Текст книги "Эпоха Возрождения"

Иван Чудов (авт.–сост.)
Эпоха Возрождения

© ООО «Издательство АСТ»

***

«Живопись – это поэзия, которую видят, а поэзия – это живопись, которую слышат«.

Леонардо да Винчи

«Я видел ангела в куске мрамора. И резал камень, пока не освободил его«.

Микеланджело Буонаротти

«Надо писать природу не такой, какова она есть, а такой, какою она должна быть«.

Рафаэль Санти

Предисловие

Возрождение или Ренессанс – по-настоящему великая и яркая эпоха в истории живописи, которая будоражит и вызывает восхищение как у людей, хорошо разбирающихся в живописи, так и у непосвященных. Она охватывает XIV–XVI вв. Италии, XV–XVI вв. в странах, расположенных к северу от Альп. Свое название эпоха Возрождения (Ренессанс) получила в связи с возрождением интереса к античному искусству, обращение к нему как к прекрасному идеалу, образцу.

Этот период в живописи берет свое начало в Италии XIV века, определив переход от средневековой Европы к современной.

Ренессанс – время великих открытий. Человек все больше постигает окружающий мир и старается определить свою роль в нем. Размышляя о предназначении искусства, люди ищут новые пути познания. Свою главную задачу художники этой эпохи видят в том, чтобы максимально реалистично изобразить природу и человека.

Флоренция. Именно здесь берет свое начало Возрождение. И именно здесь, в последний период Средневековья возникает новое мировоззрение – гуманизм. В центре внимания оказывается человек. В античную эпоху гуманизм оценивался как качество воспитанного и образованного человека, возвышающего его над необразованным. В средневековую эпоху гуманизм воспринимался как качество греховной, порочной природы человека, ставивший его намного ниже ангелов и Бога. В эпоху Возрождения человеческая природа стала оцениваться оптимистично; человек наделяется божественным разумом, он теперь способен действовать автономно, без опеки церкви; грехи и пороки уже воспринимаются позитивно, как неизбежное следствие жизненного экспериментирования. В это время складывается и многообразно проявляется идеал человека деятельного, волевого. Он любознателен, исполнен стремления к неизведанному, в нем развито чувство красоты.

Люди этой эпохи уже избавились от оков прошлого но еще не обрели новых. Они верили в себя и в то, что их возможности безграничны. Так появляется оптимизм, столь характерный для культуры Возрождения. Из всех областей культуры искусство занимало в Италии первое место. Оно было естественным творческим выражением людей того времени. Живопись составляла ее неотъемлемую часть не только как предмет созерцания, но и как труд и творчество.

Средневековое искусство основывалось на представлении об иерархическом строении мироздания, кульминация которого была вне круга земного бытия, занимавшего в этой иерархии одно из последних мест. Происходило обесценивание земных реальных связей и явлений во времени с пространством, так как основной задачей искусства считалось наглядное олицетворение созданной теологией шкалы ценностей.

В эпоху Возрождения умозрительная художественная система угасает, и на ее место приходит другая, основывающаяся на познании и объективном изображении мира, который представляется человеку. Именно поэтому одной из основных задач художников эпохи Возрождения был вопрос отражения пространства.

Периоды Возрождения принято обозначать названиями столетий:

Раннее Возрождение или треченто (XIV и большая часть XV в.) характеризуется зарождением ренессансной литературы и связанных с ней гуманитарных наук и расцвет гуманизма в целом.

Высокое Возрождения или кватроченто (конец XV – первая треть XVI в.) Для этого периода присущ небывалый расцвет изобразительного искусства, однако уже наметился явный кризис гуманистического мировоззрения. В эти десятилетия Возрождение вышло за пределы Италии.

Позднее Возрождение или чинквеченто (большая часть XVI в.) – период, когда его развитие продолжалось параллельно с религиозной Реформацией в Европе.

Однако не стоит забывать и про так называемый Проторенессанс (2-я половина XIII в. – XIV в.) или дученто, который стал предтечей Ренессанса в целом.

Культура того времени очень неоднозначна и сложна: сочетая в себе органическую связь с общеевропейской средневековой культурой, в ней возникают совершенно новые черты, предвещающие развитие Ренессанса. Эти тенденции с неравномерной силой проявляются в творчестве поэтов, писателей или художников. Наиболее ярким образцом объединения старых и новых граней является творчество Данте Алигьери. Если рассматривать его произведение «Комедия», которая в дальнейшем обрела названия «Божественной», то красочность образов, живописное описание природы, человеческие страсти говорят о начальном этапе появления отличий от средневековых рассказов о «загробном мире».

Что же касается живописи, то пьедестал тут однозначно занимают Джотто и Пьетро Каваллини.

Пьетро Каваллини

Роль Пьетро Каваллини в развитии итальянского Проторенессанса крайне велика, однако сведений о его жизни не так много: известно, что он работал, главным образом, в Риме, а в 1308–1320 гг. – в Неаполе, где создал фрески в церкви Санта-Мария-Донна Реджина (1316–1320). Ранняя работа Каваллини – росписи римской базилики св. Павла (Сан-Паоло-фуори-ле-Мура, около 1279–1290), к сожалению, не сохранилась, она погибла от пожара в XIX в.

Пьетро Каваллини. Представление младенца Иисуса в храме. 1291

Пьетро Каваллини. Благовещение. 1291

Пьетро Каваллини. Рождение Марии. 1291

Каваллини заложил основы ренессансных норм в живописи. Позднеантичные и раннехристианские памятники искусства, которыми так богат Рим, стали опорой для творчества мастера. Заслуга Каваллини состоит в том, что он впервые отошел от плоскостности форм и условности композиционного построения, присущих господствовавшей в его время в итальянской живописи так называемой «византийской» или «греческой» манере. Хотя в его мозаиках и фресках еще сохраняются и традиционная византийская иконография, и золотой фон, и многие другие элементы византийской традиции, эти произведения пронизаны иным духом. Бестелестность византийских фигур сменяется материальностью и весомостью, взгляд утрачивает «потусторонний» характер и приобретает живое выражение, складки одежд становятся рельефными, в драпировках ощущается тяжесть. Применяя заимствованную у древних художников светотеневую моделировку, Каваллини достигает объемности и пластичности форм. Он вводит смелые новшества и в композиционное построение, добиваясь ясности пространственного расположения фигур и архитектуры. В ряде случаев он использует систему античной перспективы для изображения зданий и даже интерьера (например, в мозаике «Рождение Марии» в церкви Санта– Мария-ин-Трастевере в Риме; 1291).

Вокруг Каваллини в Риме сложилась художественная школа; ее серьезное влияние прослеживается в итальянской живописи до середины XIV в. Вероятно, один из мастеров круга Каваллини был учителем Джотто.

Джотто ди Бондоне

Согласно недавно найденным документам будущий основоположник эпохи Проторенессанса родился в 1266 г., в городке Веспигниано, сейчас носящем имя Виккьо, недалеко от Флоренции, Италия. Были и другие сведения о дате рождения Джотто. Например, Джорджо Вазари утверждал, что он родился в 1276 г.

Отец Джотто – крестьянин по имени Бондоне, про мать мастера ничего не известно.

Есть много домыслов о том, как Джотто стал художником, но все они были придуманы уже после его смерти и мало похожи на реальную историю. Критике также подвергается и рассказ Вазари о том, что Джотто был учеником Чимабуэ (Ченни ди Пепо). Так как он написал свои «Жизнеописания» спустя триста лет после смерти Джотто, то сложно утверждать, что его слова соответствуют истине.

Документально подтверждено, что в 1301 г. художник купил дом во Флоренции. В том же году он женился на Чиуте ди Лапо дель Пела.

Джотто ди Бондоне. Апостол Филипп, святой Леонард и святой Франциск Ассизский в трилистнике. 1323–1330

Джотто ди Бондоне. Мадонна с младенцем и двумя ангелами. 1295–1300

Джотто ди Бондоне. Сцены из жизни святого Франциска: юродивый предсказывает грядущую славу молодому святому Франциску. Ок. 1297–1300

Джотто ди Бондоне. Арест Иисуса и поцелуй Иуды. Ок. 1304–1306

Джотто ди Бондоне. Вознесение Иоанна Богослова. Ок. 1315

Джотто ди Бондоне. Отказ от имущества. 1320–1325

Джотто неразрывно связан с совершенствованием итальянской живописи. Художник смело вносил земное начало в религиозные сюжеты, разрывая связь со средневековыми художественными устоями и традициями итало-византийской живописи. Сцены евангельских легенд он изображал с небывалой жизненной убедительностью, превращая их в исполненный драматизма, увлекательный рассказ. Одними из самых ранних известных произведений мастера считаются фрески церкви святого Франциска в Ассизи. Так как там имеется очень большой объем работ, выполненных примерно за два года, невозможно с уверенностью говорить, что все они написаны одним только Джотто. Конечно, тут трудился не один мастер, но целостность замысла и единый стиль исполнения указывает на то, что командой руководил один человек.

Самым известным произведением художника принято считать Капеллу дель Арена в Падуе. Возможно, он даже поучаствовал в ее создании в качестве архитектора.

Достоверно известно, что под его руководством был расписан неф. Живопись же на стенах апсиды, выполненной примерно на 15 лет позже, принято относить к его школе.

Утверждать о несомненном авторстве Джотто позволяет документальное свидетельство очевидца событий.

Фрески капеллы дают нам понимание того, насколько художник опередил своих современников. Они размещены в точном соответствии с геометрией помещения и уровнем его освещения. Особый талант мастера проявился в использовании композиции и зачатков пространственного и перспективного видения.

Считается, что с 1315 по 1318 г. художник находился при папском дворце в Авиньоне. Местный стиль живописи оказал на него особое влияние. После своего возвращения он расписал стены капеллы Перуцци и капеллы Барди в церкви Санта-Кроче (Святого Креста) во Флоренции. Наряду с традиционной живописью аль фреско (по сырой штукатурке) использовалась техника альсекко (по сухой, предварительно увлажненной штукатурке). Из-за этого часть красочного слоя плохо сохранилась.

Последние годы жизни Джотто провел при дворе короля Роберта Анжуйского в Неаполе, будучи придворным художником. В 1334 г. он получил звание главного архитектора Флоренции. Он и его ученики работали над фресками в капелле Святой Магдалины, ездили в Милан для создания фресок Аццоне Висконти. Умер Джотто сразу после возвращения из этого города, в 1337 г., похоронен в Санта-Мария-дель-Фьоре. Из его восьмерых детей двое пошли по стопам отца, но никто даже не приблизился к его уровню мастерства.

Мазаччо

Почетная роль представлять живопись флорентийского Кватроченто выпала на роль художника Томаззо ди Джованни ди Симоне Кассаи, известного под именем Мазаччо.

Его биограф, художник эпохи Ренессанса, Джорджо Вазари (1511–1574), рассказывал, что прозвище Мазаччо (Неуклюжий) было дано ему за его невнимание к окружающей жизни. Он родился 12 декабря 1401 г. в семье нотариуса, в местечке Сан-Джовани Вальдарно недалеко от Флоренции.

Его отец – Сер Джованни ди Моне Кассаи – ушел в мир иной совсем молодым в возрасте 27 лет, когда Мазаччо было всего 5 лет (его сыну было отпущено ровно столько же). Мать будущего художника – Якопа ди Мартиноццо – была хозяйка небольшой деревенской гостиницы. На момент смерти супруга она была беременной, и вскоре родила второго сына, которого назвала в честь отца – Джованни (впоследствии он тоже стал художником, известным под прозвищем Скеджа). Оставшись с двумя детьми на руках, Якопа вскоре вторично вышла замуж, на сей раз за аптекаря Тедеско ди Мастро Фео – вдовца, имевшего двух дочерей. Второй муж Якопы скончался 17 августа 1417 г., когда Мазаччо не исполнилось и 16 лет. После этого он стал старшим мужчиной в семье, то есть фактически ее кормильцем. Архивные документы сообщают о винограднике и части дома, оставшихся после смерти второго мужа Якопы, однако она ими не пользовалась и доходов с них не имела. Одна из сестер Мазаччо впоследствии вышла замуж за художника Мариотто ди Кристофано. В 1418 г. Томаззо отправился во Флоренцию учиться живописи. По свидетельству Вазари его первыми учителями были Мазолино да Паникале и Мариотто ди Кристофано. Сейчас мнение Вазари считается ошибочным, в пользу чего свидетельствует тот факт, что Мазаччо получил звание мастера живописи и был принят в цех врачей и аптекарей (в то время туда входили и аптекари) на год раньше Мазолино. К тому же живопись этих мастеров совершенно разная, работы Мазаччо не носят никаких следов их влияния.

Вероятней всего Мазаччо учился в мастерской Биччи ди Лоренцо, одного из самых известных художников того времени. Но подлинной школой для Мазаччо стало общение с выдающимися мастерами раннего Возрождения – архитектором Брунеллески и скульптором Донателло.

В 1424 г. Мазаччо стал членом гильдии св. Луки – организации флорентийских художников. Этот год стал отличным началом сотрудничества с Мазолино. Бесспорно, Мазолино был крупнейшим художником первой половины XV в., его манера была близка и понятна современникам, которых привлекала аристократическая готика с ее религиозной сказочностью и нарядностью. Это давало возможность Мазолино получать хорошие заказы, что определило его лидерство в организации работ. Мазаччо была отведена роль помощника. Неординарность ситуации заключалась в том, что молодой помощник оказал большое влияние на творчество своего именитого старшего товарища.

Самой ранней картиной Мазаччо считается алтарный образ Мадонны с младенцем, св. Анной и ангелами (ок. 1424 г.), написанный им вместе с Мазолино да Паникале. В нем сохраняется средневековая иконографическая традиция такого рода изображений: Мария, держащая на коленях младенца Иисуса, сидит перед Анной. Удивителен образ младенца Христа: это живой, сильный ребенок, с прекрасно вылепленным мускулистым телом. В образе младенца Христа в ранних работах Мазаччо исследователи его творчества видят первого представителя «новой человеческой расы» эпохи Возрождения.

Уже в этой работе Мазаччо ощущается обобщенность в передаче фигур, стремление уйти от мелких деталей, лаконичность композиционных построений и сюжетов, величавая простота, смелость обращения к реальному миру.

Вершиной творчества Мазаччо были фрески в капелле Бранкаччи церкви Санта-Мария-дель-Кармине (1427–1428), выполненные совместно с Мазолино. Роспись была поручена Мазолино, который привлек к работе Мазаччо. Темой росписи была выбрана история апостола Петра, под аркой на простенках предполагалось расположить сцены, связанные с библейской историей первых людей. В сентябре 1425 г. Мазолино уехал, и Мазаччо продолжил росписи самостоятельно, но, так и не завершив работы, отправился в Рим, где неожиданно умер в 1428 г. Работы в капелле были остановлены, и лишь через 50 лет Филиппино Липпи закончил оформление капеллы. Всего для капеллы Бранкаччи Мазаччо было написано 6 фресок. В итальянском искусстве Ренессанса наиболее знаменитой фреской Мазаччо является работа «Изгнание из рая» (левая стена, верхний ряд). На фреске изображен библейский сюжет: изгнание первых людей – Адама и Евы – из рая после того, как Ева нарушила Божий запрет. Они, рыдая, удаляются из Эдема, над их головами путь на грешную землю указывает ангел на красном облаке с мечом в руке. Фреска стала известной не только потому, что Мазаччо был первым в свою эпоху, осмелившимся написать обнаженные фигуры, но и благодаря чрезвычайной эмоциональной выразительности и мимике своих персонажей.

Фреска «Чудо со статиром» (левая стена, верхний ряд) со времен Вазари считается одним из лучших произведений Мазаччо.

Этот эпизод из жизни Христа взят из Евангелия от Матфея (17: 24–27). Иисус и апостолы, путешествуя с проповедями, пришли в город Капернаум. Для того чтобы войти в город, надо было заплатить пошлину в один статир. Поскольку у них не было денег Христос приказал Петру поймать рыбу в близлежащем озере и сотворить чудо, достав монету из ее чрева. На фреске изображены сразу три эпизода. В центре – Христос в окружении апостолов указывает Петру на то, что предстоит сделать; слева – Петр, поймавший рыбу, достает монету из ее чрева; справа – Петр отдает монету сборщику налогов возле его дома.

Эпизод «Крещение неофитов» (правая стена, верхний ряд) взят из «Деяний апостолов» (2:41): «Итак, охотно принявшие слово его крестились и присоединились в тот день душ около трех тысяч». Реставрация 1980-х гг., во время которой был снят слой копоти от свечей и пожара, обнажила всю прелесть светлых красок этой фрески, ее великолепное исполнение, и подтвердила восторженные отзывы, которыми она награждалась со времен Мальябекьяно и Вазари.

На фреске изображен апостол Петр, совершающий обряд крещения. На втором плане расположились фигуры неофитов, готовых принять новую веру. Древние авторы особенно восторгались естественностью позы обнаженного юноши, озябшего в ожидании обряда. Вся группа, изображающая «около трех тысяч душ», состоит из 12 человек (Петр 13-й), и своим числом перекликается с двенадцатью апостолами, образующими «человеческий Колизей» (Христос 13-й) из фрески «Чудо со статиром».

Сюжет фрески «святой Петр исцеляет больного своей тенью» (левая стена, нижний ряд) взят из «Деяний апостолов» (5:12–16): «Верующих же более и более присоединялось к Господу, множество мужчин и женщин. Так что выносили больных на улицу и полагали на постелях и кроватях, чтобы хотя бы тень проходящего Петра осеняла кого из них. Сходились также в Иерусалим многие из окрестных городов, неся больных и нечистыми духами одержимых, которые и исцелялись все».

Сюжет «Петр, распределяющий имущество общины между бедными, смерть Анания и Сапфиры» (правая стена, нижний ряд) взят из «Деяний апостолов» (4:32–37 и 5:1-11). В этом разделе книги описывается, как раннехристианская община собирала имущество в общее пользование, чтобы раздавать его в соответствии со справедливыми принципами. Однако некто Анания, продав свое имение, при вступлении в общину утаил часть вырученных денег. После укоризненных слов апостола Петра Ананию обуял такой страх, что он скончался на месте. Мазаччо в этой фреске (разм. 230 × 162 см) изобразил два сюжета: раздача Петром имущества, пожертвованного апостолам, и смерть Анания, чье бездыханное тело лежит возле ног Иоанна. Сцене раздачи придана некоторая эпическая торжественность.

Сюжет «Воскрешение сына Теофила и святой Петр на кафедре» изображен на левой стене в нижнем ряду.

На фреске изображено чудо, сотворенное Петром после того, как он благодаря апостолу Павлу был освобожден из темницы. Согласно «Золотой легенде» Иакова Ворагинского, Петр, придя на могилу умершего 14 лет назад сына Теофила, префекта Антиохии, смог чудесным образом оживить его. Присутствовавшие при этом тотчас уверовали в Христа, в христианство перешел сам префект Антиохи и все население города. В результате в городе был построен великолепный храм, в центре которого была установлена кафедра для апостола Петра. С этого престола он читал свои проповеди. Проведя на нем семь лет, Петр отправился в Рим, где двадцать пять лет восседал на папском престоле – кафедре.

Мазаччо. Изгнание из рая. 1426–1427

Мазаччо. Мадонна с Младенцем и святой Анной. 1424

Мазаччо. Мадонна с младенцем. 1426

Мазаччо. Портрет молодого человека. 1423–1424

Мазаччо. Святой Пётр исцеляет больного своей тенью. 1425

Мазаччо. Раздача имущества и смерть Анании. 1424–1425

Мазаччо. Святой Иероним и святой Иоанн Креститель. 1426–1428

Мазаччо. Троица. 1427–1428

Мазаччо. Апостол Павел. 1426

Мазаччо. Поклонение волхвов. 1428

Мазаччо. Апостол Андрей. 1426

Мазаччо. Апостол Андрей. 1426

В августе 1428 года, не завершив росписи в капелле Бранкаччи, Мазаччо по приглашению Мазолино (предположительно для участия в выполнении большого заказа) уехал в Рим и даже успел приступить к росписи фрески «Голгофа» в церкви Сан-Клементе, когда он неожиданно скончался. Можно только горько сожалеть о том, сколько шедевров не было создано…

Место Мазаччо в искусстве трудно переоценить. По словам Вазари, «он первым поставил людей на ноги», решил проблемы перспективы, дал новый образ человека, наделенного чертами демократизма, исключающего всякую сословную ограниченность.