Текст книги "Искусство в лицах: портреты эпох от первобытных времен до наших дней"

Кикладский идол

Кикладский идол был найден на территории Кикладского архипелага в Эгейском море.

Ещё во II тысячелетии до н. э. в Эгейском море на островах Киклады существовала цивилизация, и от неё до нас дошли произведения искусства. Живопись и памятники архитектуры не сохранились, остались только небольшие статуэтки – так называемая мелкая пластика, но и по ней мы можем судить о том, насколько эта цивилизация была развита. Эти антропоморфные фигурки выполнены из местных залежей мрамора, размером они около тринадцати сантиметров. Это абсолютно схематичное изображение головы человека или фигура в полный рост (рис. 27).

Рис. 27. Кикладский идол. Ок. 2700–2400 гг. до н. э.

Кикладские идолы являются наиболее яркими памятниками этого периода. Найдено их было очень много, все они похожи друг на друга своими аскетичными формами и датируются примерно III–II тыс. до н. э.

Если идол изображён в полный рост, у него всегда скрещены руки на груди. Вероятно, статуэтки были раскрашены, но со временем красочный декор был утрачен. Мы точно не знаем, с какой целью они создавались, возможно и скорее всего, они имели какой-то ритуальный характер, так как большинство кикладских идолов были найдены в гробницах.

Кикладские идолы послужили источником вдохновением для художников начала XX века. Такие мастера, как Бранкузи, Модильяни, Пикассо восприняли аскетичные формы кикладского искусства и неоднократно воспроизводили их в своих творениях.

Три жрицы из Кносского дворца

Эта фреска (рис. 28) с острова Крит была найдена и восстановлена в начале XX века английским историком и археологом Артуром Джоном Эвансом. Именно он был первооткрывателем минойской цивилизации. Минойской она называется по имени царя Миноса, который жил на Крите в городе-дворце Кносс.

Перед нами три молодые прекрасные девушки, они показаны в профиль, но глаз изображён как будто анфас – мы уже видели такой приём в искусстве Древнего Египта, но критские изображения выглядят более живыми. И здесь, на Крите, он повторяется не раз. Критяне были знакомы с культурой Египта, так как поддерживали с ним торговые отношения. И Минойская цивилизация испытала сильное влияние Древнего Востока.

На первый взгляд может показаться, что на фреске одно и то же лицо повторяется три раза, но, если внимательно присмотреться, мы понимаем, что это три разные девушки.

Рис. 28. Три жрицы, Кносский дворец. Сер. 2 тыс. до н. э.

Густые волосы жриц украшают нити жемчуга, они убраны в аккуратные и красивые причёски со спадающими чёрными локонами. Запястья и грудь девушек украшены тонкими нитями, возможно, сплетёнными из камней и крошечных бутонов цветов. Из археологических раскопок мы знаем, что именно такие бусы носили минойские жрицы.

При ближайшем рассмотрении становится понятно, что от первоначальной фрески осталось несколько кусочков. Как и многие другие фрески из Кносского дворца, «Три жрицы с воздетыми руками» восстановлены, а точнее – даже реконструированы по похожим мотивам росписей этого периода.

Жрицы были достаточно распространённым сюжетом в греческом искусстве, он встречается повсюду, от настенных росписей до вазописи. Позднее в искусстве Древнего Рима нам снова встретится похожий сюжет в помпейских росписях – «Хариты», они же «Три грации», фреска из древнеримского города Помпеи.

На острове Крит женщина играла ведущую роль, так как она отвечала за продолжение рода. Жители Крита ни с кем не воевали, вполне понятно почему – попробуйте сначала доплыть до острова, это сделать не так просто, как сегодня. Люди жили спокойно, общество острова Крит было счастливым и свободным. И таким же было их искусство, на критских фресках мы никогда не встречаем хоть сколько-нибудь жестоких сцен. Позднее, когда центр культуры с Крита переместится на материковую часть Греции и начнутся бесконечные войны, женщина (и в искусстве тоже) отойдёт на второй план, так как мужчина станет её защитником. Главная роль будет отдана мужчине вплоть до второй половины ХХ века.

На Крите существовал не один Кносский дворец, городов-дворцов на острове было целых пять. Каждый город – отдельное государство, со своей армией и флотом.

Но именно Кносс во времена своего величия был одним из самых влиятельных городов во всём Средиземноморье. Он занимал огромную территорию, дворец насчитывал более тысячи комнат, а население города в разное время составляло от шестидесяти до девяноста тысяч человек.

Для сравнения, это население подмосковной Лобни или Гатчины под Санкт-Петербургом. Дворец состоял из многочисленных построек различного назначения – тронный зал, жилые комнаты и помещения для отправления культа, давильни для масла, комнаты для хранения зерна, мастерские скульпторов и горшечников, многочисленные коридоры, лестницы и террасы. Население прирастало, и дворец обрастал новыми постройками, которые доходили до четырех этажей. В Кноссе был достаточно высокий уровень жизни, при раскопках были найдены остатки водопровода и канализации. А стены дворца были расписаны яркими позитивными фресками.

Ваза с осьминогом

Одним из самых знаменитых и совершенных примеров критской вазописи является глиняная ваза с изображением осьминога (рис. 29). Мастер с острова Крит расположил осьминога таким образом, что у нас создаётся впечатление, будто это не рисунок, а живое существо, которое поместили внутрь сосуда. Щупальца осьминога расходятся в разные стороны и заполняют всю его поверхность, словно осьминог пытается выбраться из заточения. Но и между щупальцами художник не оставляет пустот – всё пространство заполнено изображениями водорослей и морских ежей. Имя мастера неизвестно, но мы знаем, что ваза с осьминогом была создана в XVI веке до н. э. на острове Крит.

Рис. 29. Ваза с осьминогом в морском стиле. 1500–1450 гг. до н. э.

Критяне были мореплавателями, они вдохновлялись тем, что их окружало. Для жителей Крита морские обитатели были частью их повседневности. Крит окружают толщи солёной воды, в которой живут многочисленные рыбы, дельфины, морские ежи, водоросли, кораллы… И, конечно, морская флора и фауна на протяжении столетий отражались в искусстве.

В Кносском дворце есть знаменитая фреска с дельфинами (рис. 30), на ней кроме плавающих голубых дельфинов мы снова видим морских ежей и рыб разных цветов и размеров.

Рис. 30. Фрески с изображением дельфинов, Кносский дворец. 1600–1450 гг. до н. э.

Вазы с изображением морских животных, в том числе «Ваза с осьминогами», искусствоведами выделены в отдельный стиль критской вазописи, он так и называется – «морской». И это неудивительно: художники изображали то, что их окружало, то, что они видели каждый день. Они обращались за вдохновением к природе, это подтверждает второй стиль критской вазописи – «камарес»[4]4
  Камарес (греч. – пещера) – стиль росписи древнегреческих ваз или другой керамики, характеризующийся растительным повторяющимся орнаментом (спирали, листья, бутоны, пальметты и т. д.). Название стилю дано в честь поселения, возле которого нашли наиболее яркие образцы подобной керамики.


[Закрыть], на вазах которого нам встречается растительный орнамент (рис. 31). И это не всегда какой-то конкретный вид растений, зачастую на вазах камарес изображены абсолютно фантазийные листья и цветы, а одним из любимых мотивов являлась пальмовая ветвь. Оба стиля, и «морской», и «камарес», совершенны в своей простоте, в дальнейшем греческая вазопись уйдёт далеко вперёд, но сосуды с острова Крит имеют своё особое очарование.

Рис. 31. Амфора камарес из Кносского дворца. 1800–1700 гг. до н. э.

Критская цивилизация угасла не из-за войны или нашествия других народов, а из-за ужасной природной катастрофы. На соседнем острове Фера (сейчас это остров Санторини) произошло извержение вулкана, которое привело к цунами. Пепел от вулкана долетал до Египта, а гигантской волной смыло всё северное побережье Крита, в том числе и Кносский дворец.

К сожалению, жители Крита к моменту цунами не успели собрать урожай, и те, кому посчастливилось выжить, остались без пропитания. Цунами и вулканический пепел нанесли непоправимый урон рыболовству и морской торговле, и постепенно город-дворец Кносс, как и другие города на Крите, стал угасать, с материковой части Греции приплывали принцы, женились на критских жрицах, и две культуры органично смешались друг с другом. Однако центр культуры навсегда переместился на материк.

Маска Агамемнона

Во второй половине XIX века золотую маску Агамемнона (рис. 32) раскопал легендарный археолог-самоучка Генрих Шлиман. Точнее, Шлиман думал, что нашёл погребальную маску микенского царя Агамемнона, но оказалось, маска является более древней и датируется серединой II тысячелетия до н. э. Тем не менее название закрепилось. Погребальная маска создавалась из тончайших золотых листов, черты лица прорисовывались острым инструментом, а возле ушей через отверстия продевали нить, с помощью которой маску фиксировали на лице покойного.

Рис. 32. Золотая маска Агамемнона. 1550–1500 гг до н. э.

Золотая погребальная маска была обнаружена в городе Микены, в так называемых микенских гробницах. В каждой из гробниц было захоронено от трёх до пяти человек, головы женщин венчали золотые диадемы, а на лица мужчин были положены маски, самая знаменитая из которых и получила название в честь героя «Илиады». Также в гробницах было найдено большое количество ювелирных изделий и оружия, украшенного серебром и золотом. Не зря Гомер в своей поэме «Илиада» называл Микены «златообильными»[5]5
«Рати молились и длани к бессмертным горе воздевали;Так не один говорил, на пространное небо взирая:“Даруй, о Зевс! да падет на Аякса, или Диомеда,Иль на царя самого многозлатой Микены, Атрида”.»Гомер. Илиада и Одиссея / пер. И. Гнедича. – М.: Художественная литература, 1967.

[Закрыть].

В XIII веке до н. э. Микены были сильнейшим государством на материковой части Греции. Именно микенцы приплывали на остров Крит после извержения вулкана и цунами, чтобы жениться на местных жрицах.

Микены – город на материке, который постоянно подвергался набегам. Там жил совершенно другой народ, они кардинально отличались от свободных и открытых жителей Крита. Его жителям постоянно приходилось защищаться и воевать, вот тут-то главенствующая роль женщины на тысячелетия отходит мужчине. Микены стояли на холме, окружённые шестиметровыми стенами, а искусство было такое же суровое, как и жители города. Такая защита была необходима: войны длились годами, жители постоянно подвергались набегам племён с севера. Именно эти северные племена, которые находились на гораздо более низком уровне развития, захватят территорию и вытеснят более развитую микенскую культуру. То есть греки не исконные жители этой земли, они пришли с севера из-за Балкан, откуда точно – неизвестно, примерно в XI веке до н. э.

После прихода северных племён на территорию Греции на целых триста лет (с XI до VIII века до н. э.) наступят Тёмные века, или так называемая Гомеровская эпоха.

Тёмные, потому что мы почти ничего не знаем об этом времени: общий уровень культуры упал настолько, что была утрачена письменность и забыта фреска. Несмотря на мощный упадок, продолжали строить храмы, но они, как и скульптура, были деревянными и поэтому не сохранились до наших дней. А Гомеровской называют потому, что основным письменным источником об этой эпохе служат поэмы Гомера «Илиада» и «Одиссея», они были записаны позднее, но слагались на протяжении столетий, и время действия в поэмах как раз совпадает с Тёмными веками. Из «Илиады» мы знаем о Троянской войне, и тот самый археолог-самоучка Генрих Шлиман своими раскопками Трои и Микен доказал, что Троя – это не вымысел, как считалось много веков подряд. Именно микенцы во главе с правителем Агамемноном начали войну против Трои. Но как мы теперь знаем, золотая погребальная маска принадлежит не Агамемнону, а, вероятно, какому-то микенскому правителю, жившему на триста лет раньше.

Древнюю Грецию и правда можно назвать колыбелью европейской цивилизации. Но и у знакомого нам греческого искусства было богатое художественное предисловие – крито-микенская культура. Это то, что непосредственно предшествовало искусству Древней Греции и повлияло на него.

Курос и кора

«Курос» в переводе с древнегреческого означает «юноша», «атлет». Это слово применялось к молодым безбородым юношам, уже не детям, но ещё и не мужчинам. Руки куроса прижаты к телу, ладони сжаты в кулаки.

Курос словно пытается сделать шаг, скульптор тем самым хочет показать движение, но фигура всё ещё достаточно статична (рис. 33). Здесь чувствуется влияние Египта. На лице атлета почти всегда присутствует застывшая «архаическая улыбка». С помощью неё греческий мастер пытается оживить статую, раскрыть эмоцию, но пока это получается не очень правдоподобно.

Сама эпоха, в которую создавались такие статуи, называется греческая архаика, началась она после Гомеровской эпохи и длилась два века – с VII по VI в. до н. э. И именно с Архаической эпохи начинается привычное нам греческое искусство.

Архаический курос всегда обнажён, в Греции нагота не считалась постыдной или неприличной, она лишь подчёркивала идеальное красивое здоровое тело, а значит, и совершенство духа. Для греков эти понятия были взаимосвязаны, и всем знакомая поговорка «в здоровом теле здоровый дух» была для них не пустым словом. Такое почтительное отношение к телу сохранится на протяжении всей истории греческой культуры.

Изначально куросы устанавливались в качестве надгробия на могилах богатых аристократов. Позднее в виде куроса могли изображать победителей Олимпийских игр, героев, воинов или богов, считается, что изображение куроса отсылает к образу Аполлона. В греческом искусстве на долгое время установится излюбленный образ – прекрасный юноша или мужчина, обязательно с идеальными пропорциями тела.

Кора – это женский вариант куроса. Но в отличие от обнажённого юноши, женская статуя всегда изображается в традиционной греческой одежде (рис. 34). Если работая над куросом, мастер мог показать своё владение анатомией, то создавая кору, скульптор совершенствовался в изваянии ткани, ниспадающей по женскому телу. Руки коры так же прижаты к туловищу, фигура нам кажется неподвижной, на лице, как правило, та же застывшая «архаическая улыбка», но всё же, в отличие от куросов, коры иногда изображались и без неё.

Впрочем, в эпоху архаики мы встречаем улыбку практически на каждой статуе, даже если это абсолютно противоречит сюжету – она присутствует на лице умирающего воина или в сцене убийства, причём у всех участников действия (рис. 35).

Как и куросов, кор могли ставить на могилы умерших или посвящать в виде подношения каким-либо божествам. Но ни те, ни другие никогда не имели портретного сходства с конкретным человеком.

Самое большое количество кор было найдено при раскопках на афинском Акрополе в 1885–1890 годах: когда-то богатые эллины преподносили кор в подарок богине Афине.

Рис. 33. Курос. Ок. 560–550 гг. до н. э.

Рис. 34. Кора. Ок. 530 г. до н. э.

Рис. 35. Метопа «Убийство Медузы Персеем». 540–510 гг. до н. э.

Удивительно, но все древнегреческие статуи, в том числе куросы и коры, были расписаны. Они не были монохромными, как мы это видим сейчас в музеях и как считалось долгое время. Самим грекам не показались бы красивыми белые безжизненные мраморные статуи, несмотря на то что для нас идеальное греческое искусство как раз монохромно.

Скульптура в Древней Греции была расписана ярко, на многих статуях сохранились следы красок, которые имитировали орнамент на тканях, подчёркивали цвет волос и кожи, глаза часто не просто раскрашивали, а инкрустировали камнем, как древние египтяне и шумеры.

И коры, и куросы нам отчётливо напоминают скульптуру Древнего Египта, мы видим не только такие же позы, но и восточные прически. И действительно, в эпоху архаики древнегреческое искусство всё ещё испытывало влияние Египта. Пройдёт ещё немного времени – и скульптура Древней Греции уйдёт далеко вперёд, создавая всё более и более натуралистичные образы.

Криофор

В переводе с древнегреческого криофор означает «несущий барана». И перед нами и правда молодой юноша, который на своих плечах несёт барашка для жертвоприношения (рис. 36).

Жертвоприношение было очень важным моментом в жизни каждого грека. Греки были уверены – для того, чтобы бог помогал во всех делах, нужно с богом делиться, а жертва – это как раз угощение для бога.

С богом делились всегда, когда собирали урожай, – первые колосья приносили богу; перед каждым пиром нужно было обязательно плеснуть вино на землю – для бога. Мясо эллины ели не часто, но и в этом случае первым делом нужно было поделиться с богом и обязательно угостить жрецов и служителей храма.

Безбородый юноша с восточной причёской и всё той же архаической улыбкой символизирует бога Гермеса, который по легенде спас древнегреческий город от чумы, пронеся на своих плечах барашка вокруг городских стен. Было ли это на самом деле или нет, мы никогда не узнаем. Но мы знаем наверняка, что именно образ криофора повлиял на создание раннехристианского образа Доброго пастыря, который достаточно часто использовался в период формирования христианской иконографии. Зачастую сложно отличить языческое изображение криофора от христианского Доброго пастыря, настолько эти два образа бывают похожи друг на друга.

Рис. 36. Криофор. V в. до н. э.

Несмотря на пример с криофором, в целом в древнегреческом искусстве не так часто встречаются образы с животными.

Художники и скульпторы предпочитали обращаться к образу человека и бесконечно его совершенствовали. Для греческого скульптора образ человека остаётся главным на протяжении всей истории Эллады.

Рис. 37. Дельфийский возничий. Ок. 478 г. до н. э.

Именно в эпоху архаики греческий народ осознаёт себя как единое целое, греки понимают, что имеют один язык, общие ритуалы и одинаковых божеств. До этого периода разрозненные города-полисы вели друг с другом бесконечные войны. И именно в эпоху архаики в искусстве создаётся и закладывается всё то, что потом будет развиваться в следующую эпоху, так хорошо знакомую всем нам, – эпоху Классической Греции.

Дельфийский возничий

Эту статую нашли в конце XIX века, в 1896 году, в святилище Аполлона в Дельфах. Когда-то это была не просто статуя (рис. 37), а целая скульптурная группа, в которую входил сам возничий, выполненный в человеческий рост, колесница, запряжённая квадригой[6]6
  Квадрига – античная двухколёсная колесница, запряжённая в один ряд четвёркой лошадей.


[Закрыть] коней, и стоящий рядом мальчик-слуга. В отличие от прекрасно сохранившегося возницы, от мальчика, колесницы и лошадей сохранились только фрагменты, но мы можем себе представить, как красиво выглядело всё вместе (рис. 38).

В Древней Греции гонки на колесницах были излюбленным спортивным состязанием на Олимпийских играх, рассказ о колесничных бегах мы встречаем уже в «Илиаде» Гомера. Впоследствии колесничные гонки будут устраивать в Древнем Риме и в Византийской империи. Это было весьма захватывающее зрелище, хотя зачастую оборачивалось смертельным исходом для участников – самих возничих.

«Дельфийский возничий» относится к периоду ранней классики. Именно в классический период скульптура становится ведущим видом искусства, передача тела всё более и более правдоподобна, начиная с ранней классики, мастера обращаются не к мифам, а к реальной современной жизни.

Фигура возничего достаточно статична, её форма ещё не до конца освободилась от архаической застылости. Тяжёлые складки одежды делают возничего похожим на греческую колонну. Фигура спокойна и неподвижна, но всё же с архаическим куросом не сравнить – возничий выглядит гораздо реалистичнее, а на его идеальном лице уже нет архаической улыбки.

Рис. 38. Дельфийский возничий. 478 г. до н. э. (реконструкция).

Рис. 39. Дельфийский возничий (фрагмент). Ок. 478 г. до н. э.

Возничий словно смотрит на нас ожившим взглядом (рис. 39), такой эффект создаёт инкрустация глаз камнем, а его губы и орнамент повязки на голове были проложены серебром. Статуя возничего ценна ещё и тем, что это бронзовый оригинал, которых сохранилось не так много. В основном греческие статуи до нас дошли только в римских копиях, которые не всегда отличались высоким качеством.

Дорифор

Скульптура копьеносца, она же Дорифор (рис. 40), в оригинале не сохранилась, но до нас дошли её многочисленные копии. Дорифор относится к эпохе высокой классики, именно в этот период создавались образцовые шедевры, которым подражали художники Древнего Рима, эпохи Возрождения, классицизма и неоклассицизма. Да и в XX и XXI веках художники, скульпторы и архитекторы регулярно обращаются к классическим древнегреческим творениям.

Один из великих скульпторов классической эпохи Поликлет изобразил обнажённого атлета с идеальными пропорциями. Дорифор – это не какой-то конкретный человек, атлет или воин, скульптора интересовала задача изображения идеального атлетического тела. Искусство Поликлета лишено какой-либо эмоциональности, ему важно не столько содержание, сколько форма, возможно поэтому его работы нередко похожи друг на друга. Поликлет находился в поиске идеальной формы, идеальных пропорций, благодаря чему он создал прославивший его трактат «Канон». Статуя Дорифор (копьеносец) является воплощением этого трактата. В «Каноне» скульптор устанавливает совершенные пропорции тела, к которым до сих пор обращаются художники по всему миру. Путешествуя по Греции, Поликлету пришлось осмотреть и зарисовать значительное количество самых красивых атлетов.

После чего мастер пришёл к выводу, что в идеальном теле голова является одной восьмой высоты всей фигуры, лицо и кисть руки – одной десятой, а ступня одной шестой и т. д. Для каждой части тела есть другая для возможности определения идеальных пропорций. Кисть можно измерить фалангами пальцев, руку – кистью и т. д. Также Поликлет установил идеальные пропорции для человеческого лица, которое должно иметь три равные части – лоб, нос и губы с подбородком.

Рис. 40. Поликлет, Дорифор. 450–440 гг. до н. э.

Для эллинов идеальные пропорции тела – это не просто красиво, это воплощение гармонии и величия, жители Древней Греции преклонялись перед красотой и были убеждены: внешность – это отражение внутреннего и в человеке всё должно быть прекрасно.

В Дорифоре мы видим не только идеальные пропорции, которые, кстати, еще в античную эпоху считались приземистыми и тяжеловесными, античные критики и вовсе называли статуи Поликлета «квадратными». В Дорифоре мы видим такой важный приём как контрапост[7]7
  Контрапост (от итал. – «противоположность»; он же – хиазм, от греч. «уподобление букве X») – способ изображения фигуры в пространстве, при котором тазовый и плечевой пояса расположены контрастно друг другу.


[Закрыть]. Копьеносец словно делает шаг нам навстречу, мы не можем сразу понять, стоит он или идёт. Тело атлета изображено в движении. Поликлет ставил перед собой именно такую задачу – изобразить движение в состоянии покоя. Это и было достигнуто благодаря контрапосту. Что же это такое? Контрапост – это приём изображения тела человека, при котором левая сторона тела противопоставлена правой: опирающейся, напряжённой правой ноге соответствует свободно свисающая правая рука, а свободной левой ноге – напряжённо согнутая левая рука.

Поликлет не открыл этот приём, скульпторы применяли контрапост и до Дорифора. Но в своём «Каноне» Поликлет объяснял им проблемы движения и провозгласил контрапост необходимой частью красоты.