Текст книги "Изобразительное искусство для дошкольников: натюрморт, пейзаж, портрет. Для работы с детьми 4-9 лет"

Занятие 5. Канчэндзона. Гималаи

Рерих Николай Константинович (1874—1947). «Канчэндзона. Гималаи», 1933. Картон, темпера, 30,6x45,6 см.

После поленовского «Дворика» очень непривычным кажется горный пейзаж Николая Константиновича Рериха.

Вторую половину жизни художник провел в Индии, он жил в предгорьях Гималаев – самых высоких гор в мире. Нам кажутся странными цвета на его пейзаже («Канчэндзона. Гималаи», 1933), но нужно учесть, что в высокогорных районах особые условия освещения. Н.К. Рерих писал горные пейзажи чистыми насыщенными красками, что соответствовало этим необычным условиям света и цвета.

Спросите у детей 4 – 5 лет, обитаемы ли эти горы, какие животные и растения могут там жить. Детям 6 – 7 лет предложите рассказать, какие мысли вызывает у них этот пейзаж и почему.

При выполнении свободной копии посоветуйте ребятам смело выбирать самые яркие краски, сочетания которых на рисунке кажутся им красивыми. Не нужно стремиться точно повторить цветовую гамму картины Н. К. Рериха.

Занятие 6. Радуга

Айвазовский Иван Константинович (1817—1900). «Радуга», 1873. Холст, масло, 102x132 см.

Морские пейзажи Ивана Константиновича Айвазовского (1817—1900) изображают море при различном состоянии погоды и освещении: дневное спокойное, освещенное луной ночное, иногда бурное, под несущимися по небу тучами. Художник писал морские сражения и парады кораблей, кораблекрушения и людей на берегу. И. К. Айвазовский жил в Крыму, в Феодосии, на самом берегу, но свои морские пейзажи он писал, не глядя на море, – так хорошо он его знал.

Пейзаж И. К. Айвазовского «Радуга» (1873) относится к творчеству зрелого мастера, морские пейзажи которого получили мировую известность. Художника увлекают необычные и трудно воспроизводимые светоцветовые эффекты в морском пейзаже, например изображение радуги и волны, освещенной случайным солнечным лучом, прорвавшимся сквозь тучи во время бури. (Не все знают, что радуга бывает только в той стороне неба, которая противоположна солнцу, причем без солнца радуги не бывает.) Однако не радуга является главной темой картины, представляющей трагический момент гибели корабля, который, так же как и шлюпку с людьми, волны сносят на прибрежные скалы. Здесь представлена непобедимая мощь стихии, перед лицом которой человек оказывается бессильным. Так художник «расправлялся» с романтическими представлениями о герое, бросающем вызов природе, характерными для искусства начала XIX века. К середине XIX века романтизм как направление в искусстве устарел.

Попросите детей рассказать, какие чувства вызывает у них эта картина. С детьми 6 – 7 лет обсудите, что общего есть у картин Н.К. Рериха и И. К. Айвазовского, а детям 4 – 5 лет расскажите об опасности плавания по морю на старинных парусных судах. При выполнении свободной копии главное – это волны, небо и радуга, корабль нужно только наметить, не обязательно рисовать береговые скалы и лодку, ни в коем случае не рисовать людей в ней.

Занятие 7. Грачи прилетели

Саврасов Алексей Кондратьевич (1830—1897). «Грачи прилетели», 1871. Холст, масло, 62x48,5 см.

Московский художник Алексей Кондратьевич Саврасов одной лишь картиной «Грачи прилетели» (1871) открыл необыкновенную духовность русского пейзажа, присутствие в нем высшего, не выразимого словами значения.

Что-то подобное мы имеем в виду, когда говорим, что у человека есть душа. Именно об этом еще раньше, в 1855 году, писал Федор Тютчев в своем знаменитом стихотворении:

 
…Эти бедные селенья,
Эта скудная природа —
Край ты мой долготерпенья,
Край ты русского народа…
 

Нужно сказать, что одухотворенность и душевность присутствуют и в ряде других пейзажей А. К. Саврасова, но картина «Грачи прилетели» занимает в русском пейзаже совершенно уникальное место. Так как духовность пейзажа практически невозможно выразить словами, не пытайтесь сделать это, тем более не требуйте этого от детей. Более продуктивно обсудить с ребятами каждую строку из приведенной выше строфы Ф. И. Тютчева и попытаться найти соответствие каждой строке в пейзаже А. К. Саврасова. С детьми 4 – 5 лет обсудите две первые строчки, с детьми 6 – 7 лет – все четыре.

При выполнении свободной копии обратите внимание детей на основное цветовое отношение: снега и неба. На этот раз обязательно нужно нарисовать деревья, грачей (но не всех!), 2 – 3 дома и церковь.

Лужу растаявшего снега, куст за ней и пейзаж на дальнем плане изображать не следует.

Занятие 8. Звон. Колокольня Ивана Великого

Лентулов Аристарх Васильевич (1882—1943). «Звон. Колокольня Ивана Великого», 1915. Холст, масло, бронза, серебро, наклейки из тисненой фольги, 211x213 см.

Аристарх Васильевич Лентулов был одним из основных участников общества московских художников, носившего странное название «Бубновый валет» (1910—1917), члены которого так же смело обновляли художественный язык живописи, как М.С. Сарьян, но несколько в ином направлении.

В картине М.С. Сарьяна мы видели плоскостное решение с контрастными цветовыми заливками. Участники «Бубнового валета», наоборот, искали тонкие градации цвета, а форму изображаемых предметов делили на множество небольших объемов. Эти особенности ярко проявились в картине A.B. Лентулова «Звон. Колокольня Ивана Великого» (1915).

На ней изображена колокольня Ивана Великого и стоящая рядом с ней Ивановская звонница Московского Кремля. А точнее, темой картины является сам звон колоколов – покажите детям, как качаются архитектурные объемы в ритм с ударами колокола.

Эта работа трудна даже для свободного копирования. Посоветуйте ребятам пренебречь всеми мелкими деталями (окнами, фигурой звонаря и т. д.), но сохранить основные цветовые плоскости и самые крупные архитектурные объемы (не следует пытаться передать их объем, пусть на рисунках они будут плоскими), нужно упростить цветовое решение.

Главная задача – создать красивый по цвету смелый рисунок. На этом занятии, пренебрегая копированием, даже свободным, важно постараться раскрепостить детей как художников.

Занятие 9. Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии

Шишкин Иван Иванович (1832—1898). «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии», 1872. Холст, масло, 117x165 см.

В русской живописи пейзаж как самостоятельный жанр начал развиваться с конца XVIII века, поначалу под влиянием итальянской живописи. Русские художники ездили в Италию, учились там и писали красивые итальянские пейзажи. Италия – южная страна, там много моря и солнца. Вернувшись домой, художники писали русские пейзажи похожими на итальянские. Так продолжалось почти полвека, пока Иван Иванович Шишкин не открыл своими картинами красоту русского пейзажа: от поросшей снытью лесной опушки до глухого мощного леса («Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии», 1872). И. И. Шишкин прекрасно знал природу и передавал ее на своих полотнах абсолютно точно. Он очень любил именно русский пейзаж, эта любовь проявлялась в картинах, придавая пейзажам особую красоту. Художник обычно писал «чистый»[5]5
  «Чистый» пейзаж – пейзаж без построек, человеческих фигур и пр.


[Закрыть] пейзаж в летний солнечный день, но есть у него и зимние пейзажи.

Предложите сравнить эту картину с картинами Н. К. Рериха и И. К. Айвазовского. Все три полотна выражают мощь природы. Спросите, чем же они отличаются. Внимание ребят 4 – 5 лет направьте на географические различия, детей 6 – 7 лет – на символическое выражение темы «природа и человек». В горном пейзаже – полная отстраненность природы от человека, горы как обиталище таинственных духов, недоступных познанию человека. В морском пейзаже – неодолимая мощь стихии, власть которой над собой человек должен признать. И только в лесном пейзаже И. И. Шишкина природа предстает как прекрасная, не чуждая и грозная, а близкая и родственная человеку среда обитания, которая щедро обеспечивает его почти всем необходимым: пищей (охота, бортничество и пр.), теплом (дрова, уголь), строительным материалом для жилья и даже для кораблей. Природу необходимо беречь (побеседуйте об охране природы).

При выполнении свободной копии нужно выделить три части пейзажа: лес, земля и небо (ручей, пни и камни рисовать не нужно). В лесу следует прорисовать несколько стволов и веток и отличить по цвету кроны сосен в тени и на солнце.

Занятие 10. Заключительное

Заключительное занятие целесообразно проводить в присутствии родителей.

Вспомните вместе с детьми все жанры живописи, особенности пейзажа.

Просмотрите последовательно все репродукции, с которыми познакомились на занятиях, каждый раз предлагая детям назвать художника и рассказать что-нибудь о картине. Попросите каждого ребенка назвать те пейзажи, которые ему больше понравились, и объяснить почему.

Вторая часть занятия начинается с того, что каждый ребенок раскладывает на полу все свои восемь рисунков в том порядке, в каком они были выполнены (репродукции следует убрать).

Поставьте детей перед рисунками так, чтобы они всем были хорошо видны, и обсудите их вместе, пытаясь выделить наиболее удачные работы и отметить наиболее красивые отдельные фрагменты (критиковать не нужно).

Обязательно похвалите каждого ребенка, а его лучшие рисунки отметьте на обороте (для родителей).

Обсудите последовательно рисунки каждого ребенка.

Знакомство с натюрмортом

Натюрморт в русской живописи

Натюрморт – жанр живописи, объектом изображения в котором служат, как правило, бытовые предметы: посуда, музыкальные инструменты, вазы с цветами, мебель; иногда – часть интерьера, орудия ручного труда и т. д.

Слово «натюрморт» – французского происхождения и в буквальном переводе значит «мертвая природа», но это слово давно обрусело и потеряло свой первоначальный смысл. Предметы, которые изображены в натюрморте, могут многое рассказать зрителю – стоит только внимательно смотреть и на них, и, главное, на картину в целом.

Рассказывают не сами предметы – рассказывает художник, написавший натюрморт, но не словами, а с помощью изображения специально отобранных и поставленных определенным образом предметов.

В пособии рассказывается о том, какие натюрморты создавали художники в разные эпохи – с XVIII по XX век; о том, как развивался жанр натюрморта в русской живописи. Рассматриваются следующие произведения:

1. Неизвестный художник. «Листы из книг и картинки», 1783. Холст, масло, 86x81,8 см. Государственная Третьяковская галерея.

2. Хруцкий И. Ф. «Цветы и плоды», 1839. Холст, масло, 65,9x88,8 см. Государственная Третьяковская галерея.

3. Коровин К. А. «Гвоздики и фиалки в белой вазе», 1912. Холст, масло, 91,5x73,5 см. Государственная Третьяковская галерея.

4. Кончаловский П. П. «Сухие краски» (фрагмент), 1912. Холст, масло, коллаж, 105,6x86,6 см. Государственная Третьяковская галерея.

5. Фальк Р. Р. «Красная мебель» (фрагмент), 1920. Холст, масло, 105,6x122,8 см. Государственная Третьяковская галерея.

6. Петров-Водкин К. С. «Розовый натюрморт» (фрагмент), 1918. Холст, масло, 57,5x71 см. Государственная Третьяковская галерея.

7. Герасимов С. В. (1885—1964). «Колокольчики» (фрагмент), 1945. Холст, масло, 90x70 см. Государственная Третьяковская галерея.

8. Стожаров В. Ф. «Хлеб, соль и братина» (фрагмент), 1964. Холст, масло, 100,5x130 см. Государственная Третьяковская галерея.

Методические рекомендации

В первой части занятия, при обсуждении картины, нужно рассказать детям, как звали художника, когда и где он жил, какое место занимал натюрморт в его творчестве. В беседе с детьми 4 – 5 лет следует подчеркнуть красоту натюрморта, обсудить состав предметов, их взаимное расположение; детально обсудить, каким элементам натюрморта художник придавал главное значение. Спросить у детей, чем нравится им этот натюрморт, а если не нравится, то почему.

С детьми 6 – 7 лет дополнительно нужно обсудить, что, по их мнению, чувствовал художник, когда писал натюрморт, какие чувства и мысли вызывает у них этот натюрморт. Спросить, какими художественными средствами добился автор красоты и выразительности картины (композиция[6]6
  Размеры, взаимное расположение и соотношение основных элементов картины.


[Закрыть], цвет, рисунок[7]7
  Здесь: линии, контуры, пропорции основных частей картины и их светотеневое решение.


[Закрыть]), обсудить их на конкретных примерах в данной работе. Обязательно нужно сопоставить натюрморт с натюрмортом, рассмотренным на предыдущем занятии, обратить внимание на сходства и различия.

Вторая часть занятия посвящается самостоятельной творческой работе детей по созданию свободной копии рассмотренного произведения. Для упрощения создания свободной копии и для большего разнообразия используемых приемов применяется смешанная техника: аппликация из бумаги, живопись (гуашь) и графика (фломастер и тонкая линия кистью).

Основное внимание взрослого должно быть обращено не на точность копирования и не на отдельные мелкие детали изображения. Гораздо важнее – общие художественные характеристики картины: композиция (место основного зрительного центра, основные составные части: цветовые пятна, главные линии, их взаимное расположение и зрительная уравновешенность), колорит (основной цвет работы), форма крупных цветовых пятен, наличие или отсутствие контрастов по светлоте (темный – светлый) и по цвету (теплый – холодный). Все эти характеристики следует обсудить с детьми, выстраивая беседу в форме вопросов и ответов, сделать их понятными дошкольникам (особенно детям 6 – 7 лет). При любом обсуждении, как в первой, так и во второй части занятия, нужно подчеркивать красоту натюрморта в целом, его фрагментов и их сочетаний.

Материалы, необходимые для работы:

• один лист плотной белой бумаги формата А2 (40x60 см) или A3 (30x40 см);

• краски – гуашь художественная (набор из 12 цветов, желательно – «Мастер-класс» Петербургского завода художественных красок);

• кисть круглая, №9 или 10, из материала «ушной волос»;

• небьющаяся банка для воды емкостью около литра (наполнять до половины);

• тряпка;

• набор цветной бумаги для аппликации;

• ножницы;

• клей ПВА (если упаковка клея без капельницы, то потребуются небольшая плошка и щетинная кисть);

• набор тонких фломастеров – 6 цветов (не маркеры!);

• 20 листов белой бумаги формата А6 (10x15 см) для подготовительных набросков;

• 3 пластмассовых ножа или 3 плоские деревянные палочки.

Плоскими палочками достают из банок светлые краски:

белила, желтую и охру светлую, остальные краски берут кистью, предварительно сполоснув ее в воде и отжав двумя пальцами.

Для смешивания красок используются крышки от их баночек: сначала в крышку кладется более светлая краска, а затем в нее небольшими порциями добавляется более темная.

Следует напоминать детям как можно чаще мыть кисть в банке с водой, отжимать с нее лишнюю воду а пальцы промокать тряпкой. Воду в банке менять несколько раз в ходе занятия. Кисть должна быть не сухая, но и не очень мокрая. По густоте краски и их смеси должны напоминать хорошую сметану, высохшие краски использовать нельзя. Карандаши, ластики, палитры и акварельные краски на занятиях не понадобятся.

Вторая часть занятия проводится после перерыва и включает два этапа.

На первом этапе дети фломастером любого цвета, кроме желтого, выполняют упрощенный набросок натюрморта на небольшом листе бумаги. Этот композиционный набросок должен отразить взаимное расположение и относительные размеры основных частей изображения (предварительно нужно обсудить с детьми, какие части картины главные, а какие – второстепенные), начинать набросок нужно с самого большого предмета, мелкие предметы рисовать не следует. Категорически нельзя использовать несколько цветных фломастеров или закрашивать фломастером части рисунка.

Дети выполняют несколько быстрых упрощенных набросков (не более 10), показывая каждый руководителю и пытаясь в следующем наброске учесть полученные замечания. Постоянно напоминайте детям: прежде чем провести линию, нужно обязательно посмотреть, как эта линия проходит на картине. Основное внимание при этом уделяется именно композиции, а не рисунку, то есть не более точному вырисовыванию конкретного предмета, а определению его места и размеров. Если ребенок более или менее справился с композицией, последние наброски можно посвятить уточнению рисунка, как и прежде не обращая внимания на мелкие детали изображения и не рисуя их. На каждом наброске обязательно показывайте ребенку не только ошибки, но и удачные моменты. Этот этап может занять примерно половину второй части занятия.

Длительность первой и второй части занятий, как правило, не одинакова – вторая часть может быть значительно больше первой. Тем не менее, прежде чем переходить ко второй части, обязательно сделайте небольшой перерыв. Вторую часть лучше проводить без перерыва, но иногда, для отдыха детей, можно отвлечь их внимание каким-нибудь рассказом или общим разговором, далеким от темы занятия.

На втором этапе дети создают свободную копию натюрморта на большом листе бумаги. При этом они руководствуются не только репродукцией натюрморта, но и лучшим из набросков, выполненных на первом этапе. Весь лист постепенно должен быть покрыт изображением натюрморта: частично с помощью аппликации (большие пятна), частично с помощью гуаши.

Сначала вновь обсудите с детьми колорит картины, предложите им подобрать цветную бумагу для самых крупных цветовых пятен (часто ими бывают фон, стол, самый большой предмет). Затем дети вырезают из цветной бумаги куски, близкие по форме и размерам цветовым пятнам, и раскладывают их на белом листе (можно составлять одно пятно из нескольких кусков бумаги, если так проще).

Следите за техникой безопасности: дети должны сидеть свободно, брать ножницы только на время работы с ними, не держать ножницы открытыми, не общаться друг с другом с ножницами в руках.

Цветные вырезки могут частично перекрывать друг друга, желательно не оставлять между ними белые полоски, однако не обязательно самые большие пятна закроют весь лист.

Добиваясь композиционного сходства с наброском натюрморта, дети передвигают вырезки по листу, а потом по очереди их приклеивают, тонким слоем клея (следует помнить – дети склонны наносить избыточное количество клея!) промазывая вырезку снизу по контуру. На большую вырезку можно положить несколько мазков клея в середине, аккуратно наложить вырезку на нужное место и разгладить руками. Клей ПВА, нанесенный тонким слоем, схватывает бумагу очень быстро, поэтому делать перерывы для просушки не требуется. Подобную операцию можно повторить и для менее крупных частей изображения, которые есть на наброске.

Напоминайте детям, что нужно периодически смотреть на репродукцию натюрморта и постоянно использовать его упрощенную схему на наброске.

Цвет аппликации не будет соответствовать цвету натюрморта, кроме того, на листе останутся достаточно большие белые пятна и части, для которых не удалось подобрать близкую по цвету бумагу. Цветовая доработка свободной копии производится с помощью гуаши: красками покрывают все белые места, все части, для которых не нашлось цветной бумаги, частично или полностью корректируя цвет наклеенных вырезок. При этом не нужно строго придерживаться границ вырезок, их можно пересекать и даже игнорировать, уточняя форму пятен и постепенно превращая цветовые пятна в изображения предметов натюрморта. Также, как правило, не следует искать различные оттенки цвета в пределах одного цветового пятна.

На этом этапе важно обратить внимание детей не только на цветовые отношения, но и на световые (темнее – светлее). Посоветуйте детям утемнить (желательно без использования черной и коричневой красок) или высветлить (смесями красок с белилами или охрой светлой) некоторые части изображения. Периодически при работе с цветом предлагайте ребенку сопоставить его работу с репродукцией натюрморта, после чего внести уточнения. На этом живописная часть работы по созданию свободной копии заканчивается и остается только ее графическое завершение.

Итак, сначала дети занимались искусствоведческим анализом натюрморта, затем прорабатывали его композицию, выполняя композиционный набросок, далее добивались цветового сходства (используя аппликацию из цветной бумаги и живопись гуашью) и в конце перешли к графике.

При завершении работы нужно тонкими, но достаточно яркими линиями подчеркнуть и уточнить границы цветового пятна или частично контур предмета (но не весь контур!), а также изобразить линейные объекты, например ручку кувшина, стебель цветка и пр., ограничиваясь только главными для данного натюрморта деталями.

На всех этапах создания свободной копии присутствует овладение рисунком: в наброске – передача формы основных частей изображения, в аппликации – уточнение контура, в живописи гуашью – форма менее крупных частей натюрморта, затем свето-теневая коррекция и в конце – собственно графическая доработка контуров и прорисовка линейных элементов изображения.

По окончании работы по созданию свободной копии разложите все рисунки на полу, расставьте детей так, чтобы каждому были видны все работы, и обсудите рисунки. При этом не нужно останавливаться на недостатках, тем более нельзя анализировать сходство детских работ с репродукцией или друг с другом. Важно найти в каждой работе что-то удачное, красивое, смелое, отметить это и похвалить каждого ребенка. Следует хвалить детей и в процессе работы, помня, что для ребят их рисунки – не копии известных картин, а результат упорного труда по созданию собственного художественного произведения. Так же должны к ним относиться родители и воспитатели. Овладевая художественными средствами в процессе создания собственных творческих работ, дети учатся понимать художественный язык искусства и развивают свои способности.

Перед началом занятий с детьми мы рекомендуем родителям и воспитателям, пользуясь изложенной выше методикой, попробовать самостоятельно выполнить несколько свободных копий репродукций, приведенных в пособии, но не демонстрировать их детям.

В процессе занятий следует постоянно показывать детям на их работах, как следует выполнить то или иное действие: сделать или поправить набросок, вырезать бумагу, приклеить ее, смешать краски, вымыть и отжать кисть, покрыть краской часть листа, откорректировать цвет и свет, провести линию и прочее, причем показывать не на одной работе, а на разных, чтобы в чем-то помочь каждому ребенку.

Все выполненные детьми работы нужно сохранять – они потребуются на заключительном занятии, которое проводится в присутствии родителей.