Текст книги "Советская фотография. 1917–1955"

Петр Новицкий[8]8
  Петр Новицкий (1885–1942) окончил художественное училище (класс живописи) в Киеве в 1909 году. В 1910 году переехал в Москву и работал кинооператором в московском отделении французской фирмы «Гомон». В 1912 году снял кинохронику Балканской войны в Болгарии, Сербии, Турции. С первых дней Первой мировой войны он на передовой в составе Омского полка, находился там до Февральской революции. Трижды был ранен. В годы Гражданской войны снимал на фронтах, на агитпоезде «Октябрьская революция». В 1922–1931 работал на московских кинофабриках «Госкино», «Совкино», «Союзкино». Участвовал во всех полярных экспедициях под руководством О. Ю. Шмидта. Как оператор, с 1911 по 1938 год снял более 60 документальных фильмов, включая «Великие дни Российской революции с 28 февраля по 4 марта 1917 года» и «Октябрьский переворот (вторая революция)» (1917). Был награжден орденом Трудового Красного Знамени и орденом Красной Звезды.


[Закрыть] – ученик киевского пикториалиста, основателя общества «Дагер» Николая Петрова. Его снимок «Утро» был помещен в журнале «Вестник фотографии» (1910 № 3) с посвящением учителю. Новицкий всю жизнь совмещал деятельность кинооператора и фотожурналиста. Как кинооператор, снимал Балканскую и Первую мировую войну. Был три раза ранен. Февральскую революцию 1917 года фотографировал в Москве, а Октябрьскую – в Петрограде и Москве. Во время Гражданской войны он сопровождал делегацию РСФСР на переговорах с Радой в Киеве (июнь 1918), затем участвовал в восьмимесячной поездке М. Калинина на агитпоезде «Октябрьская революция» (1919).

Его снимки В. Ленина, Н. Крупской, М. Ульяновой, М. Калинина вошли в золотой фонд фотохроники революции.

С 1922 по 1931 П. Новицкий работает как кинооператор, но параллельно продолжает делать фоторепортажи. В 1927–1928 в журнале «Советское фото» было опубликовано более 30 его работ. С 1929 года начинается арктическая эпопея Петра Новицкого. Он был в четырех экспедициях под руководством О. Ю. Шмидта. В первых двух он снимал как кинооператор, а в других – на ледоколах «Сибиряков» (1932) и «Челюскин» (1934) – как фоторепортер. За участие в последней экспедиции он был награжден, а его фотографии вошли в двухтомник «Поход “Челюскина”» (1934). В 1937 году на Первой всесоюзной выставке фотоискусства мастер экспонировал фотографии арктических серий. Арктические работы были представлены на фотосалонах в Париже, Лондоне, Вене, а в Антверпене в 1939 его фото «Ночь в Арктике» получило Большую серебряную медаль.

Моисей Наппельбаум[9]9
  Моисей Наппельбаум (1869–1958) родился в Минске. С 1884 по 1888 год был учеником, а затем фотографом в минском ателье. Затем семь лет в поисках работы переезжал из города в город в Европе и Америке. В 1896 году открыл собственную фотографию в Минске, а в 1903 – типографию и фототипию. С 1910 года М. Наппельбаум в Петербурге, а в 1912-м открыл ателье на Невском проспекте. В 1918-м исполнил заказ на массовый выпуск портретов вождей революции для фронта. В 1919 году в Москве организовал первую государственную фотографию при ВЦИКе, которая помещалась в «Метрополе». В 1925–1929 владелец частного портретного ателье в Москве на Петровке. Умер в Москве. Похоронен на Востряковском кладбище.


[Закрыть], пожалуй, единственный из чистых портретистов, кто оказался среди фотографов революции благодаря созданию канонических портретов большевистских лидеров в первые послереволюционные годы. Он приехал в Петербург в 1910 году, открыл свое портретное ателье на Невском проспекте, выполнял заказы для журнала «Солнце России». К пятидесятилетию Петербургской консерватории сделал серию портретов музыкантов-профессоров, которые были опубликованы в журнале и привлекли внимание к фотографу. В короткое время он стал самым модным фотографом в столице империи, а следовательно и в России. У него фотографируются выдающиеся деятели русской культуры.

Стилистически Моисей Наппельбаум, несомненно, был близок к пикториалистам, но никогда не декларировал свою принадлежность к этому направлению, впрочем, как и к другим группам и течениям в фотографии. Он делал психологический и художественный портрет, подчеркивал уникальность портретируемого, размывал и прорабатывал фон на негативе, долго и мучительно искал соответствующую позу, увеличивал или уменьшал резкость изображения, выставлял специальным образом сконструированный им осветительный прибор с мощным источником света. «К чему сводилось освещение «рембрандт» в фотографии? Резкое боковое или заднее освещение, пучок лучей, направленных на лицо, руки или часть фигуры. Вот и всё» (М. Наппельбаум). Если конструктивистские фотографы использовали диагональную композицию, то М. Наппельбаум добивался динамики кадра боковым освещения за счет яркого света и глубоких теней.

В январе 1918 года по заданию редакции Наппельбаума пригласили в Смольный сделать портрет В. Ленина. Снимок оказался настолько удачным, что ему поручили портреты вождей революции и руководителей государства для массового тиража в пропагандистских целях. Помимо портрета В. Ленина, снял Л. Троцкого, И. Сталина, Я. Свердлова, Л. Каменева, А. Зиновьева, Ф. Дзержинского, В. Куйбышева, А. Луначарского, Н. Крупскую. Когда правительство переехало из Петрограда в Москву, то при посредничестве Я. Свердлова М. Наппельбаум организует при ВЦИКе первую государственную фотографию. Он живет на два города и снимает в своей манере, с одной стороны, лидеров большевистского правительства, а с другой – деятелей культуры, многие из которых скептически относились к советской власти. Большинство представителей Серебряного века, а также деятелей культуры и науки 1920–1930-х годов мы знаем по каноническим портретам М. Наппельбаума. Некоторых поэтов – А. Блока, С. Есенина – он фотографировал при жизни и сделал посмертные снимки.

«Несомненно, архаизирующий, в сущности, язык Наппельбаума, чуть оживленный и осовремененный символизмом, декадентством и эстетством Серебряного века, был во сто крат милее консервативному художественному вкусу большевистского руководства, нежели авангардистские эксперименты Родченко с Лисицким» (А. Толстова). Партийных руководителей М. Наппельбаум снимал неоднократно. У него несколько портретов В. Ленина, один из них почти графический, другой – «акварельный». Сталина он снимал на протяжении двух десятилетий – анфас и в профиль, головные и погрудные фото. В 1934 году он снял И. Сталина в полный рост – монумент самому себе.

Впрочем, портреты партийной номенклатуры – лишь незначительная часть творческого наследия автора. Он сделал несколько фотопортретов А. Ахматовой, много раз снимал Б. Пастернака, С. Эйзенштейна, В. Мейерхольда, В. Немировича-Данченко. В 1930– 1940-х годах по заказу Академии наук создал огромную серию портретов советских академиков.

Среди его моделей, как революционеров, так и деятелей культуры, впоследствии оказалось множество врагов народа и опальных – расстрелянных, репрессированных и просто попавших в немилость. Эти портреты изымались из публичной сферы, а знакомство с ними рассматривалось как преступление. Собственно, это инкриминировалось дочери Наппельбаума Иде, которая получила 10 лет лагерей. К самому фотографу власти были благосклонны на протяжении всей его жизни.

В 1918 году при содействии А. Луначарского проводится персональная выставка Моисея Наппельбаума в Аничковом дворце в Петрограде в связи с пятидесятилетием фотографа. В 1935 в связи с полувековым творческим юбилеем была проведена вторая персональная выставка в Москве, на которой он выставил 400 портретов. В этом же году ему было присвоено звание заслуженного артиста республики, чего не удостаивался ни один фотограф. В 1946 и в 1955 годах прошли третья и четвертая персональные выставки в Москве. Последняя была посвящена 85-летию художника.

Умер Моисей Наппельбаум в Москве в 1958 году. В этом же году вышла книга его воспоминаний «От ремесла к искусству», подготовленная дочерью Ольгой.

Документальная фото– и кинохроника революции и Гражданской войны, фотопортреты большевистских вождей стали основой для создания грандиозного мифа о Великой Октябрьской социалистической революции. Какой бы героический пафос ни придавали кинорежиссеры и художники впоследствии октябрьским событиям, опирались они на фотодокументы. Взять хотя бы образ Ленина в изобразительном искусстве. Знаменитый снимок Григория Гольдштейна, где В. Ленин произносит речь на Красной площади с поднятой рукой, указующей, куда нам идти (1 мая 1919 года), или поза В. Ленина, выступающего на площади Свердлова 5 мая 1920 года (тоже Г. Гольштейн), тысячи раз воспроизводились в кино, живописи, графике и скульптуре. Известный цикл картин «Ленин и дети», «Ленин и Сталин в Горках» сделаны на основе соответствующих фотографий.

* * *

После окончания Гражданской войны, которая была продолжением и следствием Первой мировой войны и двух революций 1917 года, страна оказалась в катастрофическом положении. Нужно было восстанавливать все сферы народного хозяйства. Объем промышленного производство снизился в 5 раз, а сельскохозяйственного – в 2 раза по сравнению с довоенным уровнем. В стране не хватало хлеба, одежды, обуви, мыла, соли, спичек, керосина, дегтя – всех продуктов и товаров первой необходимости. Царила разруха на транспорте.

Аналогичной была ситуация в прессе. С 1918 по 1920 год количество центральных газет сократилось в 2 раза. Вследствие экономического кризиса, нехватки бумаги и политических репрессий прекратилось существование большинства журналов. Советскому государству нужно было не столько возрождать, сколько создавать заново всю систему средств массовой информации.

Для новой советской прессы нужны были журналисты и фотокорреспонденты. Фотографов, которые перешли на сторону большевиков и освещали революционные события, было недостаточно, чтобы удовлетворить запросы вновь созданных газет и журналов.

Во время Гражданской войны и вслед за ней закладываются основы советского фоторепортажа. На этот процесс прямо или косвенно влияло состояние фотографии в стране, не только технический и технологический уровень полиграфии, но и борьба в сфере художественной идеологии между различными фотографическими школами.

В начале 1920-х годов в СССР было три направления, которые важны для понимания процесса формирования советской фотографии. Во-первых, репортажная фотография, которая сформировалась в царское время и опиралась на каноны классической документальной фотосъемки конца XIX – начала XX века. Во вторых, это возродившаяся после революции пикториальная фотография и, наконец, появившаяся во время Гражданской войны, конструктивистская фотография, которая унаследовала принципы русского авангарда.

Пикториальная фотография

Консервативный, правый блок советской фотографии в 1920–1930-е годы представлял пикториализм (англ. pictorialism, от англ. pictorial – живописный).

История пикториализма начинается в Англии, где в 1886 году Питер Генри Эмерсон опубликовал фотографии, одна из которых – «Водяные лилии» – станет классикой нового направления. Для достижения живописного эффекта в фотографии Эмерсон рекомендует избирательную фокусировку, согласно которой часть кадра резко сфокусирована, тогда как остальная – размыта. Правда, сам Эмерсон называл свое направление натурализмом, поскольку был под сильным влиянием Коро и Милле. Другой англичанин, Джордж Дэвисон, считал, что для одних снимков подходит избирательная фокусировка, а для других – равномерная размытость по всему изобразительному полю. Он называл свои фотографии «импрессионистическими» и разработал специальный аппарат – стенотоп (фотографический аппарат без объектива, роль которого выполняет малое отверстие), прообраз объектива «монокль». У Эмерсона скоро появляются соратники и последователи – Фрэнк Мэдоу Сатклиф, Альфред Хорсли Хинтон[10]10
  А. Хинтон использовал комбинированную съемку, ретуширование карандашом позитива, повторную съемку и платинотипию при печати.


[Закрыть] в Англии, Альфред Стиглиц[11]11
  В 1890 году после обучения в Европе А. Стиглиц возвращается в Америку и становится редактором журнала нью-йоркского фотографического общества «Camera Notes», где он пропагандирует пикториализм.


[Закрыть], Фрэнк Юджин[12]12
  Ф. Юджин предложил технику процарапывания негатива офортной иглой, которая позволяет усиливать линейно-графическую выразительность образа.


[Закрыть], Эдвард Стейхен в Америке, Леонард Мизони, Густа Марисью – в Бельгии, Генрих Кюн, Гуго Ханнеберг, Ганс Вацек, Теодор и Огюст Гофмейсиер в Австрии[13]13
  Если английские пикториалисты превозносили натурализм и импрессионизм, то венские фотографы вдохновлялись символизмом.


[Закрыть], Рудольф Дюркооп в Гамбурге, Констан Пюйо, Роббер Демаши[14]14
  Робер Демаши разработал гуммибихроматографическую технику печати, которую от него переняли венские пикториалисты. Эта техника позволяет активно вмешиваться в процесс создания позитива.


[Закрыть] во Франции, и другие. В конце XIX – начале XX века пикториализм становится доминирующим интернациональным художественным направлением.

Предтечей русского пикториализма является Андрей Карелин[15]15
  Андрей Карелин (1837–1906), родом из крестьянской семьи. Учился в иконописной мастерской, затем окончил Петербургскую академию художеств в 1865 году. Будучи студентом, подрабатывал ретушером у знаменитого портретиста Г. Даньера. Некоторое время жил в Костроме и там работал в фотоателье. В 1866 переехал в Нижний Новгород, учредил рисовальную школу и писал заказные портреты. 1869 году открыл мастерскую «Фотография и живопись А. Карелина». С 1873 года принимал участие в фотографических выставках. В 1876 получил звание «фотограф Императорской Академии художеств». 1878 год – член Французской национальной академии искусств. 1895 – почетный член Русского фотографического общества. Умер и похоронен в Нижнем Новгороде.


[Закрыть]. Учась в Академии художеств, он приобщился к фотографии и всю жизнь совмещал деятельность художника и фотографа, но всемирное признание получил как фотограф. Он участвует в многочисленных выставках – Вена (1873), Париж (1876, большая серебряная медаль), Филадельфия (1876, бронзовая медаль), Эдинбург (1876–1877, диплом и золотая медаль), Париж (1878, диплом и золотая медаль), Москва (1882, золотая медаль), Нижний Новгород (1885, золотая медаль), Москва (1889), Нижний Новгород (1896), Москва (1902), Нижний Новгород (1902), Санкт-Петербург (1903, серебряная медаль), где демонстрирует фотографии с невероятной для того времени четкостью изображения и нужной резкостью во всех планах. Впервые в Европе он применяет добавочные линзы. Позднее, в 1880-е годы, стремясь избавиться от чрезмерной документальности, он использует способ печати с двух склеенных стеклянных негативов, благодаря чему добивается художественной мягкости, пластичности изображения без резких контуров. Это именно то, к чему будет стремиться пикториальная фотография несколько позднее. А. Карелин снимал портреты, виды Нижнего Новгорода, детей и животных, но прославили его жанровые сцены, снятые по большей части в интерьере, – «комнатные группы». Его можно считать основоположником русского жанра в фотографии не потому, что он стал первым снимать бытовые сцены, но он вдохнул в них жизнь. На его фотографиях сцены из жизни настолько непредумышленны и естественны, пронизаны такой атмосферой покоя и доброжелательности, что трудно поверить, что это – постановочные фотографии.

В его фотоархиве немало портретов выдающихся деятелей русской культуры конца XIX века: Д. Менделеев, В. Верещагин, М. Горький, В. Короленко, И. Шишкин, К. Маковский, Н. Рубинштейн, А. Боголюбов.

В 1870 году А. Карелин выполнил заказ нижегородского дворянства – произвел снимки «видов» и «типов» для альбома «Нижний Новгород», предназначенного в подарок императору Александру II. Позднее фотограф дополнил альбом и костюмированными снимками.

А. Карелин был крупнейшим в стране коллекционером русской старины (декоративно-прикладного искусства), но в конце жизни, в силу сложного материального положения семьи, ему пришлось продать свою коллекцию. Сохранилась серия снимков, где модели одеты в русские костюмы из его коллекции.

Первым русским пикториалистом, получившим широкое признание не только в России, но и за рубежом, был Алексей Мазурин[16]16
  Алексей Мазурин (1864–1918(?)) – из многочисленного купеческого рода, который занимался производством и торговлей текстильными товарами. Учился во Франкфуртской торговой школе. Увлекался живописью, брал уроки у художников И. И. Амосова, Н. А. Брызгалова, Н. В. Неврева. Начал фотографировать в 1870 году. С 1890 года активно выставляется на различных международных выставках. Один из учредителей Российского фотографического общества (1894), участник создания Московского художественно-фотографического общества (МХФО, 1901), член комиссий по проведению первого съезда деятелей фотографии (1896), выставки РФО в Москве (1896), I международной выставки МХФО (1905). В 1915 году эмигрировал в Германию. Сведения о последних годах жизни неизвестны.


[Закрыть]. Его активное участие в европейских международных фотографических выставках в начале 1890-х годов совпало с победоносным шествием пикториализма в Европе. Участник выставок в Вене (1891), Париже (1892, 1893), Гамбурге (1893, 1895, 1897), Берлине (1896), Глазго (1901), Бостоне (1902), а также в Амстердаме, Марселе, Милане, Ницце, Стокгольме. Получал дипломы и награды, а его снимки воспроизводились в различных журналах. Был столь популярен, что его работы продавались в книжных и художественных магазинах Москвы и Петербурга. Алексей Мазурин много сделал для формирования различных фотографических институций в России. Он был не только инициатором и организатором различных фотографических обществ, съездов, выставок, но и принимал участие в их финансировании. Художественного эффекта в своих фотографиях он добивался преимущественно при работе над позитивом. Экспериментировал с фотопечатью на бумаге различного типа, выполнял работы в различных техниках – гуммиарабик, бромойль, платинотипия. Среди его излюбленных тем – жанровые сцены из дворянской и крестьянской жизни, русские пейзажи с романтическим флером.

Андрей Карелин и Алексей Мазурин – фотографы XIX века. Оба были первооткрывателями и шли против мэйнстрима, в котором торжествовала фотография с четким изображением и резкой прорисовкой деталей. Они подготовили почву для русских пикториалистов XX века. Одним из первых пикториалистов XX века был Сергей Лобовиков[17]17
  Сергей Лобовиков (1870–1941) родился в семье сельского дьячка. Был сначала учеником, а затем фотографом в ателье в Вятке. После армии в 1893 году работал учеником, затем ретушером в ателье Карла Буллы в Петербурге, где познакомился с нижегородским мастером А. Карелиным, который посоветовал ему заниматься фотографией самостоятельно. В 1894-м Лобовиков вернулся в Вятку и открыл свое портретное ателье, а в 1903 после изучения новых способов печати в Европе – салон «Фотография, цинкография и типография Лобовикова». Принимал активное участие в создании культурных институций в Вятке (Вятский художественный кружок, 1908, Художественно-исторический музей, 1909). После революции и Гражданской войны преподавал фотографию. В 1934 году, получив пожизненную академическую пенсию, переехал в Ленинград, где занимался прикладной фотографией в Институте ботаники АН СССР. Погиб во время бомбежки в Ленинграде осенью 1941 года.


[Закрыть]. В 1899 году он получил бронзовую медаль на конкурсе Петербургского фотографического общества. Затем ему присуждались медали на Всемирной художественной выставке в Париже (1900), Первой международной выставке фотографии в Петербурге (1903), Дрезденской выставке (1909), Будапештской (1910), Гамбургской фотовыставке. Член РФО с 1900-го, почетный член с 1913-го. Член-корреспондент Дрезденского общества развития любительской фотографии (1909), почетный член Лондонского общества изящных искусств (1910). В 1927 году состоялась единственная персональная выставка Лобовикова, организованная Русским фотографическим обществом в Москве. В 1928 году получил почетный диплом выставки «Советская фотография за десять лет», проходившей в Москве. В 1929-м участвовал в международных выставках художественной фотографии в США (Нью-Йорк) и Японии (Токио, Осака). Многочисленные награды на международных выставках получены мастером именно за пикториальные работы на крестьянскую тему. Он считается первым не только в России, но и в Европе, кто отразил в своих произведениях крестьянский быт. Он снимал также русскую провинцию – в основном Вятку – и портреты. Сергей Лобовиков использовал мягкорисующие объективы или просто очковое стекло, а при печати две техники – гуммиарабик и бромойль. После 1911 года к экспериментам в техниках благородной печати добавилась «благородная» прямая печать, при которой мастер достигал большого разнообразия серых полутонов.

Николай Петров[18]18
  Николай Петров (1875–1940) родился в Ельце в семье состоятельных купцов и меценатов. С детства знал немецкий, французский и английский языки. Фотографией увлекся в 12 лет. В 1936 году Петров перенес инсульт. Умер в Киеве. В 1941 году в дом, где жил Николай Петров, попала бомба. Поэтому полагали, что война не пощадила творческое наследие фотохудожника. Лишь в 1990 году стало известно, что Ольга Шмальгаузен, московская племянница Петрова, сберегла в своей квартире более 100 его работ (в оригинальной печати).


[Закрыть] и Анатолий Трапани были не только фотографами, но и первыми просветителями и пропагандистами пикториализма в России. Николай Петров свою первую награду получил в 1896 году на фотографической выставке в Риге, будучи студентом второго курса Политехнического института. Затем он три года провел в Германии, изучая применение фотографии в науке и технике у профессора Ф. Шмидта в Карлсруэ. В 1903 поселился в Киеве и преподавал фотографию на протяжении всей жизни. Петров стал инициатором, организатором и участником ряда отечественных и зарубежных фотовыставок – в Риге (1896), Петербурге (1905), Москве (1908), Саратове (1908), Казани (1909), Дрездене (1909), Будапеште (1910), Киеве (1911, 1922, 1928, 1936), Антверпене (1912), Иркутске (1912), Лондоне (1913), Одессе (1915, 1917), Гамбурге (1916), где получал награды и звания. В 1906–1911 был председателем Киевского фотографического общества «Дагер», которое установило связи со многими европейскими клубами и обществами. Опубликовал в русских и заграничных изданиях более 40 больших статей по вопросам фотоискусства и художественной техники фотографии. В 1912 году Н. Петров выпустил в Германии книгу «Художественная фотография в России», а в Англии в 1913-м – «Пикториальная фотография в России». В 1911–1914 годах руководил художественным отделом журнала «Вестник фотографии». Его пропаганда пикториальной фотографии вызывала недовольство и резкую критику у большинства коллег, которые стремилась к документальности и резкости изображения. В 1913–1914 годах была развернута спланированная кампания по дискредитации нового направления, отстаиваемого «Вестником фотографии», и лично Николая Петрова. Она была подготовлена узким кругом влиятельных фотографов «Русского фотографического общества» в Москве. В конечном счете Н. Петров покинул пост заведующего художественным отделом журнала «Вестник фотографии». После революции он постепенно прекратил фотографировать и сосредоточился на преподавательской деятельности и прикладной фотографии в научно-судебной экспертизе. Первым в отечественном фотоискусстве начал применять объектив типа монокль. Работал над усовершенствованиями в области методов печати (озобром, гумми, многоцветная комбинационная фотопечать при помощи озоброма), тонирования снимков и т. п. Николай Петров был учителем ряда известных советских мастеров – Д. Демуцкого, П. Новицкого, С. Шиманского и других.

Анатолий Трапани[19]19
  Анатолий Трапани (1881–?) родился в Одессе в семье банкиров и судовладельцев итальянского происхождения. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и работал в фотографии Доре. В 1918 году эмигрировал в Париж, где работал в фотоателье Э. Марковича, в конце 1920-х годов перебрался в США, был кинооператором в Голливуде.


[Закрыть] – действительный член Русского фотографического общества в Москве (с 1910 года), член правления РФО (с 1912 года). В 1912-м организовал художественное объединение «Молодое искусство», представившее несколько фотографических выставок. В его работе также принимали участие Н. Петров, Ю. Еремин, С. Саврасов, Н. Мурзин, М. Шерлинг и др. Деятельность объединения прекратилась в 1916-м. Изобрел способ обработки позитива, названный им «лучистый гумми». Много экспериментировал с «техниками благородной печати», был одним из немногих русских авторов, работавших в технике фотоофорта и многоцветного бромойля. Первым в России начал выставлять фотографии обнаженной натуры. Трапани говорил, что для него негатив – лишь повод для творческой обработки позитива. Действительно, многие его работы больше напоминают по технике графику, чем фотографию. В России он представлял радикальный пикториализм, выводивший фотографию за пределы документальности и ремесла, т. е. фотография не цель, а средство для создания художественного произведения.

Николай Андреев[20]20
  Николай Андреев (1882–1947), сын купца. Окончил приходскую школу в 1893-м и Серпуховское реальное училище в 1901 году. Увлекался живописью (прекрасно владел рисунком и неплохо делал этюды маслом), музыкой (играл на кларнете и флейте) и мотогонками. С 1893 по 1901 год работал в парикмахерской своего отца. В 1901 открыл собственное фотоателье, в котором работал до 1914 года. С первых дней войны служил в армии. В 1919 году вернулся в Серпухов и служил художником-декоратором в Городском театре, в 1923–1927 – фотографом в Художественно-историческом и краеведческом музее Серпухова, в 1927–1937 – фотографом в серпуховском филиале НИИ текстильной промышленности, где занимался микрофотографией. В 1930-е годы Николай Андреев заболел менингитом, следствием чего явилась прогрессирующая слепота и полная потеря зрения.


[Закрыть] и Василий Улитин[21]21
  Василий Улитин (1888–1976) из семьи книжного и газетного торговца. Окончил приходскую школу в Серпухове, коммерческое училище в Москве в 1905, химико-технологическое училище в Костроме в 1907, Институт графических искусств в Австро-Венгрии в 1909 году. Тогда же поступил работать в цинкографию издательства И. Сытина, в 1911 перешел в фотографию К. А. Фишера, где получил специальность фотографа-портретиста, препаратора фототипии и овладел сложными способами фотопечати – пигментом, гуммиарабиком, бромойлем. В 1915 году в компании с М. А. Сахаровым и П. В. Орловым открыл ателье «Модерн» в Москве, которое прекратило существование в 1922 году, и с этого времени работал как самостоятельный фотохудожник. С 1919 года фотограф Высшей броневой школы, в 1928–1930 руководил кружками фотолюбителей в профсоюзах химиков, металлистов, работников торговли. С 1931 года преподавал и вел научную и исследовательскую деятельность в Московском полиграфическом институте (ассистент, преподаватель, с 1936 – доцент). В 1938 году защитил кандидатскую диссертацию. Занимался исследованиями в области цветной фотографии. Опубликовал ряд работ на эту тему. В 1941 году подготовил докторскую диссертацию. В 1942 был обвинен в клевете на советскую власть и приговорен к 10 годам лагерей, замененных впоследствии на ссылку в город Балахну Горьковской области на 15 лет без права жительства в режимных городах… В Москву вернулся в 1950-х годах.


[Закрыть] – фотографы из Серпухова. С одной стороны, это провинциальный, уездный город (до революции там проживало немногим более 30 тыс.), с другой – недалеко от Москвы (100 км). Оба брали уроки живописи у серпуховского художника В. Ващенко, оба закончили приходскую школу, а потом училище. И тот и другой специализировались на портрете и пейзаже.

Николай Андреев в 1901 году открыл собственное фотоателье в Серпухове. С 1906-го участвовал в фотографических выставках, а с 1908-го получал многочисленные дипломы, награды, медали на российских и зарубежных выставках. В 1908 году стал членом Русского фотографического общества. В 1914–1919 был мобилизован и участвовал в боевых действиях, после ранения возвратился в Серпухов. В 1921 году возобновил занятия фотографией. С 1922 по 1930 Андреев участвовал более чем в сорока выставках за рубежом и в десяти в России, на которых получил более 20 наград, включая золотые и серебряные медали. Более половины выставок приходится на 1927–1929 годы. В 1929 году проходят персональные выставки фотографа в Серпуховском историко-художественном музее и в Государственной академии художественных наук в Москве. В конце 1920-х годов закрывается фотоателье Н. Андреева как частное предприятие и конфискуется имущество. С начала 1930-х годов его работы отклоняются от участия в международных выставках как враждебные духу революции. В это время Андреев практически не занимался творческой фотографией. В 1937 году с группой фотографов участвовал в выполнении госзаказа – съемке открытия канала имени Москвы.

Как художник, Николай Андреев подчинял своей художественной воле процесс создания и позитива и негатива. Он не пользовался фабричными объективами, а изготовлял их сам, меняя и приспосабливая для тех или других задач. Он выбирал нужную точку съемки и определенное состояние природы. Поскольку мастер снимал исключительно в окрестностях Серпухова в течение 30 лет, то он наизусть знал рельеф местности и природные изменения в разное время года и суток. Для него была важна не документальность того, что он снимает, а возможность создания художественного образа. После получения нужного негатива начиналась магия создания позитивного отпечатка. Н. Андреев использовал различные приемы в разных сочетаниях – кисть, варьирование цветовой тональности, и другие, только ему известные ходы, добиваясь максимального соответствия замыслу и уникальности художественного образа.

Андреев начал свою карьеру как портретист, поскольку у него было собственное ателье, где заказывали исключительно фотопортреты. Позже, когда предприятие добилось процветания, он обратился к жанровым сельским сценам и пейзажам, которые снимал на пленэре, одновременно исследуя и совершенствуя процесс создания художественной фотографии. В отличие от других пикториалистов, Николай Андреев постигал технику и технологию создания художественной фотографии самостоятельно – изучив всю доступную ему литературу и проверяя различные техники и рецепты на практике.

Наибольшее признание получили его пейзажи. Из них особенно выразительны зимние и сельские. Среди основоположников и классиков русского пейзажа XIX века – А. Саврасова, И. Шишкина, Ф. Васильева, И. Левитана, В. Поленова – только Саврасов предпочитал зиму или раннюю весну («Грачи прилетели»). Зимние пейзажи Андреева, впрочем, как и Саврасова, удивительно непритязательны и даже скучны по содержанию – плоское пространство, вросшие в землю избы, полуразрушенная изгородь, несколько деревьев и все это покрыто глубоким снегом, который на горизонте переходит в небо. Нужна невероятная любовь к этим скромным ландшафтам, чтобы увидеть в них предмет, достойный искусства, и, самое главное, найти форму для выражения этого пронзительного чувства. Его творческое наследие – весомый и уникальный вклад в иконографию русского пейзажа и вместе с классическим русским живописным пейзажем составляет золотой фонд русской художественной культуры.

Василий Улитин долго и много учился не только как фотограф, художник, но и как научный исследователь фотографии. Он овладел практически всеми техниками пикториальной фотографии, пропагандировал их в печати и на лекциях, обучал им фотолюбителей, внес солидный вклад в разработку технологии цветной печати. В 1917 году Улитин вступил во Всероссийский союз фотографов[22]22
  Всероссийский союз фотографов учрежден в 1917 году как преемник Первого всероссийского общества фотографов-профессионалов (организовано в 1915 в Москве). Издавал журнал «Фотограф» (1926–1929). С 1927 года переименован во Всероссийское общество фотографов (ВОФ). Главным в деятельности ВОФ с этого момента становится культурно-просветительская работа среди своих членов.


[Закрыть], став одним из его учредителей. В 1918-м преподавал в Петроградском фотоинституте[23]23
  Петроградский фотоинститут (Высший институт фотографии и фототехники) организован по инициативе Н. Е. Ермилова (первый ректор) в сентябре 1918 года. С 1924 – Государственный фотокинотехникум, с 1930 – Ленинградский институт киноинженеров.


[Закрыть]. С середины 1920-х В. Улитин – член правления Русского фотографического общества. В 1926 году был инициатором, организатором и членом редколлегии журнала «Фотограф», в котором активно публиковал статьи по теории и технике пикториальной фотографии. В. Улитин был первым, кто стал создавать кружки фотолюбителей на предприятиях Москвы. В 1931 году поступил на работу в Московский полиграфический институт. Он практически прекратил фотографировать и полностью посвятил себя преподаванию и исследованиям. Он читал курсы «Цинкография», «Основы фотокомпозиции». Разработал технологию трехцветной позитивной печати. Экспериментировал в области съемочной техники и оптических систем. Опубликовал более 30 научных работ. Защитил кандидатскую диссертацию (1938), подготовил докторскую диссертацию (1941). В 1942-м репрессирован.

Как фотохудожник, участвовал более чем в пятидесяти выставках в России и за рубежом (в Париже, Лондоне, Берлине, Лос-Анджелесе, Торонто, Токио, Боготе, Риме) и неоднократно награждался медалями, дипломами и похвальными отзывами. В 1925 году вместе с группой пикториалистов совершил фотоэкспедицию в Крым, по результатом которой была сделана выставка в Москве. Летом 1926-го совершил поездку на Кольский полуостров. Через год открывается выставка «Север – Мурман» в Государственной академии художественных наук в Москве, где широко представлена природа и быт Севера (Ковда, Кандалакша, остров Кильдин, Гаврилово и другие места на Кольском полуострове).

В 1927–1930-е по фотографиям Василия Улитина издавались почтовые карточки серий «Москва» и «Окрестности Москвы», сброшюрованные в комплекты по 8 шт. Отдельными почтовыми карточками выходили серии с фотографиям видов Волги, Нижнего Новгорода, Крыма, Кавказа (тираж карточек 4000–6000 шт.).

В историю советской художественной фотографии Улитин вошел как замечательный мастер психологического портрета и лирического пейзажа. Тематика его работ чрезвычайно разнообразна. Это – родной Серпухов и окрестные деревни, русская провинция и индустриальный пейзаж, русский Север и Крым, крестьянский быт и балет. Впрочем, и стилистика его работ не укладывается в единый стандарт – от блистательного импрессионистического «Беломорского этюда» до символической и романтической работы «Пламя Парижа».

Николай Свищов-Паола[24]24
  Николай Свищов-Паола (1874–1964) родился в Москве в семье мелкого торговца. Учился в 1-й Московской прогимназии. Брал уроки рисования у друга семьи. С 1888 года работал учеником ретушера, затем помощником фотографа в ателье Е. Овчаренко. В это же время посещал вечерние занятия в Строгановском училище. С 1892 года работал в фотографии Р. Бородовского, с 1893 – главным фотографом в общедоступной фотографии Афанасьевой на Сухаревском рынке. В 1895 году он сам арендовал это помещение и открыл собственное ателье «Фотография Н. И. Свищова». Параллельно открыл мастерскую по печати на фарфоре и матовом стекле в саду «Аквариум», что в скором времени принесло солидный коммерческий успех. В 1895 году начал посещать собрания РФО, но вскоре прекратил посещения из-за трений с членами РФО. Во время Первой мировой войны служил фотографом во Всероссийском земельном союзе. В 1920-х занимался подготовкой фотографов-профессионалов для ОГПУ. В конце 1930-х работал фотографом-ретушером в различных фотообъединениях, в 1940-х – художником-оформителем в «Студии портрета». В 1950-е работал лаборантом научно-прикладной фотографии и кинематографии в Академии наук СССР, в те же годы руководил кружком в московском Доме пионеров. Умер в Москве на девяносто первом году жизни.


[Закрыть] постигал азы фотомастерства, работая учеником по ретуши, помощником фотографа, фотографом в различных ателье в Москве. Он долго искал фотомастерскую, в которой ему бы позволили делать авторские портреты. В 1893 году таким местом стала фотография Афанасьевой на Земляном Валу. В короткое время Н. Свищов преобразил ателье – оно становится популярным и приносит большой доход. Афанасьева назначила Н. Свищова главным фотографом и перевела в павильон на Сухаревском рынке. В 1895 году он открыл собственное фотодело в арендуемом помещении и начал длительный путь к авторской художественной фотографии. В 1898 году он женился на Елене Тороповой, которая стала его музой, критиком, помощницей и старалась восполнить пробелы в его художественном образовании. Свищов пробовал снимать резко рисующими объективами, делал позитивы с безукоризненной ретушью. Освоил объектив «монокль» и особенности пикториальной фотографии. Дальнейшее его творчество развивается в русле пикториализма.

Николай Свищов-Паола – действительный член Российского фотографического общества с 1906 года. Первый раз он вступил в РФО в 1895 году, но вскоре перестал его посещать из-за неприязненного отношения к себе как к «ремесленнику и неучу». С 1910 по 1930 год член правления РФО. Он читал лекции и проводил практические занятия по портретной фотографии, организовал для членов общества съемки на пленэре. В 1915 году стал инициатором и соучредителем Всероссийского общества фотографов-профессионалов (с 1917 года – Всероссийский союз фотографов, с 1928 – Всероссийское фотографическое общество). В 1916 был избран членом редколлегии журнала «Вестник фотографии».

В 1908-м снимок Свищова «Старушка» публикуют в одном из лучших фотографических журналов того времени – «Вестник фотографии». Это была первая публикация. В следующем номере журнала появляется его «Цыганка». Редактор «Вестника фотографии» Н. Кротков пригласил его поработать в своем первоклассном ателье «Паола» на Кузнецком Мосту. Обстоятельства складываются так, что в конце 1908 года Николай Свищов приобрел ателье «Паола», и это название становится частью его фамилии. В короткое время он модернизировал оборудование ателье, привлек новых клиентов и начал систематические поиски в области художественной фотографии. Первую половину дня делал портреты на заказ, а вторую посвящал экспериментам. В скором времени Н. Свищов-Паола стал одним из самых модных фотопортретистов Москвы, и в его павильон приходят ведущие представители русской культуры – поэты и писатели, актеры и режиссеры, художники и скульпторы, ученые и музыканты.

В 1910 году он участвовал в выставке Архангельского фотографического общества (Диплом I степени). В 1911 на выставке Тамбовского фотографического общества получил Почетный диплом, а на международной фотовыставке в Риме – Почетный отзыв. На счету Николая Свищова более 40 выставок, на которых он получил четыре медали, из них две золотые (Москва, 1912, Париж, 1924), 15 дипломов, часть которых были высшей наградой, и четыре почетных отзыва.

Он был участником исследовательского проекта «Искусство движения»[25]25
  В 1925–1928 годах пикториалисты включились в проект «Искусство движения». В число организаторов входили – Хореографическая лаборатория Государственной академии художественных наук, Российское фотографическое общество, редакция журнала «Известия физкультуры», Институт труда, Ассоциация ритмистов. Перед фотографами ставилась задача «наглядно сопоставить все виды искусства движения: танцевального, физкультурного и трудового». Работы распределялись по разделам: балетные, цирковые, пластические и эмоциональные этюды, танцы разных народов, эксцентрика, движения на ветру, в воде, трудовые процессы, прыжки, движение на велосипеде, бокс и другие.


[Закрыть] и четырех одноименных выставок в 1925–1928 годах, на которых экспонировал около 200 работ.

Николай Свищов-Паола снимал объективом «монокль», добиваясь размытых контуров изображения. Виртуозно владел различными техниками печати – гуммиарабик, бромойль. Первым разработал технику печати фотографий на фарфоре и молочном стекле.

Как и всякий профессиональный фотограф, Н. Свищов-Паола начал с портрета. И этот жанр принес ему успех. Его портреты современников: С. Есенина, С. Лемешева, Н. Жуковского, И. Козловского, В. Качалова, Веры Холодной, С. Мамонтова, Н. Бухарина и других – получили всеобщую известность. Он снимал городские и сельские пейзажи, жанровые сцены, театральные постановки, детей и лошадей. Невероятно многообразны и по тематике, и по стилю фотографии к проекту «Искусство движения». Вообще Свищов-Паола достаточно легко переходил от одного стиля к другому, что, по-видимому, определялось теми задачами, которые он себе ставил.

В 1930-е годы, когда начались гонения на пикториалистов, фотограф попытался встроиться в новые обстоятельства – сделал работы на производственные темы («Пахарь», «Кузница»). Его популярность как портретиста была так высока, что пока не закрыли ателье в 1936 году, у него заказывали портреты ученые и поэты, режиссеры и артисты, партийные и государственные деятели.