Текст книги "Гении импрессионизма. Мане, Ренуар, Сезанн, Гоген, Ван Гог и другие выдающиеся живописцы. Художественная энциклопедия"

Около 1876 г. Рибо снова начинает писать интерьеры, но палитра его изменилась: черный по-прежнему доминирует, однако белый становится гораздо чище, а красный, зеленый, синий и желтый – ярче и мощнее. Из поездки к Ла-Маншу художник привозит такие картины, как «Кабачок в Нормандии», для которых ему позируют рыбаки и крестьянки со смуглыми, изборожденными морщинами лицами. Он также выполняет ряд великолепных портретов, тонких и выразительных, выдержанных в мягких тонах; крупными, размашистыми мазками, характерными для последнего этапа его творчества, Рибо густо кладет краску, однако при этом ему удается избежать пастозности.

И если начало его пути в искусстве было тяжелым, то в конце жизни Рибо получил признание, которого он заслуживал, и после некоторого периода забвения снова занял достойное место в ряду мастеров французской живописи. В отличие от Мане, он не писал картин, радующих глаз, – обнаженных женщин, завтракающих на траве, элегантных дам на балконе, женщин за туалетом; Рибо предпочитал писать простых людей, кухарок, представителей богемы, но его высокодуховное искусство не теряет от этого своей значимости.

РОТТМАНН Карл (1798–1850). Карл Роттманн, родившийся 11 января 1798 г. неподалеку от Гейдельберга и скончавшийся 7 июля 1850 г. в Мюнхене, учился искусству живописи у своего отца и у Иоганна Кселлева в Нюрнберге.

В 1822 г. художник переезжает в Мюнхен. Он черпает вдохновение в работах Пуссена и Клода Лоррена, а также совершает несколько путешествий в Италию: в 1827 г. художник посетил Рим и Палермо, а в 1829 г. – снова Рим, где создал серию фресок. В 1834 г. Роттманн побывал в Греции, откуда привез несколько новых полотен. Став придворным художником баварского двора, он получает от короля Людвига I заказ на серию из двадцати трех видов Греции, многие из которых выполнены восковыми красками. Им также выполнены двадцать восемь фресок с видами Италии, украсившие аркады Хофгартена, дворцового парка в столице Баварии Мюнхене.

Т. РИБО.

Угольщица. Ок. 1881

Этюд Роттманна для находящейся в музее Берлина картины «Поле битвы под Марафоном» напоминает некоторые пейзажи Тёрнера и отчетливо свидетельствует о том, что немецкий художник, писавший проникнутые ностальгией пейзажи Греции и Италии при различном освещении, не только тяготел к романтизму, но и был предшественником импрессионизма.

РУССО Теодор (1812–1867). Художник, возглавивший школу Фонтенбло в живописи, был не только – наряду с Милле и Курбе – выдающимся представителем реализма, но и предшественником импрессионизма: ведь главным источником творчества этих трех художников была любовь к природе, а четкую грань между манерой, в которой написана та или иная картина каждого из них, провести достаточно сложно. Ближе всего к импрессионизму Руссо подошел в своих небольших работах – эскизах, написанных прямо на природе. Его выполненные непосредственно под открытым небом пейзажи, на которых изображены лесная чаща или перелесок, уже отражают изменения освещения в зависимости от времени года и времени дня. Руссо восхищался Рейсдалом и Хоббемой, а также Констеблом и Бонингтоном, у которых он учился передавать освещение.

ТЁРНЕР Джозеф Мэллорд Уильям (1775–1851). В пейзажах Тёрнера уже есть все позднейшие находки импрессионистов. Этот сын цирюльника был самоучкой; приобретя опыт раскрашивания гравюр и рисунков архитектурных сооружений, он в 1789 г. поступает в Королевскую Академию художеств. Частые встречи с Гёртином, Рейнолдсом, Фюсли и Лоутербургом приводят его к такому пониманию пейзажа, при котором все большее значение приобретают воображаемое и фантастическое. Тёрнер стремится передавать эффекты освещения и оптические эффекты; порой это приводит его к результатам, которые намного превосходят те, что принесли славу импрессионистам. Он объездил всю Европу от Нидерландов до Швейцарии и Италии в поисках ярких зрительных впечатлений, новых живописных мест. В 1870 г. творчество Тёрнера открыли для себя Моне и Писсарро, побывавшие в Лондоне. В 1820 г. Тёрнер работал с Бонингтоном, а в 1833 г. познакомился с Делакруа. На закате жизни образы, сохранившиеся в памяти художника, трансформировались в феерии света или в фантастические видения, все больше напоминавшие галлюцинации.

Эволюция Тёрнера не была случайной. Приезжая в места, которые он уже когда-то писал, художник выполнял эскизы – все более и более беглые, на которых игра света придавала всему изображению символическое значение. Вот почему, помимо импрессионистов, произведениями Тёрнера восхищались символисты Гюстав Моро и Гюисманс, находя в его творчестве подтверждение своим идеям. Работы Рёскина по теории искусства привлекли к художнику внимание таких эстетов, как Пруст.

На картине «Дождь, пар и скорость», которая произвела такое впечатление на Моне и Писсарро, был изображен мчавшийся на полной скорости поезд; эта работа удовлетворяла вкусы горячих поклонников как романтизма, так и символизма, а также импрессионизма.

Теофиль Готье писал, что на ней изображен «зверь Апокалипсиса – сверкающий локомотив, широко распахнувший во мраке ночи свои горящие стеклянные глаза; он увлекает за собой длинный хвост вагонов. Это зрелище бешеной ярости – кисть художника смешивает небо с землей; это экстравагантная картина, но выполненная рукой гения».

Дж. М. У. ТЁРНЕР.

Дождь, пар и скорость. 1844

ТРУЙБЕР Поль Дезире (1829–1900). Ученик Коро, впервые выставившийся в Салоне (1865), Труйбер сначала был портретистом, однако с 1881 г. отдавал предпочтение пейзажам: написанные в серебристо-серой гамме и окутанные туманной дымкой, они необычайно изящны. Художнику нравилось писать берега рек и прудов с сидящими там рыбаками.

УИЛСОН Ричард (1714–1782). С именем Ричарда Уилсона, жившего за пятьдесят лет до Констебла, связывает Рёскин «появление пейзажа, в основе которого лежит исполненное любви наблюдение за природой». Уилсон наряду с Гёртином, Козенсом и Гейнсборо стоит у истоков возрождения пейзажной живописи в Англии.

Живя в Лондоне, Уилсон работал в жанре портретной живописи. Во время поездки в Италию он познакомился с Жозефом Верне и Дзуккарелли, а также с творчеством Клода Желле (Лоррена), Никола Пуссена и Гаспара Дюэ. Уилсон забросил портретную живопись и целиком посвятил себя пейзажам: некоторые из них придуманны, другие ближе к реальной действительности и свидетельствуют о тонком чувстве природы, что и дает художнику право числиться среди предшественников импрессионизма. Его пейзажи отражают то состояние души, которое принято называть «романтическим», но они выдержаны в холодных и светлых тонах, а детали скрупулезно прописаны.

УИСТЛЕР Джеймс Эббот Макнил (1834–1903). Его отец, майор Джордж Уистлер, военный инженер, был приглашен в Россию проектировать строительство железной дороги Петербург – Москва; с ним поехали жена и сын.

После смерти отца будущий художник поступил в американскую Военную академию Уэст-Пойнт, однако в силу своего характера не смог привыкнуть к жестким требованиям дисциплины, что заставило Уистлера отказаться от военной карьеры – он становится чертежником-гидрографом. В этот период Уистлер выполняет свои первые офорты, а в 1855 г. покидает Америку; он работает сначала в Лондоне, а затем в Париже, где посещает мастерскую Глейра. Вместе с ним занимаются Дега, Легро, Бракмон и Фантен-Латур; в 1858 г. Уистлер печатает первую серию офортов. Он послал в жюри Салона свое полотно «За фортепиано», которое было отклонено. Тогда Бонвен устроил в своей мастерской выставку работ Уистлера, Легро и Рибо. В 1860 г. художник послал в жюри Салона картину «Девушка в белом (Симфония в белом)», которая тоже была отвергнута. Поскольку Королевская Академия художеств в Лондоне оказалась более великодушна к нему, художник решает переехать в Англию. В 1859 г. он печатает серию офортов, изображающих берега Темзы, а также начинает писать портреты – этим искусством он овладеет в совершенстве. Уистлер испытывает влияние одновременно Веласкеса, Данте Габриела Россетти и японского искусства, усваивая присущую последнему сдержанность; вместе с тем Уистлер становится одним из предшественников импрессионизма, о котором он говорил: «В природе есть краски и формы всех картин, как в клавиатуре – ноты всех музыкальных произведений. Призвание художника состоит в том, чтобы выбрать и умело соединить эти элементы, – так композитор подбирает ноты и создает созвучия, благодаря чему из хаоса звуков рождается возвышенная гармония». Указывая на экспрессивность японского рисунка, он отмечал: «Неправдоподобное равновесие неправильных форм и пространств, неожиданный ракурс и блеклые цвета – вот из этого и рождается символ духовности». Уистлер остался в искусстве яркой творческой индивидуальностью, принеся форму и линию в жертву крупным световым пятнам.

Дж. УИСТЛЕР.

Портрет Теодора Дюре. 1883

Талант Уистлера-портретиста блестяще выразился в «Портрете матери», выставленном в 1872 г. в Королевской Академии художеств, и в портретах Карлейля, мисс С. Александер, Теодора Дюре, графа де Монтескью. Он декорирует столовую в доме господина Тейлана, помещая там свою знаменитую картину «Принцесса страны фарфора». В 1877 г. Уистлер выставил серию своих пейзажей «Ноктюрны», в которых пытался соперничать с музыкой; однако критика встретила их холодно. После поездки в 1884 г. в Венецию Уистлер в 1896 г. снова возвращается в Париж, где и находит публику, сумевшую оценить его творчество.

Уистлер связан с различными художественными тенденциями своего времени и благодаря своим достижениям в живописи с полным правом может быть отнесен к числу предшественников импрессионизма.

ФРИДРИХ Каспар Давид (1774–1840). Будущий художник родился 5 сентября 1774 г. в Грейфсвальде, а умер 7 мая 1840 г. в Дрездене. В 1794 г. Каспар Давид Фридрих учился вместе с Квисдорфом в копенгагенской Академии художеств. В 1798 г. художник переехал в Дрезден, где часто бывал у Филиппа Отто Рунге и сблизился с романтиками, входившими в круг Тика и Новалиса. Впоследствии его искусство испытывает влияние творчества Даля и идей Каруса. Покинув Дрезден, Фридрих отправился в путешествие по побережью Северного моря, посетив район Исполиновых гор Гарца. Доверчивый и легкоранимый, Фридрих избегал людского общества, предпочитая одиночество, позволявшее ему предаваться размышлениям о жизни, смерти и Боге. Из постоянных наблюдений за природой рождаются его необычные, новаторские для своего времени пейзажи.

Тонкое чувство природы отразилось в картинах Фридриха, на которых изображены развалины готических храмов, романтические пейзажи, пустынные побережья, крутые альпийские вершины.

Он также выполнил много гравюр, сохранив при этом верность своему излюбленному жанру – пейзажу. В 1817 г. Фридрих стал профессором дрезденской Академии художеств, а в 1840 г. – членом берлинской Академии художеств.

ШЕНТРЕЙЛЬ Антуан (1816–1873). Этот ученик Коро, так же как Кальс и Эрвье, всегда пытался передать тончайшие изменения освещения на восходе и закате солнца; и он был одним из тех предшественников импрессионизма, кому это удалось лучше всех. Приехав в 1838 г. в Париж без денег, Шентрейль вместе с другими художниками вел богемную жизнь, но, будучи человеком серьезным и скрытным, мечтал только о том, чтобы работать на природе. Сидя часами на мокрой траве в Иньи на берегу Бьевра, и в дождь и в ветер, художник заболел плевритом, от которого так до конца и не излечился.

Шанфлёри, Беранже и другие друзья интересовались его творчеством. Сначала Шентрейль поселился в Латурнелль-Септёй под Мантом – сюда он потом вернется умирать, а впоследствии переехал в Мийемон. Именно здесь он пишет свои пейзажи, на которых фиксирует самые мимолетные изменения света, и необозримые равнины, как на полотнах «Простор» или «Солнце и дождь», последней картине художника, где различные планы моделируются посредством впечатления от облаков, дождя и игры света. Все на полотнах Шентрейля подчинено впечатлению и чувству; он пренебрегает деталями, но смоделированное просвечивает под массами и объемами, и художнику нравится переписывать, придавая поэтичность – чувство, которое никогда его не покидало, – серебристому туману, сверканию бело-розовых заморозков до тех пор, пока изображенное, как отмечал один из его биографов, «не становилось странным или художник не сталкивался с невозможным».

ШТИФТЕР Адальберт (1805–1868). Детство будущего художника прошло в Оберплане; в 1819 г. он поступил в монастырскую школу, а в 1826 г. в Венский университет. Он стал поэтом и художником, хотя никогда не брал специальных уроков, – Штифтер был самоучкой. Он выставлял свои работы в 1840 г. и в 1862 г. В 1849 г. Штифтер переехал в Линц и стал инспектором начальных учебных заведений провинции; здесь он прожил до самой смерти.

Штифтер почти не бывал за границей: в 1841 г. он съездил в Венгрию, в 1846 г. – в Мюнхен и Ратисбонн, в 1857 г. посетил Триест, в 1860 г. – Мюнхен, в 1865 г. – Карлсбад, Прагу и Нюрнберг, в 1866 г. и 1867 г. – снова Карлсбад. Начиная с 1851 г. Штифтер публикует статьи о художественных выставках. Кисть Штифтера так же изысканна, как его перо. Его искусство – это искусство дилетанта, простодушное и изящное одновременно. Наиболее удачные свои пейзажи он создает между 1835 и 1845 гг.; для работ Штифтера характерна определенная цветовая гамма. И хотя Штифтер не был знаком с современным французским искусством, в его работах находят немало сходства с живописью Коро; в дальнейшем он будет стремиться к большей реалистичности при передаче деталей. От последнего периода его жизни сохранились только подготовительные рисунки к картинам – сами же картины почти все погибли.

ЭРВЬЕ Адольф (1818–1879). Сын художника, учившегося у Давида, Эрвье был учеником Леона Конье и – в еще большей степени – Изабе.

Он жил в бедности, как и другой представитель богемы, предпочитавший держаться особняком, – гравер Родольф Бреден, талант которого нашел признание только теперь. Эстампы этих двух художников, свидетельствующие об их взаимном влиянии друг на друга, выявляют несомненную изначальную общность – преклонение перед Рембрандтом.

Как Изабе, Эрвье писал деревянные домишки, крестьянские дворы и жилища, вытащенные на берег баркасы. Ему нравилась бродяжническая жизнь, он перебирался из деревни в деревню, открывая для себя новые живописные места, которые и запечатлевал на своих полотнах. Начиная с 1838 г. он постоянно представлял свои работы в Салон, и двадцать три раза жюри отказывалось их принять, а когда наконец приняло одну из работ Эрвье, та была неудачно размещена в выставочном зале. Этим художником восхищался Теофиль Готье: Эрвье действительно был превосходным пейзажистом и ему замечательно удавались жанровые сценки; он сумел передать поэзию, таящуюся в старых зданиях, извилистых улочках, атмосферу деревенских площадей. Работы его поражают точностью колорита, живостью мазка, умением передать настроение, выразительностью. Пейзажи Эрвье – в первую очередь акварели – неподражаемо изящны и, безусловно, достойны кисти ведущих художников-импрессионистов.

ЮЭ Поль (1803–1869). Ученик Гро и Пьера Герена, он писал натуру на острове Сеген, которого тогда еще не коснулась цивилизация, и в окрестностях Парижа. Юэ познакомился с Делакруа, и тот был восхищен одним из его этюдов. Картины Юэ, где глубокие черные тени контрастируют со светлыми участками, напоминают работы английских художников, которые в ту пору были в моде во Франции. В мастерской Гро Юэ познакомился с Бонингтоном, а на выставке Салона (1824) он открыл для себя портретную живопись Лоуренса и картину Констебла «Воз сена», ставшие сенсацией. Наряду с Делакруа, с которым они встречались тогда почти ежедневно, и английскими художниками того времени Юэ является одним из предшественников импрессионизма. Он объехал всю Францию: художника можно было встретить в Нормандии, в Оверни, в Провансе. Выставленная в Салоне (1838) картина Юэ «Большой прилив» имела успех, а в 1853 г. Делакруа назвал шедевром его полотно «Наводнение в Сен-Клу».

Все творчество художника глубоко поэтично и отражает внутреннее единение с природой, поэтому Юэ часто называют «лирическим пейзажистом». Именно в его творчестве появляются ростки импрессионизма.

Акварели Юэ в большей степени, чем его картины, отражают непосредственное впечатление художника, свежесть восприятия; не менее оригинальны гравюры и литографии Юэ.

Импрессионисты

БАЗИЛЬ Жан Фредерик (1841, Монпелье – 1870, Бон-ла-Роланд). Приехав в 1862 г. в Париж учиться живописи, он поступает в мастерскую Глейра, где знакомится с Клодом Моне. Начиная с 1863 г. Базиль вместе с Моне работает в Шайи на пленэре. В июне 1864 г. Моне предлагает Базилю поехать в Онфлёр, где они встречают Будена и Йонкинда. В 1867 г. художественные поиски Базиля и Моне идут в одном направлении: они хотят вместо традиционных натурщиков, позирующих художникам в мастерских, изображать человека непосредственно на природе. Моне и Базиль уговаривали своих друзей и родственников позировать на открытом воздухе; композиционно эти картины нередко напоминали семейные фотографии. Так, например, в 1867 г. Базиль написал полотно «Семейство Базиль», которое больше известно как «В кругу семьи»; в 1868 г. он выставил его в Салоне под названием «Семейство X». (В 1867 г. Клод Моне написал картину «Женщины в саду».) В 1869 г. Базиль выставляет в Салоне работу «Вид деревни Кастельно» (1868), написанную по мотивам картины «Розовое платье» (1864). Берта Моризо так описывала свои впечатления от полотна Базиля после посещения выставки Салона (1869): «Оно залито солнцем и светом – художник стремится к тому, к чему так часто стремимся и мы: написать на пленэре человеческую фигуру. И мне кажется, на сей раз ему это удалось».

Базиль раньше других импрессионистов начал писать на пленэре обнаженную фигуру – в 1869 г. была закончена картина «Летняя сцена (Купальщики)», показанная на выставке Салона (1870). В 1870 г. Базиль пишет две картины – «Туалет» и «Негритянка с пионами», в которых ощущается влияние Курбе. Художник погиб на франко-прусской войне (1870–1871), оставив незавершенным полотно «Берег Леза».

Ж. Ф. БАЗИЛЬ.

Летняя сцена (Купальщики). 1869

БАЛЛА Джакомо (1871, Турин – 1958, Рим). Во время пребывания в Париже Балла познакомился с идеями и творчеством французских импрессионистов и неоимпрессионистов. По возвращении в 1904 г. в Рим он делится впечатлениями с Боччони и Северини, которых считал своими учениками.

11 февраля 1910 г. в Милане был опубликован «Манифест футуризма», под которым стояли подписи Балла, Боччони, Карра, Руссоло и Северини; несколько позже, 11 апреля, появился «Манифест футуристической живописи». Во Франции полный текст манифеста был опубликован 18 мая того же года журналом «Comoedia». Балла продолжает работать в Риме, полностью отказываясь от традиционного стиля. К числу наиболее известных работ художника относятся: «Динамизм собаки на поводке» (1912), «Инъекции футуризма» (ок. 1912), «Скорость, авто + свет, шум» (1913).

БЕРНАР Эмиль (1868, Лилль – 1941, Париж). Роже Маркс называл Эмиля Бернара отцом «символизма в живописи», но Альбер Орье в своей знаменитой статье, опубликованной в марте 1891 г. в «Меркюр де Франс» и написанной, кстати, по просьбе Бернара, приписывал эту заслугу Гогену, что послужило причиной крайнего возмущения Бернара и его разрыва с Гогеном. Подобная непримиримость свидетельствует о пылкости и прямолинейности Эмиля Бернара, одаренность которого в области живописи и рисунка проявилась очень рано: в двенадцать лет будущий художник уже выполнил копию картины Франса Халса «Цыганка». В 1885 г. Бернар поступил в мастерскую Кормона, где познакомился с Анкетеном, Лотреком и Ван Гогом, преданным другом которого он останется навсегда; тогда же Бернар открыл для себя картины Сезанна, увидев их у папаши Танги. На следующий год он был отчислен из мастерской Кормона за непослушание; в том же году познакомился в Конкарно с Шуффенекером, который представил его Гогену. Однако по-настоящему Гоген и Бернар сблизились только в августе 1888 г., когда Бернар устроил знаменитую встречу Гогена и Серюзье. В 1889 г. Бернар участвовал в выставке в кафе Вольпини, где показал двадцать три пейзажа, написанные в Бретани и в окрестностях Парижа. В 1891–1892 гг. он впервые выставляется в «Салоне независимых», глубоко задетый поведением Гогена, который не признавал, что идея синтетизма в живописи принадлежит Бернару. Действительно, еще с 1887 г. Бернар вместе с Анкетеном разработал чрезвычайно «насыщенный красками и упрощенный художественный стиль», который вскоре назовут «синтетизмом», противопоставляя его как импрессионизму, так и дивизионизму («Портрет бабушки художника», ок. 1887, «Натюрморт»).

Побывав еще раз в Бретани, художник отправился в длительное путешествие, во время которого посетил Италию, Грецию, Стамбул, Иерусалим, Египет. Одиннадцать лет он прожил в Каире, за все это время покинув город только один раз: на несколько месяцев Бернар уезжал в Испанию. И только в 1904 г. художник возвращается во Францию, задержавшись по дороге на восемь месяцев в Венеции. Оказавшись на родине, он навещает Сезанна в Экс-ан-Провансе. В 1905 г. Бернар создает журнал «Реновасьон эстетик» и в том же году принимает участие в Общенациональном Салоне, где выставляет большое полотно «Моисей и женщины Мадиамские», которое получает горячие отклики в прессе. Вплоть до самой смерти Бернар много путешествует – главным образом по Италии: в Венеции он пишет свой «Человеческий цикл». Однако произведения, созданные художником в конце жизненного пути, свидетельствуют об отходе от символизма и о возвращении к классической академической манере, а также о преклонении перед мастерами эпохи Возрождения.

Среди наиболее ярких произведений Эмиля Бернара – все они написаны в начале творческого пути – «Мадлен в лесу Любви» (1888) и «Уборка пшеницы» (1888).

БЕРУЕТЕ Аурелиано де (1845, Мадрид – 1912, Мадрид). Этот испанский художник, ученик жившего в Испании бельгийского пейзажиста Карлоса Аеса и Мартина Рико, был не только плодотворно работавшим художником, но и просвещенным человеком: в частности, он составил первый научно обоснованный каталог произведений Веласкеса. На протяжении всего творческого пути палитра картин Беруете, пытавшегося передать изменения освещения и прозрачность воздуха, становилась светлее и ярче. Поэтому творчество Беруете может быть отнесено к импрессионизму. Он любил писать Толедо, Авилу, Куэнку, окрестности Мадрида («Вид Мадрида с берегов Мансанареса»); ряд пейзажей выполнен им во Франции, Голландии и на побережье Англии.

БУДЕН Эжен (1824, Онфлёр – 1898, Довиль). Роль Будена в формировании импрессионизма огромна: по всей видимости, именно он первым начал уговаривать художников работать на пленэре, устроив на принадлежавшей матушке Тутен ферме Сен-Симеон под Онфлёром нечто вроде гостиницы для художников, куда наряду с другими часто приезжали поработать Йонкинд, Моне и Базиль, – всех их Буден уговаривал писать на пленэре.

Около 1848 г. Буден по совету Милле и Тройона посвящает себя живописи. Прежде чем приступить к картине, он выполняет серию акварелей и пастелей непосредственно на пленэре. Бодлер, будучи проездом в Онфлёре и увидев работы Будена, был так ими захвачен, что писал в своем обозрении «Салон 1859 года»: «На этих поразительных этюдах, где быстро и точно схвачено самое непостоянное и самое неуловимое, что только может быть в области формы и цвета, – волны и облака – сбоку написаны дата, время и направление ветра. Например, 8 октября, полдень, северо-западный ветер. Если вы располагаете временем и можете познакомиться с этими метеорологическими картинами, ваша память подтвердит вам правоту господина Будена: сделанная от руки надпись вернет вам ощущение определенного времени года, часа и направления ветра. Я ничего не преувеличиваю. Я это видел».

Э. БУДЕН.

Мол в Довиле. 1869

Так благодаря Будену на свет появился импрессионизм. Нужно было четче разработать его технику, продумать, какие средства необходимы для достижения поставленной им задачи, а также объединить других художников под знамена нового представления о живописи, в основе которого лежали работа на пленэре, непосредственность впечатлений и мелкие, раздельные мазки. В письме, датированном 3 апреля 1866 г., Буден писал: «Надо искать самые свежие тона и стремиться к тому, чтобы они переливались». Однако сам художник предпочитал работать в серой гамме, добиваясь тончайших цветовых нюансов. Буден прославился своими маринами и картинами, на которых изображены пляжи; большинство его работ написано в устье Сены: «Мол в Довиле», «Скалы в Этрета», «Порт Онфлёр» (1869). Он принимал участие в первой совместной выставке импрессионистов, а в 1883 г. Дюран-Рюэль устроил в своей галерее выставку его картин.

ВАН ГОГ Винсент (1853, Гроот Зюндерт, Голландия – 1890, Овер-сюр-Уаз, Франция). Как и Гоген, Ван Гог поздно осознал свое призвание художника. Сын сельского пастора, он долго искал себя. Когда Ван Гогу исполнилось двадцать лет, он начал работать у Гупиля, владельца художественных галерей, – сначала в гаагском отделении, а затем в брюссельском, лондонском и, наконец, парижском. Вскоре он ощутил в себе призвание к религиозной деятельности и, оставив работу у Гупиля, прожил два года в нищете среди шахтеров и крестьян Боринажа (угольного района в Бельгии. – Ред.), работая священником. В конце 1878 г. Ван Гог начинает рисовать; он искренне восхищается картинами Милле и копирует многие из них. Следуя советам молодого голландского художника ван Раппарда и своего кузена Мауве, Винсент начинает интересоваться творчеством Мариса и Исраэлса.

До 1881 г. Ван Гог живет в Бельгии, а с 1881 по 1885 г. в Голландии – в Эттене, Гааге, Дренте и главным образом в Нюэнене (декабрь 1883 г. – ноябрь 1885 г.); наконец, с ноября 1885 г. и до февраля 1886 г. – в Антверпене. Сюжеты для рисунков Ван Гог черпает из окружающей его действительности. Ему интересна жизнь крестьян, шахтеров и землекопов, а также самые скромные предметы повседневного быта: безыскусные сабо, огромные поношенные башмаки, ткацкий станок, миска с картофелем, птичьи гнезда. В это время он пишет пронизанные печалью пейзажи с мрачными, трагическими небесами. В его стремлении к преображению реальности, когда каждый предмет окружающего мира очеловечивается и поэтизируется, уже проявляется индивидуальность Ван Гога-художника. В этот мрачный и грустный период созданы «В мастерской ткача» (1884), «Крестьянин с трубкой» (1884), «Натюрморт с кувшинами» (1884), «Натюрморт с картофелем» (1885), «Гнезда» (1885), «Пасторский сад в Нюэнене» (1885), «Хижина на закате дня» (1885) и его шедевр – «Едоки картофеля» (1885).

Из преклонения перед Рубенсом рождается интерес Ван Гога к цвету. «Цвет сам по себе что-то выражает», – говорил он. Переходной работой к импрессионизму и парижскому периоду творчества Ван Гога является знаменитый «Натюрморт с Библией» (1885).

В Париже Ван Гог прожил два года – с февраля 1886 г. по февраль 1888 г., в течение которых много общался с импрессионистами. Он говорил в ту пору, что «теперь так же необходимо пройти через импрессионизм, как раньше было необходимо поучиться в парижской мастерской». Однако его интересует и неоимпрессионизм, и своеобразный точечный мазок пуантилистов, а также символизм и сочные краски Гогена и его друзей. Ван Гог увлекается всеми модными тенденциями, в том числе и модой на Японию. Он копирует гравюры японских мастеров: назовем копию с гравюры Хиросиге «Мост Охаши во время дождя». Если его «Кабачок» (ок. 1886) или «Мулен де ла Галетт» (1886) еще являются переходными работами от мрачных тонов нюэненского периода, то такие картины, как «Монмартр» (1887), «Около ресторана в Аньере» (1887), «Ресторан «Сирена» в Аньере» (1887), уже отражают эволюцию, проделанную Ван Гогом в сторону передачи вибраций света и техники раздельных мазков. Но картины «Портрет папаши Танги» (18871888) и «Женщина в кафе «Тамбурин» (1887) свидетельствуют и о влиянии на него мастеров японской графики: с этого времени художник начинает применять прямые, резкие мазки, все больше усовершенствуя их в дальнейшем. По-новому увидев задачи своего искусства, Ван Гог задумывается о том, чтобы уехать к солнцу, в недосягаемую Японию. Поскольку такой возможности у него нет, то, покинув Париж, Ван Гог отправляется в Прованс, в Арль. «У меня были тысячи причин, чтобы отправиться на юг и начать работать тут, – писал он. – Я хочу видеть другое освещение, видеть, как выглядит природа под безоблачным небом, – тогда нам будет легче понять, что чувствуют японцы и как они рисуют. Наконец, я хочу видеть яркое солнце».

Период, который называют арльским, начинается в феврале 1888 г. и заканчивается в мае 1889 г.; именно в это время со всей силой раскрывается и яростно утверждает себя талант Ван Гога. Дерзкая цветовая гамма, огромное количество написанных картин (сто пятьдесят) доказывают, до какой степени художник всем своим существом отзывался на соприкосновение с этим краем, который он так хорошо чувствовал. В отличие от Сезанна, для которого Прованс был местом, где все подчинено строгому ритму и уравновешенному порядку, Ван Гог почувствовал здесь крайности и трагическую жестокость. Он пишет раскаленную землю, иссушенную палящим солнцем и мистралем, который заставляет деревья причудливо изгибаться. Цветовая гамма его картин откровенно утрирована, предметы резко изогнуты, закручиваются спиралями, волютами, изломанными линиями, вытягиваются языками пламени, пребывая в постоянном движении. Художником овладевает возбужденное стремление передать постоянно разрушающееся и меняющееся на глазах пространство, картину вселенной. Ван Гог не находит в Арле покоя и гармонии, которые надеялся тут обрести, – им овладевает постоянное, бьющее через край возбуждение, граничащее с экзальтацией. Истощенный и замученный нервным напряжением и творческой лихорадкой, разум художника не выдерживает, и накануне Рождества 1888 г. после ссоры с Гогеном у Ван Гога случается припадок, во время которого он отрезает у себя кончик уха. Вскоре художник сам попросил, чтобы его поместили в приют для душевнобольных в Сен-Реми.

В. ВАН ГОГ.

Автопортрет в серой фетровой шляпе. Париж, лето 1887

Трудно выбрать лучшие среди множества произведений, написанных Ван Гогом в этот период. На наш взгляд, основными работами арльского периода следует считать следующие картины: «Долина Ла Кро» (1888), «Ночное кафе» (1888), «Кресло Гогена», «Подсолнечники», «Подъемный мост около Арля», «Дом художника в Арле» (все четыре – 1888), «Арлезианка (Портрет г-жи Жину)» (1888), «Портрет почтальона Рулена» (1888), «Портрет бельгийского художника Боша» (1888), «Стул Винсента» (1888–1889), «Деревья в цвету» (1889), «Автопортрет с отрезанным ухом» (1889).