Текст книги "Голос это я! Сцена. Выразительность. Стиль"

Несколько слов о сценическом эпатаже

Особенно хочется предостеречь начинающих музыкантов от вульгарности и злости на сцене. Несмотря на то, что рамки дозволенного на сцене уже почти стерлись, а вульгарность зачастую продается даже эффективнее, чем простые человеческие ценности, не идите по этому пути. Этот путь рано или поздно заканчивается провалом, и все эти эпатажные дивы в скорости уходят в забытье, ибо во все времена артисты – это те, кто видит и чувствует красоту мира и передает ее всем остальным. Именно поэтому мы стараемся учиться не на примере тех, кто взлетает на гребень сиюминутной популярности, а на хрестоматийных идеалах мастерства в самом лучшем их понимании.

Как превратить вокальную механику в эмоциональное пение

Мы знаем, что голос – это отражение наших эмоций. И в детстве, и в юности, и в зрелом возрасте все люди одинаково выражают свое настроение, свои эмоции – такие как, скажем, недоверие, гнев, радость – издавая всевозможные звуки. И, бесспорно, по голосу и интонации можно узнать натуру человека гораздо больше, чем по его лицу. Потому что голос – это психология, весь внутренний мир человека записан в его тембре.

И даже если не говорить о выступлениях на сцене, если речь идет о нашем социальном ежедневном общении, мы часто посылаем друг другу невербальные звуковые выражения эмоций.

Упражнение Хмык

Встаньте перед зеркалом (или без него) и попробуйте без слов, одним звуком выразить:

– сомнение;

– нежелание;

– вопрос;

– ухмылку;

– догадку;

– внезапное воспоминание;

– согласие.

Без слов это будет звучать как некий хмык или мычание, словом невербальный звуковой элемент, в котором сосредоточится вся энергия и значение подтекста.

Голос это точное отражение эмоции

Эмоциональная закрытость является по многим причинам психологического и социального характера большим препятствием для выражения эмоций. У многих из нас были слишком строгие родители, или, может быть, генетическая предрасположенность, либо какое-то религиозное воззрение, что делает нас с такими строгими и закрытыми.

Вообще, северные люди, в отличие от южных национальностей, более закрытые, статичные, сдержанные в проявлении эмоций. Им не так легко проявлять свои внутренние эмоции и переживания и делиться ими, в отличие от, скажем, латиноамериканцев. В Америке, в Лос-Анджелесе, как, впрочем, и в Майами, проживает огромное количество выходцев из стран Латинской Америки – в основном из Мексики, Кубы, Колумбии. И все они отличаются от нас, выходцев из бывшего Советского Союза, своим легким веселым нравом, любовью к танцам и музыке. И, конечно же, музыка у них такая же заводная, как они сами.

Но если для профессий, не связанных с творчеством, человек может и не задумываться над тем, насколько он эмоционально развит и открыт, то если вы выбрали артистическую, вокальную, танцевальную или любую другую сценическую деятельность, в огромной степени ваш успех будет зависеть именно от эмоциональной составляющей, эмоциональной наполненности вашего выступления. И только потом – от самой техники владения голосом.

Примеры тому – всем известные Марк Бернес, Клавдия Шульженко, Владимир Высоцкий, Марлен Дитрих, Жак Брель и другие артисты, которые не обладали огромным диапазоном, но при этом вкладывали такую мощную энергетическую эмоциональность в звук своего голоса, что она заменяла все сверхъестественные диапазоны и завоевала огромное количество сердец их поклонников.

Мой собственный опыт говорит о том, что вокальные преподаватели в случае, если ты занимаешься сам, а не в консерватории, практически не преподают артистизм и не ставят серьезных эмоциональных исполнительских задач. Они больше фокусируются на технике голоса и сугубо вокальном развитии – постановке звучания, дыхания и пр.

А в отношении исполнительского мастерства молодому артисту зачастую приходится «выплывать» самостоятельно.

Любой артист в процессе обучения, прежде всего, должен освоить два важнейших элемента сценического мастерства: умение концентрировать и удерживать внимание на каком-то объекте, а также – освоить эмоциональную раскованность и открытость, расширить свою эмоциональную палитру.

То есть, как художник владеет своими кистями и красками для создания художественного полотна, так артист (вокалист, актер или ведущий) имеет в своем арсенале множество образов, типажей, эмоциональных настроек, окрасок тембров для того, чтобы наиболее полно, ярко и интересно раскрыть на публике свой образ и талант.

Кстати, есть еще один аспект, который указывает на связь голоса и эмоций, – это использование голоса в приемах психотерапии. Например, в гештальт-терапии, или в популярных сейчас, особенно в Америке, специальных тренингах, которые через звук освобождают человеческие эмоции и позволяют избавиться от депрессии, зависимости или всевозможных посттравматических психологических проблем.

Таким образом, получается, что артисты, особенно вокалисты, практически владеют магическим инструментом – звуком своего голоса, который способен не только удовлетворить эстетические потребности слушателя, но и помочь ему почувствовать себя лучше, легче, позитивнее.

Энергия звука – откуда она берется?

Энергия звука – это ощущение звука, причем не мышечное, а эмоциональное. Владение звуком – это умение превращать звук в метафору, то есть вызывать определенный эмоциональный отклик у слушателя в соответствии с тоном и заданной окраской звука.

Так работают не только вокалисты, но и артисты при озвучивании фильмов или рекламы. Своим голосом они играют роль, даже будучи за кадром.

Не секрет, что мышцами, которые производят звук, очень трудно овладеть сознательно. Но когда мы понимаем, что звук – это нематериальная субстанция, которую невозможно сознательно потрогать или увидеть, а можно только услышать или представить, вообразить, тогда становится ясно, что и управлять ею надо, как энергией. То есть ее можно аккумулировать и направлять, причем направлять не с помощью мышц, а с помощью воображения и эмоций.

В своей личной практике я замечала, что если я намеренно эмоционально окрашиваю какой-то звук, то мне легче этот звук исполнять сам по себе. То есть мне легче даются какие-то вокальные трудности или избавление от зажимов, потому что эмоции позволяют мне сделать звук наполненным, добиться полноценного объемного звучания.

Тогда я стала предлагать своим ученикам уже в момент распевания, разогрева, уже в момент вокальных упражнений отключать механическое повторение, а относиться к этим упражнением, как к наработке эмоциональных заготовок и структур.

И таким образом, мало-помалу, вместе с наращиванием голосовых мышечных ощущений, мы собираем целую палитру энергетически заряженных образов, красок и интонаций. И это совершенно меняет ощущение владения звуком.

Для людей, которые испытывают определенные физические вокальные зажимы, соединение эмоции и воспроизводства звука может очень сильно помочь перейти границу такого зажима. Например, если у вас не выходит верхний звук, то проработайте его в соединении с выражением какой-то эмоции, и вы заметите что вместе с высотой появится наполненность, смысл, то есть эмоциональное содержание само по себе вынесет высокий звук на необходимую частоту.

Как появилось в моей практике «Умное пение»

Теперь мы обратимся к еще одной составляющей эмоциональной окраски звучания голоса, что поможет сделать наше выступление более наполненным и содержательным. Речь идет о подходе, который я называю «умным пением».

Когда у вас произведение уже сделано, готово технически, вам необходимо подумать, как вдохнуть в него жизнь, как через это произведение принести на сцену историю, сыграть эту историю – то есть продумать его драматургию. Зачастую начинающим вокалистам хочется сразу выступать с чем-то экстраординарным, с какими-то очень популярными песнями. Но вот именно от этого я бы хотела вас предостеречь, и сейчас я объясню почему.

Потому что существует репертуар, на котором люди учатся петь, и существует репертуар, с которым они выступают, когда уже умеют петь – умеют точно рассчитывать каждый свой звук и каждое свое вокальное движение.

Поверьте мне: ваши кумиры когда-то тоже начинали, и прежде чем запеть мировые хиты, пели менее сложные композиции, которые научно называются «методическим репертуаром» или «педагогическим репертуаром». То есть умение трактовать и создавать образ – это тоже умение, которое развивается с годами, от простого – к сложному.

Выстроить интересную, насыщенную вокальными событиями драматургию в песнях с повторяющейся интонацией нам помогут:

– перепады интонации;

– набор и отдача энергии;

– сжатие и освобождение;

– паузы;

– разные приемы подключения дыхания (пение с воздухом и без).

Ведь зритель начинает скучать, если, к примеру, припев все четыре раза прозвучит одинаково.

Исполнительское мастерство – это не только Голос

Я заметила, что все больше артистов – от начинающих до профессионалов – уделяют самое пристальное внимание исполнительскому мастерству, по-настоящему глубоко и заинтересованно относятся к своему творческому росту, к детальному и целостному постижению того, что их волнует и влечет.

И не важно, в каком жанре они работают, в каком музыкальном стиле предпочитают выступать. Это и вокалисты, и те, кто работает с художественным словом или ведет мероприятия как конферансье. Исполнительское мастерство – это эмоциональный отклик, глубина переживания, обаяние, умение «держать зал» – вот это и есть то самое, что делает артиста запоминающимся и желанным на сцене.

В этой главе речь пойдет о том, что делает исполнителя мастером, какими навыками необходимо овладеть, чтобы достичь совершенства в исполнении на сцене. А также о том, как можно выражать эмоции через звучание голоса и влиять через них на публику. Я приведу здесь практические примеры, как правильно подбирать художественные приемы, чтобы не наскучить слушателю и все время держать его во внимании.

Проблема вялых и скучных выступлений, когда вам так и хочется сбежать или, может быть, спрятаться за микрофон или за партнера по сцене – она решается последовательно и успешно. Да, есть возможность начать звучать ярко и выступать на отлично – и петь с душой на малых и больших концертах.

Давайте же разберемся, какие качества отличают харизматичного артиста или певца (или вообще человека) от обычного или заурядного.

Если имея профессию, не связанную с творчеством, человек может и не задумываться над тем, насколько он эмоционально развит и открыт, то артистическая, вокальная, танцевальная да и любая другая сценическая деятельность требует от человека в большой степени именно эмоциональной наполненности. И только потом – самой техники владения сценическим мастерством.

Как вы считаете, можно ли артисту развить свою эмоциональность, энергетику и умение влиять на публику? Или это дается от природы, и ничего с этим не поделаешь?

Да, действительно, не всем от рождения дан природный талант знать и уметь, как вести себя на сцене, как лицом и жестами выразить правильно каждый момент песни, чтобы зритель почувствовал, что эта песня – о нем, о его боли и радости, именно о его переживаниях! Не все могут сразу разобраться, как петь каждое слово и строчку в песне так, чтобы слушателя «зацепило». Поэтому данная глава посвящена тому, как сделать ваше выступление по-настоящему темпераментным.

На собственном примере я убедилась, что все необходимые качества для выступления на сцене можно и нужно развивать. Мои исходные карты не отличались большими козырями. Я была зажатой, стеснительной девочкой, все время мечтавшей что-то организовывать и где то выступать. И вот, начиная с домашних концертов, а позже – участия в самодеятельных концертах и капустниках в музыкальном колледже, мне становилось все более интересно познавать основы сценического мастерства. Так я оказалась сначала в школе моделей, потом – в театре Музыкальной комедии на уроках для молодых артистов, которые тогда проводил режиссер театра Александр Белинский.

Потом я еще более углубилась в актерскую профессию на заочном отделении Санкт-Петербургской театральной академии – поступила на курс Владимира Николаевича Григорьева. А позднее училась вокалу у известных мастеров – народной артистки России Людмилы Федотовой (примадонны Санкт-Петербургского Театра оперетты) и Народной артистки России Рубины Калантарян. У них я почерпнула глубину исполнительского мастерства из первых рук и параллельно осваивала весь теоретический пласт – уже в музыкальном Университете.

Вот поэтому (а также от большой любви к сценическому искусству в любом его воплощении) в моей студии я всегда очень много внимания уделяю и рекомендую моим студентам работать с репертуаром из мюзиклов, оперетт и фильмов (с так называемой актерской песней), а также с народными песнями. Потому что такой репертуар позволяет не только развивать сам голос, но и всегда помогает освоить именно актерское перевоплощение, нащупать исполнительскую жилку в себе, открыть «внутреннего артиста» и помочь ему активировать свои эмоциональные ресурсы.

Вообще, я считаю, что музыкальность, развитие музыкальности – то есть чувства стиля, художественного вкуса, темпо-ритма, многообразия форм метафоры – это все должно появиться и развиться хотя бы в зачатке перед тем, когда мы начнем углубляться в технические поиски, – то есть до работы над приемами постановки голоса. Или, по крайней мере, сразу в момент начала обучения вокалу.

Когда у человека есть общие понятия о музыке или о театре, ему легче что-то объяснить, провести параллели. То есть в этот момент у вас включается внутренний слух, который позволяет отличить желаемое от действительного и осознать, к чему вы стремитесь в звучании (идеал), сопоставить, насколько близко вы уже подошли к искомому результату.

В противном же случае человек просто повторяет музыкальные фразы или ноты, либо копирует какого-нибудь певца, зачастую не сильно удачно, но при этом художником так и не становится, ибо художник – это тот, кто может создать несколько версий и сочетаний из одних и тех же элементов. Он готов к импровизации – это самое основное, потому что это и есть контекст слова «креативность» (creatе – создавать, а не копировать). В противном случае это уже не артист, а пародист, то есть создатель красивых убедительных копий.

Итак, обобщая самые распространенные эмоциональные проблемы тех, кто выступает на открытой аудитории – как вокалистов, так и речевиков (ведущих, ораторов) – я, пожалуй, назову следующие:

– Творческие муки. Это когда есть желание что-то выразить, проявить себя, но все происходит, как будто вы в другой стране и не знаете языка – сколько ни пыжитесь, никто вас не понимает.

– Эмоциональная холодность. Есть такие, кто не в состоянии даже по моей просьбе сымитировать зевание или мяуканье. Они не делали этого никогда в своей жизни, тем более на заказ, и не желают демонстрировать это публично, ибо боятся, что покажутся смешными.

– Неуклюжесть, физическая скованность. Некоторые люди не могут двигаться в ритме, у них затруднен или вовсе отсутствует «язык тела».

– Низкая энергетика. Это отсутствие у артиста темперамента, куража.

– Доминирующая логика. Как известно, люди воспринимают окружающий мир разными сенсорными системами. Аудиалы – это те, кто воспринимает все через звуковые ощущения, визуалы – чаще всего опираются на внутреннее видение, кинестетики – те, для кого важны тактильные, телесные контакты или память тела, а вот логики (их еще называют дигиталами) – познают мир, анализируя его: им важно знать, что, почем и сколько. Продвигаться в артистической карьере им сложнее всего – поскольку им трудно развить эмоциональность или познать феномен метафоры в искусстве. (Ведь эти понятия – довольно эфемерные, но парадоксально, что такие люди тоже стремятся петь или интересуются, как стать артистом).

– Отсутствие эмоционального опыта. Эта проблема касается тех, чей жизненный опыт не был достаточно глубоким, возможно в силу молодого возраста, их переживания не были какими-то драматичными, они еще не имеют обширного личного опыта, чтобы опираться на него при исполнении произведений. И это тоже тормозит их исполнительскую выразительность.

Если среди названных проблем есть такая, которая не позволяет вам быть харизматичным певцом или влиятельным, ярким ведущим, значит, вы на верном пути. Это руководство – ваш первый шаг к тому, чтобы настроиться на творческую волну и начать освоение такой увлекательной части творческого процесса, как исполнительское мастерство или эмоциональная выразительность в работе с публикой. Ниже я расскажу вам, как проработать все недочеты и стать полноценным артистом в исполнительском отношении.

Пять ключей успеха вокалиста

Весь многогранный процесс постижения сценического мастерства, о котором идет речь, я разделила на блоки, работа с каждым из которых позволит усовершенствовать и подтянуть все остальные, потому что это – части одной системы, единого творческого процесса. Итак, блоки или «модули».

Музыкальность

Другими словами, это художественный вкус (если вы напрямую не связаны с музыкой). Что способствует укреплению этого модуля? Понимание стиля, музыкальный кругозор, выход за рамки привычного, обязательно – развитие слуха, чувства ритма, снятие ментальных блоков на импровизацию, то есть игру с мелодическим рисунком – так что сам процесс музицировали перестает для вас быть дебрями, которые больше пугают, чем создают предпосылки для удовольствия. Развитие музыкальности даст вам понимание, что такое чувство формы, что такое темпо-ритм, что такое фразировка, как чувствуется гармония, какой смысл несут интервалы – то, из чего строится музыкальная ткань.

Развитие музыкальности это необходимость расширить исполнительский кругозор, что сделает вас свободными в интерпретации и импровизации.

Пение ощущениями, или переживания звучания на физическом уровне

Кроме чистой постановки голоса, вокалисту необходимо освоение вокальных и речевых элементов, позволяющих осознать пространство звука. То есть воспитать свой голос основанным на физических ощущениях.

Данный модуль в освоении мастерства проистекает из предыдущего блока, потому что, изучив гармонии и интервалы – то, из чего вся музыка и построена, вам будет гораздо понятнее и легче ее интерпретировать. И вот здесь важно научиться ассоциировать собственные эмоциональные или физические ощущения с мелодическими элементами и тембром собственного голоса.

В самом вокальном воплощении можно показать и глубину, и темперамент, и напряжение, и размах, и взлет, и падение – все, что будет будоражить воображение нашего слушателя, неосознанно, на уровне чувств и подсознательного отклика. Причем сами упражнения для репетиций могут быть сами простыми и традиционными, но в их исполнение мы закладываем физическую задачу – упор ладонями в твердую поверхность, размахивание руками в такт, кидание мяча, растягивание резинки во время произведения звука или выпевания сложных вокальных элементов работаю безотказно. Потому что порождают целый комплекс физических ощущений, сопутствующих эмоций и именно они обогащают и раскрепощают звучание голоса.

Зачем все это происходит? А просто публика от вас заражается! Это закон сцены: если артист сам ничего не чувствует, кроме страха, то по закону отражения никто в зале тоже не откликнется на его импульс. Ибо импульса нет…

Умение интерпретировать свою композицию

Это третий мощный модуль постижения исполнительского искусства, который я называю «умное пение». Иными словами, речь идет о построении драматургии произведения.

Что я имею под этим в виду? Когда вы начинаете исполнять свою песню или какую-то сцену, у вас как артиста складывается свое внутреннее видение. Это не спонтанно: вы что-то запели – и песня слагается в историю. Нет. Профессиональные артисты всегда знают, из какого пункта они начинают движение и куда они хотят привести слушателя в конце – сделать так, чтобы все заплакали или все пустились в пляс. И для этих разных целей работают совсем разные «фишки».

Или, например, как сделать многократные повторения не скучными, а наполненными, как завуалировать не самые удобные вокальные моменты, как выстроить кульминацию и правильно подготовить зрителя к ней… Есть множество интереснейших драматургических трюков, которые и делают композицию неповторимой! Именно поэтому я упоминала, что настоящий художник развивает свое воображение с помощью складывания всевозможных сюжетов из тех же самых пазлов (прямо как в калейдоскопе!)