Текст книги "Художники, изменившие историю"

Ян ван Эйк:
оптическая революция

Если дорогу Ренессансу в Италии проложил Джотто, то к северу от Альп Возрождение связывают прежде всего с именем нидерландского художника Яна ван Эйка.

Существует расхожий миф о том, что ван Эйк изобрел масляную живопись. Это не совсем так. Одно из его главных достижений – усовершенствование масляных красок. Красящие составы на основе растительных масел были известны еще в Средневековье. Пигменты растений или минералов растирали между двумя каменными поверхностями, а перед использованием смешивали этот порошок с яйцом. Такие краски, получившие название темперы, слишком быстро сохли, трескались и были недолговечными. Заменив яйцо растительным маслом, ван Эйк получил возможность накладывать краски прозрачными слоями[14]14
  Лессировка (из лат. laseris – смолистое, блестящее вещество, блеск) – один из технических приемов нанесения красок на основу тонким, просвечивающим слоем, для чего в составе краски увеличивают количество связующего вещества – масла, лака, скипидара, олифы.


[Закрыть], доводя живописную поверхность до глянцевого блеска. Тонкая масляная пленка, образующаяся на поверхности картины, одновременно и отражала падающий свет, и вбирала его в себя. Поэтому для работ ван Эйка характерен люминесцентный блеск. Изобретенная им техника получила всеобщее признание, впоследствии став визитной карточкой нидерландской живописи. И сейчас, увидев в музее картину, наполненную внутренним светом, в которой тонко проработаны поверхности предметов, драгоценностей, тканей, мы с уверенностью можем сказать, что она принадлежит кисти «северного» мастера.

Желание объективно и беспристрастно изобразить на картине окружающий мир – отличительная черта Северного Возрождения [15]15
  «Северное Возрождение» – эпоха (1430–1580) в развитии культуры стран Северной Европы: Нидерландов, Германии, Франции, Англии или более обобщенно – Европы за пределами Италии, к «северу от Альп».


[Закрыть]. Задача художника не придумывать, а наблюдать, познавая мир эмпирическим путем. В этом главное отличие от итальянской живописи, которая ориентировалась на Античность и возрождала ее. Главенствующими там были цвет, перспектива, анатомия и… фантазия. В Северном Возрождении – деталь, точность, правдоподобие. В Нидерландах и Фландрии XV века целое поколение художников «писали реальность» – Робер Кампен, Гуго ван дер Гус, Рогир ван дер Вейден, Ханс Мемлинг.

Человек в северном искусстве не стоял во главе всего, не приравнивался к Богу, это не итальянское гуманистическое и антропоцентрическое восприятие мира. Философская основа Северного Возрождения – пантеизм (обожествление природы и Вселенной, единство всего живого). Художники чувствовали это невидимое присутствие Бога во всем и свое почтительное отношение к природе переносили в живопись. Любимые итальянцами античные сюжеты конечно же были известны северным художникам, но не пользовались успехом; для них более понятными были формы готики, средневековое религиозное мировоззрение.

О жизни Яна ван Эйка известно немного. Он родился в восточной провинции Нидерландов, либо в Маастрихте, либо в Маасейке. Появления на свет гениального художника никто не ожидал, поэтому свидетельство о рождении мальчика было утеряно. Ян учился живописи у старшего брата Губерта ван Эйка (1370–1426). Это было популярной практикой того времени, художественных школ в современном понимании еще не существовало, а умения и навыки передавалась внутри семьи, от отца к сыну.

С 1425 года он в течение 16 лет работал придворным художником у герцога Бургундии Филиппа III Доброго. Их связывали дружеские отношения, он даже был крестным отцом одного из десяти детей ван Эйка. Интересно, что во время придворной службы он несколько раз отправлялся в некое особое «тайное путешествие» сначала в Испанию, затем в Португалию. Тайна вскоре была раскрыта, поездка 1427 года в Португалию была дипломатическим поручением о заключении брака между герцогом и португальской принцессой Изабеллой. Исполняя возложенную на него миссию, художник написал два портрета невесты (они не сохранились) и отослал герцогу вместе с проектом брачного договора. Впоследствии работал в Лилле и Генте, Брюгге, был востребованным и уважаемым мастером.

Среди буржуазного бургундского двора он прославился как портретист. Портреты, им написанные, представляют собой не некий условный идеализированный образ человека, а конкретную личность, зачастую с ее недостатками и особенностями внешности. Если итальянские художники создавали человека совершенного, то немецкие мастера старались передать характер портретируемого. В Возрождении Италии в портретном жанре на первый план выступала сторона эстетическая, в Северном – этическая.

Ян ван Эйк. Портрет мужчины в голубом шапероне. 1430. Национальный музей Брукенталя, Сибиу

Один из моих любимых портретов – «Портрет мужчины с голубым шапероном». Обратите внимание на элегантный цвет головного убора, этот синий пигмент добывали из полудрагоценного камня лазурита, который из-за высокой стоимости называли «синим золотом». Привычное нам название «ультрамарин» пигмент получил в XIV веке, когда в Европу из Афганистана было завезено большое его количество: «ultra marum» в переводе с латыни означает «привезенный через море». Предмет, который держит в руках мужчина, не случаен, кольцо в его руке отсылает к профессии ювелира.

Ян ван Эйк. Портрет кардинала Николло Альбергати. 1435. Музей истории искусств, Вена

«Портрет мужчины в красном тюрбане» считается автопортретом художника. В пользу этого говорит тот факт, что мужчина изображен так, словно пристально рассматривает себя в зеркале (если присмотреться, то можно увидеть в его зрачках отражение окон помещения). Также интересны слова, написанные на верхней части рамы: «Als Ich Can», что в переводе означает: «Как я умею». Темный фон резко контрастирует с лицом, черты мужчины ясны и детализированы: внимательный взгляд, гусиные лапки вокруг глаз, тонкие губы, щетина на подбородке. Кстати, у него на голове изображен не тюрбан, а распространенный в средневековье головной убор – шаперон, напоминающий капюшон, сложенный таким образом, что напоминает тюрбан.

Ян ван Эйк. Портрет мужчины в красном тюрбане. 1433. Национальная галерея, Лондон

Один из самых известных портретов ван Эйка – изображение купца Джованни Арнольфини и его супруги. Это первый парный портрет в северной живописи. Впрочем, по поводу личности главных героев картины до сих пор ведутся жаркие споры. Долгое время считалось, что картина была написана в честь бракосочетания Джиованны Сенами и итальянского торговца шелком Джованни Арнольфини. На картине много символов, указывающий на брак (например, собачка у ног женщины – символ верности, зеркало – непорочность и чистота, четки – благочестие, домашние туфли – уют и т. д.). Обратите внимание на жест Джованни Арнольфини. На большинстве картин XV века Мадонна изображена с таким жестом в знак принятия божественной благодати. Для Джованни это может значить согласие взять Джиованну в жены. Мастерски выписанная люстра с единственной горящей свечой над ними символизирует Бога, который является свидетелем брака. Версия продержалась до 1990 года, пока не были обнаружены документы, из которых следовало, что брак между этими людьми был заключен только в 1447 году, то есть через тринадцать лет после написания картины и через шесть лет после смерти самого художника.

Ян ван Эйк. Портрет Маргариты ван Эйк. 1439. Музей Грунинге, Брюгге

Еще одна популярная версия говорит о том, что это автопортрет Яна ван Эйка и его жены Маргариты. Один из его сыновей родился именно в 1434 году. Статуэтка св. Маргариты – покровительницы рожениц – на спинке кровати позади женщины может указывать на имя героини. Бросается в глаза явное сходство Маргариты ван Эйк и героини из «Портрета четы Арнольфини». А может быть, дама вовсе не беременна, ведь в моде того времени был округлый живот. На Маргарите знаменитый головной убор: под волосы подкладывали валики и сверху надевали чепец. В Средневековье такая прическа символизировала рога дьявола, подчеркивая греховную женскую природу.

Ян ван Эйк. Портрет четы Арнольфини. 1434. Национальная галерея, Лондон

Любопытна надпись по центру картины Johannes de eyck fuit hic 1434 («Ян ван Эйк был здесь»). Долгое время думали, что это автограф, оставленный автором, пока в отражении зеркала не увидели еще одну стоящую в дверях пару. Это дало повод утверждать, что Ян ван Эйк сделал своеобразный свадебный подарок супругам, а в дверях изобразил себя с женой.

Ян ван Эйк. Мадонна в церкви. Около 1438. Картинная галерея, Берлин

Ян ван Эйк написал более ста работ на религиозную тематику. Это объяснятся тем, что в XV веке основным заказчиком картин была церковь. «Мадонна в церкви» – одна из ранних и очень лирических работ ван Эйка. Поражает ее миниатюрный размер: всего лишь 31 × 14 см (лист А4), что было характерно для молитвенных диптихов XV века, которые часто держали в руках[16]16
  Существует ряд указаний на то, что картина является левой створкой разобранного диптиха: на правом торце рамы сохранялись застежки. В общем смысле картина представляет собой явление Девы Марии коленопреклоненному молящемуся донатору, изображенному на утраченной правой створке.


[Закрыть]. Мы видим Марию с Младенцем на фоне тщательно выписанного готического интерьера. Поражает ее элегантный наряд: роскошная корона, темно-синяя мантия, покрывающая красное платье, на подоле которого золотом выткана надпись SOL и LU, вероятно, от латинских слов «солнце» и «свет». Бросается в глаза несоразмерность фигуры с интерьером. Дело в том, что это символическое изображение Богородицы, ведь она – Царица Небесная. Работа словно светится изнутри. Ван Эйк клал краску тонкими слоями на белую, покрытую левкасом поверхность доски, добиваясь таким образом особой прозрачности изображения. Этот внутренний свет, исходящий от картины, его современники трактовали как божественное присутствие.

«Мадонна в церкви» написана в те годы, когда Ян под руководством старшего брата Губерта начал работу над Гентским алтарем по заказу состоятельной пары – Йоса Вейдта и Элизабет Борлют. На алтаре есть надпись о том, что его начал «самый большой из всех» живописцев Хуберт ван Эйк и окончил его брат Ян, «второй в искусстве». Алтарь создавался для собора Святого Бавона и был освящен 6 мая 1432 года. Он представляет собой грандиозный многоярусный полиптих из 26 панелей (высота 3,5 метра, ширина – 5 метров, 258 персонажей). Темой алтаря является поклонение Агнцу из Откровения Иоанна Богослова, согласно которому пророки, апостолы, мученики и святые стекаются к алтарю, на котором стоит Агнец, символизирующий Христа.

Знамениты изображения обнаженных Адама и Евы в натуральную величину, фланкирующих[17]17
  Фланкировать (устар.) – прикрывать сбоку.


[Закрыть] алтарь. Считается, что это тело Адама – первое изображение обнаженного человека в северной живописи, которое было написано с натурщика.

Ян ван Эйк. Гентский алтарь. Адам (фрагмент), Ева (фрагмент). 1432. Собор Святого Бавона, Гент

Середина и вторая половина 1430-х годов – период творческого расцвета художника. Картина «Мадонна канцлера Ролена» принадлежит к числу самых известных работ в нидерландской живописи. Здесь мы видим совершенно блестящее изображение и персонажей, и архитектуры, и пейзажа. Рядом с Мадонной в полный рост (что невероятно для того времени) изображен заказчик работы – канцлер Никола Ролен. Он был человеком властным и хитрым, советником герцога Бургундского Филиппа Доброго. Этот тип картины называется «молитвенным предстоянием», которое, как правило, находилось в семейной часовне и предназначалось для молитвы.

Ян ван Эйк. Гентский алтарь. 1432. Собор Святого Бавона, Гент

Позади персонажей за аркой (символ Троицы) мы видим маленький сад с цветами, в частности лилиями – символом чистоты Марии. Сад в живописи XIV–XV веков – это аллегория невинности Марии, так называемый закрытый сад (hortus conclusus). Этот образ навеян словами из библейской «Песни песней»: «Запертый сад – сестра моя, невеста, заключенный колодезь, запечатанный источник». Пейзаж с изображением города на втором плане скорее всего задумывался Ян ван Эйком как образ «небесного Иерусалима», «града Божия» (по словам из Апокалипсиса: «И вознес меня в духе на великую и высокую гору, и показал мне великий город, святой Иерусалим. Он имеет большую и высокую стену, имеет двенадцать ворот… Улица города – чистое золото, как прозрачное стекло»).

Ян ван Эйк. Мадонна канцлера Ролена. 1435. Лувр, Париж

Еще один известный образ ван Эйка – «Мадонна каноника ван дер Пале». На картине изображено явление святых заказчику картины – Йорису ван дер Пале, который был писарем, сделавшим успешную карьеру священника. Обратите внимание на то, как блестяще ван Эйк пишет его портрет: характерное выражение лица, взгляд. Перед нами уже немолодой человек с глубокими морщинами у глаз, оплывшим овалом лица. Дева Мария с Младенцем Христом на коленях восседает на престоле в центре картины, справа от нее святой Донатиан, архиепископ Реймсский, слева – святой Георгий, покровитель донатора. В этой работе поражает воображение то, с какой реалистичностью написаны разные фактуры материалов: ковер, золотые нити в епископской мантии, драгоценные камни.

Ян ван Эйк. Мадонна каноника ван дер Пале. 1434–1436. Музей Грунинге, Брюгге

Для своего времени Ян ван Эйк был новатором – он одним из первых начал подписывать произведения, сделал популярным форму поясного, а не погрудного портрета, усовершенствовал состав масляных красок, придавая произведениям стойкость и блеск. Вероятно, самым известным учеником Яна ван Эйка был Петрус Кристус. Он перенял у своего учителя внимание к деталям, гладкое письмо и утонченность живописи. Еще один талантливый ученик – Антонелло да Мессина сделал популярной технику масляной живописи в Италии.

Альбрехт Дюрер:
северный Леонардо

«Хороший художник должен дорого продавать свои работы. Слишком высокой цены не бывает». Достаточно интересное заявление для художника XVI века, не так ли? Немецкий живописец Альбрехт Дюрер – это история коммерческого успеха, насколько вообще успех такого рода был возможным для художника того времени. Обаятельный и харизматичный, он имел прижизненное признание, собственную мастерскую в Нюрнберге, судился с фальсификаторами своих работ в Германии и Италии, был первым северным художником, писавшим не только портреты заказчиков, но и… свои собственные. Великолепный график, гравер – он первым начал систематически подписывать свои работы и даже придумал собственный логотип в виде инициалов AD. Первым написал «Семейную хронику» – нечто вроде автобиографии и дневник – заметки о путешествии в Нидерланды.

В течение всей жизни Дюрер стремился изменить представление о статусе художника – не просто безродного ремесленника, а личности, творца. По обширности и многообразию интересов он – настоящий uomo universale[18]18
  Универсальный человек, энциклопедист, полимат, человек эпохи Возрождения – тот, чьи интеллектуальные способности, интересы и деятельность не ограничены одной областью знаний; человек добивающийся ощутимых практических результатов в разных сферах: науке, искусстве, музыке и т. д.


[Закрыть] и ничуть не уступает своему современнику Леонардо да Винчи. Дюрер изучал пропорции человеческого тела, его принято считать основателем сравнительной антропометрии. На досуге увлекался военно-инженерным делом, а особенно вопросами фортификации. Его считают основоположником акварельной живописи, в венском музее Альбертина хранится обширная коллекция его графики, куда входит и знаменитый рисунок «Заяц», которого из-за чувствительности к свету выставляют на обозрение раз в несколько лет.

Альбрехт Дюрер. (Молодой) Заяц. 1502. Галерея Альбертина, Вена

Его отец, Альбрехт Дюрер Старший, был венгром, по профессии ювелиром, приехавшим в Нюрнберг в поисках лучшей жизни. Его непривычную слуху венгерскую фамилию Айтоши (венг. Ajtósi, от названия села Айтош, от слова ajtó – «дверь») перевели на немецкий как «Türer»[19]19
  Die Tür в переводе с немецкого «дверь».


[Закрыть] и заменили первую букву на «Д». Впоследствии заглавные буквы имени и фамилии Дюрер возьмет в качестве логотипа, где Д вписана в А, как бы напоминая дверную арку, намекая на происхождение своей фамилии.

В семье Дюреров воспитывались 18 детей, из которых Альбрехт Младший был самым талантливым. Отец возлагал на него особые надежды, готовя к работе в своей ювелирной мастерской. Альбрехт же любил рисовать и после долгих уговоров был отправлен в мастерскую к Михаэлю Вольгемуту[20]20
  Михаэль Вольгемут (1434–1519) – немецкий художник, гравер и резчик по дереву. Основное его наследие составляют алтари Перингсдерфферов (ныне в Церкви мира в Нюрнберге), алтарь церкви Св. Марии в Цвиккау, алтарь в Городской церкви Иоанна Крестителя в Швабахе и др.


[Закрыть].

Альбрехт Дюрер. Автопортрет в возрасте 13 лет. 1484. Музей Альбертина, Вена

«Автопортрет в возрасте 13 лет» – первый в плеяде автопортретов Дюрера, портрет, выполненный в сложной технике серебряной иглы. Это тонкая и изящная работа юного художника, в которой угадывается «ювелирное» влияние отца. Для рисования стилосом[21]21
  Стилос – серебряный инструмент для письма с острым наконечником, которым графики пользовались до изобретения карандаша (графит был открыт только в 1504 году, а карандаши в привычном нам виде появились во второй половине XVII века).


[Закрыть] использовалась специально обработанная бумага, покрытая грунтом из толченой кости[22]22
  В трактате XV века «Книга об искусстве» (Il Libro dell’Arte) Ченнини рекомендует сжигать объедки со стола – например, куриные крылышки, а потом тонким слоем рассыпать пепел по бумаге или пергаменту и смахивать излишки заячьей лапкой.


[Закрыть] (такая поверхность называлась carta tinta). Рисунок, сделанный серебряной иглой, имел голубовато-серый цвет, но постепенно, в результате окисления, частицы серебра принимали теплый коричневатый оттенок – элегантный и утонченный.

Альбрехт Дюрер. Дворик замка в Инсбруке. 1494. Музей Альбертина, Вена

После окончания учебы Дюрер отправился в путешествие по Европе. Так называемые годы странствий служили для того, чтобы посмотреть мир, усовершенствовать свои навыки, набраться опыта и впечатлений. Ну и попутно сделать зарисовки из путешествия, чтобы потом продать их на родине. Точный маршрут Дюрера неизвестен, но остались его акварельные городские и пейзажные рисунки, которые отличает необыкновенная детализация. Дюрер владел и искусством миниатюры, об этом свидетельствует его пребывание в Базеле (тогда столице книгопечатания), где он создал около 250 книжных иллюстраций.

Дюрер и не думал о возвращении домой, пока не получил письмо от своего отца, который договорился о женитьбе сына. Возможно, в качестве подарка невесте Дюрер написал свой «Автопортрет с чертополохом» (1493). На полотне изображен молодой мужчина с чертополохом в правой руке, считавшимся символом мужской верности и одновременно преданности Богу. Портрет сопровождается надписью над головой художника: «Meine Sachen werden von oben bestimmt» («Мои дела определены свыше»). Это скорее выражение доверия к Богу, нежели к жене. Их брак был бездетным, супруги жили раздельно. Однако благодаря женитьбе на состоятельной женщине он смог повысить социальный статус и открыть свою мастерскую в Нюрнберге.

Альбрехт Дюрер. Автопортрет с чертополохом. 1493. Лувр, Париж

Крестным отцом Дюрера был Антон Кобергер – владелец крупнейшей в Нюрнберге типографии. Связи и финансовые возможности родственника помогли Дюреру наладить собственное дело. Накануне 1500 года в Европе ждали конца света. Во Флоренции монаху-доминиканцу Савонароле были видения мечей, явившихся из туч, и черного креста, вставшего над Римом. Германию в это время сотрясали крестьянские волнения, религиозные войны накануне Реформации, эпидемия чумы. Эти тревожные события повлияли и на Дюрера. В его картине «Кающийся св. Иероним» (к образу этого святого Дюрер обращается неоднократно) мы видим старца, молящегося в исступлении и бьющего себя в грудь камнем. Возле его ног – красные кардинальские шляпа и сутана, атрибуты его мирской жизни[23]23
  Св. Иероним – создатель латинского канонического текста Библии. До своей жизни аскетом Иероним был папским советником, титул кардинала был присвоен ему посмертно.


[Закрыть]. Иеронима всегда сопровождает лев. По легенде, в монастырь, где жил святой, пришел лев и распугал всех монахов, но Иероним подошел к животному, извлек из его лапы занозу и в знак благодарности лев начал его оберегать. С типично «северной» любовью к деталям написан второй план: скалы, камни, растения, наступающие сумерки, пылающий закат. Интересна и обратная сторона этой картины – с изображением летящей пылающей кометы – предвестника Апокалипсиса. Хотя есть и другая версия, о том, что это могло быть изображение упавшего метеорита Энсисхайм в ноябре 1492 года, очевидцем которого Дюрер мог быть[24]24
  Метеорит весом 127 кг. Один из старейших метеоритов, найденных в Европе. Упал 16 ноября 1492 года возле деревни Энсисхайм, в Верхнем Рейне, современная Франция. Падение было запечатлено многочисленными очевидцами, Альбрехт Дюрер нарисовал цветной рисунок события.


[Закрыть].

Альбрехт Дюрер. Святой Иероним в пустыне. 1495–1496. Национальная галерея, Лондон

Дюрер тонко чувствует тревожное настроение в обществе и делает «ход конем», начиная создавать гравюры на апокалиптическую тему, которые раскупаются мгновенно. Для цикла «Апокалипсис» он выполнил 15 полностраничных ксилографий, иллюстрировавших «Откровение евангелиста Иоанна Богослова» (6: 1–8). Сборник представлял собой устрашающие гравюры, сопровождающиеся текстом, с уникальными шрифтами. Главный посыл этой работы – наказание за грехи человечества. Почти в каждом листе серии была заложена хорошо понятная идея борьбы и противопоставления добра и зла, света и тьмы.

Эти гравюры на дереве и чуть позже на меди принесли Дюреру европейскую известность. Самая знаменитая из них – «Четыре всадника Апокалипсиса», аллегория бедствий, которые случатся с человечеством во время конца Света. Всадник с луком – это «Чума», «Война» изображена с мечом, «Голод» с весами в руках, «Смерть» с трезубцем. Не случайно первые двое персонажей изображены с восточными чертами лиц. У людей, живших на рубеже XV–XVI веков, опасность ассоциировалась с турками, в 1453 году захватившими Константинополь, уничтожившими Византию и продолжавшими двигаться в глубь Европы. Компанию всадников сопровождает чудовище, которое поедает всех без разбора: и правителя, чей головной убор представляет собой смесь царской короны и митры епископа, и хорошо одетую горожанку, и крестьянина. От этих всадников не спастись.

Дюрер стал одним из первых художников, который возвел гравюру в ранг искусства, а не ремесла. В основном он работал в двух техниках: ксилографии (высокая гравюра по дереву) и гравюре резцом по меди (глубокая гравюра). Ксилография как способ копировать изображения появилась в Европе еще в Раннем Средневековье. Мастер оставляет на деревянной доске (на «штампе») выпуклые линии рисунка и переносит краску с выступающих частей на бумагу, отсюда название – высокая гравюра. Работы, сделанные таким методом, получаются очень выразительными, с четкими линиями, а сам штамп сделать несложно.

Альбрехт Дюрер. Четыре всадника Апокалипсиса. 1497–1498. Рейксмюзеум, Амстердам

Штампы для «глубокой гравюры» изготавливались из медных досок, и мастер выводил линии особыми резцами – штихелями. При печати на штамп оказывалось такое сильное давление, что краска из углублений перетекала на лист. Такая техника позволяла создавать более сложные объемные гравюры с полутонами, игрой света и тени, точной детализацией.

В 1513–1514 годах Дюрер создал три гравюры по меди, вошедшие в историю искусства под названием «Мастерские гравюры»: «Рыцарь, Смерть и Дьявол», «Святой Иероним в келье» и «Меланхолия». До настоящего времени они представляют загадку для искусствоведов, предлагающих для них самые различные трактовки. Сюжеты гравюр связывают с тремя типами добродетельной жизни: созерцательным «Святой Иероним», творческим «Меланхолия» и деятельным «Рыцарь, Смерть и Дьявол».

«Рыцарь, Смерть и Дьявол» – самая ранняя из трех гравюр. Главный герой – воин в доспехах, которого на извилистой горной дороге подстерегают силы тьмы. По правую руку от него едет Смерть с песочными часами в руке, как бы намекая на то, что время рыцаря предрешено, а позади по пятам идет Дьявол. Трактовку этой гравюры часто связывают с книгой Enchiridion militis christiani («Руководство христианского воина») писателя и гуманиста Эразма Роттердамского, который был другом Дюрера. Согласно этому тексту, жизнь истинного христианина – это постоянная борьба, цель которой – достичь Царства Небесного (в виде замка в левом верхнем углу). Вокруг рыцаря мы видим символы добродетелей, которые помогут ему пройти этот путь. Пес – верность и преданность, дубовые листья – сила духа. Рыцарь спокоен и упрям, ведь дорогу осилит только идущий.

Альбрехт Дюрер. Рыцарь, Смерть и Дьявол. 1513. Национальная галерея искусства, Вашингтон

Графическое наследие Дюрера – одно из крупнейших в истории европейского искусства. Сохранилось около 970 работ в этом жанре. Отдельного внимания заслуживают его натуралистические зарисовки. Рисунки с изображением растений и животных отличает точность, доскональное знание изображаемого предмета, высокое мастерство исполнения. Сейчас мы любуемся ими как самостоятельными законченными произведениями, а они служили лишь подготовительным материалом для крупноформатных работ.

Знаменитые «Полевой Заяц», «Крыло сизоворонки», «Большой кусок дерна» представляют собой безупречные произведения, написанные акварелью, гуашью и белилами. Дюрер блестяще справлялся со сложной задачей передачи световых эффектов на поверхности меха, перьев, растений. Кажется, что рисунки выполнены цветными карандашами. «Заяц» – один из первых подписанных и датированных рисунков Дюрера. Чем он так знаменит? Никому прежде не удавалось выполнить настолько натуралистичный рисунок, это сотни «ювелирных» мазков, детальная проработка, сравнимая с фотографией. К тому же, вопреки традиции, этот заяц существует как бы сам по себе, без символического контекста, без какой-либо истории. После смерти Дюрера рисунок неоднократно пытались подделать. В настоящее время известно 13 его вариантов.

Ганс Хоффман. Фальшивый заяц Дюрера. 1528. Объединение музеев Берлина

Альбрехт Дюрер. Крыло сизоворонки. 1512. Музей Альбертина, Вена

Куда забавнее история с «Носорогом» – гравюрой на дереве с изображением животного, которое Дюрер никогда не видел. Впервые в Европе носорог появился в Португалии, его привезли из Индии в качестве подарка королю. Затем он был выставлен на всеобщее обозрение. Через несколько лет зарисовки и описания этого удивительного животного попали к Дюреру. На его гравюре носорог закован в латы. Кроме того, Дюрер наделил носорога изогнутым рогом на спине, чешуйчатыми ногами и зазубренным гребнем на спине. Несмотря на анатомические неточности, эта гравюра получила известность в Европе, считалась достоверным изображением носорогов вплоть до конца XVIII века и неоднократно копировалась.

Альбрехт Дюрер. Носорог. 1515. Британский музей, Лондон

Настоящую революцию Дюрер совершает в жанре автопортрета. До него писать свои портреты художникам не приходило в голову. В эпоху Средневековья они не считали себя достойными изображения на картине, не оставляли подписи – это считалось проявлением гордыни и тщеславия. Дюрер же написал три изысканных автопортрета. В них он подчеркивает свой статус творца, человека Возрождения, а не безродного ремесленника.

«Автопортрет в одежде, отделанной мехом» – первый портрет, написанный в анфас (обычно для светских портретов использовался оборот в три четверти). Фронтальность изображения, темный фон, рука, поднятая к середине груди как бы в благословляющем жесте, имеют сходство с изображением Иисуса Христа. Если рассматривать эту работу с лупой, видно, как отражения окон в зрачках Дюрера образуют кресты. Американский искусствовед, бывший директор музея Метрополитен Томас Ховинг сказал о нем так: «Это самый надменный, раздражающий и великолепный портрет из когда-либо созданных». На полотне стоит подпись художника: «Я написал это с себя / Мне было двадцать шесть лет / Альбрехт Дюрер»[25]25
  Das malt ich nach meiner gestalt / Ich war sex und zwenzig Jor alt / Albrecht Dürer.


[Закрыть]. А его монограмму AD рядом с обозначением года 1500 можно читать не как «Альбрехт Дюрер», а как anno domini – то есть от Рождества Христова. Открытым остается вопрос: как благочестивый Дюрер посмел изобразить себя в образе Христа? Это богохульство или нечто другое?

Альбрехт Дюрер. Автопортрет в одежде, отделанной мехом. 1500. Старая Пинакотека, Мюнхен

Еще более провокационно выглядит обнаженный автопортрет, вызывающий ассоциации с работами австрийского экспрессиониста Эгона Шиле. Выполненный на тонированной зеленой бумаге, этот рисунок выглядит очень современно и является самым откровенным автопортретом художника. Дюрер нарисовал себя полностью обнаженным. Кстати, свой собственный торс (ввиду запрета на натурщиков) Дюрер неоднократно использовал для моделирования мужских фигур.

Альбрехт Дюрер. Обнажений автопортрет. 1505–1509. Шлоссмузеум, Веймар

В возрасте 50 лет Дюрер был уважаемым человеком, получал ежегодную пенсию от короля, писал портреты бюргеров и теоретические трактаты для начинающих художников. Он умер 6 апреля 1528 года, в возрасте пятидесяти шести лет, наследников у него не было. Его друг поэт и гуманист Виллибальд Пиркгеймер сочинил для него трогательную эпитафию: «Под этим холмом покоится то, что было смертного в Альбрехте Дюрере».