Текст книги "Бизнес в индустрии моды"

Другая русская «шуба», джинсовая саржа и меховые сумочки.

Давайте поближе познакомимся с таким элементом зимнего гардероба как шуба. Всему миру известны наши шубы. И не только в качестве роскошных мехов, повсеместно уже много веков знаменитых, а в виде одного из наших исторических предметов зимней одежды – дубленки!

Дубленка. Она же «шуба наоборот» или «тулуп овчинный», или еще +100500 названий, обозначающих один и тот же предмет одежды. Зимняя одежда не только с центральной частью, но и с рукавами из овчины мехом внутрь. На Руси испокон веков и до рубежа 19—20 веков ее «шубой» звали.

С точки зрения наших предков, неприличным было носить шубу мехом наружу, поэтому носили ее наружу бахтармой. У тех, кто был побогаче, шуба была покрытая (верхний слой – ткань), у тех, кто победнее, обычная. Этот предмет гардероба дошел до нас из глубины веков почти в первозданном виде.

Самая древняя дубленка (или шуба наоборот) была обнаружена советскими археологами в 20-е годы 20-го века в захоронении недалеко от Минусинска. Возраст находки к тому моменту насчитывал около двух тысяч лет. Из этого факта мы можем сделать приятный вывод: у этой детали одежды вполне отечественное происхождение.

Или еще два любопытных факта из результатов раскопок в Красноярском крае для закрепления вашего удивления:

В могильниках периода энеолита в той же местности, где и древняя «дубленка», были «найдены остатки меховой сумочки, расшитой 40 зубами марала». От того досадно, что говоря о текущем тренде на меховые сумочки, мы вспоминаем только про Миучча Прада и Рафа Симонса.

Всё там же, под Минусинском, в тагарских могилах еще в прошлом веке были найдены шерстяные ткани саржевого (саржа – – итал. sargia, фр. serge; от лат. sericus – «шелковый» – тип плетения ткани) и диагонального переплетения.

Интересно, что тагарская культура существовала в 8—3 веках до н. э, а в середине 19 века этот тип плетения взял за основу американский предприниматель Леви Страусс и превратил в деним (джинсовую ткань). И многие думают, что и саржу тоже придумал он.

Люди, жившие века и тысячелетия назад в районе Минусинской котловины, умели выделывать тонкие кожи, из которых шили одежду, делать вязаные полотна и много чего еще. Я специально не стала «перемещаться по карте» в другие регионы нашей необъятной Родины, потому что таких исторических находок на территории современной России превеликое множество, но почти никто не задавался целью связать их с историей современной одежды.

И еще, хоть это и не элементы одежды, а явления, я не могу про них не упомянуть, говоря о национально-исторических чертах современной моды: многослойность, устойчивая мода, апсайклинг и ресайклинг – всё это очень по-русски. И очень в тренде.

Детали одежды и их элементы, которые я упомянула (а про какие-то не написала, ибо их очень много), к данному моменту претерпели влияния, трансформации и дополнились заимствованиями. Но эта судьба не минула и европейские, называемые «историческими», элементы.

Думаете до появления и закрепления названия «оксфорды», никто не шил обувь с «закрытой» шнуровкой, где союзка нашита поверх берцов? Шили. И до моды на этот тип обуви в Оксфордском университете 19 столетия, и до их распространения в Шотландии 18 века тоже шили.

Значит, суть соотнесения элементов гардероба с неким регионом, страной или целой культурой часто не в формах вещей и способах их производства, а в том, кто был первым, не побоявшимся объявить это «своим».

Правила адаптации и стилизации

Подъем национального самосознания создал новый запрос к инфлюенсерам, стилистам и имиджмейкерам: как адаптировать культурные коды и вписать их в современную модную повестку, но не выглядеть при этом неким анахронизмом или «Ванькой из деревни»?

Главное правило встраивания национальных культурных кодов или исторических элементов в современность – не пытаться найти или создать «кальку» с образа, а подбирать то, что является актуализацией прототипа и создаёт общее впечатление русскости.

Чуть раньше у нас шла речь о дубленке. Не важно, из какого, натурального или искусственного, материала она у вас будет. Важен сам силуэт. В сочетании с соответствующим по стилю и настроению головным убором или элементом поясной одежды, вы можете создать одновременно очень актуальный и аутентичный образ.

Или другой пример – полушубок. Эта деталь зимней одежды, наряду с дубленками и длинными лохматыми шубами, является одним из трендов текущего года и ближайших пары лет. Изучите изображения исторических дубленок, шуб и полушубков и найдите в современных коллекциях сходный по настроению вариант, который подходит именно вам. Тоже правило работает и по отношению к остальным деталям гардероба.

Очень важно собирать образ так, чтобы цитаты из стилей и эпох читались, но не бросались в глаза. И тут важен и крой, и материал, и отделка, и фурнитура, и мех (качество, цвет, длина), и цвет головного убора, сумочки, обуви – любого заметного аксессуара, и сочетание всех элементов образа между собой. И главное, если хотите добавить в образ национальные черты, старайтесь, по возможности, обойтись без так называемой «клюквы».

Под развесистой клюквой русских традиций.

Справедливости ради, весь заголовок следовало бы взять в кавычки, поскольку в нем нет ни слова правды. Один из наиболее остро воспринимаемых аспектов отечественной самоидентификации в контексте отечественной же моды – некоторая однобокость, избыточность и отчасти наигранность последней или то, что в профессиональных кругах называют «клюквой». Попытки одеть массы в образы с «народными» мотивами терпят фиаско уже не один десяток лет.

Что же такое «клюква» в моде, откуда пошло данное обозначение, в каких случаях и к чему оно применяется?

Представления о России иностранцев, посещающих нашу страну, всегда были, мягко скажем, далекими от действительности. И они не новы. Вопросы о гуляющих по улицам медведях до сих пор нет-нет да возникают у представителей разных народов в общении с нашими соотечественниками.

В сознании людей из-за рубежа существует не менее двух Россий: «дикая да лапотная» с одной стороны, и те «инопланетяне» в лице Великих Русских много кого, что внесли вклад в мировую культуру со стороны противоположной. Почему «инопланетяне»? Потому что согласно культивируемой не одну сотню лет доктрине, ничего хорошего, кроме ресурсов, в нашей стране, простите, нет.

Sous l’ombre d’un klukva majestueux.

На рубеже 19—20 веков словосочетание «раскидистая клюква» было весьма популярным выражением, высмеивающим нелепые представления иностранцев о России. И в отечественном фольклоре, и в реальности особенно этим грешили французы.

Никто точно не знает, на почве какого именно события «взросла» эта «развесистая», «величественная» или «раскидистая» чушь. Но комедийный образ влюбленных «под развесистыми сучьями столетней клюквы» или «под сенью величественной клюквы» – sous l’ombre d’un klukva majestueux, – в 1900—1910 годы преобразовался в популярное идиоматическое выражение.

В мире моды сегодня «клюквой» чаще всего называют кокошники на малышках и древних старухах, хохломские, павлово-посадские, гжельские и некоторые иные сюжеты и орнаменты в одежде и в контексте всего «русского национального», а также мужские картузы с неизменными красными гвоздиками, которые согласно «светлой» думе идеологов «возрождения» русской культуры 19 века были созданы ими с нуля, а в советское время навязаны и растиражированы.

Из того, что у всех на слуху, а вернее, на ткани, и выдается за исконно русские древние народные мотивы, хохломская роспись – самый древний промысел, и в отличие от других «исконно русских» промыслов хохлома не имеет авторов. На ткани ей, конечно, с точки зрения исторической справедливости делать нечего, но в рамках современной адаптации она имеет полное право там находиться.

– Хохлома появилась на рубеже 17—18 веков.

– Первые павловопосадские шали были выпущены в начале 1860-х

– годов.

– В то же время и гжельская роспись приобрела привычный нам облик и узнаваемый стиль – синий кобальт на белом фоне светлой глины.

– Жостовская подносная роспись появилась в подмосковном посёлке Жостово в 19 веке на основе традиционной Тагильской лаковой подносной росписи (18 век).

Почему интерес к поиску корней, а вернее, к воссозданию русской культуры возник именно в 19 столетии? Причин и предпосылок много, но нас интересуют не все они.

Спрос рождает предложение

После победы над Наполеоном логичным образом возрос уровень патриотизма и самосознания русского народа, а культурное наследие Западной Европы, принесенное и насажденное Петром Первым, уже не выглядело для жителей Российской Империи таким уж привлекательным и единственно достойным восхищения. Русским срочно было нужно русское, которого уже или еще не было. Этим «историческим русским» и стал новодел 19 века. На екатерининскую придворную моду «а-ля русс» конца 18 столетия этот новодел прекрасно «лег» и «пустил корни».

Европейская мода и перемещение людей из деревень в города сыграли пагубную роль в истории русского национального костюма, он упростился и унифицировался. Изначально русский народный костюм, как и многие народные костюмы, был сложной системой знаков и символов, по которым с одного взгляда легко можно было узнать не только о материальном положении носителя и его социальном статусе, но и о его социальных ролях, месте рождения, месте жительства, семейном положение, взглядах на жизнь и многом другом.

К примеру, по девичьему наряду можно было «прочесть», сколько у нее старших сестер, и сколько из них не замужем. Это был и «паспорт», и «профиль соцсети», и «резюме», и «набор рекомендаций» в одном «флаконе». К концу 18– началу 19 вв этот сложный язык одежды был в значительной мере утрачен, а заниматься его восстановлением было особенно некому и незачем, «русское» нужно было «здесь и вчера». Так в поле зрения моды появились посадские платки, хохлома и кокошники.

Да, снова кокошники.

В разных регионах страны в разное время были свои правила ношения кокошника, но в большинстве своем они сводились к тому, что носили его только в особые дни и только замужние женщины. Девицы на выданье носили всевозможные венцы (не кокошники). Кокошник могли носить лишь замужние женщины поверх платка или покрова из тонкой ткани. В некоторых областях даже замужняя женщина надевалакокошник только до рождения первенца. Со временем в некоторых губерниях женщины стали носить кокошник лишь три дня после венчания. Кокошник был всесословным женским головным убором до реформы Петра Первого. Реформа превратила кокошник в убор крестьянок, купчих и мещанок.

Екатерина II, которая в 18 веке ввела при дворе моду «а-ля русс», вернула кокошник в женский придворный костюм без ограничений по возрасту и социальному статусу, что было в ряде аспектов явным противоречием по отношению к изначальным традициям. К окончанию наполеоновских войн культурные аспекты, связанные с женскими головными уборами, окончательно стерлись.

Мотивы по мотивам мотивов.

Еще одно новшество, которого не было в национальном русском костюме, – – сильное облегание и приталенность силуэта. Монументальный и величественный в своем изначальном варианте, силуэт русского костюма постепенно европеизировался и к последней четверти 20 века даже обрел черты диоровского нью-лука 1947 года – талия и бюст стали подчеркнутыми, а юбка – пышной и короткой. Легкомысленный образ, уместный для танцевальных выступлений и шоу, пришелся по вкусу европейским дизайнерам и прижился в мировой моде.

Каждому времени своя мода и свои представления о красоте, но мода не всегда находится в поле исторической справедливости. И именно нарушения последней играют значительную роль в том, как многие зарубежные и отечественные дизайнеры воспринимают русские культурные коды в одежде.

Очень часто можно увидеть модели «по мотивам мотивов», выдаваемые за исторические и народные, но не являющиеся таковыми: мы видим рефлексии дизайнера на тему национального костюма, визуализированные размышления автора о предмете через призму его восприятия темы и его воображения.

Эти рефлексии часто избыточны и плохо адаптируемы к потребностям современного человека. Отчасти именно этим, на мой взгляд, обусловлена плохая «приживаемость» русских культурных кодов в современной одежде.

Русское лицо европейской Высокой Моды.

Бытует ошибочное мнение, что мировая и, в частности, европейская мода ничем не обязана русской культуре и что современная российская мода – калька с западной. Если последнее утверждение не лишено доли правды, то первое в корне неверно.

Представьте, что на дворе 1908 год. Российская Империя переживает последствия Февральской Революции 1905 года, а вся просвещенная и не очень Европа ездит в Париж «за модой».

Меценат, знаток и любитель прекрасного Сергей Павлович Дягилев делает в Гранд Опера в Париже «Сезон русских опер»: голос Шаляпина, музыка Мусоргского, Париж рукоплещет.

– А что есть в России еще? – вопрошает просвещенная публика.

В следующем же году Дягилев привозит в Париж русский балет.

Благодаря Сергею Павловичу Дягилеву и его «Русским сезонам» (1909—1929 гг) в моду пришло очень многое.

К примеру, браллет или декоративный бюстгалтер, придуманный Львом Бакстом – сценографом, иллюстратором и дизайнером, одним из законодателей европейской моды на экзотику и ориентализм в начале 20 века. Благодаря «Русским сезонам» в парижскую (а после, и в европейскую) моду вошли эротизм, ориентализм и тема России. Даже выражение, ставшее названием самостоятельного направления – a la Russe, пришло в моду из балета.

Благодаря балету «Шехерезада» (1910 г., музыка – Н. Римский-Корсаков, костюмы – Л. Бакст, Париж) в моду вошли: эротический подтекст, возлежание на подушках, шаровары, силуэты без корсетов, глубокие декольте, тюрбаны с перьями, загар (имитация загара), комплиментарные контрасты (розовый с зеленым, оранжевый с голубым и т.д.) и короткие стрижки.

«Послеполуденный сон фавна» дал балету, спорту и моде обтягивающее трико, сшитое специально для танцевавшего в балете В. Нижинского.

Конечно, Дягилев был пропагандистом русского балета, России и экзотики Востока; он был сердцем, вдохновляющим эту моду, а руками, сделавшими это реальностью и принесшими эти тенденции европейской публике на блюде, были Л. Бакст, создававший костюмы к балетам и П. Пуаре – один из реформаторов моды 20 века, а в 20-е годы – Н. Гончарова, М. Ларионов, Ж. Ланвен и сестры Буэ.

На границе с Востоком.

Балетные «Русские сезоны» очень повлияли на Поля Пуаре, который был постоянным зрителем русских балетов. Пуаре даже задумывал коллаборацию, но ничего не получилось. Тогда он один начал создавать коллекции с ориентальным балетным флёром.

Важно сказать, что Пуаре, совершивший одну из революций в моде, когда в 1906 году отказался от использования корсетов в коллекциях, нашел в костюмах русской балетной труппы то, что искал и хотел предложить капризной парижской публике – античную простоту силуэта. Простота и скрытое в ней величие давно интересовали Пуаре, но только «Русские сезоны» с их оглушительной популярностью заставили француженок массово эту простоту захотеть.

Вдохновившись Россией, в 1911 году Поль Пуаре приехал в Москву, где в Доме Моды Надежды Ламановой прочитал лекцию о моде и посетил блошиный рынок на Сухаревке, где накупил русских рубах, кичек и кокошников.

Он создал первую в истории русскую коллекцию и назвал ее «Казань». Ему виделось, что Казань – та точка Российской Империи, за которой начинается Восток.

В 1910-е гг. Поль Пуаре ввел в моду яркие тени (голубой, лиловый, розовый, зеленый), ориентальные балы (1911г. Бал в восточном стиле «1000 и 2 ночи»), короткие стрижки, имитацию загара, тюрбаны и шаровары. Из балета «Петрушка» он позаимствовал косоворотку.

Он создал русскую коллекцию «Боже, как холодно!» с шляпами-ток, зимними шубками с меховой оторочкой и муфтами. Под балетными впечатлениями он одел на парижанок туники, пеплосы и кимоно.

Но и Пуаре повлиял на русскую моду того периода. После посещения Полем Пуаре Москвы в русской моде прижились его силуэты с завышенной талией. Костюмы в технике абстрактной аппликации Натальи Гончаровой и Михаила Ларионова для балета «Золотой петушок» (1914 г) отозвались в 20-е гг. в творчестве Жанны Ланвен. После гастролей труппы по США в 1917 году влияние русского балета стало заметно и в голливудских костюмах.

А в это время в Европу прибывали эмигранты, спасавшиеся от Революции 1917 года: аристократия и люди искусства. Многим из них не на что было жить. и они находили себе работу в парижском мире моды.

Революция, обогатившая Высокую Моду.

«Русский стиль» от Шанель – – результат работы русских беженок-вязальщиц, которые делали для Коко «ее» знаменитые свитеры; русских и грузинских моделей княжеских кровей, дефилирующих по подиуму; и, конечно, Великой Княгини Марии Павловны Романовой и ее Дома вышивки «Китмир». Внучка императора Александра II рисовала эскизы для Шанель и собственноручно вышивала то, что восхищало весь Париж и прославило Шанель. Пользовался услугами «Китмир» и знаменитый Жан Пату.

Мария Павловна была художественным директором Шанель. Это было взаимовыгодное сотрудничество, но оно довольно быстро закончилось в связи с «отставкой» тогдашнего любовника Шанель – Великого Князя Дмитрия Павловича Романова.

Кстати, знаменитую жемчужную нить, которую Шанель носила с бижутерией, ей подарил именно он. После разрыва сотрудничества с Домом Шанель на парижской выставке «Ар деко» Дом русской вышивки «Китмир» был удостоен золотой медали. Об уникальном Доме вышивки под управлением русской хозяйки говорила вся Европа. Но отвлечемся от бисера, жемчугов и золотого шитья и вернемся к наследию «Русских сезонов».

Одним из самых модных головных уборов 20-х гг., как вы уже знаете, был кокошник. В моду также вошли балетки, диадемы, сарафаны, душегрейки с меховой оторочкой, меховые манжеты и меховые воротники-стойки, русская вышивка и пачки. Последние стали базой для романтических платьев Модного Дома Сестер Буэ и Модного Дома Жанны Ланвен.

Ну, и наконец, в 1925 году Надежда Ламанова, та самая, в чьем Доме Моды Пуаре читал лекцию в 1911 году; та, которая позаимствовала у Пуаре и ввела в московскую моду завышенные талии, приехала в Париж представлять коллекцию, в которой были платья из рушников и валенки.

И это, кстати, было только начало интереса Европы к русской культуре, который неоднократно находил отражение в образах на Олимпе Высокой Моды.

Управляя общественным мнением

Начиная с Yves Saint Laurent Haute Couture осень-зима 1976, заканчивая Рождественской коллекцией от Диора 2022 года, высокая мода регулярно рефлексирует на тему а-ля русс.

Met Gala – ежегодная выставка и мероприятие по сбору средств в пользу Института костюма Метрополитен-музея в Нью-Йорке, также не раз выбирала своей темой русскую культуру и русскую одежду: в 1976 году тема была «Слава русского костюма», а в 1978 – «Дягилев: костюмы и эскизы русского балета».

Еще недавно назревала интересная и приятная нашему самосознанию тенденция: наши культурно-национальные коды были заявлены трендом 2022, а вместе с ними массово проявились русскость и советскость в коллекциях на мировых подиумах (показы осень-зима 2022—2023). Тогдашние прогнозы мировых аналитиков гласили, что любование русской, советской и российской эстетикой 2022—2023 гг только начало Большого Интереса к русской культуре и русской моде. Но когда модные столицы уже были готовы к новым «русским сезонам», геополитические события вмешались в модную повестку, и русский тренд «пришлось отменить», заменив его другим, на злобу дня, слепленным на коленках.

Последнее наблюдение подводит нас к еще одной функции моды – функции управления не только впечатлением, но и общественным мнением. А это означает, что судьба отечественной моды в значительной мере находится в наших с вами руках, а не в головах заморских и заокеанских дизайнеров.

Кабышев Артем

Меня зовут Кабышев Артем, я собственник и директор двух предприятий в сфере легкой промышленности. В ООО «Ангел-Текс» мы продаем ткани оптом российским производителям женской одежды. Во второй нашей организации, ООО «Ангелики Фэшн Рус», мы производим и продаем оптом женскую одежду под нашей зарегистрированной торговой маркой TOOK A LOOK. За 2022 год общий оборот по группе компаний составил 117 000 000 рублей.

Одежду мы производим уже 13 лет, и сейчас в нашем ассортименте верхняя одежда пуховики, куртки и пальто, а также, так называемый второй слой – платья, блузки и футболки, а также жакеты, жилеты и брюки. Что касается размеров одежды, то начинали мы с производства изделий на девушек с российским размером 42—44, а теперь у нас одежда производится на два условных размерных ряда 42—48 и 50—56.

Мы выгодно отличаемся от других производителем тем, что наше тканевое направление позволяет нам всегда быть на острие модных тенденций. Ведь нам приходится привозить только самые актуальные и технологичные ткани для производства одежды. Если мы этого делать не будем, то наши клиенты, которые занимаются производством одежды просто перестанут покупать ткани у нас! Поэтому 2 разы в год мы обязательно посещаем мировые выставки тканей в Шанхае и Стамбуле.

Благодаря тому, что у нас два смежных направления бизнеса – по производству одежды и торговли тканями, это дает возможность нам привлекать дизайнеров одежды на таких же условиях, как работают книжные издательства с авторами романов и рассказов. Это выглядит так. Дизайнер одежды выбирает вдохновляющую его ткань из нашего ассортимента, затем придумывает модный образ, либо капсульную коллекцию и кредитует нас своей идеей. Далее мы создаем технический рисунок предполагаемых изделий и на его основе разрабатываем лекало. Потом мы отшиваем изделия и продаем их оптом розничным магазинам одежды. И уже после того, как магазины рассчитываются с нами за поставленные изделия, мы выплачиваем авторский гонорар дизайнеру одежды в виде оговоренного процента от продаж.

Мы считаем, что такая форма взаимодействия между дизайнером одежды и производителем идеальна. Производитель получает постоянный приток новых свежих идей, а дизайнер имеет возможность творчески реализовываться без обременительных затрат, таких как покупка тканей и ниток, разработка технических рисунков и лекал, а также оплата услуг по пошиву изделий, при условии, если он захочет самостоятельно развиваться в модной индустрии. Примеры изделий и такого сотрудничества можно посмотреть в нашей группе в разрешенной социальной сети.

Наши сайты и социальные сети:

Работа с дизайнерами

Одежда

Ткани

В нашей книге я хочу рассмотреть текущее положение дел в индустрии моды с точки зрения оптового продавца тканей. Мы продаем ткани оптом и мелким оптом. Наша целевая аудитория – небольшие бренды женской одежды, которые продают свои изделия через социальные сети и через маркетплейсы. Бурное развитие электронной коммерции сделало выход на фэшн-рынок намного более легким чем 15 лет назад, например. Сейчас не обязательно иметь специализированное образование дизайнера одежды. Главное иметь желание, сформулировать для себя понимание, чем ваша одежда будет интересна вашей целевой аудитории, а далее приземление ваших идей до коммерчески успешных коллекций сделают специально обученные люди. Самое главное, что сейчас есть сбыт через маркетплейсы. Молодым брендам одежды не надо договариваться с офлайн магазинами и покупать у них место на рейле, можно начинать с розничных продаж на маркетплейсах и при обретении лояльных постоянных клиентов и реноме интересного бренда, байеры из оффлайн розницы сами начнут предлагать сотрудничество.

У нас есть клиент, сейчас это уже около 20 розничных магазинов, плюс миллионная аудитория в социальных сетях, а начинали они с покупки одного рулона модной ткани и за 5 лет выросли в узнаваемый бренд женской одежды на территории России. Перспективы развития модной индустрии в России очень радужные за счет того, что огромные одежные иностранные сети ушли, либо неудачно переформатировались, и тем самым они открывают российским брендам дорогу, но! Есть огромный минус в том, что российское модное производство не может быть доступным по цене, как было у тех самых пресловутых сетей, которые ушли с рынка. Вот почему это происходит. Начиная с производства сырья. Из огромного количества камвольных предприятий со времен СССР в современной России по пальцам можно пересчитать производителей ткани. Вся модная ткань – это импорт и такие посредники перепродавцы, как мы, вынуждены покупать и перепродавать ткани в привязке к цене иностранной валюты. А о ее волатильности можно слагать легенды. Второй существенный момент – это стоимость рабочей силы. Из-за инфляции стоимость работы швей просто катастрофически выросла, а также сильно повлияла ситуация с тем, что многие швеи перешли из частного коммерческого сектора в государственный и предпочитают работать на оборонных предприятиях. Уникальная ситуация в современных условиях: государство в конкурентной борьбе уводит сотрудников из частного сектора экономики, такого в современной России еще не было. Вишенкой на торте высокой стоимости российского производства модной одежды является единственная в мире система прослеживаемости товаров, так называемая маркировка. Государство ввело ее и обязало участников рынка легкой промышленности маркировать изделия. Пионерами ее введения стали производители шуб и меховых изделий, потом были обувщики, а теперь это дошло до всех участников рынка легкой промышленности. Т.е. теперь молодому начинающему бренду одежды для легальной торговли надо понести такие расходы:

– Для того, чтобы произвести одежду:

– закупка тканей, ниток и фурнитуры;

– разработка технического рисунка;

– оплата услуг по пошиву;

– Для того, чтобы продать одежду:

– аренда помещения либо для офлайн продаж, либо как склад для хранения и маркировки продукции;

– выплата заработной платы продавцам либо сотрудникам склада;

– закупка оборудования для эмиссии этикеток и маркировки продукции;

– оформление декларации соответствия, либо сертификата Единого таможенного союза (EAC);

– выплата заработной платы сотрудникам, занимающимися продажами на маркетплейсах, либо сотрудникам, которые рекламируют традиционную розницу через поисковые машины или социальные сети;

– налоги.

Как мы видим, затраты приличные. Конечно, иностранные сети также вынуждены были оплачивать российскую бюрократическую систему маркировки, но они размещают свои заказы на производство в таких странах, где несравнимо дешевле рабочая сила, а также много местного дешевого сырья.

Но, несмотря на то, что российские модные товары существенно дороже импортных, наши производители привлекают свою целевую аудиторию интересным дизайном и нетривиальными концепциями. Например, в угоду экологической повестке сейчас широкую популярность приобрело движение апсайклинг. Дизайнеры одежды перешивают, например, мужские пиджаки в женские модные жакеты. Эта история не носит, конечно, массовый характер, но свою аудиторию такие дизайнеры имеют и делают хорошие продажи.

В целом я настроен очень позитивно в отношении российской модной индустрии, а участникам и людям интересующимся модой я хочу посоветовать быть более открытыми миру и более предприимчивыми. Например, дизайнерам одежды я советую не вращаться только в творческой среде, а предлагаю вступать в различные бизнес-сообщества. Фэшн-рынок высоко маржинален, и ваши творческие идеи могут сложиться в синергетический эффект с каким-нибудь бизнесменом, который умеет выстраивать системы, и Россия может получить сильный международный бренд. А для носителей идей по созданию одежды я хочу пожелать не держать это в себе. Сейчас очень много электронных площадок, где с минимальными затратами можно реализовать ваши идеи по созданию уникальной и интересной людям одежды.