Текст книги "Есть только миг. Книга 2"

В 1869 году живописец впервые отправился в Европу, чтобы познакомиться с искусством Запада. Впечатления, полученные русским мастером после знакомства с экспонатами художественных галерей европейских столиц, оказались противоречивыми. В отличие от многих соотечественников западное искусство не вызвало у него восторга.

После возвращения домой у художника случился конфликт с коллегой по артели: нарушив правила «четырнадцати», тот принял от Академии художеств оплаченную зарубежную поездку. Крамской оставил артель. Без него сообщество быстро распалось.

Живописец основал новое творческое объединение, назвав его Товариществом передвижных художественных выставок. Вместе с Крамским соучредителями товарищества стали Григорий Мясоедов, Алексей Саврасов, Василий Перов. Художники-передвижники противопоставляли себя приверженцам академизма, доставляли во все города империи передвижные выставки, популяризируя искусство и приближая его к народу.

На выставках передвижников желающие приобретали понравившиеся полотна. Одно из них – «Майская ночь» кисти Крамского – купил меценат и галерист Павел Третьяков. Мистический сюжет, навеянный повестью Николая Гоголя, художник нарисовал в Малороссии.

В 1872-м Иван Крамской сделал последние мазки на полотне «Христос в пустыне», ставшем его известнейшей работой. Картину тут же приобрел за 6 тыс. рублей Третьяков. Работа произвела фурор, и альма-матер живописца едва не присудила Крамскому звание профессора, но он отказался.

Но наибольшую славу среди современников Иван Крамской приобрел как портретист. Его изображения Льва Толстого, Сергея Боткина, Тараса Шевченко, Ивана Шишкина, по сведениям современников живописца, имеют полное сходство с героями, передают характеры и отражают внутренний свет натуры.

Полотно «Мина Моисеев» художник подарил миру в 1882 году. Поклонники Крамского и ценители искусства называют портрет крестьянина лучшим произведением русского живописца. На самом деле Мина Моисеев – набросок, этюд к полотну «Крестьянин с уздечкой», нарисованному позже. Эта работа – яркий пример Крамского-гуманиста, любившего и понимавшего русский народ.

В 1880-е Иван Крамской поразил и расколол общество полотном «Неизвестная». Изображенная женщина не принадлежит к высшему обществу. Она одета по последнему слову моды тех лет, что считалось неприличным у знатных дам.

Критик Владимир Стасов вынес вердикт полотну, назвав его «Кокотка в коляске». Многие современники сошлись во мнении, что на портрете – богатая содержанка. Третьяков отказался покупать картину – ее приобрел промышленник Павел Харитоненко.

Техника живописи Крамского – тонкая законченность, тщательное и детальное изображение лиц. Пейзажи художник не рисовал, но в полотнах «Майская ночь» и «Лунная ночь» гениально изобразил лунный свет.

Ивана Крамского по праву называют идейным лидером передвижничества, ярчайшим представителем демократического искусства ХIХ столетия. Портреты художника удивительно человечны и одухотворены.

С будущей супругой Софьей Прохоровой молодой художник познакомился, будучи студентом академии. Он полюбил девушку так сильно, что пренебрег тянувшимся за ней шлейфом слухов. Репутация Сони безупречной не была: до знакомства с Крамским Прохорова жила в гражданском браке с женатым художником, узнав о его «несвободном» статусе слишком поздно.

Однако для Ивана Крамского Софья стала образцом чистоты и верности. Супруга разделила с ним годы тягот и безденежья, с ней художник советовался во время работы, просил молиться, когда приступал к новому полотну.

Софья Крамская родила мужу шестерых детей. Двое из них – сыновья – умерли с разницей в 3 года. На знаменитой картине «Неутешное горе» изображена супруга живописца. Полотно Иван Крамской создавал 4 года.

Любимица художника – дочь Софья Крамская – пошла по стопам отца. Но, к сожалению, в 1930-е годы попала под каток репрессий.

В последние 5‒6 лет жизни о присутствии художника узнавали по сильному сухому кашлю: у Крамского обнаружили грудную жабу (аневризму сердца). Унять боли помогали уколы морфия. Лечил художника Сергей Боткин, скрывавший от пациента название смертельного недуга. О нем Иван Крамской узнал случайно, прочитав симптомы в медицинской энциклопедии, неосторожно оставленной Боткиным на столе.

Болезнь сердца (аневризма аорты) и стала причиной смерти живописца. Он скончался 5 апреля 1887 года за работой – рисуя портрет доктора Карла Раухфуса. Крамской не дожил 2 месяца до 50-летия.

Похоронен на Тихвинском кладбище Александро-Невской лавры.

Известный русский живописец, один из членов-учредителей Товарищества передвижных художественных выставок Василий Григорьевич Перов был незаконнорождённым сыном губернского прокурора барона Георгия (Григория) Карловича Криденера и уроженки Тобольска А. И. Ивановой. Дата рождения точно неизвестна: 21‒23 декабря 1833 (2 или 4 января 1834) года.

Печать «незаконнорожденного» преследовала Перова от рождения до той поры, когда великий художник перестал быть чьим-то сыном, а стал самим собой ‒ яркой и неординарной личностью. Его фамилия ‒ результат «остроумного» прозвища, которое он получил от своего первого учителя дьячка-запивашки, данное за изящное владение пером.

Барон Криденер служил прокурором в далекой сибирской губернии. Герб Криденеров изобилует королевскими лилиями, единорогами и розами, что свидетельствует о древности и знатности. Из Криденеров вышло много блестящих дипломатов, служивших Российской империи в Новом и Старом Свете. Мать героя ‒ Акулина Иванова, была тобольской мещанкой. Известно, что именно она учила будущего профессора и академика читать. Несмотря на то, что вскоре после рождения Василия барон Криденер и Акулина Иванова обвенчались, ни фамилию свою, ни титул отец своему первенцу не смог передать. Василий был приписан к арзамасским мещанам с фамилией Перов.

С самого рождения Василия семья Криденера постоянно куда-то переезжала. Поначалу это было связано со службой отца, затем, после скандала в Архангельске (барон Криденер был человеком образованным и воспитанным, но вот на язык весьма несдержанным) из-за сатирических стихов, описывающих всех фигурантов губернской администрации, службу пришлось оставить. Теперь скитания семьи были связаны с поисками новой службы. Петербург, Ливонские губернии, Самара, Арзамас ‒ везде жить приходилось у многочисленных родственников, что не делало атмосферу в семье совершенно счастливой.

Наконец, когда барон потерял всякую веру, к нему поступило предложение поступить на службу управляющим большим имением. Видя увлечение сына рисованием, отец решает отдать его в частную школу Ступина в Арзамасе. Два раза в неделю мальчик посещал занятия в школе. Через три месяца учение закончилось. Однокурсники взяли с собой 13-летнего Перова на именины некой прелестницы, после чего в родной дом извозчик привез совершенно пьяного подростка, и мама сказала: «Нет!» После того, как место управляющего барон потерял (ну не мог сдержаться Криденер от колкостей), семья снова переезжает в Арзамас и размещается на квартире как раз напротив школы Ступина. На этот раз мама из вида сына не выпускала, и учеба возобновилась.

В 1853 году 20-летний Перов поступает в Московскую школу живописи и ваяния. Однако жить было не на что и негде; молодой художник из-за нужды хотел даже оставить учёбу, но в трудную минуту ему оказал помощь его преподаватель из училища, Е. Я. Васильев ‒ «строгий… даже немного рутинный классик», который поселил Перова у себя и отечески заботился о нём. Васильев быстро разглядел недюжинный талант в новом студенте и всячески ему помогал.

В 1856 году за представленный в Императорскую академию художеств «Портрет Николая Григорьевича Криденера, брата художника» Перов был отмечен малой серебряной медалью. Эта работа была ещё тесно связана с традициями искусства начала XIX века, носила черты ступинской школы; но уже в последующих работах Перов выступил как новатор. Написанная в 1857 году картина «Приезд станового на следствие» принесла художнику большую серебряную медаль. Она обратила на себя внимание публики и критики; в Перове увидели «прямого наследника и продолжателя Федотова».

В 1860 году Академия присудила Перову малую золотую медаль за картину «Первый чин. Сын дьячка, произведенный в коллежские регистраторы», которая утвердила художника как наследника сатирического жанра 1840-х годов. Получив право участвовать в конкурсе на большую золотую медаль, Перов переехал в Санкт-Петербург. Здесь в 1861 году он написал картины «Проповедь в селе» и «Сельский крестный ход на Пасхе»; за первую он получил большую золотую медаль (1867) и право поездки в качестве пансионера за границу.

После окончания училища в 1862 году Перов написал картину «Чаепитие в Мытищах», композиция которой была построена на противопоставлении (контрастном сопоставлении) тучного монаха-чревоугодника и хромого слепца, инвалида войны, с мальчиком-поводырем.

Осенью 1862 года Перов женился на Елене Эдмондовне Шейнс и в декабре, в качестве пансионера Академии художеств, уехал с ней за границу: посетив ряд городов Германии (Берлин, Дрезден, Дюссельдорф), он приехал в Париж.

В 1863‒1864 годах В. Г. Перов жил и работал в Париже. К этому периоду относятся его картины, изображающие европейские сцены уличной жизни («Продавец статуэток», «Савояр», «Шарманщик», «Нищие на бульваре», «Музыканты и зеваки», «Тряпичники»). Получив от Академии разрешение на досрочное возвращение с продолжением пансионерства в России, он вернулся в Москву, где и прошла вся его дальнейшая жизнь. Перов поселился в доме дяди жены ‒ Ф. Ф. Резанова.

Ещё за границей Перов задумал большую картину с сюжетом из монастырской жизни, которая писалась долго и впервые появилась только на посмертной выставке художника в 1882 году. Кроме неё, он написал для конкурсов жанровые полотна «Проводы покойника» и «Очередь у бассейна», за которые был награждён первыми премиями конкурсов. С этих картин начался новый этап в творчестве художника: от сатирического направления он перешёл к более драматическим сюжетам ‒ об «униженных и оскорблённых».

Написанные следом картины ‒ «Тройка», «Приезд гувернантки», «Сцена на почтовой станции» ‒ показывают тяжёлое, унизительное положение наёмных рабочих. Художник так организовал изображение, что персонажи картин как бы с укором смотрят на зрителя ‒ исследователи отмечали, что это свойство будет характерно для целого ряда портретов, выполненных Перовым.

За картины «Тройка» и «Приезд гувернантки в купеческий дом» В. Г. Перову было присуждено звание академика. Картину «Тройка» приобрёл П. М. Третьяков.

Пять картин Перова демонстрировались на Всемирной выставке 1867 года: «Проводы покойника», «Первый чин», «Дилетант», «Гитарист-бобыль», «Тройка» ‒ художественная критика по достоинству оценила его творчество. На академическую выставку в этом же году Перов прислал четыре картины: «Чистый понедельник», «Учитель рисования», «Утопленница», «Божья матерь и Христос у житейского моря».

В 1868 году Академия художеств продлила на два года пенсионерское содержание Перова сверх полученных им ранее трёх лет. Первая премия на конкурсе МОЛХ была присуждена Перову за картину «Сцена у железной дороги» ‒ характерна добросовестность, с которой художник выписал выражения на лицах мужиков. Начиная с этого года, продолжая разрабатывать бытовые сюжеты, Перов много сил стал отдавать работе над портретами.

В своих портретах Перов сумел обозначить новые, для портретного искусства, социально-психологические перспективы; он стремился воссоздать на холсте человека не только в его материальной конкретности, но и в неисчерпаемости его духовного мира: «Что ни тип, что ни лицо, что ни характер, то особенность выражения всякого чувства. Глубокий художник тем и познается, что изучает, подмечает все эти особенности, и потому его произведение бессмертно, правдиво и жизненно», ‒ утверждал Перов. За «Портрет В. В. Безсонова» он был награждён первой премией МОЛХ; по заказу П. М. Третьякова написал «Портрет писателя А. Ф. Писемского».

В 1869 году совместно с Мясоедовым, которому принадлежит идея создания Товарищества художественных передвижных выставок (ТПХВ), Перов организовал московскую группу передвижников; в течение семи лет он был членом правления. В 1870 году он получил первую премию ОПХ за картину «Птицелов»; за картины «Странник» и «Птицелов» был удостоен Академией художеств звания профессор.

В семидесятые годы в творчестве Перова особое место заняли житейские бытовые сюжеты. Кроме портретов (Тимашевой, А. Н. Островского, Степанова) на 1-й выставке ТПХВ он показал картины «Охотники на привале», «Рыболов». В 1871 году В. Г. Перов был назначен преподавателем МУЖВЗ.

Продолжая портретную живопись, в 1871‒1872 годах Перов по заказу П. М. Третьякова исполнил ряд портретов русских писателей и учёных: И. С. Тургенева, А. Н. Островского, Ф. М. Достоевского, А. Н. Майкова, В. И. Даля, М. П. Погодина; написал портрет московского купца И. С. Камынина. В некоторых портретах Перов достиг такой «правдивости», которая в русском искусстве отмечалась лишь у И. Е. Репина и В. А. Серова.

В 1872 году Перов женился вторично ‒ на Елизавете Егоровне Другановой. В этом же году на 2-й выставке ТПХВ показал серию написанных портретов. В следующем, 1873 году, его картины «Рыболов» и «Охотники на привале» были представлены на Всемирной выставке в Вене.

Осуществил поездку в Нижний Новгород, на Волгу, в Оренбургскую губернию; начал писать этюды к картине «Суд Пугачёва». В это время простудился на охоте, вследствие чего начала развиваться чахотка, впервые обозначившаяся в 1874 году.

В 1874 году, на 3-й выставке ТПХВ, были показаны картины «Пластуны под Севастополем», этюд «Киргиз-каторжник». На сюжет романа И. С. Тургенева «Отцы и дети» была написана картина «Старики-родители на могиле сына». Духовная жизнь и творчество Перова в это время начинают принимать противоречивый, мятущийся характер; в совокупности картин и рисунков художника отмечаются и вариации на темы уже возникавших в его творчестве образов, и вновь открываемые исторические, литературные и религиозные сюжеты.

В 1877 году Перов вышел из членов ТПХВ. В следующем году участвовал в экспозиции Всемирной парижской выставки с картинами «Странник», «Птицелов», «Рыболов», «Фомушка-сыч» и «Охотники на привале», а также портретами Ф. М. Достоевского и В. В. Безсонова.

Трижды Перов обращался к сюжету суда над Пугачёвым. Образ Пугачёва изменялся от удалого казака на коне в первом варианте, к плюгавому мужику ‒ во втором, до свирепого и могучего изверга ‒ в третьем. Первая, лучшая редакция «Пугачёвского бунта» была разрезана на части. В 1879 году он, наконец, завершил третий вариант, но и он не удовлетворил художника; Перов собирался ещё раз писать картину.

Трагизм своей внутренней жизни этого периода Перов выразил «евангельской» серией и картиной «Никита Пустосвят. Спор о вере».

В последние годы жизни В. Г. Перов сотрудничал с журналом «Природа и Охота» Л. П. Сабанеева. Ряд его рассказов был опубликован в «Художественном журнале», издававшемся в 1881‒1887 гг. писателем и критиком Н. А. Александровым (1841‒1907).

В конце 1881 года тиф и воспаление лёгких окончательно подорвали его здоровье. В. Г. Перов скончался от чахотки, на 49-м году жизни, в маленькой подмосковной больнице на территории усадьбы Кузьминки (ныне территория Москвы). Художник был похоронен на монастырском кладбище в Даниловом монастыре.

Прах его был перезахоронен на монастырском кладбище в Донском монастыре; точная дата перезахоронения неизвестна. На новой могиле художника был установлен памятник работы скульптора Алексея Евгеньевича Елецкого.

Его сын ‒ Владимир Перов ‒ тоже был художником.

Русский художник, мастер исторической, пейзажной и жанровой живописи, педагог Василий Дмитриевич Поле́нов родился в многодетной, культурной дворянской семье 20 мая (1 июня) 1844 года в Петербурге. Его отец, Дмитрий Васильевич Поленов, был тайным советником, известным археологом, историком и дипломатом. Мать, Мария Алексеевна, урождённая Воейкова, писала книги для детей, занималась живописью. Дядя художника, М. В. Поленов (1823‒1882), был сенатором.

В их доме часто бывали высокоинтеллектуальные и интересные люди: музыканты, художники, учёные, историки. Василий рос в удивительной атмосфере, которая повлияла на формирование его интересов и внутреннего мира. Детство юного Василия прошло в родительском имении Имоченцы возле Петрозаводска на берегу речки Оять в Олонецкой губернии, там юный художник впервые увидел, как необъяснима и прекрасна русская природа. Рисовать он начал именно в Имоченцах, проводя лето в родительских пенатах. В 1858 году, когда четырнадцатилетний мальчик впервые увидел величественное полотно Александра Иванова «Явление Христа народу», в дальнейшей судьбе художника Поленова знакомство с этой картиной станет знаковым. Впечатление от этого полотна оказалось настолько глубоким, что у художника зародился замысел о создании большой картины духовно-нравственного содержания, способной оказывать влияние на зрителя силой евангельской истины и драматизма.

Образование он получал не узкопрофильное, а отдал одну часть своей души науке, поступив на физико-математический факультет университета, а вторую часть – искусству, так как занимался еще и в Академии художеств.

Таким образом, Поленов получил прекрасное образование, расширил кругозор и только после этого сделал сознательный выбор в пользу творчества. Поленов учился на одном курсе с другим великим русским живописцем Ильей Репиным. Художники вместе защищали диплом и у обоих есть картины под названием «Воскрешение дочери Иаира» (1871) на библейскую тему.

Полотна совершенно разные по стилю, цветовому решению, атмосфере. Версия Репина более тёмная, торжественная и немного мрачная, в то время как полотно Поленова получилось светлой, доброй и яркой, даже несколько будничной, словно чудо – это что-то обыденное и простое. За эти картины Иван и Василий получили медали и обучающие поездки за границу. За границей молодой Поленов подражал европейским мастерам, ища свой стиль и путь. Пустое копирование чужого не устраивало талантливого юношу, и он обрёл собственную манеру, более раскрепощённую, солнечную и свободную от рамок эпохи. Скромное очарование русской природы уже тогда поселилось в его работах.

Как пенсионер Академии он едет в Германию, Италию и Францию.

В начале 1870-х годов, в Риме, Поленов знакомится с Саввой Ивановичем Мамонтовым ‒ будущим организатором кружка в Абрамцеве. Позднее окрестности абрамцевской усадьбы, как и сама абрамцевская усадьба, войдут многочисленными мотивами в десятки пленэрных этюдов, написанных здесь Василием Поленовым.

За годы путешествия он испробовал много жанровых композиций, пишет исторические картины, портреты. Но все более к себе его влечёт пейзаж, живопись при естественном свете на открытом воздухе, естественные краски. Критики отмечали в живописи новизну, чистоту и свежесть поленовских пейзажей.

В конце первой заграничной поездки Поленов поселился в Париже ‒ это было время нового движения в искусстве. Импрессионистическое движение глубоко не впечатлило художника, но стало как дополнительный импульс к познанию им пленэрной живописи. Овладение и познание таинства пленэрной живописи стало важным шагом для многих художников, учившихся в то время в Европе. Василий Поленов вместе с Ильей Репиным и художником-маринистом Боголюбовым, кружок которого он посещал в Париже, поехал на север Франции, в Нормандию. Работая на природе, Поленов открывает новую главу в творчестве, которую с большой романтической любовью мог передать только романтик.

Написав целый ряд замечательных этюдов, он передает поэтическую прелесть запустелых уголков природы, способствуя цельности настроения. К этому творческому периоду можно отнести его картины на исторические сюжеты «Право господина» (1874) и «Арест гугенотки» (1875), а также этюды «Белая лошадка. Нормандия» (1874), «Рыбацкая лодка. Этрета. Нормандия» (1874), «Старые ворота. Вёль» (1874), этюд «В парке. Местечко Вёль в Нормандии» (1874). Национальный характер природы, описанный в картине Поленовым, вызывает здесь всецело иные эмоции и впечатления. Художник по-своему отображает и толкует действительность. Игра света и тени вызывает «музыку пробуждения радости жизни». С первого суждения видно насколько художник талантлив, на его картины всегда смотришь с определенной легкостью.

Поленов чувствовал необходимость перебраться в Москву, которая могла бы дать неограниченную самобытность и свежего материала для творчества. Остаться постоянно жить в Париже или Германии в творческие планы Поленова не входило. Свершив неожиданный «переворот», в марте 1877 года Василий Дмитриевич Поленов и Илья Ефимович Репин переезжают в Москву.

В Москве он поселяется у друга отца, Ф. В. Чижова, но спустя три недели переезжает в Дурновский переулок близ Спаса на Песках. Он намеревается продолжить работу в Москве, а путешествие по восточной России и реке Волга, которое он предлагал совершить с Репиным, было отложено.

Поленов настолько был поражен красотой русской природы, что в первый год знакомства с Москвой, он пишет этюды Московского кремля (1877).

Работа, безусловно, доставляла Поленову наслаждение. За короткий промежуток времени он написал многочисленные этюды кремлевских теремов и соборов для не исполненной картины «Пострижение негодной царевны». В них ощутим приобретенный во время пенсионерской командировки художественный талант в пленэрной живописи, и увлечение передачей на холст живопись архитектурных сооружений, которые присутствуют уже в написанных парижских картинах «Праве господина» и «Аресте гугенотки».

Картина 1878 года «Московский дворик» стала «визитной карточкой» его солнечной живописи. Это одна из самых знаменитых картин мастера, которая сейчас находится в Третьяковской галерее. Ее сюжет незатейлив и прекрасен: обычный московский дворик того времени. Подобные пейзажи сейчас встретишь разве что в русской глубинке! Лето, играющие дети, женщина с ведром, лошадь, купола церкви. Но сколько любви и счастья! Сколько безмятежного покоя и ощущения летней радости. Какие яркие краски, какая сочная трава – такое восприятие мира возможно только в детстве.

Эту картинку безмятежного летнего дня Поленов увидел из окна, выходящего в тот самый двор. Художник в ту пору искал себе квартиру, на углу Дурновского и Трубникова переулков нашел этот дом, зашёл в него, выглянул в окно ‒ и быстро сделал набросок. В 1878 году «Московский дворик» был выставлен на выставке Передвижников в Санкт-Петербурге. Произведение пользовалось успехом у современников, для него даже придумали термин ‒ «интимный пейзаж» ‒ который затем часто употребляли, говоря о творчестве Василия Дмитриевича. А в 1952-м году в СССР появились почтовые марки с изображением этой картины.

Запечатленный мотив «Московского дворика» явился продолжением для представленной картины «Бабушкин сад», где Поленов изображает ту же усадьбу, что и в «Московском дворике». И если в «Московском дворике» Поленов изобразил умиротворенное настроение, то в картине «Бабушкин сад» он расставил другие акценты.

Душевное настроение лирической созерцательности здесь передается состоянием пожилой женщины. Молодая девушка, образ которой созвучен со всем живописным садом, рука об руку идет рядом с ней. Живший в этом доме приблизительно в то же время, что и Поленов, Князь Г. Е. Львов писал в своих воспоминаниях: «Наш дом Юрьевой, потом Баумгартен, увековечен Поленовым, который тоже жил в нем, в его картине «Бабушкин сад». Старушка – это Юрьева, а ведет ее под руку замужняя дочь ее Баумгартен…»

В 1877 году, у родителей на даче в деревне Петрушки Киевской губернии, Поленов пишет несколько этюдов для картины «Заросший пруд» (1879). Поленов мастерски и как никто другой умеет передать тихое звучание природы Божьего мира.

Как и многие известные художники того времени, Поленов в 1880 ‒ х годах посещает мамонтовскую усадьбу в Абрамцево. Помимо живописной, глубоко национальной природы, для участников кружка притягательны были хозяева усадьбы Елизавета Григорьевна и Савва Иванович Мамонтовы, умевшие глубоко чувствовать и понимать искусство, те коллективные интересы и общие художественные начинания, которые захватили их в Москве и Абрамцеве.

В пейзажах абрамцевской усадьбы появились и новые доверительно ‒ лирические взаимоотношения художника с раскрывающейся природой, но уже без «посредничества» героев картин, которые незаметно теряются, но сохраняет свою цельность высокий духовный строй пейзажа, его воодушевленное звучание – «Абрамцево. Речка Воря» (1880), «Река Воря» (1881), «Верхний пруд в Абрамцеве» (1882).

В 1884 году, после увольнения А. К. Саврасова, Поленов возглавляет класс техники пейзажа в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, и становится любимым педагогом молодых художников. Культурный, знающий в совершенстве несколько иностранных языков, внимательный, чисто одетый и подтянутый с университетским образованием преподаватель, всегда располагал к себе окружение. Все это вспомогающе легло на создание в собственном доме В. Д. Поленова художественного салона для своих учеников. Характер салона носил «рисовальные вечера», на которые сначала приходили молодые живописцы, исполняющие этюды и зарисовки с позирующей натуры. А позже круг расширился, собирая московскую интеллигенцию. Поленовский салон немалую роль сыграл в деле открытия молодых талантов – начинающих художников, музыкантов и писателей.

В марте 1881 года у художника умирает любимая сестра В. Д. Хрущева. Перед смертью она взяла обещание с брата, что тот начнет серьезный труд и напишет на, когда ‒ то задуманную тему большое произведение. Тот самый серьезный труд, захвативший его в последующие шесть лет, получил имя «Христос и грешница», непосредственную работу над которым он и начал в 1881 году. Критики считают это произведение одним из самых важных произведений автора. Сейчас картина хранится в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге.

Вместе с одним из богатейших князей России Семеном Семеновичем Абамелек-Лазаревым и профессором искусств Петербургского университета Адрианом Викторовичем Праховым Поленов направляется по странам Средиземноморья: в Египет, Сирию и Палестину, попутно посетив Грецию. Тем самым художник сопровождает лингвиста и искусствоведа. С. С. Абамелек-Лазарев – выпускник историко-филологического факультета Санкт-Петербургского университета – интересовался восточными языками и археологией, его учитель и наставник, профессор искусств А. В. Прахов был крупным византинистом и исследователем искусства древнего Средиземноморья. Напротив, нельзя было бы сказать о Поленове, что он систематически изучал или давно увлекался Востоком. До поездки восточные образы возникли в его творчестве только в связи с оформлением спектакля «Иосиф», поставленного силами мамонтовского кружка в Абрамцеве.

Путешественники ехали через Киев, Румынию, Болгарию, далее морем в Константинополь, через Дарданеллы, мимо малоазийского берега и островов Греции в Александрию египетскую и Каир.

Этот маршрут, видимо, привлек художника особой плавностью погружения в восточный контекст. Путешественники постепенно переходили от памятников древнерусской культуры к византийским и лишь потом к собственно восточной древности.

Евангелие как книга жизни и источник вдохновения привлекает художника с самых первых шагов его профессиональной деятельности. Но максимальное влияние на Поленова в его трактовке евангельского сюжета оказала книга Э. Ренана «Жизнь Иисуса». Воспринимая Христа вслед за Ренаном как историческую личность, художник хотел «докопаться до эпохальной правды», считая о необходимости показать в живописи этот живой образ.

Цикл его картин «Из жизни Христа» побуждало исследователей особенно почетно и уважительно обращать внимание на евангельские темы в творчестве Поленова. В 1899 году Василий Дмитриевич совершил повторную поездку на Восток для обогащения материалом. Он, как и прежде привез в «странствующем с ним рюкзаке» в основном этюды пейзажа, которые в 1903 году были показаны на тридцать первой Передвижной выставке. Своей «бодростью» и «мощностью красок» они произвели на любителей искусства не менее сокрушительное впечатление, чем работы, написанные им в начале 1880-х годов.

Картина «Повинен смерти» (1906) знакомит зрителя с одним драматическим событием из жизни Иисуса ‒ судом над ним синедриона. Суд книжников и старейшин во главе с первосвященником Каиафой, заседавший в его в доме, собрался, чтобы сыскать клевету против Христа. «Кто из вас без греха» и «Повинен смерти» – часть грандиозного замысла художника дать «живой представление» Христа, «каким он являлся в истине», и донести до зрителей «величие его духа».

В 1890 году Василий Поленов на средства, вырученные от продажи своей гигантской картины «Христос и грешница», покупает заброшенную усадьбу в селе Борок в чуть более 100 км от Москвы и совершает обмен землями с местными крестьянами. После его смерти (18 июля 1927 года) Борок переименуют в Поленово – в честь самого прекрасного и гениального мастера кисти.

Ему было почти пятидесяти, его мучили головные боли, он планировал ехать в Крым на лечение. Но, поехав с Константином Коровиным на этюды, увидел, спускаясь на лодке по Оке в сторону Серпухова, этот голый песчаный косогор. Человеку под пятьдесят, и кажется, что жизнь фактически кончена, а он приходит на пустой косогор и начинает строительство усадьбы, причем испытывая состояние упоения, какого-то творческого экстаза. Усадьбу окружает парк ‒ полностью его произведение. Собственно, сажая все деревья, прекрасно понимал, что большими их не увидит. Зато дети, внуки, правнуки, ‒ все они увидят эти деревья большими.

К началу 1893 года постройка усадьбы была завершена. Спустя два года Василий Дмитриевич отказывается от педагогической деятельности в Московском училище живописи, весь теперь его интерес и внимание сконцентрированы вокруг окончания значимого и колоссального цикла работ «Из жизни Христа». На сегодня в его усадьбе хранится не только художественная коллекция. Среди произведений живописи ‒ картины самого Поленова и его друзей: Репина, Шишкина, Сурикова, Малютина, Остроухова, Левитана, Архипова, Сергея Иванова, Николая Кузнецова, Крамского, Васнецова.

Среди уважаемых коллег по искусству ‒ В. И. Сурикова, И. Е. Репина и даже В. М. Васнецова ‒ Поленов выделялся редким талантом и многообразием своих творческих интересов. Вошедший в историю живописец и пейзажист, автор на бытовые сюжеты картин, он был еще и художественным исполнителем театральных декораций, графиком, незаурядным архитектором. Он выразил свой талант во многих жанрах и видах искусства, органично сочетав творческое усвоение традиций и новаторства. Поленов обладал хорошими вокальными данными, талантом композитора и музыканта. Увенчанный успехом, он давал выступления в роли актера и режиссера на любительской сцене, а затем попробовал собственные силы и на профессиональной сцене в оперных постановках.