венецианова до нас доходит вся поэзия русской деревни, ее природы, некоего умиротворенного спокойствия и тишины. Оттого, находясь рядом, читать хочется что-то очень близкое, родное по духу, вышедшее из этой же самой среды, такое, как в стихах Есенина. И действительно, у этого автора очень много чистых лирических строк, словно написанных под действием картин Венецианова. Стоит попробовать их совместить.

Художнику Алексею Гавриловичу Венецианову довелось жить в пушкинскую эпоху, а потому наилучшими произведениями к его картинам будут стихи и проза этого мастера живописного слова. Так, можно использовать на уроке следующее стихотворение, очень точно передающее стремления художника и привлекающие его темы:

 
Иные нужны мне картины:
Люблю песчаный косогор,
Перед избушкой две рябины,
Калитку, сломанный забор,
На небе серенькие тучи,
Перед гумном соломы кучи —
Да пруд под сенью ив густых,
Раздолье уток молодых…
 

К такому полотну, как «На пашне. Весна», можно использовать отрывок из «Евгения Онегина» А. С. Пушкина:

 
Улыбкой ясною природа
Сквозь сон встречает утро года;
Синея, блещут небеса,
Еще прозрачные, леса
Как будто пухом зеленеют,
Пчела за данью полевой
Летит из кельи восковой.