Текст книги "Современное искусство. Как разбираться в том, что непонятно всем вокруг"

Реализм в искусстве?

Определений реализма существует примерно столько же, сколько определений того, что такое искусство. Нельзя однозначно обозначить те самые рамки, в которые реализм вписывается абсолютно точно, и те самые четкие критерии, как мы будем классифицировать и отделять с вами реалистическое произведение от нереалистического.

Определиться с тезисами, которыми мы можем руководствоваться при определении реализма, нам поможет взгляд в прошлое. Всегда, когда мы говорим об абсолютно любом искусстве, об искусстве античном, барочном, средневековом, отчасти об искусстве эпохи Возрождения, мы возвращаемся к введенному древними греками понятию мимесиса.

Мимесис – это подражание природе. От этого

подражания, казалось бы, и должен всегда

отталкиваться художник-реалист.

Это подражание достигается путем досконального изучения окружающего мира и детальной проработки полотна с целью как можно более достоверно скопировать природу. При этом важно, что художник стремится не превзойти ее, как это будет в академическом искусстве, вычурными, изящными деталями, добавленными от себя, из головы для идеализации, а именно подражать и копировать, уважать природу.

Но когда мы говорим с вами об отражении действительности, у человека ХХ века и у современного человека сразу же возникает огромное количество вопросов. Что же из себя представляет эта самая действительность? Что это такое? Это все, что нас окружает, или не все? Как работает наше восприятие окружающей реальности: исключаются ли из нее какие-либо предметы? Естественно, когда мы с вами вспоминаем о философском дискурсе, который во всем времена пытался осмыслить реальность, то, как человек соотносится с этой самой реальностью, как он ее понимает, и что конкретно мы подразумеваем под этими словами, мы с вами столкнемся с огромным количеством противоречащих друг другу идей.

Немецкий философ Георг Гегель[48]48
  Георг Вильгельм Фридрих Гегель (1770–1831) – немецкий философ, представитель немецкой классической философии, создатель систематической теории диалектики на основе объективного идеализма.


[Закрыть] писал, что реальность – это борьба абсолютированного духа за возможность самопознания. Таким образом, реальность превращается в процесс, который вечно находится в динамике, в движении. Самопознание и становление абсолютированного духа и духовности постоянно происходят. С другой стороны, можем взять и более материалистический взгляд, для которого каждый объект окружающего нас мира есть эта самая реальность. Сейчас, рассуждая уже с высоты XXI века, мы с вами прекрасно понимаем, что эту самую реальность каждый из нас воспринимает по-своему.

Таким образом, если реальность – это все, что предстает перед нашим естественным, невооруженным взглядом, как говорит нам философ, арт-критик и куратор Борис Гройс[49]49
  Борис Ефимович Гройс (1947 – наст. время) – советский и немецкий искусствовед, философ, писатель и публицист, славист. Профессор философии, теории искусства, медиаведения.


[Закрыть], то какую роль тогда играет наш субъективный взгляд при изображении этой реальности? Насколько мы можем допускать, что наше восприятие в какой-то момент времени не замылено некоторыми умозрительными или душевными концепциями, которые влияют ровно на все, что мы с вами воспринимаем и видим? Иными словами, можем ли мы быть уверены, что объективно воспринимаем этот мир и четко понимаем, что же такое эта самая реальность?

Это очень хороший вопрос, на который мы с вами, скорее всего, никогда не найдем ответа – уж слишком много вариантов того, как каждый из нас эту реальность трактует, воспринимает и как с ней взаимодействует. Но важно, что реализм может представлять из себя также воспроизведение усредненного, обыденного или же одновременно профанного взгляда на мир. Как будто бы в этом определении он старается быть некоторой универсальной истиной, научным или даже естественнонаучным знанием о мире, которое мы воспринимаем нашим несовершенным глазом.

Реализм в таком случае будет противопоставляться неоклассицизму, классицизму и академизму за счет того, что все обозначенные направления в искусстве используют идеальную модель, к которой стремятся. У них это модель возвышенная, безусловная, а вот реализм должен руководствоваться некоторой профанной, как будто бы низменной моделью окружающего мира.

Очень важно помнить, что реальность все-таки разделяет наше видение на две части: на то, что мы можем реализовать, и на чистую фантазию, которая не может быть реализована. Реализм в этом отношении тоже всегда будет двойственным. Мы всегда будем говорить о множестве реализмов, которые будут выражаться по-разному в зависимости от художника и эпохи, к которой он принадлежит хронологически.

Во вторую половину XIX века мы можем приравнять

реализм к психологизму, эмоциям, скрытым

желаниям, ощущению нереализованности,

что хорошо проявляется и в литературе,

и в живописи.

Это когда сталкиваются ожидания, фантазии человека о том, как должен вести себя по отношению к нему реальный мир, с тем, как он на самом деле себя ведет.

Я надеюсь, что я вас не запутала, а наоборот, помогла распутать клубок того, что же мы понимаем под реализмом, и на что следует обращать внимание. В заключение вводного слова о реализме хочется обозначить следующее. Реализм не равен натурализму, то же самое верно и в обратную сторону. Натурализм – это стремление к беспристрастной фотографической точности, сознательный отказ от украшений, анализа и обобщения социально-экономических проблем общества. А вот реализм в этом плане всегда насыщен субъективными переживаниями и отражением социальных и культурных особенностей времени. Иными словами, натурализм один, а реализмов много.

Когда мы с вами говорим о середине XIX века, реализм в этот период в основном связан с личностью Гюстава Курбе. Все потому, что другие частные и более ранние проявления реализма не воспринимались таковыми, так как ни один художник до этого еще не посвящал абсолютно всю свою творческую карьеру изображению современного мира. Естественно, проблески реализма и реалистические мотивы мы можем встретить у Диего Веласкеса, Рембрандта Харменса ван Рейна[50]50
  Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) – голландский художник, гравер, мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи.


[Закрыть] и прочих, но полный отказ от мифологических, аллегорических, иллюзорных и умозрительных сцен, характерных для академического искусства, было достижением непосредственно Гюстава Курбе. «К чему искать в мире то, чего в нем нет, и силой воображения менять то, что в нем есть?» – писал он. Тем самым Курбе порицал всех противоположно думающих художников, а их вокруг него было немало.

С одной стороны, реализм старается показать мир таким, какой он есть, несмотря на то, что не претендует на полную объективность, а с другой стороны, подрывает устои традиционного искусства. Ведь академические рамки приемлют только стремление к идеалу и соблюдение канона.

Для чего я привожу здесь это рассуждение? В первую очередь чтобы предостеречь от бездумного использования слов «реализм» и «реалистический». Есть мнение, что современное искусство совсем отдалилось от реальности, ушло за границы дозволенного, и каждый художник делает в нем только то, что хочет, ни на кого не оглядываясь. Несмотря на это, современное искусство так же, как и традиционное, развивается по четко установленным правилам, у него есть свой язык, который помогает вести интернациональный разговор без переводчиков и словарей.

Но прежде чем переходить к конкретным представителям современного искусства, давайте попробуем разобраться, что же такое искусство.

В чем связь традиционного и современного искусства?

У меня для вас сюрприз. Единого определения, что такое искусство, не существует. Каждая эпоха будет по-разному отвечать для себя на этот вопрос, а в современном научном дискурсе вы найдете не менее ста различных подходов. На какой же из них полагаться, чтобы отделить искусство от «неискусства», понять, какое произведение стоит нашего внимания, а какое – нет, что останется в истории искусств, а что не может быть туда вписано, так как в целом не отвечает этому определению? Все это открытые вопросы, на которые в большинстве можно ответить лишь ретроспективно, проанализировав огромное количество факторов.

Давайте поиграем с определениями. Я хочу предложить вам несколько вариантов, как определить для себя искусство, и дать критерии оценки произведений, которые вы встретите в музеях и на выставках.

Итак, вот некоторые из возможных определений искусства.

1. Искусство – это образное осмысление действительности и выражение этого осмысления в произведении.

2. Искусство – это особый вид творческой деятельности человека, при котором создаются образные и символические структуры, обладающие эстетическими, познавательными и коммуникативными функциями.

3. Искусство – это все, что осознанно создано человеком, но не имеет утилитарной функции.

4. Искусство – это то, что признано искусством художником и хотя бы еще одним человеком.

Все эти определения хороши, и мы можем добавить к ним огромный список других похожих и непохожих на приведенные, но от этого общая картина не становится для нас понятнее. В общем, мы говорим о переосмыслении действительности, о переработке художником впечатлений и событий от окружающей реальности, собственных мыслей об актуальных вопросах в некий объект. Это может быть живописное произведение, скульптура, арт-объект и многое другое.

Чтобы дать вам больше конкретики, поделюсь своим любимым определением: изобразительное искусство – это разговор человека с человеком на языке образов, о том, что невозможно выразить словами. Мне кажется, это определение наиболее полно раскрывает суть искусства и цель его создания художниками.

Давайте сразу договоримся: художник не передает нам эмоцию, переживание, состояние и т. д. Такую формулировку обычно используют для упрощения восприятия искусства, но мне кажется, она больше запутывает, чем дает полное представление о замысле художника. Также неверно утверждать, что художник нам с вами хочет что-то сказать. Ведь если бы он хотел именно сказать словами, то образы и произведения искусства ему бы не понадобились. Он бы использовал словесные конструкции. Тогда что делает художник? Создавая образ, он высказывает мысль, с помощью художественных приемов «кодирует» сообщение, основанное на индивидуальной интерпретации действительности и его субъективном опыте.

Важно помнить, что художники не работают по принципу «я художник, я так вижу». Видят они мир так же, как и другие люди. Другое дело, что на основе реальности они создают образы, которые передают определенный замысел, а для этого они используют, например, искажение натуры, деформацию композиции или привычных предметов, гипертрофируют цвет и т. д. То есть преобразуют форму, с помощью которой его мысль, высказанная в образе, будет читаема. Они не передают нам чувства или переживания, ведь художники прежде всего работают с материалами, техниками, подходами, которые помогают им создать образы, а образы в свою очередь могут провоцировать нас на эмоции или чувства. Но эти эмоции или чувства – это наша внутренняя работа и индивидуальная рефлексия на произведения, то есть это результат наших действий, а не художника. Какие же чувства и переживания изначально двигали художником, который создавал тот или иной образ, для нас никогда не станет очевидным, так как главное, по чему мы судим его произведение – удалось ли ему создать яркий, целостный и актуальный образ. А в душу художника мы при всем желании никогда проникнуть не можем. Да и, если честно, нам это не нужно, так как мы должны с вами судить о его искусстве по его работам.

Как мы с вами сейчас разобрали, искусство – это крайне широкое понятие с почти бесконечным числом переменных. Нам важно зафиксировать, что искусство – это, по сути, отдельный язык. Это язык художественных форм, который так же, как и любой человеческий язык, со временем менялся, дополнялся новыми понятиями и терминами, подвергался нещадному сокращению и выключению из активного словарного запаса многих слов, а также подходов к формулировке предложений и использованию его как способа коммуникации.

Иными словами, мы сейчас с вами не вставляем на постоянной основе в речь французские слова и выражения, как это делали русские аристократы в XVIII и XIX веках и нечасто используем такие слова, как «доколе», «невидаль», «мздоимство» и т. д. То есть мы, конечно, можем все это делать и сейчас, но вот поймут ли нас окружающие люди – вопрос, который остается открытым.

Говоря с современниками на языке другой эпохи,

мы сильно сужаем аудиторию, которая может

воспринять то, что мы говорим.

Например, поэтому я обращаюсь к вам простым разговорным языком, стараясь выстроить наиболее эффективную коммуникацию с помощью аналогий.

Этот тезис мы можем использовать, когда говорим о современном искусстве. Ругань, которая часто летит со стороны некоторых людей в современных художников, звучит примерно так: «А вот как Брюллов тебе, значит, написать слабо?». И подобные выпады хоть и звучат оправданно, на поверку оказываются нежизнеспособными. Представьте себе, что современный русский писатель напишет книгу на латыни. Или ведущий по телевизору вдруг станет говорить на не для всех понятном диалекте. Ровно то же происходит и в мире современного искусства, который отражает состояние нашего общества: у нас больше нет четкого разделения на массовое и элитарное, нет единой системы координат, в которой существовали бы все без исключения, нет единых ориентиров и единого понимания того, что правильно, а что нет. Поэтому искусство не может быть одинаковым и создаваться согласно единому подходу и правилам. Поэтому художники, как правило, используют современные материалы, обращаются к темам, которые волнуют нас именно сейчас, и все чаще уходят в виртуальное пространство, потому что бо́льшую часть своей жизни мы уже проводим там.

Но это не значит, что традиционные виды искусства и академический подход с его многовековыми правилами больше не работают. Как человек из академической среды ответственно заявляю: каждый год академические художники создают потрясающие произведения: с одной стороны, продолжая традиции сложившихся школ, а с другой стороны, привнося в них что-то новое, заявляя о своем индивидуальном стиле и развивая инновационный подход, который впитывает в себя современные веяния.

В общем разница между той ситуацией, в которой мы находимся сейчас, и той, которая была в искусстве двести лет назад, заключается в наличии бесконечного выбора. Как вы можете самостоятельно решить, что делать со своей жизнью, какую профессию осваивать, как организовывать быт и когда заводить детей (и заводить ли их вообще), так и современный художник может актуализировать историческое наследие и работать в традиционных техниках, творить в современном контексте и создавать сложно определяемые арт-объекты или реализовываться в видео-арте или перформансе. Количество вариантов, из которых мы можем выбирать, не значит, что мы «забыли свои корни» или «разучились создавать действительно значительные произведения». Это значит, что мир разросся настолько, что понимание искусства в прошлом никак не может быть применено к нашему пониманию искусства сейчас. А значит, нам стоит постоянно задаваться вопросами о значении искусства, которое соответствует нашему времени, и, если нам интересно, изучать его прежде, чем судить о нем. Ведь если мы просто наклеим ярлыки «это плохо, а вот раньше было хорошо», то далеко не уйдем. А если попытаемся разобраться, то хотя бы сделаем свою жизнь интереснее.

Хочу дать вам почти универсальную инструкцию, как проанализировать почти любое произведение искусства и разобраться, что оно может значить. Вы можете использовать ее для тренировки, чтобы этот процесс впоследствии происходил на автомате, но сразу оговорюсь: в научном сообществе нет единого метода анализа произведений. Есть разные методы и подходы к тому, на что больше следует обращать внимание, какие факторы учитывать. Схема, которую предлагаю вам я, – это компиляция разных подходов, которая лично мне нравится больше всего и которая поможет разобраться, что перед вами, без специальной профессиональной подготовки, и не претендуя на профессиональное исследование.

С чего начать анализ?

Контекст

Это практически самое важное, что мы должны учитывать. Даже если вам кажется, что само произведение гораздо важнее, я хочу вас разубедить. Ведь одно и то же высказывание, мысль, действие, произведение будет трактоваться абсолютно иначе в зависимости от обстоятельств, в которых были произведены или произнесены. Все обстоятельства создают контекст. Поэтому сначала мы всегда изучаем время, в которое было создано произведение, основные идеи и принципы этой эпохи, совершенные открытия, историю, философию, литературу, социальные и культурные проблемы, а также то, как был организован быт людей и какие проблемы заботили их больше всего.

Кажется, что это слишком большой массив данных, чтобы брать все это во внимание. И это так. После краткого знакомства со всем вышеперечисленным необходимо избирательно разобрать то, что получилось в итоге. Конечно, не на каждого человека, художника, произведение одни и те же события, открытия и общая атмосфера времени повлияли одинаковым образом.

Сделать выводы из изучения контекста, отмести

лишнее и оставить только значительное —

самая важная и сложная работа.

Но и она может происходить почти до бесконечности, потому что чем больше слоев с этой «луковицы смыслов» мы снимаем, чем больше интересных подробностей обнаруживаем, чем больше проникаемся атмосферой времени, тем больше можем в целом забыть о самой работе, которую хотели изучить.

Поэтому будьте аккуратными с этой частью, ведь изучая, например, Голландию XVII века и погружаясь в контекст, совсем необязательно рассматривать, что было в это время в России и в Японии. Хотя иногда очень хочется дать себе волю.

Мир искусства

Ни один художник не существует и не работает в вакууме. То, какое направление или стиль главенствуют в искусстве, как профессиональное сообщество относится к той или иной проблеме художественного мира, какие существуют тренды, и как работают художники, напрямую влияет на всех представителей сообщества. Безусловно, все это носит индивидуальный характер, но для того чтобы по-настоящему оценить значение того или иного художника и в целом его работ, обязательно надо проводить параллели и сравнивать.

Подобный анализ позволяет нам понять, насколько последовательно художник воспринимал моду, подчинялся ли он правилам главенствующего подхода к искусству или же, наоборот, разрабатывал собственную систему, обладал своими взглядами и шел против течения. Так мы сможем оценить его уникальность, обозначить его связи с современниками и обнаружить особенности творчества. Здесь у вас может возникнуть та же проблема, что и с анализом контекста. Если у вас на руках слишком много информации, скорее всего, это поможет вам меньше, чем если бы ее было совсем немного. Например, многочисленные воспоминания современников могут завести в тупик из-за разности мнений, субъективных оценок, а также искажения фактов, пропущенных через индивидуальную призму восприятия.

Также не стоит изучать всех-всех художников, которые работали в это время. Важнее всего очертить круг тех, кто находился с интересным нам художником в одном информационном и художественном поле: это его учителя, соученики, знакомые, те, кем он вдохновлялся и с кем общался. Из его окружения мы сможем узнать о его личности, сравнить достижения с работами современников и сделать выводы о том, чем он отличается и чем похож на них.

Этот же сравнительный анализ позволит нам изучить, какие темы исследовали его современники, каким сюжетам отдавали предпочтение, и какой вклад наш с вами условный мистер N, автор работы, которая нас интересует, вносил в развитие искусства. Иными словами, на этом этапе нам важно познакомиться с тем, как в его время идет развитие искусства, что на это влияет, и какие идеи витают в художественной среде.

Особенности творчества художника

Биография художника не приравнивается к его творческому пути. При изучении этого отсека информации будьте аккуратны: иногда за увлекательной жизнью художника прячутся истинные смыслы его произведений. Не все подробности этапов рождения, взросления и дальнейшей жизни мистера N будут для нас одинаково важны при анализе его работы. Но вот на что точно стоит обратить внимание: у кого он учился, кого копировал, каких мастеров изучал, в какой среде вращался, и как это сформировало его художественные вкусы. Если он соприкасался с другими культурами или изучал другие дисциплины, это тоже важно учесть. Конечно, на художника влияют и условия жизни, и политическая ситуация в стране и в мире, но главная задача – не дать детальную палитру всего, что когда-либо происходило с мастером, а именно подытожить, что повлияло на него больше всего и какое отражение эти идеи, приемы, символы нашли в его творчестве.

Справиться с этими выводами не всегда простая, но абсолютно выполнимая задача. Поэтому главная задача при знакомстве с мистером N – проанализировать его технику, различия между ранними работами и поздними, влиянию каких направлений художник подвергался и какие подходы к искусству изобретал, хотя иногда и так хочется просто изучить биографию замечательного человека.

Что изображено?

Какие персонажи перед нами, как они взаимодействуют, похоже ли это на какой-то сюжет, как они расположены. Для полного понимания, безусловно, нужно хорошо разбираться в литературе, библейских и мифологических сюжетах и иконографических принципах. Но если вы еще не успели досконально в этом разобраться, простое визуальное изучение работы может дать очень много полезной информации, так что не пренебрегайте им.

Как работает художник?

Что выделяет, что уводит на дальний план, использует ли достижения своего времени, средства художественной выразительности – все эти наблюдения помогут вам по-настоящему разобраться в особенностях работы, представленной перед вами. В данном блоке очевидно следующее: чем лучше вы понимаете, как технически работает художник (из каких материалов создана работа или объект, какие у них особенности и нюансы, как с ними работает художник, и как технически происходит процесс его работы), какие приемы он использует для создания композиции и на чем акцентирует ваше внимание, тем больше вы узнаете о работе и тем более свободно сможете проанализировать ее.

Как это действует на зрителя (на вас лично)?

Составить собственное впечатление – одно из самых важных действий при восприятии произведения искусства. Однако простого «мне это нравится» и «мне это не нравится», к сожалению, недостаточно, если вы хотите разбираться в искусстве и судить о нем на околопрофессиональном уровне. Стоит постараться аргументировать свою точку зрения и раздобыть как можно больше информации для того, чтобы сделать обоснованный вывод. Тогда значение каждой работы или объекта вы будете разгадывать практически как детектив – замысловатое преступление, а с каждым разом вам будет все интереснее и интереснее.

Что это значит?

На основе всей собранной информации сделайте вывод о значении и смысле работы. Это не значит, что вывод может быть только один. В любом случае, он может отличаться в зависимости от вашего опыта и изученных материалов. Однако обращу тут ваше внимание на то, что сделать вывод по изученному, прочитанному и воспринятому – это самый сложный навык, который стоит тренировать постоянно.