Текст книги "Амстердам"

Всего в Амстердаме работает более 50 музеев, несколько театров, концертный зал и специально оборудованный зал для массовых представлений. Кроме того, в городе немало вузов и библиотек, а гордостью столицы являются два университета.

Среди амстердамских музеев следует особо отметить единственный в мире интерактивный музей науки и техники Немо. Его здание выполнено в форме тонущего корабля. Все изобретения и естественнонаучные открытия представлены в залах музея в виде опытов, игр и всевозможных многоходовых тестов для взрослых интеллектуалов. Детям младшего школьного возраста интересно демонстрируются основные законы физики, например такие, как принцип рычага и закон натяжения. В музее Немо ежегодно бывает не меньше посетителей, чем в знаменитом Рейксмузеуме.

Глава 3
Художественная сокровищница Голландии

Самый большой вклад в мировую культуру голландцы сделали в области живописи. Существует даже понятие «нидерландская школа живописи». Работы голландских мастеров отличаются реалистическим направлением. Они оказали огромное влияние на развитие европейского искусства.

Основоположниками нидерландской школы считают братьев Яна и Хуберта ван Эйк, а также Луку Лейденского. Яркими представителями школы были Ян Стейн, Франс Хальс, Рембрандт, Ван Гог, Питер Брейгель и многие другие.

Работы прославленных мастеров живописи хранятся во многих музеях Голландии, но Амстердам можно назвать настоящей сокровищницей произведений живописи голландских художников. Здесь находится крупнейший музей страны – Рейксмузеум, музеи Рембрандта и Ван Гога, а также другие небольшие, но очень интересные музеи.

Рейксмузеум

Это государственный музей Голландии, главный музей Амстердама и один из крупнейших музеев мира. Его огромное здание протянулось вдоль одного из столичных каналов на целый квартал.

Рейксмузеум почти не отличается от остальных, соседствующих с ним, амстердамских строений – те же красные кирпичные стены и островерхие крыши. Особых архитектурных достоинств у здания нет, он просто органично дополняет городской пейзаж.

Впервые коллекцию голландской живописи широкая публика увидела в Государственном музее национальной истории и национального искусства в 1801 г. в Гааге, во дворце Хаус-тен-Босх. До этого богатейшая коллекция национальной живописи постоянно переезжала.

В 1808 г. нидерландский король Луи Бонапарт приказал разместить национальное достояние в залах Королевского дворца в Амстердаме, а в 1817 г. оно было перевезено в старое здание Триппенхаус, хотя к этому времени уже стало ясно, что его помещения не смогут вместить стремительно растущие коллекции.

Орнамент на внешней стене здания Рейксмузеума

Король Вильгельм I своим указом переименовал Национальную галерею в Государственный музей, в Рейксмузеум. Но места в Триппенхаусе было тоже недостаточно. Приходилось выставлять произведения искусства XIX в. отдельно, в Харлеме.

С 1876 по 1885 г. было возведено новое, огромное здание музея, где наконец воедино собрали все части огромной коллекции и выставили полотна в хронологическом порядке. Основой отдела прикладного искусства и скульптуры стало солидное собрание гаагского Музея истории и искусства.

За последние годы в Рейксмузеуме были открыты отделы, посвященные истории страны, искусству Азии, национальным голландским тканям и костюмам. Кроме того, в музее открылся Гравюрный кабинет.

Таким образом, здание Государственного музея стало первым в Амстердаме, построенным специально для хранения и публичной демонстрации произведений искусства. Рейксмузеум легко узнать, он очень похож на здание Центрального вокзала.

Рейксмузеум

Оба здания были спроектированы одним архитектором – Петрусом Кауперсом. Сейчас в музее хранится богатейшая коллекция работ старых голландских мастеров во главе с Рембрандтом, Вермеером и Халсом.

Собрание картин и скульптуры в Рейксмузеуме рассказывает об истории искусства Северных Нидерландов. Посетители, проходя по залам музея, наглядно убеждаются, настолько разнообразно и на редкость широко искусство этой маленькой страны.

Посетитель вряд ли сумеет составить в этих залах исчерпывающее представление о средневековых Нидерландах. Более подробными и полными являются коллекции начиная с XV столетия. Здесь можно увидеть типичную для того времени деревянную и каменную скульптуру, служившую когда-то обрамлением алтарей, искусные ювелирные изделия и златотканные облачения духовенства. Но несомненно одно: в этом музее главенствует живопись. В XV столетии в Нидерландах живопись стала основной областью искусства. При этом создавались, в основном, станковые произведения, которые гораздо лучше украшали дома, нежели монументальные полотна или настенные росписи. Последние могли бы украсить только часть здания, и невозможно было бы перенести их в музейные залы, не нарушив целостность произведения.

В XVI–XVII вв. искусство Северных (современные Нидерланды) и Южных Нидерландов (современная Бельгия) было единым явлением. Главные художественные центры находились на Юге, и их мощное влияние испытывали практически все северные школы. В то время Северные Нидерланды обычно называли Голландией, а Южные – Фландрией.

Боковой фасад Рейксмузеума

Несмотря на бесспорное единство, северные голландцы отличались от южных, поскольку на севере большим спросом пользовались картины более интимные, отличавшиеся бытовой простотой и непосредственностью.

Наиболее крупным художником Севера по праву считался Гертхен тот Синт Янс, что в буквальном переводе на русский язык означает «маленький Геррит из монастыря Cв. Иоанна». Гертхен действительно был послушником монастыря, и до настоящего времени в Харлеме сохранилась одна из его небольших потемневших церквей. В этом же городе художник работал в 1680-е гг. В 1808 г. император Людовик Бонапарт пожелал приобрести для музея интересную вещь. Эта картина, одна из первых в собрании, значилась в инвентарной книге под следующим названием: «Ян ван Эйк. Готический храм с фигурами».

Ян ван Эйк – великий нидерландский художник, известный во всем мире как создатель Гентского алтаря. В XV столетии он был едва ли не единственным художником в Нидерландах. Все серьезные коллекционеры знали его имя, ему приписывали любое полотно, казавшееся более или менее старым.

Ван Эйку приписали также работу «Святое семейство», хотя написана картина Гертхеном. На картине, выполненной на деревянной доске, изображена сцена не из канонического евангельского текста, а из апокрифического Евангелия.

Геррит тот Синт Янс. Святое семейство

По этой легенде, кроме божественного младенца, у Марии были еще две дочери, а их дети позже стали апостолами – учениками Христа.

Изображение выполнено на фоне интерьера готической церкви (во все времена и во всех странах было распространено выражение «церковь – дом Божий»). В храме находятся престарелая Анна и две ее дочери, их мужья и дети. Лица всех персонажей полны почти детской наивности и умиротворяющей безмятежности. Женщины занимаются малышами; Анна только что оторвала от книги усталый взгляд, очки она положила на раскрытые страницы. Трое маленьких мальчиков устроились на каменном полу храма. Одежда на них та же, что и у всех голландских детей того времени – шерстяные чулки с красными заплатками на пятках, длинные теплые рубашечки. Эти дети и должны стать апостолами Павлом, Иаковом и Иоанном, на что указывают атрибуты святых, с которыми играют малыши, – меч, чаша и крохотная бочка. Они очаровательны и забавны в своей непосредственности, как и все маленькие дети.

Святое семейство. Фрагмент

Поразительно простодушен и непосредственен и сам мастер, легко совместивший фантазию и реальность, роскошную готическую архитектуру храма и небольшие интересные детали. Поблизости находятся еще два произведения кисти Гертхена – «Корень Иессея» и «Поклонение волхвов». Последнее известно своим изумительным пейзажным фоном.

Далее можно увидеть полотна еще одного замечательного художника, работавшего в конце XV столетия под именем Virgo inter Virgines. Такое необычное имя мастер получил из-за картины, хранившейся в Национальной художественной галерее. В 1801 г. она поступила в собрание Рейксмузеума. Латинское название картины – «Virgo inter Virgines», что в переводе означает «Дева среди дев».

Художник изобразил Богоматерь в роли царицы, окруженной роскошной свитой придворных дам, среди которых блистают великолепием нарядов свв. Екатерина, Урсула, Варвара и Цецилия. Изящными золотыми украшениями в интерпретации мастера стали даже атрибуты мученической смерти. У св. Екатерины – это колесо, у св. Урсулы – стрела. Все эти женщины необычайно хрупки, нежны и задумчивы. Они почти не обращают внимания на святого младенца.

Женские лица типичны для Голландии и для этого художника. Нашим современникам лица на старинных голландских полотнах кажутся необычными. Они отличаются чрезмерно выпуклым лбом, припухшими веками и излишне тонкими бровями. Лица женщин бледны, их ресницы полуопущены, а взгляд, как правило, направлен вниз.

В картине преобладает серый цвет; он подавляет остальные цвета и приглушает даже красный. В результате у зрителя создается впечатление печали и предельной отрешенности от всего земного. Внутренний строй картины совсем не похож на прочие, представленные в этом зале.

И Геррит тот Синт Янс, и Virgo inter Virgines обладали неисчерпаемой фантазией. У последнего она очень условна, изящна и изысканна, а фантазия Гертхена близка к реализму. Его воображение подпитывается реальностью и часто обращается к неисчерпаемому источнику – народным сказкам.

Гертхен постоянно изображает сцены на евангельские сюжеты, но при этом он окружает своих персонажей обстановкой, которая художнику привычна и знакома. Таким же образом поступает и автор серии полотен «Семь дел милосердия». Эти картины были написаны в 1504 г. по заказу церкви Св. Лаврентия в Алкмаре. Имя художника неизвестно, но благодаря своей работе его назвали Мастером из Алкмара.

Все 7 полотен вместе образуют фриз, и на каждом из них главные персонажи – бюргеры, исполненные благочестия. Все они торопятся исполнить заветы Христа: одеть нищего, накормить голодного, похоронить умершего и т. д. Действо происходит на улицах идеально чистого, как будто вымытого, голландского городка. Сцены предельно конкретны, и бытовая узнаваемость придает евангельским сценам жанровую окраску.

Лука Лейденский. Воскресение Христа

Картины наполняют люди уродливые, больные, нищие, немощные. Только один человек отличается от остальных. Он кажется безучастным к происходящему, впрочем, все остальные его тоже не замечают. Это Иисус Христос. Его присутствие на картине обязательно, иначе существовал бы риск утратить религиозное содержимое.

В Рейксмузеуме есть две картины Луки Лейденского, известного голландского художника начала XVI в. Большинство посетителей привлекает полотно «Проповедь в церкви». Художник изобразил на картине церковное здание в ренессансном стиле, занимающее приблизительно ²/₃ всего пространства. Справа от церкви показана улица, на которой богато одетый дворянин подает милостыню бедняку. Этого же дворянина можно увидеть и на переднем плане холста, у правого края. Лицо человека утонченное, интеллигентное, он внимательно слушает церковную проповедь, сняв шляпу.

Искусствоведы предполагают, что художник работал по заказу этого дворянина, а люди, в окружении которых он слушает слова священника, – его близкие или друзья. Остальные персонажи совсем не похожи на них.

Они сидят у церковной кафедры полукругом, и среди них можно заметить симпатичного оживленного ребенка и привлекательную девушку. Эта девушка улыбается, сознавая собственную красоту, и смотрит прямо на зрителя, явно не слушая проповедника.

Другая женщина изображена спящей, а на ее голове устроилась маленькая сова. Как известно, в фольклоре Нидерландов сова символизирует глупость и плутовство. Обращает на себя внимание удивительный контраст: среди странных уродов и калек, расположившихся на полу, рассыпаны нежные цветы.

Такую сцену большинство искусствоведов назвали бы жанровой, но в ней столько неясных намеков и символов, а цветовая гамма светлая, порой почти неопределенная, что впечатление от полотна создается тревожное, вызывая состояние смутного ожидания.

В 1604 г. историк и знаток нидерландского искусства Карель ван Мандер писал, что собственными глазами видел складень Луки Лейденского и назвал его вещью «исключительно выдающейся». Мастер изобразил пляску израильтян вокруг золотого тельца. Ван Мандер отмечал: «В этом праздновании очень живо передана легкомысленная сущность народа, являющаяся взору в их нечистом сладострастии». Долгое время этот складень-триптих считался безнадежно утраченным. Он был обнаружен в Париже в 1952 г., после чего с помощью Рембрандтовского общества немедленно приобретен специально для Рейксмузеума.

Лука Лейденский. Танец вокруг золотого тельца

Сюжет картины основан на библейской истории о том, как, уединившись в пустыне, Моисей несколько дней молился Богу. Вернувшись к израильтянам, он принес с собой полученные от Господа записанные на каменных плитах десять заповедей, которым должен следовать всякий человек, желающий достичь блаженства. Но оказалось, что в его отсутствие люди соорудили себе идола – золотого тельца – и, поклоняясь ему, устраивают вокруг него пляски. Моисей разгневался и разбил скрижали завета. На переднем плане триптиха видна толпа крепких израильтян с рельефными мускулами. Их лица радостны, они пируют и обнимаются, женщины занимаются детьми. В XVII столетии художники складками одежды обычно скрадывали очертания тела, но на этом полотне Лука Лейденский изобразил одеяния так, что они подчеркивают анатомическое строение людей.

Колорит картины полон контрастов, но главную роль играют яркие алые пятна плащей. Вдали видны густые кроны деревьев, а за ними – горы в нежной голубоватой дымке. На вершине скалы заметна маленькая фигурка Моисея, преклонившего колени. Его окутывает стремительно летящее темное облако. Внизу, под деревьями, пляшут стройные тонкие фигурки, окружившие фигуру золотого тельца.

Эта работа Луки Лейденского наполнена напряженным драматизмом. Любопытно, что художника интересуют отнюдь не моменты религиозной жизни: молящийся пророк едва различим, танцующие вокруг золотого тельца фигурки также не привлекают к себе внимания зрителя, но грешная жизнь израильтян, так быстро забывших истинного Бога, представлена во всей своей полноте.

Особенно интенсивной и наполненной представляется жизнь группы людей, изображенных на переднем плане полотна. Хотя картина и выполнена в форме алтарного триптиха, совершенно ясно, что она никогда не смогла бы служить предметом религиозного поклонения.

Известно, что работа над картиной велась приблизительно в 1525 г. Несомненно то, что в это время Лука Лейденский уже успел испытать определенное влияние художников Италии и щедрой живописи эпохи Возрождения.

Кроме Луки Лейденского, ярким представителем этого направления стал Ян Скорель (1495–1562). Для своего времени он был человеком образованным, увлекавшимся идеями гуманизма. Несколько раз он посетил Палестину, бывал в Ватикане, где получил возможность изучать богатые античные коллекции произведений искусства.

Ян Скорель служил в Утрехте каноником собора, а в свободное время писал картины. При этом благочестивый образ жизни ничуть не мешал ему писать образы святых, используя в качестве модели свою возлюбленную Агату ван Схонховен.

Например, свою «Марию Магдалину», хранящуюся в Рейксмузеуме, он писал именно с этой женщины. Магдалина Скореля молода, художник изобразил ее на фоне нереального, окрашенного фантастическими тонами горного пейзажа.

Ян Скорель. Св. Мария Магдалина

Художники итальянского Возрождения выработали некий стереотип одеяния главного героя, что отразилось и на этом полотне: Магдалина облачена в оливково-зеленое платье и красный плащ, покрытый изумительным тканым узором. Шарф небрежно покоится на ее коленях и заставляет вспомнить о легендарных литературных героях того времени. Удивителен контраст наложения красок: одежда написана темными плотными мазками, тогда как лицо женщины настолько прозрачно, что за ним виден рисунок художника. Этот прием весьма характерен для Скореля.

Удивительная жизненность, идеальная гармония и возвышенность в полотнах этого мастера сближают его картины с лучшими образцами итальянского Возрождения.

Вместе с работами Скореля в Рейксмузеуме находятся работы его ученика Мартена ван Хеемскерка (1498–1574). Это парные портреты в старинных рамах, написанные в 1529 г. Один из них изображает богатого амстердамского купца, второй – его молодую 26-летнюю жену по имени Анна Кодде. Портрет этой очаровательной женщины считается одним из самых лучших женских портретов, когда-либо написанных в Голландии.

Мартен ван Хеемскерк. Анна Кодде

Художник изобразил Анну за прялкой; одеяние женщины свидетельствует о ее изысканном и строгом вкусе. Изящным движением тонкие пальцы юной особы придерживают белую нить. Если учесть, что портрет был написан в начале XVI в., можно сделать вывод, что дом купца действительно был очень богат: подобная прялка с самоприводом являлась редкостью и сама по себе свидетельствовала о высоком социальном положении ее обладательницы.

В это же время Дирк Якобс и Корнелис Тёниссен стали модными нидерландскими художниками. Они занимались тем, что писали грубо, но очень выразительно групповые портреты людей, входящих в различные стрелковые гильдии. В Амстердаме особой популярностью пользовались именно такие работы, в отличие от семейных портретов, которыми занимался Хеемскерк.

Как уже упоминалось, между северными и южными провинциями Нидерландов существовали постоянные и крепкие связи. Свидетельство тому – жизнь Питера Артсена (1509–1575). Он родился в Амстердаме, в молодости долгое время жил в Антверпене. Став художником, он увлекался жанровыми сценками. Артсен по праву считается родоначальником не только нидерландского, но и европейского жанрового искусства.

Питер Артсен вернулся в Амстердам в середине 1550-х гг. Его работы того времени можно назвать близкими к реалистическим. В Рейксмузеуме находится несколько полотен Артсена, в том числе фрагмент знаменитой картины «Поклонение пастухов», на которой изображена голова быка. Еще одна картина, написанная в 1557 г., называется «Танец среди яиц».

На ней изображена сцена, типичная для быта нидерландского крестьянина. На полу деревенской корчмы валяются яичная скорлупа и устричные раковины, повсюду разбросаны цветы, а посреди этого художественного беспорядка исполняет пьяный танец нескладный, худощавый, некрасивый парень.

Здесь же, на переднем плане, второй посетитель увеселительного заведения в одной руке, высоко поднятой кверху, держит бокал, а второй обнимает за талию молодую служанку, громко распевая застольные песни.

Можно было бы предположить, что художник хотел воспеть простые радости сельской жизни, но уж очень беден показанный на полотне натюрморт, а фигуры персонажей выглядят деревянными, их движения напоминают пластику не живых людей, а кукол. Даже веселье подвыпившего посетителя, положившего руку на плечо девушки, выглядит неестественным.

В его движениях присутствует скрытая напряженность. Только его случайная подружка полна естественной, живой и непосредственной энергии, свойственной молодым голландским крестьянкам. Содержание картины и ее сюжетный мотив далеко не так просты, как это может показаться вначале.

Для своего времени работы Артсена подобного рода являлись новшеством, потому что среди европейских художников еще никто не пытался воссоздать картину, рассказывающую о жизни простого народа.

Сюжеты и манера изображения художника оказались столь притягательными, что вскоре и у Артсена появились последователи. Первым из них стал родственник и ученик художника Иоахим Бейкелар (1543–1573), родившийся в Антверпене.

В Рейксмузеуме находится монументальное полотно Бейкелара «Кухня», созданное в 1566 г. В самой глубине огромного помещения можно заметить маленькие фигурки, представляющие евангельскую сцену «Христос в гостях у Марфы и Марии», однако первый план целиком занимает огромный натюрморт.

Тщательно выписаны огурцы, холодные и твердые, роскошная цветная капуста, таинственно поблескивающие темные маслины, разложенные на оловянной тарелке. Под потолком повешена чистая холщовая салфетка, на фоне которой замечательно смотрятся сочные колбасы и битая птица.

На переднем плане изображены две красивые служанки, чрезвычайно похожие друг на друга, что наводит на мысль, что писались они с одной и той же натурщицы. Кроме того, девушки поразительно похожи на героинь полотен Питера Артсена.

В XVI в. в искусстве живописи Нидерландов появились новые жанры: бытовая живопись, пейзаж и натюрморт. В XVII в. они достигли поры расцвета в искусстве мастеров Голландии и Фландрии. Но если до этого времени поток искусства Нидерландов был единым, то теперь он разделился надвое. Вероятно, большую роль сыграли определенные исторические события, в частности революционные потрясения. Таким образом, в Северных и Южных Нидерландах сложились две различные художественные школы.

Хендрик Аверкамп. Большой зимний пейзаж

Духом нового голландского искусства овеяна живопись Хендрика Аверкампа (1585–1634). Ему всегда нравились зимние пейзажи, на фоне которых он изображал множество человеческих фигурок. Эти небольшие по размеру полотна написаны очень тонко. В Рейксмузеуме находится одна из самых значительных работ живописца на эту тему – «Большой зимний пейзаж».

Художник изобразил на своем полотне все зимние развлечения, которые только можно придумать на льду замерзшего канала. Люди катаются на коньках и санках, играют в гольф – одну из самых распространенных в Нидерландах игр. На льду амстердамского канала все равны – и модные щеголи, и простые крестьяне. Все в восторге от этой забавы. Кто-то из них катается уверенно, кто-то только еще учится и падает.

Действо происходит на фоне прозрачной, написанной легкими тонкими мазками природы. Это полотно можно с равным успехом отнести как бытовому жанру, так и к пейзажной живописи.

Поражает мастерством другой шедевр, хранящийся в Рейксмузеуме, написанный Эсайсой ван де Вельде, – «Общество в парке». Он значителен уже тем, что в нем показан явный интерес к простой жизни обычного человека, лишенной ярких событий.

Живописец изобразил веселую компанию роскошно одетых молодых людей и женщин, чувствующих себя весьма непринужденно. Они устроили пир на каменной террасе, а вокруг них раскинулся великолепный парк.

Чувствуется, что живописцу доставляло наслаждение выписывать детали дорогой посуды, красивые костюмы, пышную листву деревьев. Он словно сам участвует в происходящем и наслаждается всем, что способно сделать жизнь человека приятной.

Основную часть жизни Эйсас ван де Вельде работал в Харлеме и сотрудничал с самым популярным живописцем того времени – Франсом Хальсом. Хальс по праву считается основоположником голландской живописной школы. Большинство его работ хранятся в Харлеме, в музее, носящем его имя. Но несколько его картин находятся и в Амстердаме, в Рейксмузеуме.

Самое известное полотно Хальса – «Портрет супружеской пары» – написано мастером в начале 1620-х гг. Раньше искусствоведы считали, что на картине художник изобразил самого себя с женой, но теперь появилось предположение, что этот портрет – Исаака Масса, известного путешественника, картографа, успешно проводившившего торговые сделки и длительное время жившего в России. А женщина на картине – жена Масса, Беатриса ван дер Лан.

Персонажи изображены мастером в полный рост на холсте большого размера (140 х 166,5 см). На заднем плане Хальс написал великолепный парк с фонтаном и виллой в итальянском стиле.

Естественно, все эти природные красоты являются исключительно плодом фантазии художника, поскольку подобных пейзажей в Голландии не было и быть не могло. Однако подобный момент является свидетельством того, что художник хотел отдать дань моде того времени и написать картину по последнему слову художественной техники.

Хальс был мастером изящного, исполненного величественности парадного портрета, который в то время пользовался в Европе невероятной популярностью. Но бюргеры Харлема совершенно не отличались аристократизмом, а в подобных случаях соответствующий портрет написать достаточно сложно.

Художник изобразил эту пару с удивительной непосредственностью и прямотой. Он не старался что-либо приукрасить, придать небрежной позе мужа видимое изящество, зато он отдал должное его умному, характерному лицу с саркастическим выражением.

Легкими мазками выписано нежное лицо молодой женщины. Ее улыбка, простодушная и в то же время чуть-чуть лукавая, притягивает взгляд. Содержание картины определяется не сословной, как это было принято в парадном портрете, а человеческой значительностью моделей.

По традиции, художник придал символический смысл предметам неодушевленным. Рядом с женщиной видна гибкая жимолость, а около мужа – колючий чертополох. Оба растения являются символами верной любви.

В залах Рейксмузеума находится и другой портрет работы Франса Хальса – знаменитый «Веселый собутыльник». Сейчас невозможно сказать, был ли он заказан мастеру или тот сам выбрал натурщика – жизнерадостного, говорливого, добродушного выпивоху.

В портретное изображение вплетено сюжетное действие: персонаж обращается к зрителю. Он поднимает бокал и, уверенный в сочувствии, произносит застольную речь, восхваляющую вино. Прозрачная жидкость искрится в бокале. Золотистая одежда, написанная с большим мастерством, сочетается с плоеными мелкими складками воротника из белых кружев и большой черной шляпой.

И все это колористическое великолепие обрамляет разгоряченное, лоснящееся, загорелое лицо. Главный персонаж картины близок к народным типам, изображенным в ряде полотен Хальса тех лет.

Примером более официального, заказного портрета может служить «Маритге Фоогт». Художник создал этот большой поколенный портрет в 1639 г. В кресле спокойно и величественно восседает пожилая дама. Ее белый чепец, черное платье и старомодный плоеный воротник очень живописно выделяются на нейтральном фоне. Глаза дамы доброжелательно обращены на зрителя, на губах играет едва заметная улыбка. Уверенными, точными мазками выписана голова женщины. Художник тонко и умно строит композицию, соблюдая точную меру в использовании композиционных средств, в колорите и точности мазка.

Голландская живопись XVII в. воспроизводила реальную действительность. Художники искали и находили поэзию в обыденной жизни. Многие специализировались на изображении определенных предметов, достигая виртуозного мастерства. Одни писали морские виды, другие – равнинные пейзажи, третьи – серебряную посуду и цветы, животных и птиц, городские здания и крестьянские пирушки.

Ф. Хальс. Портрет молодого человека с черепом в руках

Голландские художники умели постигать красоту простых, незамысловатых вещей, окружавших человека в быту. Они создали множество прославленных шедевров, многие из которых сегодня принадлежат амстердамскому Рейксмузеуму. Зритель, попадающий в залы этого музея, встречается со многими полотнами, как со старыми знакомыми.

Особенно голландские живописцы любили изображать морские пейзажи и корабли на воде. Это вполне объяснимо, так как в жизни голландцев и в развитии экономики страны огромную роль играло прибрежное рыболовство и дальние странствия по морям в другие части света.

Как уже говорилось, в первой половине XVII в. маленькая Голландия была сильной морской державой, ее благополучие в большой степени строилось на торговле с восточными странами и жестокой эксплуатации населения заокеанских колоний.

Основоположником жанра марина в голландской живописи был Хендрик Вром (1566–1640). На одном из его полотен изображено отплытие в Ост-Индию в 1598 г. эскадры голландских кораблей. Это было второе плавание голландских моряков на Восток.

Центр картины занимает изображение флагманского корабля «Маврикий», написанное с большой точностью и знанием дела. Вром в молодости сам был моряком, а среди тех, кто приобретал его картины, было также немало моряков и кораблестроителей.

Голландские живописцы не ограничивались точным изображением кораблей, зданий или городского пейзажа, они вкладывали в картины свое сердце, ум, тонкое понимание красоты природы, любовь к знакомым с детских лет местам, к соленому морскому ветру, к вечно плывущим по северному небу облакам.

Крупнейшим пейзажистом первой половины XVII в. был Ян ван Гойен (1596–1656). В 1641 г. он написал свой пейзаж «Дальний вид с двумя дубами». Это ничем не примечательная местность с песчаными дюнами, типичными для побережья Голландии.

На самой вершине дюны, у корней старых корявых дубов, остановились на отдых двое людей. Вдали виднеется удаляющаяся фигура третьего путника. Взгляд зрителя следит за ним и постепенно достигает плоского побережья, где слева на горизонте виднеется поблескивающая полоса воды. Облака затягивают небо, сквозь них прорывается и падает на дюну, на корявые ветви деревьев луч солнца.

Широкий простор ощущается как естественная среда обитания этих дубов-великанов. Гармония и родство деревьев с бесконечным пространством помогает ярче увидеть величие и мощь этих гигантов.

Особенно характерны для творчества ван Гойена небольшие городские пейзажи. Пример этому – «Вид Дортрехта», одного из старейших голландских городов, написанный в 1648 г.

На полотне зритель видит возвышающийся над городом готический собор с недостроенной башней и крылья многочисленных ветряных мельниц. Дортрехт отодвинут в глубину картины, окутан дымкой влажного воздуха. Этот воздух и игра розоватого предзакатного освещения на облаках и воде завораживающе прекрасны.

Ван Гойен так низко опустил горизонт, что небо, которое занимает пять шестых поверхности полотна, кажется до бесконечности высоким. Удивительное умение передать подвижность облаков, рассеянное, северное освещение, влажный воздух, окутывающий все предметы, – это замечательное достижение талантливого голландского пейзажиста.

Огромное влияние на развитие пейзажной живописи оказал Якоб ван Рёйсдаль (1628–1682). Величественный образ природы, созданный Рёйсдалем на его полотнах, навевает поэтические и философские размышления.

Одним из известных произведений художника является «Мельница близ Вейка». Массивное туловище мельницы царит над скромной прибрежной местностью. Природа тиха, но эту тишину нельзя назвать покоем. День настолько серый, что зритель чувствует скрытую тревогу. Наверное, те же самые чувства испытывал художник, писавший эту картину.