Текст книги "Мультисенсорный музей: междисциплинарный взгляд на осязание, звук, запах, память и пространство"

Творчество как мультисенсорное взаимодействие: примеры из практики Музея современного искусства (Нью-Йорк)
Кэрри МакГи и Франческа Розенберг

Музей современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке обладает многолетним опытом создания практико-ориентированных образовательных программ. В 1940-х и 1950-х годах Образовательный отдел музея стал лабораторией по разработке новых техник и методик проведения творческих занятий. MoMA превратился в связующее звено между искусством и образованием. В период с 1937 по 1969 год под руководством Виктора Д’Амико, первого директора по вопросам образования MoMA, для посетителей в музее были созданы различные интерактивные пространства и проекты, включая Молодежную галерею, Народный центр искусства и Детский художественный карнавал. В основе этих инициатив лежит образовательная философия ориентации на потребности ребенка и экспериментальный подход к обучению. В 1944 году был создан Центр искусств ветеранов войны. Его задачей стала помощь в реабилитации и предпрофессиональной подготовке с помощью искусства тысячам вернувшихся с фронта ветеранов Второй мировой войны. Занятия вели художники, работавшие с разными видами искусства, – от живописи и скульптуры до гончарного и ювелирного дела, а также дизайна. В 1952 и 1953 годах музей принял участие в съемках телесериала «Сквозь волшебные врата». В этом шоу Д’Амико показывал детям на съемочной площадке и тем, кто смотрел его по телевизору, творческие эксперименты с использованием простых материалов, которые можно было найти в каждом доме.

Сегодня Образовательный отдел MoMA, опираясь на многолетний опыт создания творческих программ, предлагает посетителям познакомиться с различными материалами и художественными практикам в ходе создания собственных произведений искусства. Такие творческие занятия требуют физического, социального, эмоционального и интеллектуального вовлечения. Этот процесс задействует как тело, так и разум; как зрение, так и осязание, а зачастую также слух, обоняние и даже вкусовые ощущения. Понимание того, как и почему было создано то или иное произведение искусства, делает его более доступным и интересным для посетителя.

Кроме того, изучение художественных процессов развивает навыки, которые можно применять и в других сферах жизни. С недавних пор эксперты в области образования и экономики говорят о важности развития творческого потенциала как отдельных людей, так и целых сообществ. Так как мы часто проводим время, глядя в экраны, возможность творческого взаимодействия, которое носит физический, социальный и интеллектуальный характер, становится как никогда важна, и мы считаем, что художественные музеи могут предоставить эту уникальную возможность. Многие музеи принимают вызов и находят новые способы стать более партиципаторными – с помощью публичных программ, практических семинаров, выставок, ориентированных на вовлечение зрителя, интерактивных пространств для детей и иных мероприятий.

Музеи признают, что современная аудитория не однородна – существуют разные типы посетителей с разными запросами и ожиданиями от визита. Сегодня, более чем когда-либо, музеи должны быть гибкими и креативными, чтобы удовлетворять потребности аудитории, которая все чаще ищет большего, чем просто созерцательный опыт. Именно с этой целью мы в MoMA работаем над созданием программ и интерактивных пространств, в которых люди всех возрастов и способностей могли бы участвовать в практическом изучении художественных материалов и процессов. Три нижеперечисленных примера продемонстрируют, как подобный мультисенсорный музейный опыт посредством социального, эмоционального, физического и интеллектуального вовлечения позволяет посетителям лучше понять современное искусство.

Пример 1:

Создание художественной мастерской для незрячих и слабовидящих взрослых

MoMA уже довольно давно работает с такой категорией, как незрячие и слабовидящие посетители. С момента проведения в 1972 году первых «Тактильных экскурсий» (Touch Tours), во время которых незрячим и слабовидящим разрешалось трогать скульптуры из коллекции, музей работал над тем, чтобы стать лидером в области создания доступной среды. Сегодня мы продолжаем проводить такие экскурсии, но за эти годы мы пришли к пониманию, что наши незрячие и слабовидящие посетители хотят получить доступ ко всем частям коллекции MoMA и специальным выставкам, включая картины, рисунки, гравюры и фотографии, которые трогать нельзя. В 1990-х годах мы начали предлагать восьминедельные курсы углубленного изучения искусства, в ходе которых проводились различные творческие занятия, в том числе с использованием тактильной графики и словесных описаний. Эти курсы проходили в одной из учебных аудиторий музея и были посвящены конкретному художнику или теме в области искусства. В ходе анализа программы мы узнали, что многие участники хотели бы проводить меньше времени в аудитории и больше – в самом выставочном пространстве, а также иметь возможность посещать временные выставки. Одновременно с этим Образовательный отдел MoMA отказался от программ, основанных на традиционном лекционном формате, в пользу семинаров и обсуждений, которые побуждают участников к более внимательному изучению темы и диалогу. В 2003 году в сотрудничестве с общественными организациями мы начали в пилотном формате проводить дискуссионные программы для незрячих и слабовидящих посетителей, а в 2005 году запустили ежемесячную программу Art inSight[119]119
  Игра слов от in sight – «в поле зрения» и insight – «понимание».


[Закрыть], рассчитанную на широкую публику. В рамках данной программы специально обученные искусствоведы дают подробные словесные описания объектов и дополняют их исторической информацией, которая стимулирует дальнейшую дискуссию. Каждый месяц мы фокусируемся на разных темах или конкретных выставках. Участники слушают описания произведений искусства, а затем участвуют в обсуждении, делясь собственными интерпретациями и идеями. По возможности мы позволяем участникам тактильно изучать скульптуры или предметы дизайна. В ситуациях, когда на выставке отсутствуют работы, которые можно трогать, мы часто приносим другие объекты, связанные с творчеством художника (например, холст, расписанный в определенной художественной технике, блок для гравюры или кусок гипса), которые они могли бы взять в руки. В связи с популярностью программы мы стали разделять участников на две группы. С тех пор каждый месяц к нам приходят более сорока посетителей.

За последние пару лет несколько участников программы Art inSight проявили желание к творчеству. Мы хотели помочь посетителям удовлетворить их интерес, но в то же самое время были немного растеряны. Как должна выглядеть успешная художественная мастерская для незрячих и слабовидящих взрослых? Для того, чтобы ответить на этот вопрос нам предстояло решить несколько проблем.

Прежде всего, участники сильно различались по своему предыдущему художественному опыту, интересу к практическим занятиям и степени потери зрения. В программе участвовали самые разные люди: те, которые только начинали терять зрение и незрячие с рождения, профессиональные дизайнеры ювелирных изделий и люди, которые никогда в жизни не создавали произведений искусства. Среди «завсегдатаев» были также несколько человек, которые очень хорошо знали историю искусства, но скептически относились к самостоятельному творчеству. Вдобавок ко всему, каждый месяц к нам приходили новые участники, о которых мы почти ничего не знали. Задача заключалась в том, чтобы создать художественную мастерскую, которая гармонично учитывала бы потребности всех, не была бы слишком детской, но оставалась доступной. Нам было важно, чтобы участники с разными особенностями зрения и с различным опытом чувствовали себя комфортно.

Поскольку двух часов вряд ли хватит, чтобы закончить даже один набросок, не говоря уже о создании полноценного шедевра, мы должны были реалистично оценить, что можно сделать за имеющееся время. Мы решили, что мастерская должна быть посвящена художественным идеям и процессам, а не обсуждению готовых работ, и надеялись, что это позволит всем участникам достичь более глубокого понимания современного искусства, независимо от того, насколько они будут довольны результатом своей работы. Мы решили сосредоточиться на теме «Символических автопортретов» и создать скульптурные объекты из белой бумажной глины, которая почти не пахнет, приятна по текстуре, не липнет к рукам, с ней легко работать, в том числе создавать мелкие детали. Некоторые бумажные глины серые и очень легкие, а нам нужна была такая, которая была бы похожа на фарфор по цвету и весу, поэтому мы искали ярко-белую бумажную глину с ощутимым весом. Мы выбрали именно создание символических автопортретов из глины в качестве темы для занятий по нескольким причинам.

Во-первых, нам хотелось, чтобы участники не тратили время, которое было и так ограничено, на воспроизведение точного физического сходства со своим внешним видом. Скорее, мы хотели обсудить, как художники могут использовать символизм в своей работе.

Во-вторых, нам было важно побудить посетителей к самовыражению, поэтому мы предложи им поделиться друг с другом восприятием себя и своими интересами.

Наконец, мы хотели, чтобы участники сделали работы, которые были бы небольшими и достаточно прочными, чтобы их могли потрогать и изучить остальные участники группы. Мы планировали начать занятие с небольшой разминки, затем перейти к созданию основных работ и закончить мастерскую тактильным изучением и обсуждением созданных объектов.

Мы осознали важность использования высококачественных материалов, а также организованного и профессионального взаимодействия с участниками. Подготовка пространства студии сильно влияет на атмосферу во время занятия, и даже мелкие детали могут играть важную роль в этом процессе. Для скульптурной мастерской мы покрыли столы черной бумагой и использовали белую бумагу и белую глину для самих объектов, обеспечивая максимально возможный уровень контраста для людей, обладающих некоторым остаточным зрением. Мы разместили материалы одинаковым образом на всех рабочих местах: небольшая стопка листов толстой белой бумаги для рисования на столе лежала слева от рабочего места, а кусок белой бумажной глины, завернутый в пленку, справа. Одинаковое расположение материалов позволило нам ориентировать участников и давать им словесные указания, говоря: «Все материалы лежат на столе перед вами, справа вы можете найти стопку бумаги; возьмите один лист».

Понимая, что непривычный формат взаимодействия может вызывать у некоторых участников смущение или растерянность, мы хотели разрядить атмосферу и сделать занятие более веселым. Приветствуя участников, мы напомнили им, что количество времени, которое мы проведем вместе, ограничено, и дали им знать, чего именно ожидать от занятия. Мы указали, что мастерская подразумевает не просто техническое выполнение инструкций, а скорее исследование художественного процесса и проявление собственной креативности. Для того, чтобы снять напряжение и заставить участников творчески задуматься о своей личности, мы попросили их в самом начале описать себя через метафоры животных, запахов и транспорта. Для описания себя участники использовали такие метафоры, как «обезьяна», «запах свежеиспеченного хлеба» или «роскошный „Мерседес“», что позволило нам представить друг друга по-новому и улучшить атмосферу.

Мы объяснили, что раз уж мы устроили разминку для мозгов, то нужно размять и руки с помощью простых и интуитивно понятных упражнений. Затем мы кратко описали и обсудили с участниками «Список глаголов» Ричарда Серры (1967–1968) и то, как действия могут стать художественными объектам. Для этого мы попросили взять по листу бумаги из стопки и совершить с этими листами простое действие из списка глаголов (например, сложить). После этого мы предложили обменяться результатом с человеком, сидящим напротив, и изучить, что сделал сосед, а затем перешли к следующему глаголу из списка. Взаимодействуя с творениями друг друга, участники были удивлены, насколько по-разному можно интерпретировать такие простые слова, как «складывать», «рвать» или «скручивать». По мере того, как группа осваивалась, мы перешли к более сложным словам, таким как «окружать», «упорядочивать» и «расширять», обмениваясь результатами после каждого из них. Иногда мы описывали словами самые оригинальные интерпретации, чтобы у всей группы была возможность с познакомиться с ними.

После разминки мы перешли к основному заданию и попросили участников вспомнить метафоры, которые они использовали для описания себя в самом начале. Мы объяснили, что будем делать небольшие автопортреты из глины, и в своей работе они могут отталкиваться от этих метафор, либо опираться на интуицию и наблюдать за тем, куда их ведет сам материал. Наконец, если участники совсем не знали, с чего начать, мы предлагали выполнить одно из действий из нашего списка глаголов в качестве стартовой точки. Глина идеально подходила для работы, так как она приятна на ощупь и с ней легко работать. Было очень интересно наблюдать за тем, как группа начинает работу, так как у каждого был свой подход. Поскольку в самом начале мы потратили время на знакомство друг с другом и выполнение упражнений со списком глаголов, участники сразу начали экспериментировать с кусками глины. На создание скульптуры было дано тридцать минут, после чего мы попросили всех поделиться тем, что получилось, с тремя другими людьми, сидящими за их столом, с помощью прикосновений и словесного описания.

Творения участников были такими же разнообразными, как и их личности. Одна женщина слепила три ноты, и мы узнали, что она джазовая певица, записавшая альбом. Другая создала скульптуру в виде пары высоких ног, которые символизировали ее рост. Один мужчина вылепил паутину, вдохновившись собственным прозвищем «Паук». Участникам понравилась возможность делиться творениями, а также видеть и чувствовать скульптуры, созданные другими. То, что мы использовали черную бумагу, покрывающую столы, и контрастную ей белую глину тоже оказалось удачным решением; как отметила одна слабовидящая участница, прежде она не могла поверить, что действительно сможет увидеть свою скульптуру. Некоторые участники попросили забрать оставшуюся глину, чтобы попробовать сделать скульптуры дома. Даже те участники, которые казались менее увлеченными в начале занятия, остались довольны полученным опытом. Все решили, что запишутся на еще одно занятие.

Ключевые рекомендации:

– группа должна оставаться небольшой (от восьми до двенадцати человек на одного преподавателя), чтобы каждому участнику уделялось внимание в индивидуальном порядке;

– выберите тему, которая позволит обсудить коллекцию вашего музея, а не просто заняться творчеством;

– используйте высококачественные материалы в работе со взрослой аудиторией;

– выбирайте материалы, соответствующие запросам вашей аудитории. Материалы должны быть приятны на ощупь, не иметь острых краев;

– по возможности используйте материалы с высокой контрастностью;

– разложите расходные материалы в одинаковом порядке на каждом рабочем месте;

– предложите участникам ознакомиться с рабочим пространством с помощью словесного описания, например:

«Слева от себя вы можете найти кусок глины»;

– управляйте ожиданиями. Напомните участникам, что цель занятия – получить удовольствие, раскрыть свой творческий потенциал, а не создать очередной музейный шедевр;

– начните с общения, разряжающего обстановку и снимающего напряжение;

– затем перейдите к простой и непродолжительной разминке, чтобы участникам было проще настроиться на творческий процесс;

– делитесь описаниями работ, выполненных участниками, с группой;

– предлагайте участникам делиться друг с другом своими творениями с помощью прикосновений и словесных описаний.

Пример 2:

Изучение перформанса для людей с ментальными особенностями или трудностями обучения

MoMA стремится предлагать программы и услуги, которые будут учитывать возможности всех наших посетителей и удовлетворять их различные потребности. Наша программа Create Ability («Создавая способность») была придумана для детей и взрослых с ментальными особенностями или трудностями обучения (в том числе с расстройством аутистического спектра), а также для их семей. В ходе бесед с этими людьми и представителями организаций, которые их поддерживают, мы узнали о нехватке видов досуга, подходящих для совместного семейного времяпрепровождения, а также об отсутствии доступа для взрослых, живущих с подобными трудностями, ко многим культурным учреждениям и искусству в целом. Поэтому мы решили создать ежемесячную доступную, интересную, информативную, творческую программу и встретились с коллегами из других музеев, которые поделились наработками по взаимодействию с подобной аудиторией и рассказали о проблемах и успехах. В итоге мы пришли к выводу, что нам нужна программа, которая стала бы площадкой одновременно для обсуждения и практического обучения. Так как мы знали, что некоторые участники приезжают к нам издалека и многие родители участников работают в течение недели, мы решили проводить встречи по выходным и остановились на двухчасовой продолжительности занятий, чтобы успевать провести с ними время как в выставочном пространстве, так и в пространстве учебных студий. После ряда успешных пилотных мероприятий в сотрудничестве с Музеем Метрополитен мы наконец были готовы запустить Create Ability для широкой публики: это случилось в начале 2006 года.

С тех пор занятия Create Ability проводятся в музее каждое воскресение. Утром – двухчасовая сессия для детей в возрасте от пяти до семнадцати лет и их семей, а во второй половине дня – двухчасовая сессия для взрослых и их семей. Каждая сессия включает один час просмотра и обсуждения художественных работ в выставочном пространстве музея и часовой творческий мастер-класс в нашей студии. Участникам предлагается изучить все грани своих художественных талантов путем экспериментов с различными материалами и техниками. Мы ставим перед собой интеллектуальные, эмоциональные и социальные задачи. Конечно, мы хотим, чтобы участники узнавали новое об искусстве; однако для нас также важно, чтобы они получали удовольствие и познавали себя и друг друга. Мы создаем дружелюбную среду и призываем участников бросать вызов самим себе, пробовать новое и исследовать неизведанное. Часто в ходе занятий они раскрывают в себе новые таланты и интересы, что помогает им повысить собственную самооценку. Кроме того, как уже было отмечено выше, для нас важна социальная направленность программы: мы хотим объединять людей – индивидуально и целыми семьями – для создания единого творческого сообщества.

За прошедшее с момента запуска программы время мы расширили перечень видов искусства, которым посвящены занятия. Наши участники реализовывали проекты в области живописи, скульптуры, коллажа, рисунка и гравюры в мастерских под руководством профессиональных художников – преподавателей MoMA. В 2009 году команда кураторов музея сосредоточилась на приобретении и показе перформативных работ, и мы начали думать о том, как сделать эту сложную форму искусства доступной и интересной для аудитории проекта Create Ability – очень разнородной по своему жизненному опыту, интересам, а также физическим и когнитивным способностям группы.

Ежемесячную подготовку к занятиям мы начинаем с выбора темы, которая нас вдохновляет. Выбор конкретных тем позволяет нам сохранять концентрацию в ходе занятий и рассматривать самые сложные идеи и концепции, а также во многом определяет то, какие произведения искусства мы будем обсуждать и что будем делать в ходе мастер-класса. Тема, которую мы выбрали для обсуждения перформанса, звучала так: «Повседневные предметы, повседневные действия». Данная тема, во-первых, хорошо согласовалась с некоторыми работами, выставленными в то время в музее, а, во-вторых, была интересной и позволяла группе ответить на вопрос «Что делает перформанс произведением искусства?». Возможно, залогом успеха программы Create Ability являются преподаватели, которые проводят занятия. Во всех программах доступности в MoMA принимают участие профессиональные художники и историки искусства, заинтересованные в подобных проектах и имеющие опыт работы с аудиторией разного уровня подготовки. Для проведения занятий по перформансу мы выбрали двух преподавателей, которые сами являются перформансистами. Мы понимали, что их знания и живой интерес к этому виду искусства обеспечат участникам незабываемые впечатления.

Занятие мы начали с общего сбора в студии. Было важно обсудить план на день и записать каждый шаг на большом листе бумаги, так как для некоторых участников программы было необходимо точно знать, что будет включать в себя занятие. Мы объяснили, что сначала кратко обсудим искусство перформанса, а затем отправимся в выставочное пространство, чтобы поговорить про некоторые работы из коллекции музея. После того, как эта часть занятия закончилась, мы вернулись в студию и придумали свои собственные перформансы. Желающих мы приглашали показать свой перформанс остальным участникам.

Прежде чем переходить к осмотру экспозиции, педагоги провели небольшой вводный семинар и попросили участников рассказать об известных им перформансах. Большинство участников ранее видели музыкальные, театральные или танцевальные представления, но никогда не задумывались об искусстве перформанса как таковом. Всей группой мы попытались понять, что отличает такие представления от перформанса как особой формы современного искусства, признав, что иногда грань между ними может быть очень тонкой. Педагоги попросили группу поразмышлять об инструментах и материалах, которые могут использовать художники. «Если вы захотите написать картину, какие материалы вам понадобятся? А что, если вы захотите сделать скульптуру?». Участники отвечали на эти вопросы, опираясь на свои знания. Затем один из преподавателей объяснил, что сегодня при создании перформансов в качестве материалов они будут использовать собственные тела и голоса.

Затем преподаватель обозначил тему занятия – «Повседневные предметы, повседневные действия» – и повел группу в выставочное пространство музея. Мы рассмотрели такие работы, как «Семиотика кухни» Марты Рослер (1975) и «Человек, идущий вниз по стене дома» Триши Браун (1970), и обсудили, что именно делает их произведениями искусства. Мы начали думать о материалах, процессах, знакомых нам объектах и действиях, используемых в работах, и о том, какое влияние они на нас оказывают. Вернувшись в студию, мы начали с разминки. Педагоги выстроили группу в большой круг и дали всем участникам задание кричать на протяжении одной минуты. Сначала такое задание показалось участникам неуместным в стенах музея, но как только пара человек начала кричать, к ним присоединились и остальные, и вскоре комната загудела. Участники улыбались, когда чувствовали, как их звуки наполняют пространство. Когда минута закончилась, мы обсудили, каково это – кричать и слышать крики других участников. Для некоторых участников этот опыт имел катарсический эффект. Один участник рассказал о чувстве свободы, которое возникает, когда ты делаешь то, что делать в музее на самом деле не положено. В таком приподнятом настроении мы были готовы двигаться дальше.

Далее педагоги провели в группе дискуссию на тему «Что такое перформанс?», написав вопрос на большом листе бумаги. Группа выдвинула множество идей и в конце концов все согласились, что двумя главными составляющими перформанса являются исполнитель, или художник, и само действие. Педагог записал эти слова на бумаге и повесил на видное место. Затем он описал условия перформанса, который должны были придумать сами участники: так, в перформансе можно было любым способом использовать предметы повседневного обихода, находящиеся в студии. Кроме того, разрешалось придумывать перформанс индивидуально или же работать в небольших группах вместе с членами своих семей или другими участниками.

Затем оба педагога по очереди представили группе свои собственные перформансы. В студии, которую мы использовали, находилось пианино, и преподаватели также принесли набор небольших предметов повседневного обихода. В одном из перформансов эти предметы использовались для игры на пианино. В другом участникам вслед за преподавательницей надо было взять предметы в руки и постукивать, создавая шум. В итоге участники стали маршировать по пространству, издавая на ходу самые разные звуки.

После этих показательных выступлений участникам дали примерно двадцать минут, чтобы придумать свой перформанс, а затем, при желании, представить его группе. Педагоги призывали играть и экспериментировать с различными предметами и действиями. Например, они предлагали по-новому взглянуть на повседневные действия – повторяя, замедляя, ускоряя их. В работе нам помогали несколько волонтеров, имеющих опыт преподавания искусства. Волонтеры в индивидуальном порядке работали с участниками, которым требовалась поддержка или вдохновение. Первые минуты в пространстве студии воцарился хаос, но вскоре все уладилось, и каждый участник сосредоточился на изучении своих движений и действий. Некоторые работали тихо, а другим наоборот нравилось шуметь как можно больше, используя пианино и предметы, находившиеся под рукой. Педагоги подходили к разным участникам, хвалили их, предлагали новые идеи и давали подсказки. Они призвали участников подумать о том, сколько перформанс будет длиться, и чем он мог бы закончиться.

Вскоре пришло время показать перформансы группе. Почти все участники захотели продемонстрировать другим, что у них получилось. Один подросток, мечтающий стать телеведущим, взял на себя роль конферансье, представляя каждый из перформансов. Во время выступлений участники преображались. Даже те, кто до этого не демонстрировал особых эмоций, загорались, когда представляли свои работы. Перформансы участников были столь же разнообразны, как и они сами. Одна женщина исполнила тихий лирический танец, двигаясь между прожектором и стеной, так что все могли видеть, как ее тень копирует каждое ее движение. Другой мальчик, с прекрасным чувством юмора, закопал себя в груду мятой цветной бумаги и начал перформанс с того, что попросил другого участника откопать его. Отец еще одного участника в течение перформанса называл различные предметы и явления природы, тогда как его сын молча интерпретировал их через движение. Каждый из выступающих был встречен громкими аплодисментами. После занятий мы смонтировали видео со всеми перформансами и разослали его каждой семье.

Программа стала успешной, так как одновременно имела четкую структуру и была очень гибкой по своей сути. Педагоги взаимодействовали с участниками на равных и предоставили им возможности для выражения в разных стилях и форматах. Участники могли двигаться и издавать звуки любым удобным способом, чтобы создать перформанс, который соответствовал бы их способностям и отражал бы их индивидуальность. Возможность поделиться творением с группой (обязательный пункт нашей программы) позволяет участникам понять, что они являются важной частью коллектива, что повышает их самооценку. Мы стремимся создать атмосферу уважения и достойного отношения, которая будет дарить участникам положительные эмоции.

Каждый год мы устраиваем выставку произведений искусства, созданных в рамках программы Create Ability. Возможность увидеть свои творения на стенах MoMA приводит в восторг участников и их близких. Они приглашают членов своих семей, друзей, учителей увидеть созданные ими произведения и познакомиться с новыми друзьями, которых они нашли на занятиях Create Ability. На каждом открытии мы даем участникам возможность высказаться. Некоторых участников это пугает, так как у них отсутствует опыт публичных выступлений, а их вербальные способности могут быть недостаточно развиты. Тем не менее большинство все же решается поделиться чем-нибудь с аудиторией, иногда используя для этого вспомогательные технологии. Их слова укрепляют нашу веру в то, что людям с инвалидностью нравится решать интересные задачи, иметь возможности для творчества, личного роста и развития. Мы часто слышим, как этим людям и их семьям не хватает доступа к новым идеям и знакомствам, как высоко они ценят возможность работы в безопасной и дружелюбной среде, которая создана в рамках нашей программы. Люди с инвалидностью часто говорят о том, что вынуждены сталкиваться с негативным отношением со стороны окружающих, так что именно такая среда может стать для них началом новой жизни.

Ключевые рекомендации:

– в первую очередь смотрите на людей с инвалидностью как на людей. Старайтесь избавиться от стереотипов и узнать больше о ментальных особенностях и трудностях обучения;

– привлекайте художников, имеющих опыт работы с самой разнообразной аудиторией и интересующихся тем видом искусства, о котором вы собираетесь рассказать участникам;

– имейте под рукой квалифицированных волонтеров, которые могут уделить внимание каждому и оказать индивидуальную поддержку в случае необходимости;

– перед началом объясните участникам, что их ждет во время занятия. Четко перечислите последовательность действий;

– создайте непринужденную атмосферу. Убедитесь, что у мастер-класса есть понятный сценарий, который тем не менее остается гибким и открытым для изменений;

– разбейте процесс на отдельные этапы. Составьте список шагов, которые будут понятны участникам.

– используйте ясный и понятный язык, старайтесь демонстрировать и показывать то, о чем вы говорите;

– предложите различные способы участия (полное или частичное погружение, возможность шуметь или вести себя тихо);

– используйте невербальную коммуникацию, обращайте внимание на то, как ведут себя участники; не пренебрегайте чувством юмора и старайтесь считывать выражения лица и язык тела;

– задокументируйте процесс с помощью фотографий и видеозаписей, которыми вы сможете поделиться с участниками;

– организуйте полноценную выставку и устройте открытие, которые позволят участникам поделиться своими работами с широкой аудиторией.

Пример 3:

Создание доступного интерактивного семейного пространства

Арт-лаборатории MoMA – это интерактивные пространства, разработанные сотрудниками, ведущими семейные программы в сотрудничестве с дизайнерами и специалистами выставочного отдела. Эти лаборатории представляют собой помещения, открытые для всех посетителей согласно часам работы музея. В каждом из таких пространств дети и взрослые имеют возможность экспериментировать и играть, творчески исследуя идеи, инструменты и художественные методы современных художников. В период с 2008 по 2013 год в музее существовали пять разных лабораторий, каждая из которых имела уникальную направленность. Во всех арт-лабораториях MoMA создана безопасная, инклюзивная и гостеприимная среда, которая позволяет посетителям, особенно семьям с маленькими детьми, заниматься творчеством. Обращение к разным темам дает им возможность связать воедино свой жизненный опыт, знания и впечатления, которые они получают в лабораториях или выставочных пространствах музея. Во всех арт-лабораториях MoMA работают обученные фасилитаторы – специалисты, которые помогают посетителям и поддерживают их в изучении разных видов искусства. Помимо фасилитаторов в лабораториях работают волонтеры: они следят за рабочим процессом, приветствуют гостей, проводят короткие ознакомительные экскурсии и рассказывают о том, чем дети и взрослые могут заняться в пространстве лаборатории. При разработке всех арт-лабораторий нам было важно убедиться, что они тематически четко связаны с коллекцией MoMA, а не существуют как отдельные игровые или творческие пространства. В нашей четвертой по счету арт-лаборатории, получившей название Material Lab («Лаборатория материалов»), посетителям предлагали трогать и исследовать объекты, создавать собственные произведения искусства, используя как традиционные, так и нетрадиционные материалы для творчества. Как и в случае с предыдущими арт-лабораториями MoMA, перед нами стояла задача создать свободное пространство исследования и игры, которое при этом позволяло бы каждому участнику найти отдельное место для работы за счет удобного зонирования. Кроме того, мы хотели сделать лабораторию доступной и интересной для детей и взрослых любых способностей и национальностей, понимая, что некоторые участники могут не говорить по-английски или, например, иметь ограниченные возможности передвижения или общения. Мы стремились создать мультисенсорную среду, в которой посетители могли бы на практике познакомиться с материалами и методами разных художников, что в конечном итоге способствовало бы лучшему пониманию современного искусства и искусства второй половины XIX–XX веков. Предыдущие арт-лаборатории MoMA были разработаны для детской аудитории от пяти до двенадцати лет, однако мы увидели, что в пространстве занимаются также и самые маленькие посетители дошкольного возраста, поэтому в лаборатории Material Lab мы поставили перед собой цель создать больше возможностей для детей младшего возраста.