Текст книги "Голос это я! Сцена. Выразительность. Стиль"

Как избежать ошибки при выборе репертуара

Следующим краеугольным камнем успешного выступления является выбор репертуара. Это даже, скорее, первостепенный краеугольный камень успеха вашего выступления.

Неправильный выбор репертуара может загубить все ваше выступление на корню, пустить под откос все ваши репетиции и надежды! И напротив, выбор хорошего, правильного репертуара или одной отличной песни для выступления может мгновенно сделать вас звездой!

Все мы наблюдали за конкурсами такого масштаба как «Грэмми» или же «Евровидение», на которых артисты выступают только с одной песней. И у кого-то она «выстреливает», а у кого-то – нет. При том надо понимать, что над подготовкой таких артистов трудится целая команда продюсеров, которые продумывают и примеряют каждый шаг на пути к первой премии.

Однако, даже при таком подходе многие артисты и компании, которые их продвигают, терпят крушение в случае, если репертуар не был подобран в соответствии с последними трендами, или если он не подходил этому артисту, или если он просто не понравился публике. Другими словами, репертуар – это наше все!

Важно отметить, что на конкурс лучше взять песню, которую вы уже когда-то исполняли. Апробированная ранее песня позволит вам меньше волноваться, а значит, вы почувствуете себя увереннее. А еще вы будете знать по прошлому опыту, как аудитория реагирует на вашу песню, что тоже очень важно.

Не считайте себя обязанным представить непременно что-то новое. Заметьте, что многие эстрадные звезды годами поют один и тот же репертуар, сложившийся из хитов многих лет. Почему? Потому что в этом случае они постоянно поддерживают себя в топе, а новую песню «раскрутить» до топа невероятно сложно – на это требуются инвестиции, время и ротации.

Выбранная вами композиция должна соответствовать вашему амплуа, ни в коем случае не идти с ним в разрез, даже если вас просят: «Ой, Танечка, спой нам что-нибудь веселенькое!». А вы – человек более статичный, серьезный и, к примеру, не умеете танцевать или приплясывать, больше к вашему имиджу подходит что-то в стиле рок или в стиле драма. В этом случае лучше не соглашаться и не петь «веселенькое».

Также, выбирайте песню, которая находится в рамках комфортной зоны диапазона вашего голоса на данный момент. Потому что от волнения самые тонкие, неуверенные места обязательно сорвутся, а вам не надо рисковать. Если нужно, вы даже можете поменять тональность песни, совсем не обязательно петь в оригинальных тональностях композиции.

Мы разделяем с вами песни по жанрам и по предназначению этих песен в нашей жизни. Мы делим их не только на рок, романс, оперу, джаз. Песни разнятся и по назначению: например, песни для танцев, фоновая музыка, бардовская песня, песня «для души»…

Не делайте ошибку, выбирая песню, у которой был красивый клип, или которая очень вам по душе. Потому что это очень субъективное впечатление, и зачастую песня, исполненная без клипа, без спецэффектов, без подтанцовки и шикарного света, как это было на экране, – она потеряет всю свою динамику. Помните: на сцене будете стоять только вы!

Возьмите песню, которая вам поможет выступить, даже если рядом никого нет, плохой свет, плохой звук, сложная аудитория – таких песен много, уделите этому вопросу время и найдите «свою» песню. Составьте свой персональный топ-10 подходящих вам песен, а далее методом исключения по этим параметрам выберите свой хит номер один! Песню, которая цепляет зал!

Всегда хорошо проходят актерские песни, или песни, в которых есть сюжет, или те, в которые можно включить танец, или песня-диалог, или песня, в которой есть контраст и динамика.

Будьте осторожны, выбирая мировые хиты – чтобы не вышла плохая пародия на знаменитое исполнение. Хорошо, если вы сделаете кавер-версию – например, сделаете другую аранжировку к известной песне. Это всегда привлекает огромное внимание к вашему творчеству, вас уже не будут сравнивать с оригиналом (как правило, не в вашу пользу), а увидят, что вы – неординарный человек, что вы можете мыслить по-своему, а не только копировать.

Выбор подходящего аккомпанемента

Далее кратко расскажу об аккомпанементе. О нем вообще редко упоминают в пособиях по исполнительскому мастерству. Однако, это часть вашего выступления, зачастую важнейшая. Это ваш скрытый партнер или противник, в случае, если аккомпанемент сыгран плохо или неудачно подобран.

Если вы выступали на конкурсах, то наверняка знаете, что на разных конкурсах предлагаются различные варианты аккомпанемента. Иногда вас просят выступать совсем без аккомпанемента, иногда разрешается пользоваться фонограммой, иногда допускается приводить с собой группу или одного музыканта-аккомпаниатора. Каждый из этих видов аккомпанемента может создавать для нас как свои возможности, так и некоторые трудности, о которых я хочу вам рассказать.

Выступление под минусовую фонограмму

Возможность использовать «минусовки» – это большой плюс, ведь ваше выступление будет более предсказуемым: ваша аранжировка вам хорошо известна, скорее всего, на репетициях у вас уже наработан вариант выступления. Также вы можете на фонограмме отрезать необходимое количество куплетов, то есть отредактировать под себя и получить более короткую версию какой-то песни. То есть наличие «минусовки» гарантирует вам стабильность.

Из отрицательных аспектов выступления под фонограмму можно назвать возможную плохую работу звукорежиссера, который может вас подставить, плохую подзвучку или ситуацию, когда вам просто не слышно себя. Вы можете потерять тональность, выйти из строя от волнения, сбиться с темпа, а фонограмма отдельно будет идти сама по себе. Иногда исполнители в стрессе так и не могут синхронизироваться с ней до конца номера, а жаль.

Самое ужасное может случиться, если фонограмма выключится посередине выступления, потому что подвела техника – что-то слетело, заело или завис компьютер.

Пение без аккомпанемента или «акапелла»

Сейчас часто при отборе на конкурсы участникам предлагают прослушивание без аккомпанемента. Ведь именно акапелла позволяет проверить их музыкальные навыки и профессионализм. Действительно, пение акапелла выгодно показывает вашу индивидуальность, позволяет продемонстрировать тембр, сосредоточить все внимание на вашем исполнении.

Однако есть и минусы: при пении акапелла очень важно владеть чувством ритма и интонации, потому что очень легко выйти из ритма, размазать интонацию – в итоге все будет выглядеть плоско или растекаться во времени, и как результат – потеряется внимание и сосредоточенность.

Кроме того, пение акапелла очень зависит от акустических условий. Если вам предоставят хороший резонансный зал, вам будет петь удобно. Если зал будет глухой, то петь будет очень трудно, а это зачастую увеличивает волнение, а значит, уменьшает шансы на успех. Некомфортно чувствующий себя певец начинает форсировать, в итоге поет крикливо, без нюансов, что, конечно же, «не есть хорошо».

Пение под «живую» музыку

Кроме вышеперечисленных, есть вариант исполнения композиции с живым музыкантом. В этом случае вам всегда будет подмога: если вы выбились из темпа или забыли слова, с аккомпаниатором всегда можно импровизировать, сделав интересную кавер-версию.

Наличие аккомпаниатора создает улучшенную энергетику восприятия: когда на сцене два артиста или группа людей, то смотрится и слушается совершенно по-другому – таковы законы нашего восприятия.

Вы можете отклоняться от темпа, подтягивать какие-то места, делать ударения, остановки, разрывы – словом, с живым аккомпаниатором у вас есть возможность обыгрывать интересные моменты в песне.

Из минусов живого аккомпанемента назову тот, что музыкант рядом с вами – он тоже живой человек, а значит, может иногда делать ошибки. У меня бывали случаи, когда аккомпаниатор начинал играть не в той тональности, или когда начинали в три раза быстрее, чем я рассчитывала, или, напротив, ужасно медленно. То есть аккомпаниатор тоже волнуется, у него свое восприятие происходящего, и он имеет право на ошибку.

Поэтому здесь, как нигде, важно, чтобы между вами сложилось партнерство, умение работать в команде. Будьте осторожны с аккомпаниаторами, которые чувствуют себя звездой и не обращают внимания на певца. Вам нужен аккомпаниатор, который поможет вам раскрыться в полном объеме, то есть человек, который умеет и любит аккомпанировать, ассистировать, быть вашим партнером на сцене.

Контакт с аудиторией, или «Любовь с первого звука»

Итак, вы вышли на сцену и ваше выступление началось. Однако, кроме хорошего исполнения, важно установить контакт с аудиторией. Сейчас рассмотрим несколько ключевых моментов тех методов, которые помогут вам подстроиться к аудитории, попасть с ней в резонанс, или, как говорится, на одну волну.

Начнем со сканирования аудитории. Что это значит? Это интуитивное понимание своей публики, угадывание их чаяний и ожиданий на невербальном уровне.

Например, у меня во время работы в театре был случай, когда аудитория на музыкальном спектакле выглядела очень напряженно. Почти никто не смеялся, не реагировал на работу актеров на сцене. Я помню, что все артисты, которые участвовали в спектакле, были немного обескуражены тем, что происходит, не понимали, почему спектакль идет в полном молчании, хотя это была комическая оперетта.

Зато в конце спектакля зрители поднимались с мест и аплодировали стоя.

Что же оказалось в итоге? В процессе спектакля мы, артисты, поняли, что в зале – в основном была пожилая публика. Они вели себя так тихо из-за того, что боялись пропустить каждое слово, каждый музыкальный такт, и поэтому выглядели такими напряженными. Но на самом деле они вдумчиво слушали – со всем своим вниманием и эмоциональной сосредоточенностью. Вот чтобы это понять, артисты прибегают к сканированию аудитории. На интуитивном уровне попытайтесь осознать, кто в зале, какие ожидания принесла публика в зрительный жанр, каков основной возраст зрителя, готовы ли они активно слушать артиста или хотят отстраниться и немного помедитировать под вашу музыку… множество факторов открывается артисту, который нацелен понять и почувствовать свою аудиторию, создавая необходимую атмосферу творческого диалога, а не только упиваясь собственным талантом и музыкальностью.

Чтобы понять, кто сегодня ваш зритель, артисту нужен контакт с аудиторией, для этого часто используется интерактив – то есть прямое взаимодействие с залом или с членами жюри.

С этим приемом нужно быть очень осторожным, чтобы не быть назойливым, не быть вульгарным – только предлагать, не навязывая свое, не осуждать, никогда не вести себя вызывающе, особенно с членами жюри конкурсов, потому что некоторые из них бывают заранее настроены скептически и не пойдут с вами на контакт. Так что будьте осторожны, когда планируете «интерактив с жюри».

Установление контакта с аудиторией происходит прежде всего через взгляд. То есть представьте, что ваши глаза – это прожекторы, которыми вы периодически освещает вашу публику – то один сектор, то другой. Никогда не смотрите вверх, как утопающий, просящий о помощи, и никогда не смотрите только в одну точку (или только на одно лицо). То есть ваша задача – освещать своим «прожектором» весь зал, периодически сменяя направление своего взгляда на разные сектора зала.

Я не рекомендую напрямую смотреть людям в глаза – это считается плохим тоном, поэтому смотрите в общем – либо поверх голов, либо сосредотачивайтесь на воображаемых персонажах. Рассуждайте приблизительно так: да, я смотрю в зал, но не конкретно на кого-то, я представляю некоего зрителя, я обращаюсь к нему, но конкретно люди не могут понять, где тот самый персонаж, на которого я смотрю – и значит, это никого не обижает и не задевает. Я работаю с воображаемым партнером в своем музыкальном диалоге.

Вы можете дирижировать аудиторией через пассы руками и язык тела – то есть через осмысленные, отобранные специально к данному выступлению движения. Это очень влиятельный инструмент воздействия на зал – пассы руками, то есть невербальное влияние.

Замечательно влияют на коммуникацию с публикой и голосовые приемы завода зала, такие как призывы, приветствия, восклицания. Конечно, если это разрешается в рамках данного конкурса или шоу. Голосовые приемы могут быть вписаны в музыку и ритм вашей песни или существовать отдельно как приветствие.

Также не рекомендуется стоять на одном месте – желательно менять дислокацию – медленно пройти по сцене или использовать движения с танцем – это тоже удерживает внимание публики и способствует установлению контакта.

Перемещаться по сцене (или даже по залу) необходимо не хаотично, а в зависимости от своего исполнения, или делать это вместе с танцорами, если у вас задействовано группа танцоров, все это необходимо продумать в соответствии со сценарием, композицией, чтобы создать красивое движение в кадре. Главное, помните: динамика удерживает внимание на происходящем на сцене – то есть на вас. Статика в виде паузы сосредоточивает внимание, но долгая пауза как известно зависает и зритель неосознанно может начать терять интерес… Поэтому главная задача для вас – быть человеком действующим!

Сценическое движение – умение подать себя

Каждый раз, выходя на сцену – будь то выступление на прослушивании, или на конкурсе, или просто ваш сольный концерт – вы должны поверить, что эта сцена становится вашей, и вы как артист должны продемонстрировать это публике своим голосом, своим поведением на сцене, своим влиянием на зал, своей увлеченностью любимым делом!

Заставьте их поверить, что эта сцена принадлежит вам! Но прежде поверьте в это сами!

На этом я закончу, пожалуй, свой обзор тех качеств и умений, которые обеспечат ваш успех на прослушиваниях, показах и конкурсах. Обратите на них свое внимание помимо прямых занятий по развитию голоса. Я уверена, что осознавая их, внедряя их, репетируя их – с каждым днем и с каждым новым выступлением, вы будете обретать все большую уверенность, харизматичность, индивидуальность и привлекательность как для публики, так и для взыскательных профессионалов шоу-бизнеса.

С началом основного музыкального выступления у вас есть 10 секунд, чтобы, так сказать, влюбить в себя эту аудиторию, чтобы ее «зацепить». Именно такое количество времени уходит у зрителя, чтобы получить полное впечатление и решить, хочет он слушать этого артиста или нет.

Продумайте, как вы «зацепите» публику – необычной выходкой, затянувшейся паузой, или невероятной нотой, или каким-то танцевальным этюдом, или вау-эффектом с трансформацией костюма, или начнете сами играть на инструменте перед пением – вариантов много. Главное, не стойте с грустным лицом все вступление. Потому что движение артиста на сцене – это один из способов «зацепить» аудиторию. (При этом подчеркну еще раз: подбирайте репертуар, который работает на вас, а не усложняет вам жизнь на сцене).

Как двигаться на сцене

Я заметила, что в современной поп культуре традиционно певцы с большими голосами делают опору на демонстрацию возможностей своего голоса. Они мало двигаются по сцене, чтобы полностью сосредоточиться на игре, глубине вокала и оттенках звучания. Причем так происходит во всех жанрах – от оперы до блюза.

А певцы с более легкими подвижными голосами дополняют свои выступления движением и даже танцами. В американской практике все больше популярны шоу, где звезды привлекают танцевальные коллективы и сами танцуют на высоком профессиональном уровне свои номера с шоу-балетом.

Касательно сценического движения у начинающих артистов существуют три наиболее часто встречающиеся проблемы:

– слишком много мимики и жестов;

– жестов нет совсем, неподвижный «стеклянный» взгляд;

– заученные, «деревянные» жесты, которые существуют отдельно от артиста.

Понятно, что все приходит с опытом, именно поэтому начинающему артисту нужно уделять пристальное внимание сценическому движению.

Жесты это магия

Самая распространенная проблема движений руками на сцене – это зажимы, которые трансформируются в зажатые, неловкие жесты руками и напряженное, неподвижное лицо, поскольку внутренние зажимы сразу же отражаются на лице. Поэтому в первую очередь, следите за лицом – оно должно быть расслабленным. А жесты, если они не получаются спонтанно, требуют тщательной проработки и репетиций.

Жесты бывают открытые и закрытые, приближающие и отдаляющие, каждый жест имеет значение и смысл – артисту на сцене важно это знать и понимать. Жест артиста – это «дирижер зала», поэтому хаотичные, беспредметные жесты-ради-жестов обычно не работают на успешное выступление. Я всегда предлагаю своим ученикам представить, что на кончиках ваших пальцев тоже есть глаза, поэтому смотрите через свои жесты в зал совершенно осознанно, не создавайте у зрителя головокружение от своего «мельтешения», или же, наоборот, не заставляйте зрителя рассматривать что-нибудь в зале, потому что вы стоите неподвижно и уже не вызываете интереса.

Используйте жест как продолжение вашей песни. Продолженный жест – не замирающий, не брошенный случайно – это ваш способ усилить акцент, маркер для важных слов вашей песни, важных мест вашего выступления. Если у вас подвижная композиция, можно делать ритмичные танцевальные движения руками в такт музыке. Если ваша композиция медленная, то жестами вы можете выражать свои собственные эмоциональные переживания, приглашая публику в свою историю или отдавая ей свои эмоции.

То есть руками, жестами можно очень емко и существенно дополнить свой музыкальный сценический образ. Жесты могут быть женственные или мужественные, постановка тела – прямой, агрессивной, вызывающей или подвижной, дружелюбной, вовлекающей, движения – энергичные или плавные, или даже угловатые – в зависимости от репертуара и имиджа.

Дирижерские жесты заставляют публику синхронизироваться с вами, например, движения кистей рук снизу вверх активизируют восприятие зрителя, дают скрытую мотивацию, открытые жесты кистей – проявляют вашу доверчивость или искренность образа, а закрытые, нисходящие могут сообщать, что приходит конец фразы или эмоциональный спад, отстранение.

Артист использует жесты как элементы метафоры – эмоциональные, указательные, изобразительные, символические – помогают в этом, и потому широко используются артистами, музыкантами и певцами, прежде всего. Жест это ощущение.

Несмотря на то, что я так подробно говорю о жестах и их значении для сценического образа, я делаю это лишь для того, чтобы еще раз подчеркнуть: нельзя переусердствовать с жестами, ибо вы – прежде всего вокалист, и слушать будут прежде всего – ваш голос.

Но если вы планируете сделать свое выступление более живым при помощи жестов – очень хорошо обдумайте их и сделайте вашу импровизацию подготовленной. Смотрите в зеркало на своей вокальной репетиции, а на сцене расслабляйтесь и включайте мышечную память. Это, конечно, дается многократным повторением.

«Куда девать руки?»

У многих начинающих артистов часто возникает вопрос: «Куда же мне деть руки?», особенно, если идет длинный проигрыш или же длинное вступление, во время которого необходимо чем-то себя занять.

Чаще всего такой вопрос возникает у тех, кто, прежде всего, еще не готов чувствовать и играть свою роль внутри выбранного произведения. Потому что если у вас образ уже сложился, как говорится, ваш «внутренний артист» уже пробудился, и вы чувствуете свою композицию именно изнутри, то тогда и ваши руки, и ваша походка или позы на сцене – они будут естественными, органичными с образом, поскольку будут продиктованы не логикой, а именно вашим внутренним содержанием, ощущением и воображением.

Но покуда такой эффект наберет силу, и вы обретете уверенность в создании своего сценического образа – до того момента, конечно же, можно использовать отрепетированные адекватные движения, которые подходят к стилю композиции. Их можно выучить, как танец, и использовать, по крайней мере, до тех пор, пока вам не придет в голову уже что-то более комплексное, образное и естественное.

Итак, куда же все-таки девать руки, если пока нет органики в ощущении своего образа?

– Руки могут находиться на микрофоне, можно брать его одной рукой и перекладывать в другую, можно его держать на стойке и даже наклонять или делать другие манипуляции с ним, как делают некоторые рок и поп звезды.

– В руках можно держать инструмент (это замечательно, если вы сами себе аккомпанируете!). Если у вас в руках гитара, или аккордеон, или бубен, или вы сидите за фортепиано – у вас всегда есть, куда деть руки и что ими делать.

Только не забывайте при этом в момент выступления смотреть в зал! Потому что главная беда всех музыкантов, которые себе аккомпанируют, что они прикованы взглядом к своему инструменту или смотрят куда-то вниз, и это делает их очень отрешенными, отдельными от публики. А публика – она такая, через одну-две минуты она может потерять к вам интерес из зашуршит конфетами из сумки. Поэтому обязательно надо отрепетировать свой музыкальный материал так, чтобы руки ваши играли сами по себе, а лицо продолжало исполнять роль артиста – постоянно или периодически устремляясь глазами к публике.

– Одежда тоже может вам помочь органично держать руки: иногда они могут находиться где-то в кармане брюк или удерживать фалды пиджака. Вы можете в какие-то моменты музыкального брейка поднимать рукава или как-то поправлять свою одежду, интересно работать с аксессуарами, если у вас есть какой-то шарфик. Или это может быть обыгрывание костюма, если у вас специально пошитый костюм для такого выступления.

Обратите внимание на то, как работают модели с одеждой. Посмотрите некоторые видео модных показов или съемок фотомоделей – это вам поможет обыгрывать ваш костюм, если вам некуда деть руки.

– В правильном сценическом поведении вам может помочь и ваш партнер – музыкант. Если вы выступаете не одни, то вы можете перекидываться с ним взглядами, создавая как бы исполнительский дуэт, или использовать некоторые жесты руками в его сторону, таким способом обыгрывая свое музыкальное партнерство.