Текст книги "Мировая культура и искусство"

7.3. Период архаики

Архаическим периодом в истории культуры Греции обычно называют VIII–VI вв. до н. э. Это время, когда наиболее интенсивно развивалось древнегреческое общество, было определено некоторыми исследователями как архаическая революция. Решающее влияние на культурное развитие в данный период оказала колонизация, благодаря которой достижения греческой культуры распространились на соседние регионы.

Рост населения и недостаток плодородных земель на гористом полуострове заставили греков организованно расселяться по всему средиземноморскому и черноморскому побережью, где они создавали земледельческие колонии. Получая из метрополии товары в обмен на зерно и часть из них продавая местному населению, колонии стали также торговыми центрами, выступая посредниками между Грецией и другими странами. В активные торговые связи оказались втянуты все страны Средиземноморья.

В результате колонизации греческий мир вышел из состояния изоляции, в котором находился в гомеровский период своего развития. Интенсивные торговые отношения греков с другими народами способствовали усвоению греками их культурных достижений: у мидийцев греки научились чеканке монет, у финикийцев – алфавитному письму, у древних египтян – основам астрономии и геометрии. На греческую культуру оказали сильное воздействие египетская и ближневосточная архитектура и скульптура, которые были творчески переработаны и переосмыслены греками.

В данный период окончательно утвердился полисный принцип устройства греческого общества. Полис был объединением частных землевладельцев и ремесленников, которые признавались полноправными членами полиса и имели право на собственность. В полисе была только одна альтернатива: раб или свободный член полиса. Перед лицом угрозы со стороны чужеземцев несколько родов объединялось, а земля разделялась между членами такого объединения. Власть военного вождя (басилея) при этом ограничивалась советом старейшин родов. В полисе человек осознавал себя полноценным гражданином лишь в той мере, в которой он являлся членом коллектива. Поэтому для древнего грека главной была его общественная деятельность, которая представляла собой органическую форму его существования, отличала его от раба и делала полноценным человеком.

Новые социально-экономические условия вызвали к жизни изменения в религиозном мироощущении греков. Греческая религия сохранила свой политеизм и по-прежнему выполняла консолидирующую роль в объединении сил внутри полисов либо в межполисных объединениях, но она утратила свой отвлеченный характер и благодаря мифологии приобрела художественно-образную условность. Эта новая черта оказалась очень плодотворной для создания художественных образов. Мифологические персонажи очеловечивались, все абстрактные силы природы воплощались в человеческом образе бога, богоравного героя и властителя, наделенного сверхчеловеческими качествами. Боги становились покровителями искусств и ремесел. Их культ требовал роскошных, художественно оформленных храмов, скульптур и жертвоприношений. Созданная греками чрезвычайно богатая мифология на многие столетия стала источником вдохновения для поэтов, писателей, художников, скульпторов.

В период архаики происходило становление архитектуры, складывался тип древнегреческого города, религиозно-политическими торговым центром которого стал акрополь. Здесь строились здания различного назначения и размещалась агора – торговая площадь. Главное место в акрополе занимали храмы, посвященные тому или иному богу. В них хранились казна и художественные ценности полиса.

Греческие храмы обычно посвящались божеству – покровителю города – и были жилищем этого бога, во всем похожего на человека. Храмы периода архаики были небольшими, поскольку своими размерами они выражали мироощущение греков, в основе которого лежала идея о соразмерности сил человека и природы, ставшая важнейшей чертой художественной культуры Греции. Пропорции колонн, размеры капителей и баз рассчитывались исходя из пропорций человеческого тела: проем между колоннами, сами колонны своими пропорциями соответствовали его фигуре и длине шагов. Но было очевидно, что для реального человека храм явно велик, он предназначался для героя, титана. Поэтому такая архитектура поднимала человека до уровня героя, приобщала его к миру высоких могущественных явлений.

В период архаики была создана продуманная и ясная система архитектурных форм:

♦ храм вантах – простейший тип греческого храма, состоявший из одного небольшого помещения – наоса, открытого на восток, между выступами его боковых стен (антов) на фасаде размещались две колонны;

♦ простиль – более развитый тип храма – на его фасаде уже не две колонны, а четыре;

♦ амфипростиль – храм с колоннадой как с переднего, так и с заднего фасада, где был вход в сокровищницу;

♦ периптер – храм прямоугольной формы, окруженный колоннадой со всех сторон. Он сложился во второй половине VII в. до н. э., и дальнейшая эволюция храмовой архитектуры связана с совершенствованием его конструкций и пропорций.

Архитектурные ордеры (от лат. ordo – порядок) возникли в VII в. до н. э. в результате развития и совершенствования архаической архитектуры; в них выражались технические особенности сооружений и художественные идеалы. Ордер определял соотношения и размеры несущих и несомых частей сооружения, особенности его украшения. Храмовые постройки в зависимости от ордера отличались двумя особенностями: первая воплощала мощь нижних несущих частей сооружения, вторая – мощь верхних элементов – несомых, которые давят на первые. За счет варьирования несущих и несомых частей зодчие добивались различных эффектов. Один храм поражал людей высотой, другой, наоборот, приземистостью, третий отличался фасадом и двойной колоннадой и т. п.

Соразмерность, гармоничность ордера, его ясность и стройность стали совершенно новым художественным явлением.

Новая архитектура стала свидетельством победы разума над хаосом и стихией. Ордерная архитектура отличалась двумя основными особенностями: во-первых, завершенностью своих форм и пропорций; во-вторых, наполненностью смыслом и человеческим содержанием.

В архитектуре периода архаики сложились два типа ордеров – дорический и ионический, названные так по основным племенам – дорийцам и ионийцам, населявшим Древнюю Грецию наряду с ахейцами. В дорическом ордере преобладали четкие, резкие линии, некоторая тяжеловесность форм. Дорическая колонна по своей форме и пропорциям отличалась толщиной и массивностью, не имела базы, вырастая непосредственно из основания (стилобата), на котором она стояла. Ее ствол по вертикали был разделен вертикальными желобками – каннелюрами, имевшими острые грани. Особенностью дорического ордера являлось также украшение рельефами перекрытий между колоннами. Рельефы раскрашивались красным и синим цветом с таким расчетом, чтобы цветовой контраст смягчал резкие тени, способные исказить рисунок фигур при ярком солнце.

Для ионического ордера были характерны тонкие и высокие колонны со сложной базой, глубокие, тонкие, стесанные по краям каннелюры, своеобразная капитель (фигурный верх) с завитками – волютами. Колонна использовалась не только как опора, но и как декоративный элемент, формирующий впечатление легкости, изящности, прихотливости линий. Ионический стиль отличался яркой раскраской, позолотой, обилием декоративных деталей. Рельефный фриз перекрытия между колоннами был двуцветным – желтым или золотым на темно-синем, фиолетовом или красном фоне. Капители украшались деталями из позолоченной бронзы.

Храмы периода архаики строились в основном в дорийском стиле, причем храмы в азличных городах были очень схожи, несмотря на их различие по высоте, числу колонн, разнохарактерности колоннад. Эти постройки роднили размеры и тяжесть антаблемента (перекрытия), давившего на колонны, а также наличие у колонн энтазиса – небольшого утолщения на одной трети ее высоты, вследствие чего ствол колонны был словно разбухшим от тяжести лежащего на нем перекрытия.

Скульптура не только украшала храмы, но и была важной составной частью религиозных культов. Она ориентировала человека архаического периода на героические идеалы и формировала религиозные чувства греков. В физической красоте обнаженной фигуры аристократа – победителя спортивных состязаний (к участию в спортивных играх допускались лишь аристократы) грек видел божественное проявление. В общественном сознании физическое совершенство олицетворяло и благородство, и непременный успех, так как в войнах того времени решающей силой были именно знатные воины (обученные и вооруженные лучше остальных).

Как мы уже отмечали, в архаический период сложилось то главнейшее качество греческой культуры, которое обеспечило ее редчайшую силу и ключевое значение для всей мировой художественной культуры в последующие века, – интерес к человеку, воспевание человека в единстве его телесной и духовной красоты. Наиболее полно это качество было выражено в скульптуре, основным объектом которой является человек. Не случайно самыми ранними монументальными статуями стали скульптурные изображения обнаженного юноши – куроса и целомудренно задрапированной девушки – коры.

В статуях куросов, которые долгое время назывались архаическими аполлонами, так как считалось, что это изображение бога, чувствуется влияние монументальной египетской скульптуры, хорошо известной древним грекам. Им свойственны некоторая статичность, торжественность, руки опущены и прижаты к бокам, пальцы сложены в кулаки, как в египетских изваяниях. Но постепенно трактовка тела смягчается, его формы округляются, руки сгибаются в локтях, поза становится менее напряженной, на губах куросов появляется «архаическая улыбка» (первая робкая и условная попытка передать внутреннее состояние), озаряющая их лица. Эти скульптуры раскрашивали, но довольно условно: борода могла быть синей или зеленой, глаза – красными, что усиливало общую декоративность.

Архаические женские статуи изображались в ниспадающих одеждах – хитонах и туниках. В этих скульптурах авторы стремились под одеждами как можно точнее смоделировать тело. Но скульпторам было лучше знакомо юношеское тело, поэтому статуи кор во многом напоминают мужские фигуры. Их бедра так же узки, как и у куросов, грудь служит главным образом для расположения складок одежды, их плечи – это плечи гимнастов. Они также улыбаются «архаической улыбкой». Как правило, коры тоже раскрашивались: при розовато-красных волосах брови и ресницы могли быть черными, одежда яркой, очень нарядной, головы украшались локонами.

О монументальной живописи архаического периода ничего не известно. Очевидно, она существовала, но не сохранилась до нашего времени.

О вазописи, особенно с VII в. до н. э., позволяют судить многочисленные археологические находки. Живопись заполняла всю поверхность керамического сосуда, как ковер. Этот стиль обычно называют ориентализирующим, поскольку многое, особенно в орнаменте, греки восприняли от искусства Востока: пальметты, цветы лотоса, как и многие мотивы животного мира. Все это переработано живой фантазией греков и обогащено их собственной мифологией. Узор, подчеркнутый контуром, наносился темно-коричневым лаком по светлой глине, детали процарапывались, выделялись белой и пурпурной красками.

В конце VII в. до н. э. ковровый стиль в вазописи уступает место чернофигурному, когда черным лаком наносили узор на чуть подкрашенную охрой глину сосуда, располагая фигуры не «коврово», горизонтальными полосами, а свободно размещая их по поверхности стенок. Помимо мотивов растительного и животного мира в керамике появляются сцены сражений, пиров, охоты, эпизоды из гомеровских поэм. С последней трети VI в. до н. э. чернофигурную вазопись сменила краснофигурная, когда изображения оставались в цвете обожженной глины, а фон сосуда покрывался черным лаком. Краснофигурная техника давала художнику намного больше возможностей, чем чернофигурная, позволяя, например, тщательнее разрабатывать анатомическое строение тела, мускулатуру, драпировки, добиваться индивидуализации персонажей.

Таким образом, в период архаики сложились каноны греческой религии, заявили о себе своеобразные стили в архитектуре и скульптуре, наметились пути дальнейшего развития других явлений культуры.

7.4. Классический период

Переход от архаики к классике был в значительной степени обусловлен важными социально-политическими событиями – борьбой демократии и тирании, ожесточенной войной греческих полисов с персами, возвышением Афин и расцветом рабовладельческой демократии.

В мировоззрении греков на рубеже VI–V вв. до н. э. наметился переход к качественно новому осмыслению мира и новым формам его отражения. Центром греческой культуры периода классики стали Афины. Здесь были собраны лучшие достижения общественной мысли и искусства. Поэтому весь классический период называют также аттическим (Афины были центром полиса Аттика), так как Афинское государство стало «законодателем моды» во всех сферах культуры. В Афинах V в. до н. э. существовали наилучшие условия для свободного творчества, и закономерно, что туда стремились ученые и художники из других греческих полисов и городов.

Новое мироощущение греческой классики, опиравшееся на формировавшийся антропоцентризм, разрушало основы всей мифологической системы, ломало ее содержание и открывало возможность перехода виной тип культуры. Поиск новых идей в изобразительном искусстве привел в первую очередь к постепенному освобождению от орнаментальности. Это наиболее отчетливо проявилось в декоративной скульптуре. Скульпторы ранней классики свои устремления направили на создание реального образа, на точную передачу деталей. В их творчестве уже не чувствуется скованности в изображении человека. Характерная черта скульптурных композиций данного периода – красноречивый язык жестов и поз. Классические скульптуры внутренне эмоциональны и страстны, но внешне сохраняют возвышенное спокойствие. В них отображена борьба добра и зла, света и тьмы, разума и невежества.

Греческую скульптуру классического периода представляет плеяда гениальных мастеров.

Мирон (середина V в. до н. э.) в своем творчестве использовал новые мотивы в искусстве скульптуры; он первым сумел передать живость движения, внутреннее напряжение фигуры. Изображая энергичное действие, он при этом показывал только завязку событий. Каждый грек, созерцавший скульптуры Мирона, прекрасно представлял, как будут разворачиваться события, и видел в них воплощение античного идеала, состоявшего в превосходстве благородного над низменным. Такова знаменитая скульптура Мирона «Дискобол».

Поликлет (вторая половина V в. до н. э.) в своем творчестве стремился к монументальности гармонии, пропорциональности, созданию идеальных образов людей; он первым из античных скульпторов достиг идеала «телесности». Все его произведения основаны на точном геометрическом расчете, принципы которого он изложил в своем знаменитом теоретическом труде «Канон». В точно разработанном художественном каноне и рассчитанных пропорциях крылась причина внешней бесстрастности статуй Поликлета, даже если он изображал человека в движении, в состоянии эмоционального возбуждения. Его прославленный Дорифор (копьеносец) стал собирательным образом красивого юноши, прекрасного атлета, мужественного воина и в то же время апофеозом геометрического стиля периода ранней классики.

Фидий в своем творчестве достиг наибольшей полноты и совершенства. Его статуя Зевса (высотой 14 м), украшавшая храм Зевса в Олимпии, входила в число семи чудес света. Он же является создателем статуи Афины Промахос (Афины Воительницы) высотой 12 м, которая находилась в центре афинского Акрополя. Хотя произведения Фидия не сохранились, по оценкам его современников, его статуи были вершиной совершенства в стиле высокой классики и создать что-то лучшее было невозможно. Воздействие его статуй на зрителя было огромным. Так, мягкий, глубоко человечный взгляд всесильного Зевса заставлял всякого, кто пришел в его храм в Олимпии, позабыть на время о гнетущих душу заботах, вселял надежду на будущее.

К середине V в. до н. э. все эллинские города, победившие персов, объединились под началом Афин, где интенсивно восстанавливались разрушенные памятники и велось новое строительство. Сюда со всей Греции съехались знаменитые архитекторы, скульпторы, живописцы, направившие свои творческие силы на создание Акрополя.

Афинский Акрополь стал подлинным триумфом древнегреческой архитектуры, одним из величайших шедевров мирового искусства. Акрополь, построенный архитекторами Иктином и Калликратом, находился на высоком холме и как бы парил над городом. Менее чем за два десятилетия были воздвигнуты парадные ворота – Пропилеи, храм Ники Аптерос (бескрылой победы), Эрехтейон и главный храм Афин – Парфенон – храм Афины Парфенос (Афины девы), который вызывал особое восхищение; его украшали 46 колонн и богатое скульптурное и рельефное убранство.

Акрополь, возведенный в честь победы греков над персами, стал средоточием замечательных творений знаменитых афинских зодчих и скульпторов, символом афинской демократии. Его композиция была основана не на принципе симметричного или последовательного размещения памятников, как было принято в архитектуре архаики, а на принципе свободного размещения, т. е. свободной гармонии. Все постройки Акрополя создавались с учетом их восприятия человеком. При его создании художественная мысль стремилась к тому, чтобы они не производили впечатление суровой мощи, а вызывали ощущение гармонической ясности и свободы, естественности усилия, чтобы человек, находясь рядом с ними, чувствовал себя выше, стройнее, увереннее.

Все сооружения Акрополя необычайно пластичны и соразмерны, гармонически сливаются с окружающей природой. Архитекторы Парфенона учли даже несовершенство человеческого зрения: колонны храма отстоят друг от друга на неравном расстоянии, угловые колонны чуть массивнее внутренних и все немного наклонены внутрь к стенам здания, поэтому они выглядят стройнее и выше. В Парфеноне все чуть-чуть изогнуто, чуть-чуть искривлено, но все рассчитано на то, чтобы отдельные части здания выглядели идеально правильными и гармоничными. Кроме того, Парфенон был расцвечен красками и позолотой, что делало его еще более живописным.

Фидий также принимал участие в проектировании афинского Акрополя, был руководителем строительных работ в годы правления Перикла и вместе с несколькими художниками создавал скульптуры и барельефы Парфенона. Пластика, сюжет и философское содержание во фризах Парфенона составляли единое целое. Идеальное содержание его композиций выражалось в пластике обнаженного тела, в расположении скульптурных складок одежд. С помощью этих элементов создавалась иллюзия движения независимо от положения тела. Эти поиски и способы достижения гармонии можно считать зарождением в искусстве приемов ритмизации и маньеризма (достижение эффекта за счет надуманных искажений).

Греческую культуру середины V в. до н. э. можно определить как культуру относительной гармонии духа и мира. Однако эта гармония была кратковременной, потому что гражданственность, коллективность основ города-полиса быстро изжила себя. Противоречия рабовладельческого общества становились все более ощутимыми. К концу V в. до н. э. разрушается демократическая основа городов, теряется смысл народных собраний, нарастает имущественное расслоение, распространяется стремление найти прекрасное в роскоши, в украшениях и наслаждениях. В этих социальных условиях искусство Древней Греции формирует новаторские композиционные решения и новые элементы в традиционных ордерах. Например, в архитектуре Афин в связи с повышением их политической роли появляется тенденция к выработке единого панэллинского (общегреческого) стиля архитектуры за счет совмещения двух ордеров в одном сооружении или облегчения пропорций дорического стиля, что придавало ему большее изящество, как в Парфеноне.

Театральное искусство занимало ведущее место в духовной жизни древних греков этого периода. Прообразом первых театрализованных представлений историки театра считают празднества в Афинах, посвященные богу виноделия Дионису. В его честь устраивались веселые шествия, участники которых изображали сати-ров – свиту Диониса. Они надевали на себя козлиные шкуры, плясали и распевали песни для своего хмельного бога, которого изображал один из ряженых. Обряд завершался жертвоприношением козла. Эти представления получили название трагедии, что в буквальном переводе означает «песнь козлов». Первоначально хор состоял из 12 человек, певших и танцевавших поочередно: песни и танцы составляли главную часть представления. Позднее поэт Феспид добавил к хору одного актера, ведущего с хором диалог и руководившего хором (его называли корифеем), и трагедия превратилась в драматическое действие.

Сначала участники представления разыгрывали сцены из мифов только о Дионисе, позднее очередь дошла и до других мифов. В первой половине V в. до н. э. Эсхил ввел в представление второго актера, Софокл – третьего, благодаря чему произошел переход от обрядовых песен в честь Диониса к профессионально подготовленному представлению. Древний «хор козлов» окончательно преобразился в драму, и возникло театральное искусство. Но связь греческой трагедии с хоровой песней не прервалась: в дальнейшем хор играл в драме не меньшую роль, чем актеры. Это сближает греческую трагедию с современной оперой или ораторией. Темы и сюжеты трагедий не выбирались произвольно, а заимствовались из мифологии. «Персы» Эсхила или «Завоевание Милета» Фриниха – редчайшее исключение.

Греческая трагедия, точно так же, как гомеровский эпос, выполняла наряду с эстетической воспитательную функцию. Драматурги стремились не только заинтересовать зрителя, но и потрясти его, показать на примере жизни героев действие божественных законов. В трагедии наиболее полное выражение получило такое понятие греческой культуры, как катарсис (очищение), облагораживание людей, освобождение души от различных аффектов путем сострадания и переживаний. Расцвет этого жанра связан с именами великих драматургов Эсхила, Софокла, Еврипида. Каждый из них ставил проблему человека, его судьбы, справедливости и блага, но рассматривал их по-разному.

Трагедии Эсхила объединяют понятия правды, справедливости, блага: существовал неотвратимый закон справедливого возмездия, установленный богами и ими же контролируемый. Как правило, у Эсхила воля богов справедлива, хотя в его трагедии «Прикованный Прометей» люди, овладевшие огнем, устами титана Прометея бросают вызов всемогущему Зевсу – жестокому, внушающему ненависть тирану.

Трагедии Софокла рассматривают как конфликт драматическое противоборство человека и неотвратимого рока. В его произведениях люди осмеливаются противостоять богам, это очень яркие и необычные личности. Таковы Креонт и Эдип, Антигона и Электра, пытающиеся бороться с богами, но навлекающие на себя неизбежное возмездие рока. Возрастающее внимание к отдельной личности, характерное для Софокла, отражало все большее значение индивидуального начала в общественном строе и культуре классических Афин.

Трагедии Еврипида раскрывают человека как личность. Драматург полон скепсиса, доходит до прямого богоборчества, не верит в божественное происхождение законов и норм, регулирующих социальные отношения и поведение человека. Жестокость богов несомненна, но они не всесильны: источником страданий человека являются страсти и порывы его собственной души. Поэтому у Еврипида трагедия богов и героев превращается в трагедию людей. Его образам свойствен глубокий психологизм, он выступает как настоящий исследователь тайников человеческой души.

Аттическая комедия своим расцветом обязана Аристофану. Слово «комедия» означает «песни космоса» – праздничного деревенского шествия. Соединение этих песен с драматическими сценками веселого, забавного содержания дало новый жанр – комедию. В них смело соединялись фаллические шутки и похабщина с политической сатирой. Это было особенно свойственно для произведений Аристофана, который в своих комедиях в аллегориях и символах представлял реальные политические драмы Афин. Таковы его комедии «Лисистрата», где дело мира в свои руки берут женщины, решившие не подпускать к себе мужчин, пока те не положат конец войне; «Всадники», направленная против афинской демократии, и др.

От современного античный театр отличался не только тем, что там показывали, но и своим устройством. Представления длились лишь три дня во время праздника в честь Диониса. Показывали подряд три трагедии, а затем сатирову драму – эпизод из мифологии, но в забавном освещении. Каждый из трех драматических поэтов, соревновавшихся друг с другом в эти дни, выносил на суд зрителей всю тетралогию – полный цикл из трех трагедий и одной сатировой драмы. Представление шло под открытым небом, на круглой площадке – орхестре. Скамьи для зрителей были вырублены прямо в каменистом склоне Акрополя; этот простейший зрительный зал назывался театроном. В таком огромном открытом театре нельзя было рассмотреть ни мимику актеров, ни детали костюмов, поэтому участники представления выходили на сцену в длинных, торжественных одеяниях и в больших традиционных масках, которые закрывали не только лицо, но и всю голову актера, обозначали или сценический тип персонажа (царь, старик, женщина; женские роли также играли мужчины), или его душевное состояние (радость, горе, отчаяние). Приходилось увеличивать и фигуру актера, для чего применялась специальная обувь на высокой платформе – котурны. В греческом театре почти не было декораций. Этот ограниченный набор изобразительных средств был связан с ориентацией античной культуры, в том числе греческого театра, на слуховое, акустическое восприятие.

После просмотра всех представленных произведений зрители определяли лучшую постановку, лучшего актера (в трагедии играло не больше трех актеров) и лучшего хорега (организатора представления). В заключительный день праздника они получали награды и их имена заносили в специальные архивы города.

В архитектуре того времени обозначились две противоположные тенденции: грандиозность сооружений наряду с ординарностью, т. е. величественные храмы соседствовали с небольшими памятниками-постройками. Разнообразнее становятся объекты гражданского строительства (театры, булевтерии, стадионы, мемориальные сооружения) и планировка (квадратная, круглая, прямоугольная). Все чаще встречается сочетание различных ордеров.

К числу наиболее знаменитых архитектурных памятников поздней классики относятся два сооружения, причисленные к семи чудесам света. Во-первых, храм Артемиды в Эфесе, сожженный Геростратом, решившим прославиться таким образом. Этот храм имел 127 колонн, внутри был украшен великолепными статуями работы Праксителя и Скопаса, а также прекрасными живописными рельефами. Во-вторых, гробница правителя небольшого полиса Карии Мавсола, получившая позднее название «Мавзолей в Галикарнасе». Это сооружение имело два этажа высотой по 20 м. На первом этаже была сама гробница Мавсола и его жены Артемисии, на втором, окруженном колоннадой, хранились жертвоприношения. Крыша мавзолея представляла собой пирамиду, увенчанную мраморной квадригой, в колеснице которой стояли скульптуры Мавсола и Артемисии.

В скульптуру вместо мужественности и суровости образов строгой классики приходит интерес к духовному миру человека и пластика фигур становится более сложной и менее прямолинейной, выражает пафос, взволнованность чувств. Этот пафос явился следствием того, что в Греции духовная жизнь достигла нового уровня свободы. Более свободным и высоким стало искусство, которое раньше основывалось на системе правил, взятых у самой природы. Теперь искусство освободилось из тисков установленных норм и приблизилось к непосредственной природной правде. Художники отошли от строгих законов линий и композиций к более мобильным и свободным контурам, от рационализированного искусства к искусству, отражающему чувственно прекрасное. Этот новый стиль связан с именем Скопаса. Широко известна статуя вакханки, олицетворяющей бурное дионисийское начало мира. С его образами у греков появилось новое отношение к миру. Вместо ясности и покоя пришли ощущения тревоги, трагичности.

Пракситель развивал противоположную концепцию, выступая как художник гармонии, одухотворенности, разрядки. Он прославился изваянием Афродиты, исполненным в двух вариантах – обнаженной и в одежде. В первом случае подчеркнуто выражена телесная гармония обнаженной прекрасно сложенной женщины. Пракситель в своих работах стремился показать идеальную физическую красоту человека, поэтому его творчество тяготеет к реальности, к точности воспроизведения натуры.

В результате завоевания Александром Македонским греческих городов во второй половине IV в. до н. э. в Греции устанавливается монархия. Начинается эпоха жестоких войн. В этих условиях возникает художественное творчество нового, неклассического типа. От искусства, отображающего типическое, осуществлен переход к искусству характерного и своеобразного, индивидуального. Ярким представителем этого направления был Лисипп. Он по-новому относится к человеку и по-новому воплощает его в скульптуре, стремясь создать образы более жизненные, не идеально совершенные, а характерно выразительные. В этом смысле очень выразительна его статуя Апоксиомена, в которой скульптору удалось в совершенстве передать возбуждение юноши; видно, что он еще не остыл после борьбы, переступает с ноги на ногу. Скульптуры Лисиппа усложнены тем, что разные части тела показаны в динамике. В сравнении с предыдущими художниками он полнее использует возможности показа человека с разных точек. Лисипп создал свой канон пропорций человеческого тела, по которому его фигуры были выше и стройнее, чем, например, у Поликлета (размер головы составляет ¹/₉ фигуры).

Таким образом, культура периода классицизма непосредственно выражала конкретно-исторический процесс развития культуры Древней Греции. Завершение этого периода было обусловлено рядом социально-экономических причин, породивших кризис греческой культуры. Частые войны и конфликты как между отдельными греческими полисами, так и внутри них привели к распаду полисных уз и политической нестабильности. Кризисное состояние общества усугубилось поражением Афин в Пелопонесской войне со Спартой в 404 г. до н. э., а затем долгим противостоянием и окончательным подчинением Греции Македонией. Общество, классическим образцом которого были Афины, уходило в прошлое.