Текст книги "Режиссерское искусство театра кукол России XX века"

Студии Швембергера

Режиссер в кукольном театре должен направить театр на реалистическую правду…

Виктор Швембергер

«Я, Фридрих, Карл, Виктор, родился в городе Ставрополе в 1892 году 23 января в семье военного провизора полковника Александра Карловича Швембергера, русского немца. <…> Как-то получилось так, что в семье меня звали просто Витя. Наша семья состояла из моего отца Александра Карловича, мамы Софьи Владимировны, пяти братьев и одной сестры. Отец родился в Москве, в обрусевшей немецкой семье, но воспитывался в Польше, у бабушки»[214]214
  Швембергер В. А. Театр моей жизни. М., 2003. С. 9—11.


[Закрыть].

Летом 1898 года семья Швембергеров переехала в Пятигорск. Здесь Виктор учился в гимназии, откуда за участие в революционных событиях 1905 года был исключен. Давал частные уроки и работал на керосиновом складе…

В Пятигорске в 1900 году состоялась его первая встреча с кукольным театром, а точнее – с бродячим петрушечником. «Я был поражен, – вспоминал Швембергер. – На ширме появился Петрушка, живая кукла! Как?! Как она оживает? Это невозможно? Я был поражен. <…> Кукольники отправились дальше, повесив на плечо ящик с куклами, и… И я пошел с ними. Я подружился с акробаткой, которая проделывала такие замечательные трюки, какие я, мальчишка, сделать не мог. Я весь день бродил с ними по городу, останавливался у „монополек“, где петрушатники опохмелялись, собирал в шапку деньги, которые им бросали, обедал с ними в харчевне и без умолку болтал и играл с девочкой-акробаткой. Но тайны живых кукол, тайны пронзительного классического голоса самого Петрушки так и не разгадал. <…> Я наслаждался тем, что видел, наслаждался всей этой компанией артистов, их необычной жизнью, их необычным творческим днем. Вечером кукольники отделались от меня, боясь, как бы их не обвинили в краже ребенка»[215]215
  Швембергер В. А. Указ. соч. С. 16–17.


[Закрыть].

Через много лет, вспоминая о своем поступлении в Студию А. О. Гунста, Швембергер напишет, как рассказал эту историю Евг. Вахтангову. Тот, в свою очередь, поведал ему похожую – о своей первой встрече с Петрушкой и петрушечником. Возможно, что именно тем самым – ведь они были земляками…

После окончания гимназии В. Швембергер уехал из Пятигорска и поступил в Казанское училище живописи, которое не смог закончить за недостатком средств. Большая семья – пятеро братьев и сестра – жила небогато. Отец, уйдя в отставку, купил небольшую аптеку, с доходов которой и жили. В 1911 году глава семьи умер, и Виктор Швембергер уехал в Ростов-на-Дону, где учился на курсах счетоводов Министерства просвещения, а в 1912 году переехал в Москву, где поступил на работу в контору завода акционерного общества «Поставщик». Вечерами молодой счетовод увлеченно ходил в театры, музеи, на выставки…

Работа была нелюбимой, но необходимой для жизни человека, у которого нет ни другой профессии, ни друзей, ни знакомых в Москве. Швембергер стал постоянным зрителем Московского Художественного театра, боготворил Станиславского и его актеров, которые казались ему небожителями.

Однажды, побывав на спектакле «Навьи чары» Ф. Сологуба в Студии Ф. Ф. Комиссаржевского, Виктор Швембергер захотел попробовать себя в актерской профессии. На следующий день он подал заявление и… был принят в Студию.

Как проходило прослушивание, неизвестно, но, возможно, его поступление было похоже на поступление в ту же Студию И. В. Ильинского, описанное им самим:

«…Ссутулившись, прошел худой, сумрачный лысый господин, лет под сорок, в просторном английском костюме, и, взглянув исподлобья в нашу сторону, гнусаво буркнул „здрасьте“ на поклон секретаря.

– Вот и Федор Федорович пришел, – сообщил собравшимся секретарь.

Мы, явно разочарованные видом нашего будущего учителя, пошли в фойе ожидать вызовов на экзамен. Разочарование от Федора Федоровича было явное. Впечатление произвел он с первого взгляда несимпатичное. Федор Федорович сидел в центре стола, наклонившись лысиной вперед, и исподлобья, небрежно вскинув на меня глазами, спросил:

– Что это вы в форме? Вы что, еще в гимназии учитесь, что ли?

– Да, я еще учусь, – робко ответил я.

– А как же вы собираетесь учиться в студии?

– А у нас в гимназии уроки кончаются в три часа, а занятия в студии, мне сказали, начинаются в четыре-пять дня. Я смогу успевать.

– А когда вы уроки в гимназии будете готовить?

– Ну, уж как-нибудь постараюсь.

– А в гимназии разрешат вам учиться в студии?

– А я не буду говорить.

– Ну, читайте, что там у вас, – и Федор Федорович опять наклонил свою лысину к столу, как бы не смотря на меня»[216]216
  Ильинский И. В. Сам о себе. М.: Зебра-Е, 2008. С. 23.


[Закрыть].

Ф. Ф. Комиссаржевский (приверженец идеи синтетического театра и универсального актера), переехавший в Москву из Петербурга в 1910 году и уже поставивший к тому времени пьесы М. Метерлинка, Л. Андреева, О. Уайльда, К. Гольдони, имел и удачный опыт постановки кукольной пьесы. В созданном им и Н. Н. Евреиновым в 1909 году «Веселом театре для пожилых детей», просуществовавшим от Великого Поста до осени 1909 года, Комиссаржевский поставил комедию французского художника-модерниста Поля Рансона «Лилия долины». Как и сам Ф. Комиссаржевский, П. Рансон тяготел к синтезу искусств, а сама постановка была посвящена памяти художника, ушедшего в тот год из жизни. «Лилия долины» была поставлена как эксцентричная буффонада «в стиле Петрушки»: актеры, скрытые по пояс ширмой, изображая перчаточных кукол, имитировали их жесты и движения. (Прием имитации кукол успешно использовали и Вс. Мейерхольд в «Балаганчике» (1907), и Лесь Курбас в «Вертепе» (1919), и Евг. Вахтангов в «Свадьбе» (1920), и многие другие режиссеры ХХ века).

Учеба В. Швембергера, поклонника Художественного театра, в Студии Ф. Ф. Комиссаржевского, тяготевшей к театральным экспериментам, была недолгой. «Эта студия спорила с Художественным театром и с системой Станиславского, – писал Швембергер, – Я верил, но недолго. Оказалось, что Федор Федорович спорит и со мной, с человеком, любящим Художественный театр»[217]217
  Швембергер В. А. Указ. соч. С. 19.


[Закрыть].

После первого зачетного исполнения отрывков из «Дяди Вани» преподавательница студии В. О. Масалитинова неожиданно сказала Швембергеру: «Уходи отсюда. Ты мхатовец, а не комиссаржевец. Иди в студию Вахтангова»[218]218
  Аксаков М. Игра с куклами // Дружба народов. 1962. № 12. С. 152.


[Закрыть]. Она рассказала ему о студии Анатолия Оттовича Гунста, которой руководил Вахтангов, и Швембергер принял решение перейти туда. При первой встрече Вахтангов завел непринужденную беседу. Говорили о театре, о пятигорском петрушечнике; Вахтангов спросил, какие спектакли нравятся Швембергеру. Под конец разговора бывший «комиссаржевец», рассказав о своем желании поступить к Вахтангову, признался:

– Не люблю экзаменов.

– А вы экзамен выдержали, – сказал на это Вахтангов. – То, что вы мне рассказывали, и был экзамен[219]219
  Аксаков М. Игра с куклами // Дружба народов. 1962. № 12. С. 152.


[Закрыть].

Спустя некоторое время, когда Швембергер освоился, познакомился со студийцами, Евгений Багратионович попросил его прочесть что-нибудь. Не готовый к показу и вначале смутившийся, В. Швембергер вдруг вспомнил рассказы отца о старом его московском знакомом – выдающемся рассказчике, писателе, историке русского театра и первом его музеографе, актере Александрийского театра Иване Федоровиче Горбунове.

«Горбунова мой отец передавал замечательно, – вспоминал В. Швембергер. – Я не успел испугаться, и как-то само собой у меня рассказалось одно из произведений Горбунова. Глаза Евгения Багратионовича смеялись. Он сдерживался, но потом все-таки рассмеялся своим добрым необидным смехом: „Простите меня, но я смеюсь вашему говору… Горбунов в вашей смеси русско-украинско-кавказского произношения чудовищно интересен!“»[220]220
  Швембергер В. А. Указ. соч. С. 21–22.


[Закрыть].

С «говором» студийцу Швембергеру пришлось много поработать. Во время учебы, которая проходила по вечерам после бухгалтерской работы, он (видимо, подражая Мастеру) завел записную книжку, куда записывались идеи и темы для этюдов.

День – в заводской конторе, над гроссбухом. Вечер, а часто и ночь до утра – в студии. Работал с увлечением. Неутомимый Евгений Багратионович заряжал студийцев энергией и страстным поиском правды в искусстве.

– Ищите правду, – любил повторять Вахтангов. Приходите в студию во всем белом, чтобы всего себя самого лучшего, чистого отдать работе[221]221
  Швембергер В. А. Указ. соч. С. 22.


[Закрыть].

«Евгений Багратионович, – вспоминал Швембергер, – часто давал задания придумать этюд, сценку или маленький эпизод, и вот тут я был на коне! Я записывал приходившие мне в голову этюды везде: дома, в трамвае, на улице.

– Виктор, что там у вас в книжечке? – Мы просматривали мои записи и сплошь и рядом находили что-нибудь подходящее, нужное, и иногда я задерживался у режиссерского столика, и мы обсуждали этюд, добавляли или что-нибудь убирали из него. Это была серьезная, настоящая режиссерская работа. Как много она мне давала, как много я получил от Вахтангова режиссерских знаний! И как они мне пригодились потом, когда я сам стал режиссером!»[222]222
  Швембергер В. А. Указ. соч. С. 23.


[Закрыть].

Параллельно с учебой В. Швембергер занимается литературной деятельностью – с 1917 года публикует первые статьи, фельетоны и рассказы. В 1918 году, без отрыва от студийных занятий, вступает добровольцем в 25-й легкий артиллерийский дивизион в Москве, а в начале 1919 года его «дивизион», состоявший из тридцати бойцов без винтовок, был отправлен на Украину – в Киев. Здесь дивизион долго переформировывали, и в это время В. Швембергер встретился с К. А. Марджановым, которому передал рекомендательные письма от Вахтангова и Станиславского (письмо от Станиславского организовал для него Евг. Вахтангов). Прочитав письмо, К. Марджанов предложил В. Швембергеру стать актером в его Передвижном театре.

В тот же день они вместе пришли в Военный Комиссариат, где Швембергер был освобожден из дивизиона и мобилизован в Передвижной театр, в котором К. Марджанов ставил пьесу «Четыре сердцееда». Виктору досталась роль Бригеллы. «Для меня это была хорошая практика, – вспоминал Швембергер. – Марджанов хорошо относился ко мне, позволял фантазировать, я выдумывал трюк за трюком, одно принималось, другое отвергалось, и так находилось все новое и новое. Это была интересная работа для меня, молодого актера и режиссера…»[223]223
  Швембергер В. А. Указ. соч. С. 25–27.


[Закрыть].

К тому времени 7 апреля 1919 года подоспело и специальное постановление Совета рабочей и крестьянской обороны о создании красноармейских агиттеатров: «Все граждане <…> без различия пола и возраста, принадлежащие к числу сценических и театральных работников, подлежат точному учету на предмет возможного использования их для обслуживания фронта и тыла Красной Армии по профессии»[224]224
  Декреты Советской власти: В 5 т. М.: Политиздат, 1971. Т. 5. С. 33.


[Закрыть]. В. А. Швембергер «подлежал учету» и «был использован по профессии».

Движение агиттеатров только начиналось, формы его были различны. Создавались передвижные театральные труппы, концертные бригады. Фронтовой театр «не должен быть громоздким и, по возможности, никогда не должен покидать той части, которую обслуживает, пока его не сменят товарищи со свежим репертуаром. Он должен в одинаковой мере преследовать художественные и агитационные цели. Фронтовой агиттеатр должен быть настолько гибок, чтобы при всякой обстановке, до бивуачной включительно, дать максимум того, что в его силах, будь то простейшая постановка или концерт»[225]225
  Декреты Советской власти: В 5 т. М.: Политиздат, 1971. Т. 5. С. 33.


[Закрыть].

Передвижной театр помещался в агитпоезде «Памяти жертв революции», вагоны которого были расписаны А. Г. Тышлером, И. М. Рабиновичем, Н. А. Шифриным… В этой бригаде художников состоял и совсем еще юный Г. М. Козинцев. Вспоминая, он писал: «Они включили меня в свою бригаду, хотя делать я еще ничего не умел. Ко мне относились – вероятно, вследствие моей молодости и энтузиазма – хорошо и даже доверили мне самостоятельно расписать отдельный вагон. Мы уехали на другой берег Днепра, где формировался состав. Там же я впервые попробовал поставить и сыграть какой-то агитскетч. Он исполнялся в теплушке с отодвинутой дверью, перед вагоном на земле сидели красноармейцы»[226]226
  Козинцев Г. М. Глубокий экран, М.: Искусство. С. 23.


[Закрыть].

Возможно, в этом агитпоезде Г. Козинцев и В. Швембергер встречались, но об этой встрече никто из них не вспомнил.

В составе агитпоезда «Памяти жертв революции», руководимого приехавшей в 1919 году в Киев Наркомом агитации и пропаганды Александрой Коллонтай, Швембергер играл в агитскетчах; работал он и в киевском театре-кабаре «Жар-птица» (1919). «Приходилось играть в вечер по пять-семь ролей с бесконечными переодеваниями. Это была работа у антрепренера. Ничего более жуткого, тяжелого и оскорбительного для человеческого достоинства я не испытывал в жизни»[227]227
  Швембергер В. Указ. соч. С. 27.


[Закрыть].

Он мечтал о возвращении к Вахтангову, но был «мобилизованным артистом» и в конце 1919 года оказался в Чернигове, где ему предложили возглавить государственный драматический театр. Театр организовывался по инициативе чекистов, которые прислали две подводы всевозможных реквизированных костюмов – фраки, и цилиндры, и смокинги, и платья из Парижа…

Через десять дней на улицах города появилась первая театральная афиша, а еще через две недели театр Швембергера принял первых зрителей. При своем театре В. А. Швембергер создает три актерских студии: украинскую, русскую и детскую. Здесь же появляется один из первых на Украине профессиональных кукольных театров: Кукольный театр Соцвоса (Социалистического воспитания). Началось с того, что известный впоследствии художник театра кукол, скульптор Г. В. Нерода, живший в то время в Чернигове, принес в студию Швембергера несколько сделанных им кукол: Петрушку, Лекаря-аптекаря, Городового, Собаку Шавочку… Игра с куклами вошла в студийные занятия и увлекла студийцев.

Швембергер стал мечтать о театре кукол, на сцене которого куклы сыграют спектакли по произведениям Гоголя, Мольера, Чехова и Куприна, театре, где Петрушка будет соседствовать с героями классической литературы и драматургии. Постепенно из числа студийцев выделилась особая группа кукольников – В. Моливанский, Г. Лукашевич, О. Ловченовская и др., а в 1921 году В. Швембергер, скульптор Г. Нерода и художник А. Резников вместе со студийцами открыли Черниговский театр кукол Соцвоса. Первым спектаклем стала «Комедия народного Петрушки». Театр обратил на себя внимание и вскоре получил стационарное помещение на 80 мест, в самом центре города (в бывшей парикмахерской).

О спектаклях заговорила пресса. Сначала как-то непривычно было всерьез писать о кукольном театре. Но и не писать было невозможно. «Говорить о художественности таких постановок, – размышлял безымянный автор, – вдобавок загнанных в тесное, маленькое помещение, со „сценой“ величиной с квадратное оконце, очень трудно. Но всё, что можно было сделать при постановке „Петрушки“ театриком Соцвоса, было, по-моему, сделано. Куклы т. Неродом исполнены с несомненным вкусом. Постановка т. Швембергера тщательная, видна забота о мелочах, которыми обычно пренебрегает всякая черниговская сцена. Техника исполнения (т. Моливанский) вполне удовлетворительная»[228]228
  Архив В. Швембергера. М.: Архив ГАЦТК Д. 15. Л. 6.


[Закрыть].

Далее автор отмечал, что впечатление портит нарушение традиций: вместо привычного, «с пищиком», голоса Петрушки в спектакле звучит обыкновенный, «не петрушечный» голос актера. Рецензент также писал, что зрители Чернигова с нетерпением ожидают обещанных кукольных спектаклей «Красная шапочка» Ш. Перро и «Ревность Барбулье» Ж.-Б. Мольера. Обе премьеры вскоре состоялись. Тогда же режиссер написал свою первую пьесу «Горицвет» (впоследствии он напишет около 30 пьес для театра кукол).

Постановка Швембергером в театре кукол пьесы Мольера стала знаковой в истории отечественного режиссерского искусства театра кукол. Это был первый режиссерский опыт постановки классического драматургического произведения, написанного для драматического театра в профессиональном театре кукол. Интересно, что практически в то же время в Москве, в постановке пьесы Мольера «Мнимый больной» режиссер Г. Л. Рошаль[229]229
  Рошаль Григорий Львович (1899–1983) – советский кинорежиссер, педагог, народный артист СССР (1967), лауреат Государственных премий (1950, 1951). Автор многих культовых советских фильмов: «Господа Скотинины» (1927, по комедии Д. И. Фонвизина «Недоросль»), «Семья Оппенгейм» (1939, по Л. Фейхтвангеру), трилогии по роману А. Н. Толстого «Хождение по мукам» и др. Был организатором и режиссером детских театров кукол. Работал в Железноводске (1919), Кисловодске и др. городах. С 1921 г. в Москве. Здесь он заведовал секцией художественного воспитания, был членом Ученого совета Наркомпроса, директором и художественным руководителем мастерской Педагогического театра, заведовал кафедрой художественного воспитания Академии им. Н. К. Крупской.


[Закрыть], будучи руководителем Педагогического театра, также использовал средства театра кукол[230]230
  Будучи руководителем Педагогического театра, Г. Л. Рошаль поставил спектакли «Инженер Семптон» (авторы В. Строевой и С. Рошаль) и «Лекарь поневоле» (по мотивам пьесы Мольера) и сам играл в них. В этих постановках активно использовались средства театра кукол. Спектакли проходили в центре Москвы, в доме Перцова, что напротив Храма Христа Спасителя. Очевидцы спектакля «Лекарь поневоле» рассказывают, что во время представления зал хохотал над проделками Мольера-Сганареля, но вдруг тот бледнел, раздавался негромкий крик, и актер падал. Казалось, случилось что-то ужасное. Свет на сцене уменьшался, на красном заднике мелькали тени. Зрители уже поднимались, чтобы уходить. Но тут появлялся режиссер и в последнюю минуту останавливал публику. «Вернитесь! – кричал он, – никто не болен, все это „как будто“. Садитесь снова на свои места, мы будем продолжать представление!». И начинал рассказывать биографию Мольера. Он выходил в серой накидке, в руках у него были куклы, Король и Мольер. Между ними происходил острый диалог. Король требовал, чтобы Мольер перестал высмеивать знать. Мольер вынужден был обещать притупить свое сатирическое жало. Интересно, что подобные трактовки образа Мольера существуют и в современных кукольных театрах.


[Закрыть].

Летом 1922 года В. Швембергер вернулся в Москву. Впереди – короткий период работы в Третьей студии МХТ (но уже без Вахтангова), затем столь же короткий – в Студии Р. Н. Симонова и примечательная попытка постановки кукольного спектакля в «манере итальянской комедии импровизации». Любопытно отметить, что замысел Швембергера совпадает со сценарием для марионеток, наброски которой остались в записных тетрадях 1915 года Евг. Вахтангова[231]231
  См.: Вахтангов Е. Б. Из записной тетради // Вахтангов Е. Б. Записки. Письма. Статьи. М.-Л.: Искусство, 1939. С. 74–81.


[Закрыть].

«Тема куклы», так или иначе, постоянно присутствовала в творчестве Евг. Вахтангова. Не только в режиссуре, но и в актерских работах он часто обращался к образу куклы. Так, в одной из лучших своих ролей в Московском Художественном театре – роли игрушечного фабриканта Тэкльтона в спектакле «Сверчок на печи» Ч. Диккенса (1914) – он создает зримый образ механической куклы: «…Отрывистые интонации. Скрипучий голос. Каркающий смех. Щелк каблука. Один глаз полузакрыт. На губах гримаса брезгливости. Полосатый жилет. Куцый фрак с бархатными отворотами. Панталоны со штрипками. Резким и крепким контуром очерчена фигура фабриканта игрушек. Почти нет движений. Жестикуляция доведена до минимума. Вы смотрите на Тэкльтона и не знаете: живой ли человек перед вами или всего лишь заводная кукла, сделанная искусной рукой Калеба Племмера. Вот-вот окончится завод, и на полуслове, на полудвижении замрет этот смешной и неприятный джентльмен. Бессильно поникнут руки. Остановится шаг… Он похож на заводную игрушку, подобную тем, которые вырабатываются у него на фабрике. В его груди отстукивает секунды мертвый механизм вместо живого и теплого человеческого сердца. Отсюда – трактовка образа как бездушной, механической куклы, лишенной живого многообразия человеческих чувств. Финал роли – превращение куклы в живого человека. С этим подходом к изображению всего отрицательного в человеческой жизни как механического, марионеточного, живого только внешне, а внутренне мертвого и пустого, мы столкнемся в творчестве Вахтангова еще не раз. Тема двух миров – мертвого и живого – станет основной темой вахтанговского творчества»[232]232
  Захава Б. Е. Творческий путь Евг. Вахтангова // Вахтангов Е. Б. Указ. соч. С. 339–341.


[Закрыть].

Один из учеников Студии Вахтангова, поэт П. Г. Антокольский в 1917 году написал небольшую драматическую сказку под названием «Кукла инфанты». Вахтангов предложил поставить эту пьесу как кукольное представление. Каждый актер должен был прежде всего сыграть актера-куклу, с тем чтобы потом этот «актер-кукла» играл роли Инфанты, Королевы, Придворного, Шута и др. «Нужно представить себе куклу-режиссера и почувствовать, как она стала бы режиссировать: тогда вы пойдете верно <…>. Если вы пойдете от куклы, – говорил Вахтангов, – вы найдете и форму, и чувства<…>. Чувства эти крайне просты»[233]233
  Захава Б. Е. Творческий путь Евг. Вахтангова // Вахтангов Е. Б. Указ. соч. С. 352.


[Закрыть].

Вахтангов формулирует и использует здесь принцип, который впоследствии найдет применение при разработке целого ряда не только его спектаклей, но и всех профессиональных кукольных постановок XX в.: «В каждый данный момент должно действовать только одно действующее лицо – то, которое говорит. Остальные должны неподвижно слушать»[234]234
  Захава Б. Е. Творческий путь Евг. Вахтангова // Вахтангов Е. Б. Указ. соч. С. 352.


[Закрыть]. Это правило остается непреложным почти во всех кукольных постановках.

В другой постановке – «Свадьбе» А. Чехова – Вахтангов добивается при помощи этого же приема противоположного эффекта. Если в «Кукле инфанты» Вахтангов хотел показать ожившую игрушку, то здесь он поставил перед собой обратную задачу – в живом человеке раскрыть мертвую сущность, бездушность персонажа. Одновременно со «Свадьбой» Вахтангов заканчивал и новый (второй) вариант спектакля «Чудо святого Антония» (1920) М. Метерлинка, где найденные в «Свадьбе» принципы получили дальнейшее развитие. Вот как описывает этот спектакль Я. А. Тугендхольд: «Режиссер превращает всех действующих лиц в черные, сатирически подчеркнутые силуэты, <…> особенно хороши здесь женщины с их разнообразно уродливыми профилями и одинаково автоматическими движениями <…>. На сцене только Антоний и Виржини кажутся живыми, настоящими людьми среди мелькающих черных арабесок, фантомов, механических кукол. Вахтангову удалось перенести центр тяжести мистики с фигуры святого на самую толпу. Это она кажется нереальной, как китайские тени – тени человеческой пошлости»[235]235
  Цит. по: Захава Б. Творческий путь Евг. Вахтангова // Вахтангов Е. Б. Записки. Письма. Статьи. М.-Л.: Искусство, 1939. С. 377.


[Закрыть]. Тема двух миров – «мертвого и живого», мира куклы и мира человека – получает развитие и в постановках «Вечер Сервантеса» (1920) и «Эрик XIV» (1921).

…Итак, режиссер В. Швембергер репетирует спектакль в «манере итальянской комедии» в своей квартире в Печатниковом переулке на Сретенке. Одновременно здесь же (в квартире 66 дома 21) он начинает создавать Московский Театр детской книги (впоследствии Московский государственный театр кукол). Взяв за основу сюжеты популярного в то время журнала для детей «Ёж», режиссер пишет пьесу и ставит спектакль «Ёж, Петрушка и две обезьяны».

Сам он вспоминал об этом так: «В 1929 году я подал заявление в Госиздат через И. А. Цеткина с предложением организовать Театр пропаганды детской книги. Мое предложение было одобрено как мой личный эксперимент»[236]236
  Швембергер В. А. Указ. соч. С. 33.


[Закрыть]. Первый спектакль Театра детской книги был сыгран в Го сиздате 12 февраля 1930 года, а в сентябре 1930-го Театр детской книги получает стационарное помещение на Петровских линиях и оформляется как Первый Московский кукольный театр.

Труппу театра режиссер разделил на три бригады. Каждая состояла из двух человек: актера-кукольника и цимбалиста-гармониста, работающего перед ширмой. К 1934 году в репертуаре Театра Швембергера около десяти постановок: «Ёж и Петрушка», «Всегда готов», «Петрушка-путешественник», «Всем, всем, всем – сев, сев, сев!», «Три революции», «Приказ по Армии», «Ф.З.С.» («Фабрика звездных строителей»), «Неувязка» и др.

Эти спектакли пропагандируют детские книги разных авторов, но… «Лично меня театр перестает удовлетворять. Находясь в ведении Госиздата, театр принужден в какой-то мере ограничивать свой репертуар. И я начинаю параллельно организовывать Московский областной театр, не связанный в своих возможностях»[237]237
  Швембергер В. А. Указ. соч. С. 32.


[Закрыть].

Действительно, репертуар театра состоял из довольно примитивных агитационных скетчей, а В. Швембергер считал театр кукол «плотью от плоти драматического театра», и его тяготили рамки ведомственно-тематического искусства. Поэтому в 1933 году при Московском областном Доме художественного воспитания детей он создает новый кукольный театр с принципиально иным репертуаром. Театр был открыт спектаклем «Ревизор» Н. Гоголя, сыгранным в подмосковном городе Верея.

«Эта постановка в исполнении кукол дает полное историческое и художественное воспроизведение пьесы „Ревизор“, – писала верейская газета того времени. Работая над своим программным спектаклем, режиссер стремился доказать, что театр кукол и драматический театр ничем принципиально друг от друга не отличаются, что это один и тот же вид искусства. С единственной разницей – в театре кукол на сцене действуют персонажи куклы, живущие на сцене по тем же законам, что и драматические актеры.

В новом театре Швембергер ставит спектакли по произведениям А. Чехова, А. Куприна, О. Уайльда („Чеховские миниатюры“ (1935), „Звездный мальчик“ (1939), „Белый пудель“ (1940) и др.); он становится одним из ведущих, признанных режиссеров театра кукол СССР, пишет книги („Театр кукол“, 1934; „Как научиться управлять куклой“, 1936; „Спектакль театра кукол“, 1937; „Театр самодельной куклы“, 1937; „Спектакль театра кукол. Режиссер, актер, художник“, 1937; „Наш театр – театр кукол“, 1939), статьи, пьесы.

Принцип режиссерской работы над „Ревизором“ остается для Швембергера ведущим во всем его последующем творчестве: „Эта была спорная, но, мне кажется, очень интересная работа, – вспоминал Швембергер, – пьеса Гоголя не была ни скомкана, ни приспособлена для кукольного театра“[238]238
  Швембергер В. А. Указ. соч. С.32.


[Закрыть]. Действительно, режиссер не вмешивался в гоголевский текст и поставил пьесу без купюр. Успеху спектакля во многом способствовала и работа художника К. Пантелеева, куклы которого были снабжены особой механикой (изобретение, запатентованное В. Швембергером под названием „биомеханическая кукла“), что делало их удивительно выразительными в движениях и жестах. В каждую куклу художнику удалось вложить точную индивидуально-пластическую характеристику образа, что, безусловно, помогало актерам.

Даже сегодня, взяв в руки какую-либо из тщательно сделанных кукол этого спектакля (хранятся в Музее ГАЦТК), удивляешься точности их воплощения. Кажется, что куклы не столько подчиняются рукам артиста, сколько диктуют им те или иные свои действия, движения, жесты.

„Чем выше искусство драматического актера, – считал В. Швембергер, – тем легче и лучше он овладевает искусством актера-кукольника“[239]239
  Назаров С. Воспоминания. Рукопись. Архив ГАЦТК. С. 11.


[Закрыть].

Режиссер и организатор театров (В. Швембергер основал четыре театра страны: Черниговский, Московский городской, Московский областной и Киргизский государственный театры кукол) стал и одним из первых репертуарных кукольных драматургов. Некоторые из написанных им пьес для театра кукол идут и по сей день.

Считавший себя учеником Вахтангова Швембергер, как и последователь Станиславского – Образцов, в своих режиссерских постановках был сторонником „театра актера“: „Если на маленькие кукольные плечи нельзя положить ту же почетную ношу, ту же обязанность быть действительно нужными людям, какая лежит на плечах большого искусства, тогда я не хочу ни писать о куклах, ни заниматься этим искусством, потому что в таком случае оно превращается либо в детскую забаву, либо в эстетское оригинальничанье взрослых“[240]240
  Образцов С. Моя профессия, М.: Искусство, 1981. С. 6.


[Закрыть].

Сравним эти слова С. Образцова со взглядами на возможности кукол режиссера В. Швембергера. Исполнитель роли Хлестакова С. Г. Назаров вспоминал, что во время репетиций режиссер „подбегал за ширму и возбужденно восклицал: „Если бы вы только видели! Эх, вы! А спорите! Если бы вы только видели! А ведь это – кукла! Пусть мне теперь скажут, что в театре кукол нельзя ставить реалистические спектакли!““[241]241
  Назаров С. Указ. соч. С. 11.


[Закрыть].

В. Швембергер, в отличие от Ефимовых, не рассматривал искусство играющих кукол как „театр движущихся скульптур“. В первую очередь он заботился о доминирующем положении в спектакле актера и его сценического двойника – куклы.

Недаром творчество Швембергера и Образцова объединяет один и тот же выдающийся художник – Валентин Андриевич, открытый В. Швембергером и дебютировавший в Московском областном театре кукол в 1938 году „Снежной королевой“ Евг. Шварца, а затем ставший ведущим художником Театра Образцова и создавший образы кукол для „Необыкновенного концерта“ и многих других звездных „образцовских“ спектаклей. Творческим „коньком“ В. Андриевича было создание образов уникальных, пластически выразительных кукол.

Главное различие режиссерских взглядов Образцова и Швембергера в том, что Образцов с самого начала считал театр кукол „другим театром“, искал и находил специфические для него средства выражения, задумывался над тем, „что можно, а что нельзя“ в театре кукол. Швембергер же считал, что подобной специфики нет и „всё можно“, так как между театром кукол и „живой драмой“ нет принципиальных семантических различий.

Во время Всесоюзного Смотра театров кукол, проходившего в Москве в декабре 1937 года, куда съехались десятки режиссеров из республик большой страны, В. Швембергер был одним из главных оппонентов С. Образцова, рассуждавшего об условной, метафорической природе театра кукол. „Мне кажется, – возражал В. Швембергер, – что в докладе Сергея Владимировича больше высказываний о своих методах, о своих театральных установках. Но положить его в основу деклараций судеб кукольного театра <…>, по-моему, нельзя. <…> Я считаю неправильным то акцентирование, которое делает Сергей Владимирович на сказке и сатире. <…> Мне думается, что нам ограничивать репертуар нашего советского театра только сказкой нельзя, ни в коем случае. <…> Нельзя декларировать какие-то узкие законы. Если пьеса требует, мы заставим куклу быть похожей на человека. Театры, которые увлекаются только формой, только трюками, вынуждены почувствовать, как зрительный зал от них уходит. Режиссер в кукольном театре должен направить театр на реалистическую правду. <…> Меня спрашивали, хорошо ли, что мы перед репетиционной работой за ширмой работаем за столом, пробуем играть в „живом плане“. Оказывается, что это еще приходится отстаивать“[242]242
  Стенография заседания Всесоюзного смотра театров кукол. 23 декабря 1937 г. Машинопись. Архив ГАЦТК. С. 8.


[Закрыть].

Последующие два десятка лет работы российских режиссеров театров кукол будут вестись именно в ключе „реалистической правды“, а точнее – прямого переноса методов и приемов драматического искусства на кукольную сцену. В конце 1950-х годов этот путь закончится тупиком, и слова Ю. Л. Слонимской о том, что „взгляд на марионетку как на замену актера, а не как на самостоятельную художественную личность, вреднее всего отразился на самом кукольном театре“[243]243
  Слонимская Ю. Л. Марионетка// Аполлон. 1916. № 3. С. 55.


[Закрыть], будут звучать вполне пророчески.

В. А. Швембергер верил и до конца отстаивал свои режиссерские позиции. Об этом можно судить по поздней (1960-х годов) статье режиссера, где он пишет: „Все кукольники разбились на две взаимно исключающие друг друга группы. На кукольников реалистического театра, считающих театр кукол театром, которому доступны все жанры театрального искусства, конечно, в пределах возможных выразительных средств кукол. Эта группа считала театр кукол плотью от плоти драматического театра, а все методы „живого“ театра – приемлемыми для театра кукол <…>. Другая группа кукольников-эстетов считала Театр кукол только специфическим „жанром“, развивающимся вне зависимости от реалистического драматического театра. Эта группа культивировала как нечто обязательное, единственно возможное специфический кукольный сатирический гротеск, буффонаду, карикатуру, театральное трюкачество, фокусничество и жуть мистики“[244]244
  Швембергер В. А. Указ. соч. С. 62–68.


[Закрыть].

Навсегда разошлись не только взгляды Швембергера и Образцова – разошлись их биографии. Когда началась война, Швембергера вызвали на Лубянку:

– Вы немец?

– Да, по национальности немец.

– Почему до сих пор в Москве? Выехать из Москвы в 24 часа.

Куда? Пункта не указали. Мы уехали в Скопин, к брату Андриану – хирургу. В Скопине был объявлен набор в ополчение <…> Нас, ополченцев, наскоро учили боевым приемам: мы и шагали, и окопы-ячейки отрывали, и в атаку учебную нас бросали… Мне 49 лет, было трудно, но получалось. Дошло дело до раздачи винтовок… Выдавали по списку, и вдруг:

– А ты кто такой, фамилию не выговоришь? Ты?!

– Швембергер, немец…

– Немец?! И винтовку тебе? Товарищ комиссар, у нас ЧП, немец!»[245]245
  Швембергер В. А. Указ. соч. С. 53.


[Закрыть].

«Немца» из ополчения вычеркнули. Он работал медицинским статистиком в госпитале под Владимиром, а заодно был художественным руководителем самодеятельного театра (среди постановок – «Муки лжи», «Гитлер и Геббельс», «Язык в корыте» и др.). На фронте погибли его сын – старшеклассник Евгений – и жена, ведущая актриса Московского театра кукол Н. Сазонова.

После окончания войны В. Швембергеру не разрешили жить в Москве, но предложили работу художественным руководителем Киргизского Республиканского театра кукол. 2 августа 1945 года режиссер приехал в г. Фрунзе (ныне – Бишкек). Собственно, театра кукол как такового в городе не было. Не было даже постоянной репетиционной базы. Иногда репетиции проходили в городском парке на скамейке. Но для В. Швембергера, уже создавшего к тому времени «на пустом месте» три театра кукол, все это было не ново. Очень скоро сыграли первую премьеру – «Звездный мальчик» О. Уайльда. Созданный по реалистическому методу режиссера, спектакль поражал тщательностью и мастерством кукловождения, где актеры, прошедшие «застольный период» и предварительно отрепетировавшие все сцены в «живом плане», филигранно фиксировали найденное и закрепляли его в «кукольном плане». Зрителям казалось, что они присутствуют на драматическом спектакле, в котором играют живые, но очень маленькие артисты. Этот эффект и поражал, и восхищал, и вызывал восторженное удивление.