Текст книги "Звукорежиссер души. Полный музыкальный продакшен самостоятельно от и до"

Музыкальное время

Замечали когда-нибудь, что слушаете минутный трек, а кажется, что прошла целая вечность? Или наоборот: побывали на большом концерте, а ощущение, что время пролетело незаметно!

Музыкальное время – феномен искусства. Оно будто меняет рамки реальности, заставляя обычное время течь иначе. Музыкальное время не равно времени физическому. И эта магия – одна из причин, побуждающих людей слушать музыку снова и снова.

Обычное время измеряется часами, секундами и т. п. Для музыкального времени эти единицы неактуальны, ведь оно идет в другом ритме. Его единица измерения – плотность событий.

Плотность событий – количество происходящего в музыке в отрезок времени. Величина относительная, но ее все чувствуют.

Пример: вот ваш трек, включите только бочку. Время пошло с определенной скоростью. Добавьте рабочий барабан. Чувствуете ускорение? Количество ударов в такте стало больше, а время плотнее. Теперь включите хэт, и время станет еще быстрее, ведь он играет еще чаще.

События происходят не только в ритм-секции, а в каждой группе инструментов. Все они измеряются по горизонтали, то есть в отрезке времени, а не по вертикали – по количеству звуков одновременно. Чем больше плотность событий в музыке, тем быстрее идет музыкальное время.

Самый плотный по событиям фрагмент произведения – кульминация. Весь трек постепенно растет и развивается, музыкальное время ускоряется по ходу к кульминации. А в ней происходят максимальное количество событий и максимальное ускорение. После чего время может либо резко останавливаться, когда произведение заканчивается на обрыве, либо плавно замедляться кодой и уменьшением плотности событий.

Стереотип восприятия: время идет вперед. Если в вашем треке время постоянно тормозится, события не развиваются, в кульминации мала их плотность или они сменяют друг друга нелогично – слушателю будет сложно «жить» в таком времени. А значит, есть вероятность, что ему просто не понравится.

Проверь себя по форме

Составьте себе список, какой инструмент в какую группу входит в вашем треке, и распишите, что с каждым из них происходит в каждой части композиции.

Форма – примерно как лестница: ступени вверх до кульминации и вниз после нее.

На «ступеньках вверх» запишите, как развивается каждая группа инструментов. На «ступенях вниз» – как они упрощаются или, возможно, исчезают (частично или целиком).

Самые яркие по силе воздействия на слушателя изменения будут в основных группах (это все, что не орнамент). А в этих группах – у инструментов, дающих основной тон всей композиции (в группе гармонии, например, это бас).

Пример: если убрать всю группу гармонии, это будет заметнее, чем устранение всей группы орнамента. Или: в ритм-секции более ярко выглядит отключение бочки и малого барабана, нежели хэта.

Такая визуализация наглядно покажет, живет ли ваш трек, двигается или стоит на месте. Трек как поезд: если состав едет, то едут и вагоны, и пассажиры в них. В музыке так же! Если вы хотите дать ей жизни, надо, чтобы каждая ее составная часть «дышала».

Конечно, все это относительно, и в каждом треке своя вселенная – с этим ничего не поделать. И тот, кто хочет получить некие абсолютные правила создания и обработки музыки, обеспечивающие стопроцентный успех, проиграет. Потому что, несмотря на более-менее точные законы восприятия и акустики, мы не гвозди забиваем – мы делаем музыку.

Форма: тема

Тема – один из основных элементов трека. Ведь недаром говорят: «Мотивчик не выходит из головы». Это про нее, про тему! В английском языке для навязчивого мотива, крутящегося в голове, даже есть отдельное название – earworm, «червяк в ушах». Удачная тема обеспечит трек таким хуком, что автор, в свою очередь, может стать обеспеченным на всю оставшуюся жизнь человеком.

Разберемся, что такое коммерческая тема и какие черты дают ей потенциал «завируситься».

Тема – это мелодия, то есть одноголосное проведение (то, что можно пропеть). Несмотря на то что в авторском воплощении, как правило, тема дается на определенную гармонию, зачастую эта гармония может быть легко изменена. Пример тому – большое количество ремиксов и кавер-версий, в которых допускается значительная переработка. При этом переработанная версия произведения может стать не менее популярной, чем ее оригинал. Но при сильном изменении аранжировки, гармонии, темпа, как правило, именно наличие одинаковой, «нетронутой» темы позволяет нам понять, что речь идет об одной и той же композиции, помогает сохранить ее узнаваемость. Чаще всего для песни основной темой является мелодия припева. Однако не каждая мелодия может быть темой – для этого она должна обладать определенными характеристиками.

1. Лаконичность.

Тема не может длиться долго, иначе ее сложно будет запомнить. В среднем для популярной музыки это квадрат (4 или 8 тактов), максимум два. Для лучшей запоминаемости – это два квадрата повторного строения.

Повторное строение может означать как стопроцентное повторение первого фрагмента, включая мелодию (при этом текст тоже может быть повторен, а может быть изменен), так и повторение мелодии с небольшими изменениями.

2. Простота.

Сложная тема, которую человек сразу же не может начать повторять, напевая или насвистывая, имеет меньше шансов на успех. Насколько бы человек ни был далек от музыки, наверняка он узнает главный мотив первой части 5-й симфонии Бетховена, «как судьба стучится в дверь». Обратите внимание, насколько он прост и понятен как по своему строению (кстати, оно повторное), так и с точки зрения эмоционального посыла, близкого каждому.

3. Законченная мысль.

Тема – не импровизация. Импровизация имеет развивающий характер изложения и может продолжаться бесконечно. Тема же должна быть законченным высказыванием. Аналогия в тексте: тема – это предложение, в конце которого стоит точка, восклицание или вопрос, а не запятая или многоточие.

4. Оригинальность.

Чтобы человек из сотен треков запомнил именно ваш, его тема должна быть интересной. Здесь могут сыграть роль необычная мелодия, или странный тембр инструмента, или эффект. Может оказать воздействие и ритмичность, когда вам так и хочется подвигаться или пощелкать пальцами – как при звучании основной темы песни Hit the road Jack.

5. Новизна.

Новое – хорошо забытое старое. В идеале нужно соблюдать пропорции, чтобы люди находили в теме что-то им хорошо знакомое и уже любимое, но также и что-то новенькое (помните соотношение 3:1, о котором мы говорили в предыдущей главе?). Слишком избитый мотив навевает скуку или вызывает мысли о плагиате, а слишком непонятный в своей новизне и авангардности может шокировать, не будет запоминаться.

Форма: кульминация

Кульминация – самое насыщенное и яркое место произведения. В общем-то, это именно то, для чего все и затевалось, – здесь содержится основной смысл трека, его характер. Некоторые музыканты сравнивают кульминацию в музыке с венцом полового акта. Что ж, возможно, у них действительно есть общие черты.

Что ни говори, но треки (особенно песни), имеющие развитие по форме, а также свой пик развития – кульминацию, – выигрышнее воспринимаются, чем не имеющие оного. Конечно, как мы обсуждали выше, некоторым жанрам музыки не свойственно такое бурное развитие, что связано с их назначением. Я очень много беседовала с людьми и проводила публичные слушания большого количества треков неизвестных мне авторов, где все слушатели могли высказаться относительно каждой композиции. Это, разумеется, невозможно рассматривать как точное исследование, но тем не менее мой опыт показал, что даже в жанрах, где развитие органически не предполагается, люди были очень заинтересованы его услышать и обрадованы, когда оно было. Не говоря уже о популярных направлениях музыки – там слушатели были весьма строги к отсутствию разнообразия формы, и кульминации особенно.

В основе принципов успешной кульминации лежат все те же особенности восприятия, которые близки большинству людей.

1. Расположение кульминации во второй трети (или третьей четверти) произведения.

Мы ожидаем ее именно ближе к концу. Если вы врубите весь свой музыкальный инструментарий и покажете все свои козыри в начале, а во второй трети трека ничего не произойдет, слушатель просто скажет, что кульминации не было. И в литературе, и в кино, и в музыке мы ждем кульминацию именно там. Представьте себе фильм, где самое основное происходит в самом начале. Тогда что же будет дальше, если мы уже знаем все разгадки?

Делая слишком длинной коду (завершающий раздел произведения), вы отодвинете кульминацию ближе к середине, что тоже негативно скажется на восприятии. Все части трека для простоты его восприятия должны быть соразмерны. Таким образом, лучше, чтобы кода не превышала по своей длительности кульминационный раздел.

2. Лаконичность.

Как и любовный финал, кульминация не может длиться долго. Пытаясь растянуть момент, вы рискуете потерять внимание слушателя и снизить остроту ощущений. Здесь же можно упомянуть о том, что кульминация единична в одном произведении. Если вы запланируете, например, два или более разделов, где будут применены все средства музыкального развития по максимуму, слушатель не сможет определиться с тем, где же была кульминация. А слуховой опыт подсказывает ему, что она должна быть всего одна. В таком случае, вероятно, ваш слушатель либо скажет, что кульминации не было вовсе, либо не поймет авторской задумки.

3. Полный состав инструментов.

Чтобы кульминация выгодно отличалась от всех остальных частей трека, можно приберечь включение полного состава инструментов именно для этого небольшого раздела музыки. Это даст то ощущение насыщенности, которого мы ждем от кульминации.

4. Максимальная динамика.

Она достигается сама по себе, в том числе за счет состава инструментов. Но никто не отменял и автоматизации – прорисуйте увеличение громкостей именно в кульминации для тех инструментов, которые отвечают за полноту звука, и вы услышите качественный скачок в интенсивности восприятия.

5. Ускорение музыкального времени.

В кульминации плотность событий максимальна. То есть постепенно ускоряющееся музыкальное время приходит к самому плотному фрагменту композиции – кульминации. Затем в коде происходит его постепенное замедление к концу произведения. Но существует также вариант резко оборвать композицию и, исключив коду, закончить прямо на пике. Такой подход оставляет сильное впечатление и подходит не каждому треку.

При наличии коды важно не допускать уплотнения в ней музыкального времени – например, когда она начинается, инструментов становится меньше, вроде бы все успокаивается, но тут вводится какой-то новый инструмент. Усложнение состава инструментов здесь для слушателя означает какой-то новый виток композиции, и он будет весьма удивлен, что все вдруг закончилось.

6. Новая тема.

Наряду с многократно повторенными припевами в кульминации может заиграть совершенно новый материал, и это придаст ей более отчетливый характер. То есть можно ввести новый инструмент с новой темой на новую гармонию. Это будет максимально эффектно. Но такой максималистский подход не обязателен – можно, например, спеть некую вариацию на мотив припева, взяв его гармонию. Здесь возможны разные творческие комбинации, нужно пробовать!

Выбор инструментов

Меня часто спрашивают о подборе инструментов и звуков. Я поняла, что иногда мы не замечаем самых простых и основных вещей. На них и хочу сосредоточиться.

Нужно руководствоваться стилем музыки, в котором вы пишете трек. Например, бочки в трэпе и бочки в рок-музыке сильно отличаются. В трэпе – более низкие, матовые и более длинные. В роке – более жесткие, серединные и короткие. Если вы возьмете неподходящий звук в свой трек, то он может изначально звучать не совсем удачно.

Поэтому самое лучшее здесь – постоянно совершенствовать свой слуховой опыт, слушая разную музыку.

Если же говорить о подборе звуков в целом, то хочется упомянуть о принципе подобия и различия в следующих аспектах:

– По диапазону инструментов

На всякий случай напомню, что у каждого инструмента есть свой выигрышный диапазон. В библиотеках сэмплов и синтах порой вы можете играть звуком в любом регистре, но это не значит, что он будет хорошо звучать. Например, флейта в басу – это вряд ли ок.

Для баланса в аранжировке следует смотреть за тем, чтобы не было перевеса инструментов в ту или иную сторону по регистру. В значительной мере это зависит от состава партий, то есть если у вас их слишком много, то вам скорее придется от чего-то избавиться, чтобы не было никаких перевесов и сохранялась читаемость.

– По плавности/резкости звучания

Имеются в виду тембральные оттенки. Условно говоря, труба в форте звучит резко, а валторна – более матово. Синусоида дает плавный звук, пила – резкий. Для качественной аранжировки здесь также нужен баланс. Однако если есть желание не столько создать полновесный звук, сколько придать звучанию некий характер, то можно нарочно взять больше инструментов близкого окраса. Например, сочетание «Rhodes + 808 Clean + вибрафон» даст камерный, мягкий звук, «электрогитара + 808 с перегрузом + Brass» – большой, сильный саунд.

При этом нужно помнить, что применение одного типа саунда на протяжении длительного времени в треке, скорее всего, быстро надоест и будет восприниматься монотонно. Нужна грамотная комбинация по частям композиции.

– По быстроте атаки и релиза инструмента

Каждый инструмент природно имеет свое время атаки (разгона до максимальной амплитуды), которое в том числе связано с типом игры и умениями исполнителя. В библиотеках сэмплов мы можем встретить, например, разные скрипки. Тем, что атакуют медленно, не стоит доверять быстрые партии. Имеющим слишком долгое послезвучие (с медленным релизом) – тоже: будет каша.

Очень часто неверный выбор инструмента по атаке – релизу (несоответствие партии) становится проблемой всего трека, которая не может быть решена на этапе сведения. Ни один компрессор не сможет потом решить проблему чрезмерно долгого въезда вашей скрипки, если она тормозит изначально.

Однако оговорюсь, что все вышеописанное касается традиционных подходов к аранжировке. Если же вы пишете остро концептуальную музыку или считаете себя новатором, забейте на все и творите.

Саунд ритм-секции

Основа современного трека – партия ударных. Ее саунд может задать стиль всего трека. Когда я делаю аранжировку, один из первых вопросов, который я задаю клиенту: «Какие там должны быть барабаны?»

Звучание основы ритма (бочки, рабочего и хэта) как монолита также строится на двух противоположных друг другу принципах, в случае если вы работаете с разными библиотеками:

И снова принцип подобия

Выбор сходных (по ощущению) инструментов. Это не значит, что у вас все звуки должны быть с одинаковой эквализацией или с одним и тем же эффектом. Это сложно описать словами, но примерно как муж с женой, не являясь кровными родственниками, часто схожи внешне друг с другом, так и ваши бочка, рабочий и хэт должны пожениться! Ищем сходство в следующих моментах: по длительности звучания, размеру инструментов, по принадлежности к какому-либо стилю, по близости к слушателю. В этом смысле часто помогает использование лупов.

Луп (loop – петля) – фрагмент какой-либо партии, который можно закольцевать и проигрывать бесконечно. Я хочу поговорить именно про петли ударных.

Сейчас существует море библиотек, можно откопать лупы на любой вкус и стиль. Но чтобы применять их наиболее эффективно, подумаем о том, откуда же они взялись.

На заре хип-хоп-движения бодрые ребятки срезали с треков куски, где нет вокала, чтобы потом начитывать на них бодрый рэпчик. Эти фрагменты зацикливались – получалась петля барабанов, возможно, с примесью каких-то других звуков. Дело было давненько, уж лет 40–50 назад. Чем же так отличается та закольцованная ударка давних лет от того, что мы чаще всего имеем в проектах сегодня?

Тогда в треках больше использовались живые барабаны. А живая запись барабанов:

– сыграна одним человеком,

– на установке, в которой, естественно, звуки подходят друг другу,

– записана в одном помещении, с общими для всех звуков установки отражениями.

Поэтому звуки в лупе, срезанном с композиции с живыми барабанами, прекрасно сочетаются между собой по принципу подобия. Такой луп может использоваться как самостоятельная партия ударных, ибо он сам по себе хорош.

Сейчас мы встречаем много петель с синтетическими барабанами, но общий смысл лупа остался тем же: он может быть ритм-секцией без всяких дополнений.

Но, согласитесь, одна петля на весь трек – скучновато. Плюс, если вы захотите обработать лишь его часть, это сложно, ведь звуки там разделить проблематично. Хотя сейчас появились инструменты для анмиксинга треков (Unmixing – разделение готовой дорожки на составляющие по инструментам, например отделение голоса от минуса), и их можно найти даже в онлайн-формате на специальных сайтах или в продаже у популярных производителей плагинов (Izotope RX, Spectralayers), но эти способы все равно допускают определенные звуковые искажения или отделяют звуки недостаточно чисто.

Поэтому я вижу применение готовых петель как отличное дополнение к сделанной вручную основной ритм-секции (бочка, рабочий, хэт). Особенно если основу мы собрали из разных библиотек сэмплов. Какими бы хорошими ни были эти библиотеки, часто бывает так, что звуки плохо клеятся друг с другом в миксе. А бывает, что клеятся, но партия звучит пусто.

В этом случае простое «подмешивание» лупа к основной партии будет работать как клей. Можно подмешать его в такой пропорции, что отдельно он не слышен, но дополняет общее звучание барабанов.

Еще способ. Можно сильно обработать луп эквалайзером и компрессором и подмешать его к основной ритм-секции с большей интенсивностью. Так он придаст всей установке характер звучания, харизму. Ведь сейчас простые барабаны уже никого не удивляют! А можно вообще перегрузить луп, добавив брутальности треку.

И снова принцип различия

Противоположности притягиваются. Это не значит, что сейчас мы накидаем звуков без разбора – и получится бомбическое музло, нет. Смысл тут в сочетании инструментов, не просто непохожих, а кардинально разных! Их противостояние должно подчеркивать характерные элементы каждого – чтобы слушателю было понятно, что здесь автор специально заморочился с созданием интересного, необычного звука, а не просто не умеет подбирать инструменты. Это могут быть любые кричаще-необычные и даже абсурдные сочетания. Например, в голову приходит такое: бочка из хауса, джазовый райд и перегруженный рабочий. И тогда вопрос лишь в том, готовы ли вы совладать с энергией, заключенной в такой необычной ритм-секции, и донести до слушателя не бред сумасшедшего, а исключительно вменяемый, хоть и оригинальный материал. Конечно, здесь важен музыкальный контекст.

В треках Eminem частенько можно встретить перегруженную установку, что звучит весьма андеграундно и винтажно, но всегда ярко. Перегруз ударных – универсальный способ добавить индивидуальности своему треку, иногда с оттенком агрессии. Он может быть ярким, контрастным элементом при создании лирического трека, в оппозицию к нежному вокалу или фортепиано – это просто отличный пример контраста медленной романтической композиции с бушующим резким саундом перегруженного ритма.

Чтобы легко понимать, что является подобным, а что наоборот, нужно много слушать. Ни одна статья в мире не научит музыкальному многообразию, ни одни курсы не дадут исчерпывающих знаний. Музыки настолько много, что ее не опишешь в статьях даже за всю жизнь, и только сам для себя ты можешь решить и сделать выводы о том, что похоже, а что нет. Запомнить, какая бочка или партия хэта пишется в том или ином стиле, за тебя не сможет ни один преподаватель или видеоблогер.

Поэтому: слушаем, слушаем, слушаем.

Слушаем и анализируем

Было бы также неплохо знать историю, откуда что взялось. Это облегчает понимание многих вещей. Для меня ярким примером такого понимания стало знание о происхождении лупов, которое раскрыло сразу несколько сфер их применения, о чем я написала выше. А еще неплохой способ – представлять, как ваша установка выглядела бы вживую, какого размера в ней инструменты, где они находятся, как далеко от вас, как они расположены по отношению друг к другу. Пускай вы используете даже не существующие в реальности инструменты, все равно старайтесь их представить, хотя бы по расположению и примерному размеру. Ведь все, что кажется человеку естественным, воспринимается им благосклонно, а что нет – вызывает вопросы, на которые не всегда есть ответы, а значит, музыка может просто не понравиться.

Для классического House характерны сухие и близкие барабаны, расположенные по центру, с преобладанием в балансе бочки. Для Tropical или Deep House клэпы и перкуссия окрашиваются большими звучными пространствами. В House есть куча различных вариаций добавления акустической или электронной перкуссии к основной секции. А вот в трансовой музыке перкуссия применяется в меньшем количестве и менее ярко, что часто связано с быстротой темпа.

В роке, послушав хотя бы пятерку альбомов известных команд за последние 5–10 лет, можно заметить перекос не в пользу ритма, особенно в насыщенных моментах. Например, у Muse в классических рок-альбомах едва ли можно расслышать бочку. В альбоме U2 «Songs of Innocence» 2016 года – вообще не поддающийся рациональному объяснению баланс громкостей составных частей партий ударных (это сугубо мое личное мнение).

Но какими бы «кривыми» и странными ни были барабаны по звучанию, если они звучат у мэтров, то часто становятся эталонами, примерами для подражания и даже стилеобразующими компонентами музыки. Потому что они мэтры! А вот если у вас не слышно основу ритм-секции и вы при этом не всеми любимый мэтр, то это вряд ли вызовет положительные эмоции.

Сейчас главный враг барабанов любого стиля – громкость. Многие мечтают стать громче всех. Накачка громкости за счет перекомпрессии в большей степени вредит звуку. Здесь вдаваться в подробности не стану – оставлю для этого отдельную главу. А пока запомните: чем более насыщена музыка инструментами и обертонами, тем ужаснее страдания при ее пережатии для достижения наивысшей громкости.

Чем менее мейнстримовым и более концептуальным является музыкальное направление, тем извращеннее может быть саунд-дизайн его ритм-секции. Мы живем в век эклектики, и только очень консервативный или ленивый не попробовал эксперименты с саундом ритма разных стилей. Однако стоит помнить, что, ступая на витиеватую тропинку концептуальности, можно потерять основную массу слушателей, оставив в их числе только себя и маму.