Текст книги "Искусство от А до Я. Просто о важном. Гид для тех, кто хочет разобраться в стилях, персоналиях и истории европейского искусства"

Венецианская живопись имела ряд отличий от флорентийской. В первой половине XV века на неё оказывал сильное воздействие византийский канон – многие византийские мастера жили и работали в Венеции. Отсюда обилие золота на многих картинах и фресках, как, например, «Алтарь Отцов Церкви» Антонио Виварини и Джованни д’Алеманья. Здесь общая любовь Кватроченто к декоративности и детализации дополняется присутствием золота – в деталях одежды, архитектуре и так далее. Безусловно, золото придавало произведению торжественности и праздничности. Эти настроения присущи венецианцам и искусству Венеции.

Венеция – солнечный город, стоящий на воде, наполненный солнечными бликами, отражениями, светом. Корабли регулярно уходили отсюда или возвращались, что всегда было поводом для праздника. Это один из богатейших городов Италии и Европы, город-республика, торговавший тканями, коврами и мехами. Именно сюда стекались товары с Востока и Запада. Эти обстоятельства ещё в XV веке заставили художников уделить особое внимание предметному миру в картинах.

К началу XVI века это внимание стало ещё более пристальным. Оно проявило себя в невероятной точности изображения фактур и передачи материалов. Портрет венецианского дожа работы Джованни Беллини – демонстрация и богатства Венецианской республики и умения художника работать с фактурами, передавать оттенки цвета и способности разных материалов по-разному отражать свет.

Именно цвет и свет станут главными в венецианском искусстве.

Непревзойдёнными мастерами XVI века, стоящими в одном ряду с Рафаэлем, были Джорджоне и Тициан.

Настроение в картинах, созданных Джорджо да Кастельфранко, известным как Джорджоне – полная противоположность героическому пафосу Микеланджело. Джорджоне – это спокойствие и нега, тихое наслаждение жизнью и единение с природой.

Его картина «Спящая Венера», после смерти художника дописанная его учениками, – это демонстрация смелости и широты взглядов жизнелюбивых венецианских мастеров.

В искусстве Ренессанса впервые появился образ богини, полностью лишённый мифологических черт.

Не зная названия, можно предположить, что перед нами обыкновенная женщина, которая нечаянно уснула на земле, облокотившись на скалу.

• Джорджоне важны не мифологические атрибуты богини или обстановка, а красота её обнажённого тела.

• От созерцания нас не отвлекают лишние детали и контекст, пейзаж нейтрален и сформирован теми же осторожными линиями, что и спящая.

• Очертания её фигуры плавные, цвет кожи нежный, чуть бледноватый. Все цвета соединяются очень аккуратно, нет резких переходов цвета, света и тени.

• В картине практически отсутствует сюжет, событие. Здесь важнее не то, что зритель видит, а чувства, которые вызывает созданный художником образ.

Эти чувства всегда положительны, направлены на осознание радости бытия. Картина уводит нас в мир субъективных переживаний. Джорджоне можно сравнить с Праксителем – главным лириком античности: в работах обоих мастеров герои расслаблены и абсолютно счастливы.

Кроме того, на примере творчества Джорджоне становится ясно, что, в отличие от флорентийцев, в Венеции художникам было важно органично встроить героев в пейзаж, чтобы они естественно располагались в нём, не выглядели «вклеенными».

Пейзаж – это не только фон, но и важнейшая составляющая картины, формирующая настроение так же, как фигуры и цвета.

Джорджоне первым ввёл в искусство мотив человека, находящегося в природе, в общении с ней. Пейзаж способен по-особенному показать героя или героиню, создать ощущение полной гармонии и спокойствия. Спящая Венера изображена в пейзаже, и это сильно влияет на восприятие её образа: он кажется невинным, словно мы увидели её случайно.

Тема единства человека с природой впервые возникла в итальянском искусстве именно у Джорджоне. Она раскрыта в загадочной картине «Гроза», где изображены юноша с копьём и кормящая ребёнка женщина. Эти герои не связаны ни сюжетно, ни композиционно. Их объединяет лишь пространство, мир, освещённый молнией и лучами солнца, прорезающегося из-за туч. Возможно, несвязанность героев объясняется желанием не создать сюжет, а оживить природу человеческими фигурами: задачей художника было расположить их так, чтобы они дополняли пейзаж, были его частью.

Ещё одна загадочная картина, где изображены люди на лоне природы – «Сельский концерт». Здесь рядом с одетыми музицирующими мужчинами расположились две обнажённые дамы. Вот уже пять веков учёные пытаются раскрыть смысл этой работы, видя в ней то аллегорию наслаждения, то античный миф.

Искусство Джорджоне положило начало бессюжетной живописи. Это картины, созданные для созерцания и для понимания собственных ощущений от увиденного.

В XIX веке к этой идее вернутся художники-импрессионисты, которые научат мир созерцать. Эдуард Мане создаст картины, где воскреснут мотивы искусства Джорджоне – «Олимпия» и «Завтрак на траве». Они столь же значительны и так же призывают больше смотреть и чувствовать, чем пересказывать и рассуждать. Но начало этой традиции положил Джорджоне в XVI веке.

Этот художник, признанный ключевой фигурой венецианской живописи, прожил почти сто лет и прошёл весь XVI век «насквозь», от Высокого Возрождения к позднему. Он первым стал писать парадные портреты иностранных королей, первым создал конный парадный портрет, который стал обязательным для монархов в последующие века. Также он начал писать психологические и групповые портреты. В целом можно сказать, что Тициан был художником общеевропейского масштаба.

Тициан – ученик Беллини и Джорджоне. Возможно, поэтому в его работах соединилось стремление изображать прекрасных женщин и роскошь венецианской жизни. Правда, в отличие от Джорджоне, поначалу сильно влиявшего на его стиль, этот мастер создавал очень чувственные образы, прославляя соблазнительное женское тело, окружённое драпировками из шёлка, бархата и парчи, усыпанных драгоценными камнями и расшитых жемчугом.

Венера Урбинская напоминает Венеру Джорджоне, однако здесь она помещена в интерьер венецианского палаццо. Она лежит на белоснежных простынях и мягких подушках, держа в руках розовые цветы.

Для изображения обнажённого тела Тициан использует различные оттенки жёлтого и розового, и цвет кожи получается нежно-персиковым. Переходы цвета неуловимы, и тёплый оттенок кожи завораживает.

Стоит иметь в виду, что зритель в этом случае не просто любуется красотой, но рассматривает лежащую на постели женщину, которая смотрит ему прямо в глаза. В этом взгляде есть вызов, и образ Венеры получается соблазнительным. Не зря в ногах у Венеры изображена спящая собачка – символ похоти.

Служанки на втором плане, достающие из сундука наряды, окончательно превращают героиню из богини в обычную земную женщину. Как и Джорджоне, Тициан убрал Венеру из контекста мифа, перенеся её в свой мир, любовь к которому была свойственна всем мастерам Возрождения.

Можно сказать, что Тициан был певцом красоты венецианских женщин. «Тициановская» красота – это красота зрелой женщины с медовым цветом волос и округлыми формами. Художник подчёркивает прежде всего чувственную привлекательность своих героинь, во многих его произведениях есть эротический подтекст.

Подобным примером может служить картина «Венера перед зеркалом». Её руки застыли в том же жесте, что и у Афродиты Книдской, но в этой женщине нет ничего от праксителевских стыдливых Венер. Это – уверенная в себе венецианка, красоту тела которой подчёркивает тёмно-красная бархатная драпировка, изысканно расшитая. Амур держит перед ней зеркало, в котором отражается её лицо. Эта деталь делает композицию уравновешенной, а живописную задачу более сложной и интересной.

Мотив зеркала вошёл в искусство в эпоху Возрождения, и Тициан одним из первых его использовал. Зеркало позволяет мастерам изображать фигуру сразу в нескольких ракурсах, что часто обогащает образ, позволяет изучить его с разных сторон.

Вдохновившись созданными Тицианом образами женщин, своих соблазнительных красавиц будут создавать Рубенс, Веласкес, Буше, Делакруа и Ренуар. Можно сказать, что в работах Тициана впервые в искусстве возникает образ соблазнительной чувственной красоты.

ЦВЕТ В РАБОТАХ ТИЦИАНА

О живописи Тициана говорят в первую очередь как об искусстве цвета, цветового пятна. Именно Тициан довёл до совершенства колорит картины.

Если флорентийская школа ставила на первое место чёткий рисунок, звонкую тонкую линию, то венецианцы предпочитают формировать образ при помощи цвета. Не рисунок, а цветовые пятна становятся главной силой изображения, контуры и тени всегда очень плавны и осторожны.

Однако Тициан создавал не только образы венецианских красавиц. Огромную важность и силу имеют написанные им портреты. Они сильно отличаются от работ Рафаэля и Леонардо. Если эти художники создавали универсальный идеальный уравновешенный образ героя своего времени, то Тициан наделял его глубиной, обозначая внутренние противоречия личности.

Это можно заметить в «Портрете молодого англичанина». Его взгляд напряжён, герой выглядит сосредоточенным, погружённым в мысли. Этот портрет вовсе не похож на автопортрет Рафаэля или изображение Джоконды, где герои расслабленно и благостно смотрят на зрителя. Поза, в которой Тициан изобразил молодого человека, придаёт образу решительность и беспокойство.

Любимый приём Тициана, знавшего толк в силе колорита – использование белого цвета рядом с лицом героя. Белые отблески от воротника падают на лицо, освежая его и делая светлее.

Один из самых значительных и показательных образов, созданных Тицианом – портрет «Папа Павел III с Алессандро и Оттавио Фарнезе».

Живой и динамичный портрет папы и его внуков сложно назвать парадным. Слишком активным кажется взаимодействие героев и настроение, царящее на картине. В центре изображён папа римский Павел III. Он стар и сгорблен; поза, в которой он сидит, выдаёт настороженность и подозрительность. Рядом с Папой его внуки: кардинал Алессандро Фарнезе и его брат Оттавио. Расположение героев на картине, их позы и взгляды более чем красноречивы. Подозрительный и хитрый взгляд Папы направлен в сторону наигранно кланяющегося ему Оттавио. Позади стоит Алессандро, и Папа словно бы зажат между двумя персонажами. Между героями нет единения и согласия, наоборот, настроение напряжённое. Это напряжение усиливается обилием оттенков красного.

Увидев картину, папа удивился не только портретному сходству, но и тому, как точно Тициан смог передать отношение изображённых героев друг к другу. Художник заметил и изобразил атмосферу лицемерия и фальши в папском дворце. Он не просто уловил тонкие психологические нюансы, но даже как бы предвидел судьбу этих людей. Через два года Оттавио возглавил заговор против своего отца, сына Павла III, и убил его, после чего Павел III умер от разрыва сердца.

Можно считать, что с этой картины начинается традиция группового и психологического портрета, расцвет которого наступит в XVII веке.

Тициан – художник, проживший очень долгую жизнь. Он один из немногих мастеров Ренессанса, кто застал и рассвет, и закат этой эпохи. Поэтому поздние работы Тициана хорошо показывают кризис Возрождения.

Когда оптимистические настроения и уверенность в завтрашнем дне, убеждённость в силе и совершенстве человека сменились тревогой и осознанием зыбкости жизни, искусство начало меняться. В нем появилась тревога и излишняя напряжённость, образы стали более трагичными.

Это хорошо видно в картине «Коронование тернием». Здесь уравновешенная правильная композиция Высокого Ренессанса сменяется фигурами, расположенными по диагонали, что создаёт в картине ощущение движения и волнения; динамика усиливается техникой мазка, контуры фигур видны не чётко, они кажутся немного смазанными. Мрачный колорит картины передаёт трагизм, а копья палачей, направленные в разные стороны, превращают порядок Высокого Возрождения в хаос заката эпохи.

Конспект: Высокое Возрождение

Период, который мы называем Высоким Возрождением, совсем короткий. Он приходится на первую четверть XVI века, с 1500 по 1527 г. Это период, когда доводятся до совершенства открытия эпохи Кватроченто и делаются новые.

Ключевыми представителями Высокого Возрождения считаются пять художников, которых также называют «титанами Возрождения». Это Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти, Рафаэль Санти, Джорджо да Кастельфранко и Тициан Вечеллио. Каждый из этих мастеров стремился в своем искусстве выразить идеал человека так, как его видел.

Одно из главных открытий в период Высокого Возрождения – это переход с темперной краски на масляную, более легкую по текстуре и податливую. Это позволяет художникам сильно продвинуться вперед в работе с цветом.

Основной экспериментатор этой эпохи – Леонардо да Винчи. Он создаёт самое известное произведение мировой живописи – «Портрет госпожи Лизы дель Джокондо». В этой картине впервые появляется приём сфумато – воздушная дымка, которая делает переходы цвета плавными, а лицо героини – загадочным.

Также Леонардо много работает с композицией. Он выстраивает фигуры героев в правильные геометрические формы – равнобедренный треугольник, пирамиду. Также он впервые вводит в живопись психологизм в картине «Тайная вечеря». Зритель видит, что все герои по-разному реагируют на слова Иисуса о предателе – и сам зритель оказывается как бы за одним столом с апостолами, что совершенно иначе, чем раньше, вовлекает его в картину.

Рафаэль Санти – певец мудрости и рационального начала. Его ключевая работа – фреска «Афинская школа», где идёт речь о знаниях и о выборе человеком пути овладения ими. Также он переосмысливает жанр автопортрета, закладывая новую традицию, которой в дальнейшем будут следовать многие известные художники. В эту эпоху вообще меняется отношение к художнику: из ремесленника он в общественном представлении становится творцом, обладающим полной свободой.

Микеланджело – художник, в работах которого отчётливо звучит гражданский пафос и воспевается образ героической личности. Самое важное его творение – это скульптура Давида. Она словно бы ставит точку в разговоре Высокого Возрождения о Человеке – разговоре, который был начат образом того же самого персонажа авторства Донателло. «Давид» работы Микеланджело говорит о красоте, силе, свободе и высшем напряжении воли человека – эти качества в достаточной степени присущи и самим «титанам Возрождения».

Два других художника – Джорджоне и Тициан – принадлежали к венецианской художественной школе. Венецианцам было свойственно особое внимание к миру вещей, к фактурам и точному изображению реальности. Поэтому своих героев они помещают в реальный венецианский интерьер или пейзаж.

Работы Джорджоне (Джорджо да Кастельфранко) – это спокойствие и нега, тихое наслаждение жизнью и единение с природой. Он первым начинает говорить о гармонии человека и природы и считается изобретателем бессюжетной живописи, к которой будут обращаться художники в XIX веке. В его исполнении впервые появляется образ богини, полностью лишённый мифологических черт: портрет Венеры, который в отсутствие названия выглядит как портрет обычной женщины. Это новаторство унаследует у него Тициан.

Тициан считается ключевым живописцем венецианской школы. Он многое привнес в жанр портрета, наделив его тонким психологизмом, а также создав множество парадных образов. Именно Тициан довёл до совершенства работу с цветом. В отличие от работ Джорджоне женские образы у него имеют более чувственный характер и кажутся очень реальными.

Также он разрабатывает тему психологизма, изображает эмоции героев, внутренние страсти, тонкости отношений. Это хорошо демонстрирует портрет папы римского Павла III с внуками – эта картина поразила современников точностью передачи эмоций.

В поздних работах Тициана заметна смена настроений: смелость и уверенность Высокого Возрождения сменяется тревогой и осознанием зыбкости жизни. Резонируя с этими настроениями в реальности, в искусстве возникает маньеризм.

Маньеризм находится на границе двух больших явлений в мировом искусстве – ренессанса и барокко, и поэтому многие исследователи не признают его отдельным стилем. Это направление стремилось подражать манере великих мастеров – Леонардо, Рафаэля, Микеланджело и Тициана – в её лучших проявлениях.

• С одной стороны, художники-маньеристы хотели повторить прекрасные образы и формы, созданные в эпоху Ренессанса.

Особое внимание уделяется красоте героев. Лица напоминают рафаэлевские, нежное сфумато сглаживает эмоции, кожа кажется излишне высветленной, как бы избавленной от морщин и прочих печатей времени и индивидуальности. Однако подражание порой кажется чрезмерным. Фигуры теряют естественность, а композиция картины – лёгкость и уравновешенность.

Маньеризм, возникший ещё в первой половине XVI века, формировался в период кризиса ренессансного сознания, убеждённого в совершенстве человека и мира. В это время войска императора Священной Римской империи разграбляют Вечный город, умирают Рафаэль, Леонардо и Джорджоне, а Николай Коперник заявляет, что Земля вращается вокруг Солнца, а не наоборот, и называет Солнце главным небесным телом.

В 1545 году представители католической церкви собрались на Тридентском соборе, чтобы вернуть былой престиж и восстановить власть Церкви, утратившей свои позиции в первой половине XVI века. Они учредили инквизиционный трибунал и жестоко расправлялись с теми, кто не признавал церковного авторитета. Так, жертвой этой волны инквизиции станет Джордано Бруно.

Эти потрясения не могли не сказаться на состоянии умов и настроениях в искусстве. В картинах маньеристов форма начинает преобладать над содержанием, пока последнее не исчезает вовсе.

Желание создать внешне красивый образ подталкивает художников к излишней эстетизации, они увлекаются игрой с цветами и пропорциями фигур. Композиция в картинах маньеристов иногда неуравновешенна и перегружена, цвета порой очень яркие и неестественные. То же можно сказать и о позах, в которых запечатлены герои.

Ярким примером может послужить работа Франческо Пармиджанино «Мадонна с длинной шеей»: удлинённые пропорции тела Богоматери и почти падающий с её колен младенец Иисус не похожи ни на реальность, ни на то, как до этого было принято изображать этих героев.

Трудно говорить и о внутреннем наполнении образа. Текучие линии, манерные жесты, плавные переходы оттенков бледно-сиреневого, розового и серого – все это ценно само по себе, но не несёт какого-либо дополнительного смысла.

• Игра, эксперимент и разрушение привычных канонов – другая сторона маньеризма.

Кажется, эти характеристики свойственны искусству авангарда XX века. Однако смелые попытки ухода от традиций начались намного раньше. Джузеппе Арчимбольдо прославился удивительными портретами, где человеческие лица изображаются при помощи растений.

Аллегории, представлявшие времена года, были известны в искусстве ещё со времён поздней готики. Кроме того, художник точно и достоверно передал внешний вид всех цветов, фруктов и овощей: каждый из цветков в картине «Лето» узнаваем ботаниками.

Такой научный подход к передаче предмета одобрил бы сам Леонардо. Однако не стоит забывать, что этим странным способом передана человеческая внешность.

• Эти работы можно воспринимать как заявление о том, что человек более не воспринимается как венец творения и высшее существо – теперь он встал на одну ступень с другими явлениями действительности.

Хотя это лишь один из выводов, которые мы можем сделать, глядя на работы Арчимбольдо, признанного многими как предтеча сюрреализма.

Упоминанием этого экстравагантного искусства мы поставим точку в разговоре об итальянском Ренессансе, но продолжим говорить о Возрождении, которое охватило страны, расположенные к северу от Альп: Францию, Германию и Нидерланды.

Жизнь и искусство всегда взаимосвязаны. XV век в Западной Европе – время серьезных изменений. На появление нового взгляда на мир повлияли открытия в науке, рост городов, постепенное просвещение людей, понимание, что многое в жизни зависит от человека. В Италии интерес к реальности заставил обратиться к античности и отказаться от готических и византийских принципов. В странах к северу от Италии – во Франции, Германии, Нидерландах – происходили не менее значительные изменения, которые условно принято называть «Северным Возрождением».