Текст книги "Симфония светотени, формы и колорита"

Объекты при таком построении кадра располагаются фронтально и как бы на равнм расстоянии от объектива.

В кадре почти нет динамики, движения, глубинных объектов, он как бы лишается иллюзии трехмерности, глубины. Довлеют тишина и покой. Это спокойная, мягкая композиция.

Такие композиционные построения применяются редко, однако при желании они могут быть (рис. 1).

Рис. 1. Фронтальная композиция

Именно при помощи линейной композиции наиболее наглядно удается создать иллюзию трехмерной действительности на двухмерной плоскости холста, киноэкрана, фотоизображения (рис. 2).

Рис. 2. Линейная композиция

Линии, особенно диагональные, уходящие как бы вглубь кадра, наиболее выигрышны для создания такой иллюзии. Взгляд зрителя движется и ощупывает пространство кадра-картины и это движение происходит именно по энергетическим линиям. Эти энергетические линии несут и смысловую и эмоциональную нагрузку. Изогнутые и горизонтальные линии успокаивают. Ломанные раздражают, вертикальные возвеличивают, диагональные усиливают динамическую энергетику кадра. Энергетические линии, стремящиеся в точку схода, создают оптическую иллюзию пространства на двухмерной плоскости экрана, картины, фотоизображения.

А если выстроить кадр так, чтобы ряд одинаковых объектов (людей, машин, столбов и т. д.) повторялся и масштабно уменьшался, то у зрителя возникнет убедительный эффект глубинного построения кадра.

Но ко всем вышеприведенным определениям надо относиться как к возможным, но не всегда обязательным.

В этом случае иллюзия трехмерности достигается тональными различиями элементов композиции. Идеальным примером тонального построения может служить фотокадр, снятый в туманный день, во время дождя, в снегопад. В пасмурную погоду все цвета становятся более обобщенными. Туман, затянутость неба облаками, так же как и рассеянный свет и дымовые эффекты в павильоне, смягчают яркие цвета и обобщаются детали в глубине кадра. Можно создавать нужную тональную перспективу в кадре, используя задымление пространства кадра. Волшебных результатов добивался кинооператор С.П. Урусевский, используя пиротехнику для подчеркивания и смягчения глубины кадра.

Тональную композицию часто называют воздушной. Хорошим примером воздушно-тональной перспективы могут служить великолепные итальянские пейзажи художника А.А. Иванова (1806–1858). В этих пленэрных этюдах глубина пространства передана за счет воздушной дымки. Именно эта воздушная дымка, ощущение глубинности на двумерном полотне придает изумительную красоту пейзажам Иванова.

Воздушная перспектива – это смягчение контуров отдаленных предметов, смягчение контрастов и светотени, при этом дали оказываются светлее переднего плана. При работе в цвете воздушная перспектива достигается тем, что с удалением объектов их цвета становятся более холодными, то есть как бы приобретают голубой оттенок.

Итак, чтобы создать иллюзию глубины кадра, его трехмерность, необходимо соблюдать глубинное построение композиции кадра. Это достигается прежде всего построением линейной или тональной перспективы. В реальности чаще всего перспектива бывает линейно-тональной, то есть смешанной (рис. 3).

Рис. 3. Тональная композиция

Создавая изображения, художник направляет внимание зрителя на нужные ему, мастеру, участки-объекты внутри кадра-картины. Происходит это через выстраивание силовых энергетических линий, световых пятен, бликов и других акцентов, выделяющих сюжет произведения. Разберем некоторые, наиболее часто встречающиеся композиционные построения с точки зрения энергетики кадра.

Когда возникают неуравновешенные, разомкнутые композиционные построения, то в этом случае энергетические силовые линии как бы вырываются за пределы границ кадра. При этом за границами кадра подразумеваются или важные объекты съемки или продолжение события (рис. 4).

Рис. 4. Закрытая композиция

Вариант разомкнутой композиции: содержание «прорывается» через границы кадра, все движение направлено к границам и за грани кадра (рис. 5).

Рис. 5. Разомкнутая композиция

Следующий пример: энергетика движения четко направлена под прямым углом к оптической оси объектива. Такое композиционное построение подчеркивает скорость передвижения объекта съемки (рис. 6).

Рис. 6. Композиция, усиливающая эффект движения

Еще пример: замкнутая закрытая спиральная композиция. Такое построение композиции кадра может создать эффект кружения объекта или объектов съемки в границах съемки (рис. 7).

Рис. 7. Спиральная композиция

Диагональное построение композиции кадра применяется довольно часто. По энергетической активности диагональ, пожалуй, занимает ведущее место (рис. 8). Это восходящая активная диагональ.

Рис. 8. Восходящая диагональ Нисходящая диагональ (рис. 9).

Рис. 9. Нисходящая диагональ

Диагональное решение композиции наиболее часто применяется при съемке спортивных сюжетов. Восходящая диагональ хорошо передает ощущение движения, скорости. Эта неуравновешенная, неустойчивая, асимметричная композиция применяется в фотоискусстве, киноискусстве и живописи очень часто и служит убедительным доказательством того, что симметричные, уравновешенные композиции малопригодны при изображении движения, динамики. Думается, диагональ очень хорошо передает энергетику активной жизни.

Если четко акцентирован объект композиции, то смысловой и энергетический акцент нацелен на этот главный объект композиции, остальные приглушены.

Если в кадре акцентированы два или три движущихся объекта, то композиционная и энергетическая картина несколько усложняется. Глубина резко изображаемого пространства также используется как возможный акцент в композиции.

Передача фактуры в кадре-картине в определенной степени резкости и нерезкости подчеркивает, углубляет задуманный композиционный эффект, усиливает или уменьшает энергетику кадра.

В фотоиллюстрациях, приведенных в книге, постарайтесь найти все перечисленные выше примеры, подтверждающие энергетические композиционные принципы построения фотографического изображения, разберитесь и освойте эти принципы и схемы и даже поместите где-то в тайниках мозга… Но при построении кадров не привязывайте свои мысли к тем или другим схемам. Никогда!

Колористическое решение фото и кинокадра

Цвет имеет высокое художественное значение и его роль в построении живописного и фотографического образа огромно. Именно цвет является важнейшим смысловым, изобразительным, композиционным и эмоциональным средством в живописи, фотографии и кино. Понятие колорит пришло из живописи. Под колоритом понимается взаимосвязь цветовых элементов картины, фотографии, кинокадров, согласованность цветов и оттенков. Колорит – это живописность и красочность цветовых сочетаний, это общая цветовая гамма произведения искусства, гармоничное сочетание цветов. Композиция, крепко построенная по объемам, линиям и формам может рассыпаться по колориту. Колорит участвует в создании в кадре-картине композиционной упорядоченности, задуманного автором контраста, ритма, фактуры цветных поверхностей, объемов. Колорит нередко определяет эмоциональный настрой героя, да и всего произведения в целом и бесспорно, участвует в процессе восприятия и понимания смысла, содержания фото и кинокадра, живописной картины. Главный принцип колористического решения: мотивированное появление на картинной плоскости тех или иных цветов и тонов, целесообразное применение цвета для выявления главной мысли автора, выразительного, эмоционально впечатляющего изображения действительности. Колористическое решение должно звучать в каждом произведении как голос автора-творца. Василий Кандинский (1866–1944) в свое время сказал, что учение о гармонии в живописи – подобие музыкальной грамоте, только обращенной не к звуку, а к цвету и форме. Цвет – это клавиши, глаз – молоточек, душа – многострунный рояль. Композиция представлялась Кандинскому высшей формой живописного творчества.

Все цвета имеют три основные характеристики: цветовой тон, который определяется доминирующей длиной волны; насыщенность или степень выражения цветового тона по отношению к спектральному цвету той же длины волны, принятому за сто процентов; светлота – это синоним яркости. Ученые определили, что наши глаза воспринимают около 250 различных цветовых тонов и более 10 миллионов смешанных цветовых оттенков! Выразительность цвета зависит и от композиции картины, фотокадра, от цвета, расположенного рядом, и от площади, занимаемой в картине тем или иным цветом, также от цветовых пятен, их формы и от яркости.

Не только художнику, но кинооператору, фотомастеру нужно хорошо разбираться в колористических соотношениях разных участков спектра. Например, не случайно все спасательные средства на судах окрашены в оранжево-красный цвет, потому, что яркость теплого оранжево-красного цвета повышается на фоне холодного синего цвета моря. А психологи считают, что цвета имеют свои эмоциональные окраски и символы: красный – страстный, возбуждающий, в то же время это цвет опасности, цвет запрета. Синий – цвет грусти, подавленного настроения. Жёлтый – безмятежность, веселье. Зеленый – это стабильность, умиротворенность. Черный, темно-пурпурный ассоциируется с неприятными ощущениями угнетения и общей тревожности. А яркий пурпурный, красный, оранжевый, желтый могут вызывать ощущение тепла, уюта. Но у разных народов мира и в разные эпохи символика цвета не совпадала. Например, черный с красным у нас в стране цвет траура, а белый цвет – цвет невинности, а у других народов белый цвет обозначает траур. Красный цвет – цвет верности, страсти. Золотой цвет – цвет гармонии, при этом он самый активный. Синий – символ мудрости, белый – это не только целомудрие и невинность, но также цвет силы. Алый – порыв, решительность, радость, триумф. Пурпур – цвет императорской власти. Голубой ассоциируется с водой и небом.

Цвет в искусстве – это, естественно, не раскрашенные картинки. Колорит – одно из самых мощных средств эмоционального и смыслового воздействия на зрителей. Художник грубо «квантующий» цвет добивается эффекта яркой декоративности, праздничности. Но все хорошо в меру. Цвет подобно звуку может радовать, но может и оглушать. Сдержанная палитра художника часто гораздо предпочтительнее цветовой аляповатости. Цвет в состоянии «брожения» нередко стремится взорвать привычную форму. Свет – среда проявления цвета. В талантливых руках художников оркестровка цвета и есть мощнейшая дорога к сердцу зрителя.

Цвет должен обогащать фотографию, но в неумелых руках он может резко обеднить, ухудшить изобразительное качество фотокадра и картины.

Мои некатегорические, но чисто «колористические» советы:

1. Решите для себя общий колорит произведения;

2. Не стремитесь к введению в кадр максимального количества цвета. Сдерживайте колорит, как «дикую лошадь», не пускайте ее вскачь;

3. Все время думайте о цветовом решении и цветовой доминанте. Не перестарайтесь – избегайте очень насыщенных цветов;

4. Не применяйте без надобности очень плотные светофильтры;

5. Во время съемки держите в уме цветовой баланс вашей пленки;

6. При съемке портретов не советую освещать цветным светом большие площади лица портретируемого. Цветной свет на лице должен быть оправдан. На начальной стадии обучения цветной свет лучше использовать только для освещения фона и, возможно, на контровых приборах;

7. Блюди колористическую заповедь: чуть-чуть! Этим руководствовался в своем творчестве удивительный мастер киноизображения С.П. Урусевский. Как-то во время съемок фильма «Первый эшелон» он сказал мне: «Юра, уведи из кадра женщину в ярком платье, она мне режет глаз». По моим наблюдениям он часто удалял «лишний» цвет и редко добавлял цветовой акцент;

8. Эффекты и цветные блики воспроизводить творчески, а не рабски натуралистично!

9. Творческие и технические вопросы должны быть решены до начала съемки;

Итак, колорит – это волшебный хор красок, но не позволяйте без надобности краскам кричать! Хорошо, если это станет неписанным правилом в вашем творчестве.

Светотеневой рисунок кадра

Свет является мощнейшим раздражителем нервной системы, приносящим нам информацию об окружающем нас мире. Эта информация явно избыточна и глаз человека способен воспринимать лишь ее видимую часть. Но даже в этой узкой зоне видимого глазом света, мы избирательно воспринимаем действительность, отсекаем второстепенные и лишние подробности.

Изобразительные средства, такие как линия, свет и тень, тон взаимосвязаны и неразделимы в концепции картины, фотопроизведения. Хотя, что-то из перечисленного обычно доминирует. Рисунок кадра, светотень, колорит, линейная и воздушная перспектива, оптический рисунок – все это композиция связывает воедино и именно так создается главная художественная форма произведения искусства.

О роли светотеневого рисунка в кадре большой разговор еще предстоит нам в разделе «Школа композиции ВГИКа». В истории искусства есть немало великолепных и ярких примеров интересных светотеневых решений и прежде всего хочется назвать итальянского художника Караваджо (1573–1610) и его великих последователей Рембрандта, Веласкеса, X. Риберы, Рубенса и многих других.

О ритме

Композиционное построение – это поиск и процесс рождения художественного порядка. Ритм в кадре – живая пульсация в статике картины, экрана, фотопроизведения. Все люди обладают фантазией, которая основывается и на логике интервалов, чередование чего-либо, то есть рождение ритма. Чувство ритма – врожденное свойство человека, больше того – это основа жизни, именно его величество ритм отстукивают наши сердца. Мы окружены ритмами, мы слышим музыкальные ритмы, мы воспринимаем и зрительные визуальные ритмы, которые в повторяемости линий и форм, пятен колористических и играющих бликов.

Поиск и нахождение интересного ритма в фотокадре можно считать важным моментом композиционного решения. Композиционная ясность рисунка кадра, удобство «считывания» заложенных в изображение ритмов, лучшая запоминаемость конструкции кадра – все это и есть в понятии ритмическое построение композиции. Разговор о ритме будет обязательно продолжен и далее.

В музыке властвует ритм! Композитор Морис Равель (1875–1937) в 1928 году сочинил уникальное произведение «Болеро», ритму которого подчиняются все, по словам искусствоведа А. Майкопара, из-за «гипнотического воздействия неизменной множество раз повторяющейся ритмической фигуры».

Оптическая композиция

Оптический рисунок кадра – это умелое профессиональное использование свойств оптики, то есть применение различных объективов, фильтров и насадок на объективы. Различные фокусные расстояния объективов, соответственно, разные углы зрения сменной оптики, помогают думающему и творческому фотографу, кинооператору добиваться интересных эффектов и даже сильно видоизменять в нужную сторону оптический рисунок, находящихся перед камерой объектов съемки и в сочетании с задымлением пространства кадра и использованием при павильонной съемке тюлей, добиваться высокого класса изображения.

Различный оптический рисунок и различный угол зрения объективов в руках творческих фотомастеров и кинооператоров превращаются в мощное средство построения оптической композиции. Известно, что оптический рисунок может даже изменять существующую перед камерой действительность и превращаться в нужный для мастера рисунок кадра.

Действительно, оптический рисунок композиции кадра должен подчиняться мастеру. Отличным примером должно служить творчество лучшего киномастера прошедшего века Сергея Павловича Урусевского. Об его творческой манере мои приятные воспоминания будут в разных местах этой книги.

Конечно, существуют правила творческой игры, правила художественной шифровки и допустимости применения определенных технических приемов.

Пример из практики автора. В середине прошлого века появились широкоугольные и сверхширокоугольные объективы. Мне удалось достать один из первых «Руссаров» 20 мм, который я применил для подводной съемки. При фотографировании в толще воды угол зрения объектива уменьшается. А снимая в не всегда прозрачной воде, хочется приблизиться к объекту съемки как можно ближе. Вот для этого и нужен объектив с широким углом зрения.

А при съемке в воздушной среде многие широкоугольники дают определенный «бочкообразный» эффект, то есть изображение на краях кадра как бы закручивается. Я увлекся новыми изобразительными возможностями широкоугольника и стал приносить главному художнику журнала «Советский Союз» Житомирскому фотоочерки с фотографиями, снятыми и широкоугольником.

Житомирский выкидывал все «непривычные» кадры. Я же упорно снимал новым объективом. Примерно через полгода Житомирский стал обращать внимание на фотокадры, снятые и широкоугольником, и даже вставлять их в макет журнала. Через несколько лет мне удалось приобрести объектив с углом зрения 175 градусов ф. = 14 мм. Этот объектив делал изображение совершенно непривычным и мало похожим на объект съемки. Но на этот раз привыкание к новым возможностям фототехники произошло гораздо быстрее. И в прессе стали появляться снимки ранее невозможные, например, снять весь зрительный зал Большого театра возможно только сверхширокоугольным обьективом.

Школа фотокомпозиции

Ступени постижения мастерства

Развитие творческих способностей (если они генетически заложены) требует огромного ежедневного труда. Умение настойчиво работать, помноженное на жесткую самодисциплину – залог хороших результатов. Талант – это щедрость и непрерывное генерирование идей, замыслов, решений. Живописец, кинооператор, фотомастер должны научиться выявлять и очищать красоту из серости жизненных проявлений и щедро дарить эту красоту людям. Сегодня уже написано и издано множество пособий по техническим средствам фотографии и кинематографии[6]6
  См. список литературы в конце книги.


[Закрыть]. Любой(!) камерой, даже очень любительской, можно снять великолепный кадр. В то же время можно умудриться не снять даже средненький кадр самой лучшей оптикой и очень дорогой фотокамерой. Конечно, качество камеры, а особенно оптики, значит много, но кадр компонует не фотокамера, а сам человек. И именно от подготовленности, от мастерства, от ремесленных навыков индивидуума зависит художественное качество фотокадра. Ведь никто не будет спорить, что хороший художник и плохими кистями напишет лучше плохого, но вооруженного самыми дорогими кистями и красками. У Паустовского есть рассказ о том, как на берегу появился рыбак с престижным заграничным суперспиннингом, а местный паренек при помощи гвоздя на веревке наловил намного больше рыбы, чем положил на лопатки владельца спиннинга. Прошу прощения за столь примитивный пример, но почему-то существует мнение, что шикарный фотоаппарат снимает сам. По технике, по экспозиции – да! Но не по творчеству. Каждый должен подобрать, освоить свой комплект аппаратуры – оптики. Насадки, диффузи-оны, светофильтры и т. д. подбираются соответствующие своему творческому методу. Мастер обязательно должен выйти из подчинения техники, оседлать ее, сделать помощницей, а не диктатором. Любая современная, а особенно цифровая фотокамера дает все возможности для получения технически грамотной фотографии. Но самое главное – это творческое, художественное звучание фотокадра. Студентам кинооператорского факультета ВГИКа предлагается прослушать курс лекций с большим количеством иллюстраций, примеров, как надо и как нежелательно выполнять практические фотозадания. Лекции всегда предшествуют выполнению фоторабот. Все практические фотосъемки нужны для того, чтобы взойти по ступеням на профессиональную высоту. Потом в процессе обучения у вас возникнет (или не возникнет) свое видение, свой почерк, свой стиль. Восхождение на творческий Олимп разумно производить поэтапно. Каждый шаг наверх назовем ступенью. Основные ступени, на которых постигается Школа композиционного мастерства – это:

1. Натюрморт;

2. Деталь – фрагмент;

3. Пейзаж (природа, сельский пейзаж);

4. Городской пейзаж;

5. Жанровая съемка;

6. Фотография для прессы – фоторепортаж;

7. Спортивная фотография;

8. Съемка гипсовых моделей;

9. Мужской портрет в павильоне;

10. Мужской портрет на натуре;

11. Женский портрет в павильоне;

12. Женский портрет на натуре;

13. Фотографический этюд: руки;

14. Триптих;

15. Многокадровый репортаж, лучше спортивный;

16. Фотоочерк;

17. Фотосъемка в экстремальных условиях;

18. Рекламная фотография;

19. Авторская фотовыставка.

Все эти 19 ступеней желательно освоить, изучить и добиться хорошего изобразительного и фотографического качества. Двигаясь по этим «ступеням» нужно сделать определенное количество фоторабот, которые бы удовлетворяли не только автора, но были бы интересны зрителям. Вот тут не обойтись без опытного наставника, без педагога. Причем переход к следующей ступени должен происходить после освоения очередного задания. Кстати, эти 19 ступеней охватывают практически все виды фотографической деятельности, все варианты фототворчества.

Читателям этой книги предлагается ни в коем случае не копировать приводимый изобразительный материал. Только самостоятельный поиск, только своя собственная дорога поиска может привести к творческим достижениям. Повторы чужого опыта приводят только к… Плагиату. Но изучать, анализировать шедевры нужно постараться понять, каким образом, какими средствами, способами художник-творец достиг определенного результата. Главное – изучать и профессионально анализировать.

Измотай себя до гения! Труд – это слово происходит от понятия «трудно». Трудолюбие это и есть любовь к труду. Чаще спрашивай себя: что ты хотел сказать людям этим кадром? Что ты увидел, подсмотрел и что донес до зрителя? Почему нажал на кнопку затвора именно в этот, а не в другой момент?

Творчество – некая потребность высказаться. Она, эта потребность, будет мучить художника до тех пор, пока не свершится творческая деятельность, не произойдёт акт рождения из замысла реального произведения искусства. Если же нет потребности что-то сказать другим, не будет и продукта творчества. Творчество похоже на роды. Они бывают разные: легкие, веселые и тяжелые, мучительные. Искусственные роды не создадут полнокровное, творческое произведение.

Говорят, что творческий процесс – это нечто божественное. Обратите внимание на художников, рассказывающих о том, как на них снизошло озарение, как ему, автору, осталось только записать, нарисовать, сфотографировать то, что увиделось в мечтах, грезах, видениях, как его кистью водило вдохновение. Не он сам, а что-то извне. Но есть и другое мнение… Многое решает наше почти неуправляемое подсознание, именно творчество во многом и есть «продукт» подсознания, которое находится в нашей голове. Некоторые же воспринимают это как озарение, как подсказка свыше.

Подсознательное, бессознательное, надсознательное, сверхсознание и субсенсорное восприятие – это термины психологии, науки, изучающей деятельность нашего главного органа – мозга. Нас же интересует, прежде всего психология творчества, об этом попытка серьезного разговора в самом конце книги, в главе которая так и названа «Психология творчества».

Свяжешься с творчеством – прощай карьера, признание, душевный покой, устойчивый заработок. Это познали многие, особенно непризнанные или опередившие свою эпоху, или же просто неудачники.

Но вот произведение родилось. Что дальше? Весь этот мучительный процесс творчества еще не предполагает донесения шедевра до зрителя. Да, произведение, лежащее в мастерской, фильм, не увиденный зрителем – не прозвучит! Живописную картину, скульптуру, кинофильм, фотоочерк еще надо показать зрителю и дождаться оценки, иначе не будет со-звучия, со-творчества со зрителем. А это и есть главное вознаграждение для большого художника. Если же произведение подвергли жестокой критике или еще хуже – встретили молча, прошли мимо, как бы не замечая, – это естественно, вызывает жестокие муки и нередко творческую смерть даже талантливого художника.

Выполнение предлагаемых упражнений может дать прекрасные результаты, разбудив дремлющие силы и определив степень одаренности студента.

Любая школа в искусстве – это рамки, это определенные ограничения, это, я бы сказал, некоторое насилие. Но если ты мастер, то непременно преодолеешь любые каноны, вернее, примешь их к сведению и растворишь в своем творчестве.

Кино – законный, естественный «ребёнок» фотографии. Разделить, разрезать фотоискусство и киноискусство невозможно! Повторю: надо помнить, что кино это всего лишь 24 неподвижных фотокадрика, показываемых нам в одну секунду. Не-под-вижных!

Кино и фото влияли и продолжают влиять друг на друга. Все основы композиционного творчества первоначально отрабатывались в фотоискусстве, затем брались на вооружение кинооператорами и затем кинокомпозиционные находки возвращались – то есть передавались фотомастерам. Идёт взаимное обогащение и углубление творческого построения кадра.

К сожалению, у нас мало институтов, техникумов, в которых бы обучали глубинам творческой фотографии. Я надеюсь, изложение основ предмета «фотокомпозиция» будет полезен многим, кто хочет повысить свой творческий потенциал.

Итак, ясно всем – нужна Школа фотокомпозиции, школа фотографического мастерства. Но обучать творчеству заочно трудно. Однако есть книги, учебники по освоению основ живописи, должны быть книги по изучению и постижению основ фотоискусства. Их пока что мало.

Фотокомпозиция во ВГИКе преподается уже более 90 лет. Она является наиболее полным и всесторонним предметом по обучению основам построения кадра, основам создания творческих фоторабот. И вот почему: в композицию непрерывно вливаются достижения мировой фотографии, а также всё лучшее из созданного кинооператорами в кинематографе. Во ВГИКе сложилась своя, основанная на лучших кинематографических достижениях, фотошкола. Это важнейшее событие. Многие, я надеюсь заслуженно, считают фотошколу ВГИКа даже лучшей среди фото и киношкол мира.

Ниже будут изложены основные этапные шаги постижения фотомастерства. Желающие повысить свой творческий уровень по излагаемой программе должны помнить: изучать основы фотокомпозиции в одиночку сложно. И трудность заключается именно в оценке выполнения учебных фотозаданий. Вы освоили определённые фотоупражнения, а кто подскажет каково качество выполнения, кто подскажет наиболее правильный, творческий путь дальнейшего постижения программы? Ясно: нужен педагог или серьёзный, достигший успехов в личном творчестве фотомастер. Нужен старший товарищ, знающий и согласный с программой ВГИКа, умеющий подсказать, что хорошо и что никуда не годится.

Педагоги ВГИКа проводят такие консультации для желающих повысить свое мастерство, а также для готовящихся поступать на кинооператорский факультет ВГИКа.

Действительно, процесс обучения – это лекции, выполнение практических фоторабот, затем консультации мастеров-педагогов по выполненным фотоработам. Но это ещё не всё. После консультаций надо снова брать в руки фотокамеру и снимать, снимать. Фотографировать до тех пор, пока не будет достигнуто качество, которое на данный момент устраивает и фотографа и мастера-педагога-консультанта.

Фотокомпозиция преподается обязательно для всех будущих кинооператоров и кинорежиссёров. Занятия проводятся на первых двух курсах кинооператорского факультета.

Итак, ещё раз – всем видам искусства нужна Школа! Это фундамент, это основа мастерства и ремесла (в самом уважительном смысле). Сказать своё слово, дать или обозначить направление, новизну в искусстве по силам только высокоодарённым – это должно звучать как аксиома.

Читающему эту книгу надо рассчитывать на труд и творческие муки, муки поиска. Если есть желание взойти по ступеням мастерства, необходимо выполнять все упомянутые упражнения, предлагаемые автором. Вам предлагается интересный путь, путь поиска и прекрасные муки творчества.