Текст книги "Мастера пейзажа"
Автор книги: Галина Дятлева
Жанр: Изобразительное искусство и фотография, Искусство
сообщить о неприемлемом содержимом
Текущая страница: 12 (всего у книги 21 страниц)
Рокуэлл Кент
(1882–1971)
Пейзажи Рокуэлла Кента повествуют о суровой природе различных уголков Американского континента: Ньюфаундленда, Гренландии, Аляски, Огненной Земли, где художник побывал сам. Он некоторое время жил на одном из северных островов, плавал на паруснике вокруг южной оконечности материка, не раз рисковал своей жизнью.
Американский живописец, график и писатель Рокуэлл Кент родился в Территауне, штат Нью-Йорк. Его отец вместе со своими компаньонами владел адвокатской фирмой и занимался эксплуатацией шахт. Он умер, когда Рокуэллу было всего пять лет. Мальчика воспитывала мать, Сара Энн Бэнкер. Вскоре к ним переехала сестра Сары, художница, получившая образование в Дрездене. Чтобы помочь прокормить семью, она начала расписывать фарфор. Маленький Рокуэлл помогал ей в этом занятии и очень скоро освоил роспись в голландском стиле.
В 1893 году Рокуэлл начал учиться в Епископальной академии штата Коннектикут, затем посещал подготовительную школу Х. Манна в Нью-Йорке. С 1900 года Кент учился в Колумбийском университете на факультете архитектуры. В свободное время он рисовал, а на каникулах посещал Летнюю художественную школу в Шиннекоке на Лонг-Айленде, которой руководил У. М. Чейз. Через некоторое время Рокуэлл бросил университет и поступил на вечернее отделение Школы искусств. К этому же периоду относятся и его первые пейзажи: «Дублинский пруд» (1903, Смитсоновский университет, Вашингтон), «Гора Монаднок» и др.
Вскоре Кент переехал на Север и некоторое время жил на острове Монхеган. Он много работал, а в плохую погоду, когда нельзя было выходить из дома, писал пейзажи суровой северной природы. Наиболее известными работами данного периода являются «Зима. Монхеган» (1906, Метрополитен-музей, Нью-Йорк), «Мыс в штате Мэн зимой» (1906, Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Скала. Монхеган» (1906, собрание Дж. Уайета, США), «Труженики моря» (1907, Музей американского искусства, Нью-Бритен, Коннектикут).
В 1907 году Кент организовал первую самостоятельную выставку, на которой представил четырнадцать работ. Она проходила в Нью-Йорке в галерее Клозена и была благосклонно принята зрителями, несмотря на то что цветовые сочетания, используемые художником, критики называли довольно смелыми.
Во второй половине 1900-х годов Кент посетил Беркшир и Монхеган. Во время этой поездки он выполнил большое количество натурных этюдов, рисунков и набросков. После возвращения он использовал мотивы, встречающиеся в этих работах, для написания полотен «Мэнское побережье» (1907, Музей искусств, Кливленд, Огайо), «Снегоукатчик» (1909, собрание Филипс, Вашингтон), «Люди и горы» (1909, Галерея изящных искусств, Колумбус, Огайо).
Р. Кент. «Вечный покой. Северная Гренландия», 1930-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург
Примерно в это же время сформировалась оригинальная художественная манера мастера. Как правило, его картины были панорамными, он изображал огромные пространства и многие детали ему приходилось уменьшать («Деревня на острове. Мэнское побережье», 1909, Эрмитаж, Санкт-Петербург). В более поздних произведениях Кент намечал формы схематически, его палитра стала более яркой, богатой, насыщенной.
Работы Кента воспринимались зрителями и критиками по-разному. Некоторые называли их гениальными и с удовольствием посещали его выставки. Другие утверждали, что при взгляде на его полотна возникают тяжелые, неприятные ощущения, поэтому лучше не посещать его выставок и тем более не развешивать его картины в жилых помещениях. Кент не обращал внимания на эти высказывания. Он продолжал писать так, как считал нужным. В своей книге «Это я, Господи» он писал: «”Рокуэлл Кент, – сказал я, – смотри вокруг себя как обыкновенный человек и благодари Бога и родную мать за то, что они дали тебе хорошие глаза; и пиши как обыкновенный человек, а не как художник“. С того дня и в течение всей моей последующей жизни я именно так и работал».
В 1908 году Кент женился на Кэтлин Уайтинг. За время их недолгого брака она родила ему пятерых детей. Молодая семья поселилась в Ньюфаундленде, так как жизнь там была дешевле, чем в крупных городах США. Кент много работал, чтобы прокормить жену и детей, а в редкие свободные минуты продолжал писать. Большинство его пейзажей этого периода пронизано смятением и чувством тревоги. Таковы полотна «Пастораль» (1914, Галерея изящных искусств, Колумбус, Огайо), «Дом ужаса» (1915, Сани колледж, Платсберг, штат Нью-Йорк).
В 1918 году Кент вместе со своим старшим сыном отправился на Аляску, где прожил около шести месяцев на Лисьем острове. Там у него появилась возможность спокойно работать. Художник вместе с сыном гулял по острову, любовался природой и очень много рисовал. Вернувшись, он привез с собой совершенно иные картины, непохожие на прежние произведения. В этих полных глубокого философского смысла полотнах автор как бы стремится определить место человека в суровом северном мире («Медвежий ледник», частное собрание, США; «Аляска. Зима», Музей Рериха, Нью-Йорк; «Аляска. Вид с Лисьего острова зимой», ГМИИ, Москва; «Замерзший водопад. Аляска», Сани колледж, Платсберг, штат Нью-Йорк).
Р. Кент. «Охотник на тюленей. Северная Гренландия», 1930-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург
После возвращения с Аляски Кент организовал в Нью-Йорке две выставки, на одной из которых показал картины, а на другой – рисунки. Обе выставки имели огромный успех, работы прекрасно раскупались. Благодаря этой поездке Кент смог достичь некоторого материального благополучия.
Вскоре Кент снова отправился в морское путешествие, на этот раз к мысу Горн. Вместе с попутчиками он прошел на паруснике вдоль побережья Латинской Америки. Из-за плохой погоды к мысу подойти не удалось, однако художник смог побывать на Огненной Земле. Природа этого острова подействовала на Рокуэлла угнетающе. Свои впечатления он выразил в произведениях «Ледник» (Государственная картинная галерея Армении, Ереван), «Овечья страна. Огненная Земля» (1922, ГМИИ, Москва), «Гавань Парри. Огненная Земля» (1922, Музей западного и восточного искусства, Киев) и многих других. Пейзажи поражают зрителя своей мрачностью, в них преобладают черный и грязно-коричневый цвета. Небо, изображенное художником, чаще всего не синее, а темное, хмурое, вода больше напоминает стекло, и вся природа кажется застывшей.
Вернувшись в Нью-Йорк, Кент продемонстрировал свои картины на выставке в галерее Вильденштейна в Нью-Йорке. Несмотря на пессимизм, сквозивший в работах, публика приняла их хорошо. Однако раскупались они не так быстро, как рассчитывал Кент. И все же эта поездка значительно улучшила его материальное положение. Художник отправился во Францию, где жила его жена с детьми, и некоторое время оставался с ними, затем посетил Франкфурт и Веймар, совершил непродолжительную поездку в Америку, а затем снова вернулся в Европу и некоторое время жил в деревне Бонсон в Приморских Альпах. Там Кент написал несколько пейзажей, которые сильно отличались от его прежних работ цветовой гаммой: темные, мрачные тона сменились яркими импрессионистическими красками. В палитре художника появились светло-зеленые, розовые, голубые тона («Бонсон. Приморские Альпы», 1925, Музей западного и восточного искусства, Киев; «Приморские Альпы», собрание С. Кент Гортон, США). Однако с точки зрения критиков более ценными являются те работы, на которых художник изображал суровую природу Севера.
В 1926 году в личной жизни художника произошло важное событие: он развелся со своей первой женой и женился на Френсис Ли. Супруги отправились в Ирландию и прожили четыре месяца в долине Гленлоу, графство Донегол. За это время Кент написал более тридцати пейзажей, в том числе «Ирландское побережье» (1926, ГМИИ, Москва), «Стог Дэна Уорда» (1926–1927, Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Старролл. Донегол. Ирландия» (1926–1927, Эрмитаж, Санкт-Петербург) и «Кораблекрушение. Ирландское побережье» (1927, Сани колледж, Платсберг, штат Нью-Йорк), которая считается самой удачной работой того периода.
Кент прославился не только как живописец, но и как гравер. Первые его работы датируются 1920 годом. Большое количество гравюр он выполнил в 1930-х годах. Художник создал серию гравюр на морские сюжеты («Человек у мачты», 1929; «Бушприт», 1930) и множество иллюстраций к своим литературным произведениям («Дикий край», «Плавание к югу от Магелланова пролива» и др.).
Кент давно собирался посетить Гренландию. Первый раз он отправился на остров в 1929 году, однако у самого берега бот, на котором он плыл вместе с попутчиками, разбился о скалы. Через двое суток замерзшие и голодные путешественники обнаружили поселение и очень скоро покинули остров. Несмотря на неудачу, Кент побывал в Гренландии еще два раза: в 1931 и в 1934 годах. Результатом этих поездок стали пейзажи «Гора, отражающаяся в воде. Южная Гренландия» (1929, Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Художник в Гренландии» (1929, ГМИИ, Москва), «Ноябрь в Северной Гренландии» (1930-е, ГМИИ, Москва), «Зимний день» (ГМИИ, Москва), «Охотник на тюленей. Северная Гренландия» (1930-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Эскимос в каяке» (ГМИИ, Москва) и др.
В личной жизни художника снова произошли изменения: он полюбил Салли, которая некоторое время была его помощницей. Вскоре Кент женился на ней. В 1948 году мастер изобразил свою третью жену на полотне «Салли верхом на лошади. Асгор» (1948, ГМИИ, Москва).
Р. Кент. «Салли верхом на лошади. Асгор», 1948, ГМИИ, Москва
В 1950 году Кент снова вернулся на Монхеган, где работал в начале своего творческого пути. Многое на острове изменилось, но природа осталась прежней. У художника было множество начатых полотен, которые он закончил уже после возвращения («Молодые елки», ок. 1955, Эрмитаж, Санкт-Петербург; «Мэнский туман. Монхеган», 1955, ГМИИ, Москва). В том же году он написал полотно «Салли и море». Эта картина не сохранилась: незадолго до смерти художника сгорел его дом.
В огне погибла богатая библиотека Кента, коллекция редкостей, собранная им за годы путешествий, и эта картина. Остальные работы хранились в другом месте и потому остались невредимыми. Пожар произвел сильное впечатление на художника. Несмотря на преклонный возраст (ему было далеко за восемьдесят), Кент начал строительство нового дома и успел его закончить.
Русская пейзажная живопись
Семен Федорович Щедрин
(1745–1804)
Семен Федорович Щедрин по праву считается родоначальником русской пейзажной живописи. Он был первым пейзажистом, выпущенным Академией художеств, и, кроме того, стал первым руководителем пейзажного класса. У Щедрина учились многие известные мастера пейзажа.
Семен Федорович Щедрин родился в семье солдата Преображенского полка. Отец будущего художника мечтал о том, чтобы его сын получил художественное образование, и сумел устроить шестнадцатилетнего Семена в Академию художеств. Учился он сначала в гравировальном, а затем в скульптурном классе, но вскоре проявил большие художественные способности и был переведен в класс живописи на ландшафтное отделение. В 1767 году Щедрин успешно выполнил программную композицию «Поле с протекающим ручьем» и получил за нее золотую медаль. Вскоре вместе со скульптором Ф. Гордеевым, гравером И. Мерцаловым и архитектором А. Ивановым он отправился совершенствовать мастерство за границу, в Париж.
В Париже Щедрин познакомился с известным французским просветителем Д. Дидро, который определил молодого художника к итальянскому баталисту и пейзажисту Ф. Дж. Казанове. В доме Казановы Семен Щедрин жил, а в его мастерской учился, делая копии с картин известных мастеров.
В Париже Щедрин посещал картинные галереи и выставки Салонов, где познакомился с творчеством К. Ж. Верне и модного в то время пейзажиста Г. Робера.
За границей русский живописец не только копировал чужие произведения, но и работал самостоятельно. Он много рисовал с натуры, изображая деревья, горы, животных. К сожалению, картины, написанные с этих рисунков, не сохранились.
В сентябре 1769 года вместе с другими пенсионерами Академии художеств Щедрин из Парижа отправился в Рим, где познакомился со знаменитыми памятниками античности. Срок творческой командировки закончился в 1772 году, но Семен Федорович пробыл в Италии (уже на собственные средства) до 1776 года. Все это время он рисовал с натуры древние памятники, а затем создавал по этим зарисовкам картины. До нас дошло лишь несколько итальянских рисунков Щедрина и четыре работы, выполненные акварелью и сепией. Пейзажи с фигурами девушек, пастухов, погонщиков восхищают реалистичностью и свежестью восприятия («Альбано», 1770, Третьяковская галерея, Москва; «Пинии», 1771; «Руины», 1772; «Водопад в Тиволи», 1773, все – в Русском музее, Санкт-Петербург).
Вернувшись из-за границы, Щедрин получил должность преподавателя Академии художеств. Вскоре ему предложили написать виды парков и дворцов в Царском Селе.
В 1779 году за программный пейзаж «Полдень» (Русский музей, Санкт-Петербург) Семен Федорович получил звание академика. И хотя это традиционный ландшафт с фигурами погонщиков и животных, написанный в духе классицизма, в нем можно узнать ту реальную местность, где художник работал над натурными зарисовками, – окрестности озера Неми недалеко от Рима. Картина построена по принципам академического искусства. Ее композиция с четким центром строго распланирована, что придает пейзажу величественный и торжественный вид. Изображение природы отмечено глубоким поэтическим чувством. Глядя на полотно, понимаешь, что художник внимательно изучал натуру – настолько тщательно выписана листва деревьев и озерная гладь с плывущей лодкой.
Картине предшествовал эскиз, который практически полностью вошел в композицию. При создании полотна художник усилил черты декоративности: пушистее стала листва на деревьях, а ветви изогнулись в причудливом орнаменте.
Пейзажи, посвященные яркой и эффектной итальянской природе, получались у Щедрина очень красивыми и поэтичными. Виды Царского Села вышли статичными и безжизненными. Чтобы передать прелесть скромной северной природы России, ему нужно было тщательно изучить ее. И Щедрин принялся за работу. С течением времени его пейзажи зазвучали по-новому. Ярким примером возросшего мастерства и глубокого проникновения в мир русской природы стало полотно «Вид в окрестностях Петербурга» (1780-е, Третьяковская галерея, Москва). На картине – простой сельский вид с рекой. По ее берегам возвышаются деревья с густыми кронами. На первом плане – женщина с ребенком, далее, у самой реки, стадо пьет воду. На втором плане изображена деревня. Щедрин показал типичную для живописи этого времени сельскую идиллию: возле крестьянских изб юноши и девушки водят хороводы, недалеко от них расположился пастух со своим стадом.
С. Ф. Щедрин. «Вид на Гатчинский дворец с Серебряного озера», 1789, Третьяковская галерея, Москва
Но, несмотря на всю условность в изображении сцен с человеческими фигурами и некоторых пейзажных деталей (величественные постройки барской усадьбы на заднем плане и горные вершины на горизонте), картина написана с задушевным и искренним чувством.
С большим мастерством Щедрин изображал в своих пейзажных композициях животных. Стада мирно пасущихся овец или коров должны были придать картинам убедительность и естественность. В этом смысле показателен «Пейзаж с животными» (1796, Третьяковская галерея, Москва). Композиционный строй картины не отличается глубокой проработанностью, но ее живопись вызывает огромное восхищение. Пейзаж написан в голубовато-зеленой гамме, на первом плане выделяются пятна коричневых оттенков. Благодаря изысканным цветовым градациям, тончайшим лессировкам и легкости мазка изображение кажется удивительно воздушным. Интерес к многослойному письму, ярко выразившийся в «Пейзаже с животными», проявился еще в 1782 году, когда Щедрин начал заниматься реставрацией картин и принял участие в реставрации эрмитажной коллекции.
Хотя многие работы Щедрина показывают его увлечение крестьянской темой, положение придворного художника обязывало Семена Федоровича создавать в основном виды дворцовых парков. Большинство его картин воспевают приукрашенную природу и роскошную архитектуру Гатчины, Павловска, петергофского Монплезира.
Полны мечтательности и поэтического чувства небольшие полотна с изображением фонтанов в Петергофе. Очень красива картина «Фонтан «Ева» в Петергофе» (начало 1790-х, Павловский дворец-музей). Художник изобразил уголок парка с белым фонтаном, сверкающим в солнечных лучах на фоне зеленой листвы деревьев. От картины веет покоем и тишиной, которую не нарушают прогуливающиеся возле фонтана кавалеры и дамы. Восхитительна цветовая гамма: нежная голубизна деревьев на дальнем плане, фиолетовые пятна садовых павильонов, разноцветные одежды отдыхающих. Декоративная арка в виде тонкоствольных деревьев на первом плане служит своеобразным переходом от узорной рамы, в которую заключена картина, к живописному изображению.
Мечтательный образ природы предстает на картинах, посвященных Павловску и Гатчине («Вид на Гатчинский дворец с Серебряного озера», 1789, Третьяковская галерея, Москва). В этих созданных руками человека парках все выглядит пленительным и поэтичным: плавные изгибы реки, легкие мостики, извилистые тропинки и освещенные ярким солнцем зеленые лужайки. Сквозь узорную листву деревьев видны дворцы, галереи, беседки и другие изящные парковые постройки. Природу парков Щедрин показывает по-прежнему условно. Деревья на его картинах – это не конкретные ясени или липы, а деревья вообще.
По традициям классицистической живописи художник изображает глубину с помощью планов и вытягивает пропорции фигур. В то же время он умело пользуется световоздушными средствами при передаче пространства. Игра света на деревьях и поверхности воды говорит о той тщательности, с которой мастер изучал натуру.
Со временем черты классического пейзажа усиливаются в живописи Щедрина. По строгим академическим канонам выстроены многие композиции 1790-х годов, изображающие Гатчинский дворец («Вид на Гатчинский дворец с Длинного острова», 1796, Третьяковская галерея, Москва).
Один из лучших пейзажей зрелого Щедрина – «Терраса Монплезира» (1800, Большой Екатерининский дворец, Пушкин). Деревья и дворец в этой картине становятся кулисами, а на центральное место выходит изображение широкого водного пространства с отражающимся в нем солнцем.
Сочетание видового и декоративного начал особенно ясно заметно в поздних работах Щедрина («Вид на Каменноостровский дворец через Большую Невку со стороны Строгановской набережной», 1803; «Вид на Большую Невку и дачу Строганова», 1804, оба в Русском музее – Санкт-Петербург). Помимо парковых пейзажей, в 1790-х годах Щедрин создавал морские виды с кораблями русского военного флота.
С. Ф. Щедрин. «Вид на Каменноостровский дворец через Большую Невку со стороны Строгановской набережной», 1803, Русский музей, Санкт-Петербург
К сожалению, они не дошли до нас. Сохранилась лишь гравюра К. В. Ческого, выполненная с картины Щедрина «Вид эскадры при Буюкдере в 1798 году».
Важное место в творчестве художника занимали монументально-декоративные работы. Для Михайловского замка в 1799–1801 годах Щедрин выполнил по заказу Павла I ряд панно с изображением парков, фонтанов и архитектурных ансамблей («Каменный мост в Гатчине у площади Коннетабля», Третьяковская галерея, Москва; «Крепость Бип в Павловске при лунном свете»; «Итальянские фонтаны в Петергофе»).
Федор Михайлович Матвеев
(1758–1826)
Сильной стороной искусства Федора Матвеева был рисунок. Его линии уверенны и динамичны, что делает зарисовки реалистичными и очень близкими к натуре. А вот колорит давался художнику гораздо хуже. Выразительность цвета мало волновала живописца, воспринимавшего его лишь как простую раскраску предметов. Вероятно, Матвеев слишком буквально воспринимал утверждение классицистов: «Живопись только означает цвет вещей, а всю его существенную оныя силу делает рисование…».
Федор Михайлович Матвеев был сыном солдата Измайловского полка. В шестилетнем возрасте его определили в Воспитательное училище Академии художеств. Чтобы хоть как-то возмещать затраты на воспитанников, академия продавала их работы на специально организованных аукционах.
В 1776 году три картины восемнадцатилетнего Матвеева (копии с натюрмортов и пейзажей известных художников) были проданы за 164 рубля – весьма значительную по тем временам сумму.
В этом же году Матвеев был направлен на обучение к итальянскому мастеру театральных декораций. Под его руководством молодой художник занимался в течение нескольких месяцев. Наставником Матвеева в Академии художеств был Семен Щедрин, в 1776 году назначенный руководителем пейзажного класса.
В 1778 году за выполненный по академической программе пейзаж Матвеев получил золотую медаль, дававшую ему право на продолжение обучения за границей. В следующем году художник отправился в Рим. В итальянской столице он много рисовал с натуры, изучал памятники античности и картины известных мастеров. Особенно большое впечатление произвел на Матвеева Н. Пуссен. Многие римские работы молодого пейзажиста выполнены в стиле этого знаменитого живописца.
С целью изучения натуры Федор Михайлович часто покидал Рим и отправлялся в другие места. Он побывал в Неаполе, рисовал памятники старины в Салерно, Поцоли, Помпеях. Излюбленными темами молодого живописца стали водопады, горы, античные постройки.
Сохранилось немного работ, созданных Матвеевым в Италии. Среди них «Вид в Тиволи» (1782, Русский музей, Санкт-Петербург), посланный в Академию художеств в качестве отчета о его творческой деятельности.
После окончания срока своей командировки Матвеев остался в Италии. Ему не хотелось покидать эти красивые места, к тому же у художника были долги, и он надеялся заработать денег и вернуть их кредиторам (академия выделяла на содержание своих пенсионеров не слишком значительные суммы).
В 1783 году в качестве домашнего художника богатого вельможи Матвеев побывал с П. Н. Трубецким во Флоренции. В следующем году вместе с А. А. Вяземским он совершил более длительное путешествие, посетив Флоренцию, Болонью, Феррару, Венецию, Падую, Верону, Мантую, Модену, Парму, Милан и Турин. Затем путешественники поехали в Швейцарию. Здесь Федор Михайлович выполнял заказы князя Н. Б. Юсупова.
Заработать достаточно Матвееву не удалось. В 1789 году он написал в академию письмо, в котором просил выслать ему денег для возвращения на родину. Эта просьба не была удовлетворена, и художник остался в Италии. Его долги уплатил Юсупов.
В 1795 году Матвеев, мечтая вернуться на родину, вновь обратился в академию с просьбой о помощи, но получил отказ. Да и ехать в Россию было уже сложно: в апреле 1796 года армия Наполеона вторглась в Италию.
В 1805 году художник отправил в Петербург одну из своих картин и получил за нее звание академика. Позднее, в 1819 году, академия назначила ему пожизненную пенсию. Но вернуться в Россию ему так и не довелось.
Живя в Италии, Матвеев очень быстро освоил основы классицистической живописи. Его увлекали пейзажи Клода Лоррена. В духе гаваней Лоррена исполнен ряд морских видов русского мастера («Пейзаж с морем», Третьяковская галерея, Москва).
В своих работах Матвеев трактует итальянскую природу как нечто величественное, даже суровое. В этих пейзажах нет мечтательности и нежного очарования, свойственного югу. Художник четко выстраивает планы и упорядочивает все детали на полотне («Вид в Пестуме, Третьяковская галерея, Москва).
Сюжет картин Матвеева раскрывается постепенно в каждом из планов его пейзажей. Такова картина «Вид в окрестностях Неаполя» (1806, Русский музей, Санкт-Петербург). Все детали переднего плана расположены в строгой симметрии. Роль кулис справа играет скала с вырубленными в ней ступенями, а слева – античная руина между деревьями. Далее зритель видит Неаполитанский залив и город, горную гряду на горизонте. В шахматном порядке чередуются кулисы второго и третьего планов. Все детали подчинены строгой симметрии.
Матвеев очень тщательно выписывает листья на деревьях, что делает возможным определить породу дерева. Колорит картины выдает его стремление придать цветам локальный характер.
Уравновешенная и ясная композиция характерна для полотна «Вид на Лаго-Маджоре» (1808, Русский музей, Санкт-Петербург). Изображение горных вершин, обрамляющих альпийское озеро, выполнено с почти скульптурной пластичностью, характерной для живописи классицистов.
Ф. М. Матвеев. «Вид на Лаго-Маджоре», 1808, Русский музей, Санкт-Петербург
Ф. М. Матвеев. «Вид Рима. Колизей», 1816, Третьяковская галерея, Москва
Многие картины Матвеева отражают его интерес к передаче световоздушной среды. Среди них известный пейзаж «Вид Сицилии. Горы» (1811), в котором очертания горных вершин и всех предметов, находящихся на дальних планах, теряют свою четкость в нежной воздушной дымке.
С течением времени художник отказался от передачи атмосферы, растворяющей контуры предметов. Теперь ему важно показать материальность окружающего мира – воды, деревьев, архитектурных памятников. В картине «Вид Рима. Колизей» (1816, Третьяковская галерея, Москва) Матвеев с детальной точностью выписывает развалины амфитеатра, арку Константина, деревья на переднем плане. Искусственное освещение помогает подчеркнуть вещественность изображения.
Палитра мастера отличается простотой и устойчивостью. Вне зависимости от освещения художник использует для окрашивания деревьев и трав всего два или три оттенка, руины на его картинах почти одного и того же коричневого тона, стены домов – сероватые, а крыши – коричневато-розовые.
Ф. М. Матвеев. «Вид Больсенского озера в Италии», 1819, Русский музей, Санкт-Петербург
Романтические веяния, проявившиеся в искусстве в первой четверти XIX столетия, не обошли стороной и Матвеева. Его пейзажи, по-прежнему выполненные по традиционной схеме, стали более лиричными и эмоциональными («Водопад Кадута делле Марморе на реке Велино близ города Терни в Италии», 1818–1819; «Водопад Иматра в Финляндии», 1818–1819; «Вид Больсенского озера в Италии», 1819, все – в Русском музее, Санкт-Петербург; «Озеро Альбано», 1823).
Матвеев создавал не только натурные пейзажи.
Нередко на его полотнах появлялись руины античных городов, рожденных воображением художника. Иногда он создавал картины в духе Н. Пуссена, изображая на них триумфальное шествие римского полководца или аркадскую идиллию. Но и в таких произведениях Матвеев стремился к тщательной детализации.
Правообладателям!
Это произведение, предположительно, находится в статусе 'public domain'. Если это не так и размещение материала нарушает чьи-либо права, то сообщите нам об этом.