Текст книги "Величайшие музеи мира"

Коллекция английской живописи в Национальной галерее Шотландии не очень велика. Тем не менее здесь представлены все крупнейшие имена в истории английской живописи периода ее расцвета в XVIII – первой половине XIX в. «Портрет сестер Уолдэгрейв», принадлежащий кисти Джошуа Рейнольдса (1723–1792), президента английской Академии художеств, может дать прекрасное представление и о его творчестве, и о высоком уровне искусства портрета в Англии второй половины XVIII в. В галерее есть образцы творчества Ричарда Уилсона – отца английского пейзажа; здесь есть несколько, как обычно, маленьких картин Джорджа Морланда, идиллического певца английской деревни XVIII в. Несомненным шедевром галереи является «Портрет миссис Грэм» кисти Томаса Гейнсборо (1727–1788), самого блистательного художника Англии второй половины XVIII в.

В первой половине XIX в. популярность английского пейзажа вышла далеко за пределы Британских островов. Об этом периоде рассказывают полотна трех крупнейших английских пейзажистов, хранящиеся в Национальной галерее Шотландии – Джона Констебля, Ричарда Паркса Бонингтона и Джозефа Мэллорда Уильяма Тернера. Предметом гордости музея является полотно Дж. Констебля «Долина Дедэм», приобретенное в 1944 г.

Три зала Национальной галерее отведены шотландским мастерам живописи. В их числе – Аллан Рэмзи (1713–1784), первый крупный шотландский художник; Генри Реберн (1756–1823), крупнейший живописец в истории шотландского искусства. Его творчество относится к периоду расцвета шотландской культуры; полотна во многом родственны картинам старших английских собратьев по кисти, Рейнольдса и Гейнсборо. Неповторимы по своей оригинальности исполненные Реберном портреты именитых шотландцев, представителей старинных кланов, изображенных в полный рост, в колоритных национальных костюмах, гордо держащих в руках оружие. К наиболее знаменитым принадлежит портрет полковника Макдонелла-оф-Гленгарри (ок. 1812 г.).

Славу известнейшего шотландского художника первой половины XIX в. Дэвида Уилки (1785–1841) составили в основном картины с изображением жанровых сцен. Шестнадцать полотен Уилки, экспонируемых в Национальной галерее, показывают, насколько разнообразен диапазон его работ. Помимо произведений Уилки в залах, отведенных шотландскому искусству XIX в., выделяются полотна Дэвида Скотта (1806–1849). Его запоминающиеся композиции на литературные и исторические сюжеты отличаются романтической таинственностью; он охотно черпает сюжеты из произведений Гомера, Шекспира, Мильтона, английских романтиков начала XIX в. В заключительной части экспозиции привлекают внимание пейзажи одного из самых значительных шотландских художников второй половины XIX в. – Уильяма Мак Таггарта (1835–1910). Его творчество связано с художественной школой Глазго, получившей известность в 1880-х гг. и развивавшейся в тесном контакте с искусством Франции, что не помешало, однако, мастерам этой школы сохранить свой оригинальный почерк. Примером его ранних произведений в Национальной галерее является «Весна» (1864): двое крестьянских детей отдыхают на залитом солнцем, заросшем цветами берегу реки. Некоторая сентиментальность в изображении детей – дань салонному искусству середины века.

Общая черта всех без исключения залов – высокое качество представленных работ. Почти каждое художественное произведение – откровение. Неожиданности подстерегают зрителя на каждом шагу, и оказывается, что четырнадцать не таких уж больших по площади залов Национальной галереи Шотландии по насыщенности впечатлений не уступят лучшим музеям Европы.

Картины художников XX в. экспонируются отдельно, в Шотландской Национальной галерее современного искусства. Этот музей возник сравнительно недавно – в 1960 г., и располагается в здании, выстроенном в XVIII в. и с 1877 г. принадлежавшем Королевскому ботаническому саду. После передачи его в 1959 г. Национальной галерее современного искусства, интерьеры были модернизированы, а сад приспособлен для размещения экспозиций. Снаружи строгое каменное здание сохранило свой облик, типичный для сурового шотландского классицизма XVIII в. Среди выставленных здесь пяти тысяч работ обращают на себя внимание «Циркачка», картина английского художника первой половины XX в. Мэтью Смита, творчество которого складывалось под воздействием искусства Матисса и Сезанна; выразительный мужской портрет кисти Уолтера Сиккерта, одного из ведущих художников Англии конца XIX – начала XX в., пропагандировавшего в своей стране искусство импрессионистов; «Рельф», композиция, исполненная патриархом английского абстракционизма Беном Никольсоном (1962); картина австралийского художника Сиднея Нолана «Леда с лебедем» (1958), полыхающая поливинилацетоновыми красками; акварель швейцарского сюрреалиста Клее (1927); живописно-напряженное полотно «Лето в разгаре», написанное австрийским экспрессионистом Оскаром Кокошкой (1938–1942), и ряд других. Об экспериментаторских началах в живописи накануне Первой мировой войны напоминают несколько произведений Михаила Ларионова и Натальи Гончаровой. Среди произведений шотландской школы выделяется сочностью и силой мазка «Натюрморт с черной бутылкой» кисти художника Пепло, исполненный в начале XX в.

Несомненной удачей галереи является экспозиция скульптуры, устроенная под открытым небом, в саду, окружающем здание. Зеленая лужайка перед домом отдана произведениям крупнейшего английского скульптора Генри Мура. Его произведения рассчитаны на восприятие прежде всего в природном окружении. В экспозиции музея фоном для больших бронзовых фигур, которые Мур уподобляет громадам выветренных скал, служат плотные кущи кустарника и вдали – гряды холмов, нависших над Эдинбургом. По другую сторону здания, в круглом бассейне, заросшем кувшинками и тростником, как бы готовясь войти в воду, стоит бронзовая «Девочка» английского скульптора Рега Батлера.

Галерея Уолкера – главный художественный музей Ливерпуля. В ее стенах размещается одна из самых обширных художественных коллекций Англии; порой ее даже называют Северной национальной галереей.

История этого собрания берет свое начало в 1819 г., когда Ливерпульское Королевское общество приобрело 37 картин из коллекции Уильяма Роско, местного адвоката, политического деятеля, историка и филантропа. Он был также известен как знаток и любитель искусств, особенно интересовашийся произведениями итальянских и нидерландских старых мастеров. С 1843 г. бывшая коллекция Роско демонстрировалась в специально построенном здании на улице Кокпитт – верхний этаж занимали картины, нижний – скульптура.

В 1851 г. муниципалитет Ливерпуля приобрел собрание дипломных работ выпускников Ливерпульской Академии. С 1810 г. Академия устраивала ежегодные выставки-продажи картин и скульптур своих членов и была известна тем, что в ее рядах было множество сторонников нового художественного течения, родившегося в Англии в середине XIX в. и получившего название «прерафаэлитов».

В 1849 г. три живописца – Уильям Холмен Хант, Данте Габриэль Россетти и Джон Эверетт Миллес – выставили на суд публики три своих картины: «Риенци», «Изабелла» и «Юность Марии». Эти полотна были таинственны и необычны, они притягивали взгляд яркими красками и странными сюжетами. Все они были подписаны загадочной монограммой «PRB». Вскоре тайна монограммы открылась: это был символ творческого объединения художников – «Братства прерафаэлитов» (англ. PreRaphaelite Brotherhood).

Первоначально оно состояло из 7 человек: Дж. Э. Миллеса (1823–1896), Уильяма Холмена Ханта (1827–1910), Данте Габриэля Россетти (1828–1882), его младшего брата Майкля Россетти, Томаса Вулнера (1825–1892), Джорджа Стивенса (1817–1875) и Джеймса Коллинсона (1825–1881). Эти живописцы называли себя «прерафаэлитами», так как считали, что в творчестве надо ориентироваться на художников, предшествовавших Рафаэлю. Творчество прерафаэлитов было тесно связано с литературой – произведениями итальянского поэта эпохи Возрождения Данте Алигьери, английских поэтов Джона Мильтона и Уильяма Шекспира, давно забытыми средневековыми балладами и легендами, в которых прославлялось поклонение прекрасной даме, самоотверженность рыцарей и мудрость волшебников. Многие из этих сюжетов нашли отражение на полотнах художников-прерафаэлитов. Они противопоставляли холодному академизму «священный огонь», «живую веру» так называемых примитивов, отвергнутых эстетикой нового времени, стремились к возрождению «наивной религиозности» средневекового искусства. Одним из основных художественных принципов прерафаэлиты считали максимальную достоверность изображаемого, вплоть до мельчайших, самых незначительных деталей.

Художественная галерея Уолкера. Скульптура Рафаэля перед входом в музей

«Братство прерафаэлитов» просуществовало до 1853 г., оказав влияние на творчество английских художников последующих лет. Ныне ряд исследователей склонен рассматривать прирафаэлитов как первое авангардистское движением в искусстве. Считается, например, что Данте Габриэль Россетти, по существу, стал предтечей европейского символизма. В XX в. художественные идеалы изменились, и искусство прерафаэлитов, стремившееся к почти фотографической передаче действительности, на время было забыто, отошло в тень. Однако начиная с 1970-х гг. произошел всплеск интереса к художественному наследию прерафаэлитов. В конце XX в. было основано «Братство руралистов», творческие позиции которого фактически совпадают с идеалами прерафаэлитов. Считается, что искусство прерафаэлитов в немалой степени повлияло на молодого Дж. Р. Р. Толкиена – автора знаменитой эпопеи «Властелин колец».

Ливерпуль был единственным в Англии провинциальным городом, где в середине XIX в. сложилась своя собственная школа прерафаэлитов, фундаментом которой являлась Ливерпульская Академия. В те годы крупные ливерпульские торговцы и промышленники охотно приобретали полотна прерафаэлитов для своих собственных собраний, многие из этих работ в последующем вошли в фонды галереи Уолкера.

В 1852 г. британский парламент принял акт, предусматривающий создание в Ливерпуле общественной библиотеки, музея и художественной галереи. Библиотека и музей открылись в 1860 г. В 1871 г. в залах библиотеки прошла первая Ливерпульская осенняя художественная выставка, организованная городским муниципалитетом. Переняв традиции ежегодных выставок Королевской Академии, она представляла современную живопись и скульптуру; посетители тут же могли приобрести понравившиеся работы. Эти выставки, в дальнейшем проводившиеся ежегодно, пользовались большим успехом и приносили, в свою очередь, средства, необходимые библиотеке и ливерпульскому Комитету искусств для пополнения городского художественного собрания. В 1871–1910 гг. на выручку от проведения выставок было приобретено около 150 работ.

Между тем городской художественной галереи, как таковой, еще не существовало, хотя ее создание было предусмотрено решением парламента от 1852 г. Причина была банальная – отсутствие средств. Однако в 1873 г. неожиданно отыскался меценат – сэр Барклай Эндрю Уолкер (1824–1893), крупный ливерпульский пивовар и общественный деятель, долгое время избиравшийся мэром города. Уолкер не был покровителем искусств или коллекционером, но славился своим великодушием и горячей любовью к родному городу. Видя проблемы, стоящие на пути становления городской художественной галереи, он пожертвовал на эти цели огромную по тем временам сумму – 20 тыс. фунтов. Ныне Ливерпульская художественная галерея носит имя своего благотворителя.

Симоне Мартини. Обретение отрока Иисуса в Храме. 1342 г.

28 сентября 1874 г. принц Альфред, герцог Эдинбургский, заложил первый камень в основание будущей Художественная галереи Уолкера. Построенная по проекту местных архитекторов К. Шерлока и Г. Вейла, она открылось 6 сентября 1877 г. Сегодня Галерея Уолкера является одним из наиболее выдающихся художественных собраний Великобритании. Здесь представлено множество картин итальянских и нидерландских художников 1350–1550 гг., европейское искусство 1550–1900 гг., в том числе полотна Рембрандта, Пуссена и Дега, британское искусство XVIII–XIX вв., включая великолепное собрание викторианской живописи и прекрасную коллекцию прерафаэлитов, обширное собрание гравюр, рисунков и акварелей. Собрание скульптуры в галерее Уолкера – одно из самых значительных во всей Великобритании, а коллекция предметов декоративно-прикладного искусства – одна из лучших в Европе. Она охватывает период от Ренессанса до конца XX в.

К числу наиболее известных картин, демонстрируемых в галерее Уолкера, относится «Обретение отрока Иисуса в храме[1]1
  Ошибочное название этой картины, утвердившееся в отечественной литературе советского периода, – «Святое семейство».


[Закрыть]» Симоне Мартини. Она была создана в Авиньоне (Франция), служившим в то время резиденцией папского двора, и является одной из немногих подписанных работ великого мастера. Латинская надпись по краю рамки гласит: «Симоне Сиенец написал меня в лето Господне 1342». Эта же картина стала последней крупной работой Мартини – в 1344 г. художник скончался.

«Мадонна с Младенцем и святым (Иоанном Крестителем?)» Бартоломео Монтаньи (1450–1523) – еще один шедевр в собрании галереи Уолкера. Высказывалось предположение, что бородатый мужчина, изображенный на этой картине, – герцог Франческо Гонзага, правитель Мантуи и известный покровитель искусств. К произведениям живописи эпохи раннего Реннесанса принадлежит и «Триптих со сценами Страстей Христовых, Распятием и мессой Св. Григория» работы так называемого мастера Аахенского алтаря. Этот анонимный немецкий художник, живший ок. 1480–1520 гг., назван так в связи с лучшей своей работой – алтарем, ныне находящемся в Аахенском соборе (Германия). Хранящийся в галерее Уолкера триптих был создан им ок. 1500–1505 гг. по заказу Херманна Ринка, бургомистра Кёльна, для его фамильной часовни в церкви Св. Колумбы (Кёльн). На лицевой стороне триптиха изображены девять эпизодов Страстей Христовых, группирующихся вокруг центральной сцены – Распятия. На обороте в левой части триптиха изображена сцена омовения рук Понтием Пилатом; предполагается, что среди представленных здесь фигур художник изобразил и самого себя. В правой части он поместил эпизод явления Христа папе Григорию Великому во время мессы; свидетелями этой сцены по прихоти заказчика являются сам Херманн Ринк и члены его семейства, а местом действия служит, по-видимому, фамильная капелла Ринков в кёльнской церкви Св. Колумбы.

Собрание искусства XVII в. изобилует прежде всего голландскими пейзажами и портретами. Здесь также представлены работы Рембрандта, Рубенса, Пуссена и Мурильо. «Мадонна с Младенцем, Святой Елизаветой и маленьким Иоанном Крестителем» Питера Пауля Рубенса является одной из наиболее известных и популярных работ мастера; с нее было снято множество копий и гравюр. Предполагается, что два младенца, изображенные на картине, – это сыновья художника от его второй жены Елены Фоурмент, на которой Рубенс женился в 1630 г.

«Автопортрет в образе молодого человека» Рембрандта был первой картиной этого великого художника, попавшей на Британские острова. Она была преподнесена королю Карлу I в начале 1630-х гг. одним из его придворных, сэром Робертом Керром, который, в свою очередь, приобрел это полотно (наряду с другой картиной Рембрандта «Старуха: мать художника», которая до сего дня находится в Королевском собрании) после посещения Гааги с дипломатическим визитом в 1629 г. После казни короля Карла в 1649 г. картина была продана вместе с другими произведениями искусства из Королевского собрания.

Написанный в 1644 г. «Вид Дордрехта» представляет творчество выдающегося художника первой половины XVII в. Яна ван Гойена (1596–1656). Ван Гойен очень много и охотно – более двадцати раз, с разных точек и при разных погодных условиях – писал виды этого голландского города. Вновь и вновь на его полотнах появляется могучая дордрехтская церковь Грооте Керк с недостроенным шпилем, встающая над рекой Маас. Морские ветры надувают паруса и поднимают волны, раскачивающие рыбачью лодку. Гойен мастерски пишет небо. Кажется, оно занимает большую часть картины, и его бледная синева мягко контрастирует с общим серовато-коричневым тоном полотна, соответствующим обычному для Голландии пасмурному рассеянному освещению. Общий коричневатый тон оживляется ярким красным плащом человека в лодке.

Триптих «Мадонна с младенцем во славе», принадлежащий кисти великого испанского художника Бартоломе Эстебана Мурильо (1618–1682) был создан по заказу Амвросио Игнасио Спинолы-и-Гусмана, архиепископа Севильи (1670–1684) для его частной капеллы в архиепископском дворце. В годы наполеоновских войн (1808–1814) во дворце размещался штаб французского маршала Сульта, который присвоил картину себе в качестве военной добычи. Однако в его распоряжении оказались только две боковые части триптиха. Полностью произведение Мурильо оказалось воссоединенным лишь после того, как боковые части картины были приобретены британским коллекционером лордом Оверстоном.

В XVIII в. Ливерпуль, когда-то незначительный морской порт, увеличился до размеров второго по значению города Англии. Этот рост, связанный с бурным экономическим развитием города, способствовал превращению Ливерпуля в один из наиболее важных художественных центров страны. Богатые торговцы, занявшись на досуге коллекционированием произведений искусства, способствовали становлению и развитию местной школы живописи. Большое количество экспонатов из частных коллекций ныне хранится в Художественной галерее Уолкера. Особенно интересен Янтарный кабинет – «дальний родственник» знаменитой Янтарной комнаты из Царского Села. Этот изящный барочный комод с двумя створками и множеством выдвижных ящичков, уникальное произведение мастеров-резчиков по янтарю, было создано ок. 1700 г. в Гданьске. По-видимому, он предназначался для частного «кабинета редкостей», или кунсткамеры, мода на которые широко распространилась на рубеже XVII–XVIII вв. Возвращавшиеся из дальних плаваний моряки привозили с собой всевозможные «кунстштюки»: яйца страуса, нефритовые статуэтки, перья райских птиц. Янтарный кабинет предназначался для хранения наиболее драгоценных экспонатов подобной коллекции. Кроме того, выдвижные ящики могли использоваться для хранения более практических вещей – письменных принадлежностей, драгоценностей, настольных игр.

Галерея Уолкера наиболее известна своим собранием картин XIX в. Как уже говорилось выше, Ливерпуль имел тесную связь с движением прерафаэлитов, и это в полной мере нашло свое отражение в экспозиции музея. Коллекция прерафаэлитов в собрании галереи Уолкера является одной из лучших в мире. В числе представленных здесь работ – «Лоренцо и Изабелла» Джона Эверетта Миллеса, «Козел отпущения» и «Триумф невинности» Уильяма Холмена Ханта, «Благословенная Дева» Данте Габриэля Россетти, «Старик Конистон» и «Залив Morecambe» Грега Дэниела Уильямсона, «Девушка с кувшином эля и трубками» и «Логово дракона» Джеймса Кэмпбелла, «Возлюбленные и жены» Джона Ли и др.

В галерее Уолкера щедро представлено и искусство XX в. Экспозиция музея охватывает практически все художественные течения прошедшего века.

Музей Эшмолин – один из четырех музеев Оксфордского университета и самый старый публичный музей в Великобритании. История сохранила точную дату его открытия – 24 мая 1683 г. Созданный на основе частных собраний, с годами он приобрел славу одного из самых значительных музеев страны.

Музей Эшмолин. Главный вход

Музей Эшмолин назван так в честь его основателя, Элиаса Эшмоула (1617–1692), богатого адвоката и собирателя древностей. Эшмоул и сам обладал неплохой коллекцией старинных монет и редких книг, а в начале 1660-х гг. он вдобавок унаследовал большую часть собрания редкостей, принадлежавшего его другу – садовнику, путешественнику и коллекционеру Джону Традесканту Младшему (1608–1662). Начало этому собранию положил еще его отец, Джон Традескант Старший (ок. 1570–1638). Оно включало в себя старинные монеты, книги, гравюры, минералы и чучела редких животных, в том числе чучело нелетающей птицы додо (дронта), исчезнувшей к началу XVIII в. На протяжении полувека это собрание хранилось в лондонском доме Традескантов и в определенные дни было доступно широкой публике за умеренную плату. Один из видевших ее в 1634 г. зрителей писал, что она состоит из «чучел зверей, птиц, рыб, змей, драгоценных камней, раковин, перьев, любопытных образчиков резьбы по дереву, картин, медалей, монет и тому подобных диковин».

В 1677 г. Элиас Эшмоул подарил все свои коллекции Оксфордскому университету, где когда-то учился. При этом он настоял на том, чтобы для хранения коллекции было сооружено подходящее здание. В 1683 г. собрание открылось для публики, став первым общедоступным музеем в Великобритании. Этот шаг многими современниками был воспринят с неодобрением: считалось, что всевозможные «собрания диковин», привезенных из разных концов света, и коллекции древностей и картин старых мастеров могут быть по достоинству оценены только «образованными» людьми, поэтому практически все художественные и естественнонаучные собрания той поры были доступны только узкому кругу «истинных ценителей». Открытие публичного музея в Оксфорде расценивалось как «либерализм»: гость из Германии, посетивший музей в 1710 г., выражал свое неудовольствие из-за присутствия в его залах «простонародья».

На протяжении 150-ти лет в деятельности музея преобладали естественнонаучное направление. Новых поступлений было немного, за исключением собрания этнографических материалов, доставленных капитаном Куком из его тихоокеанского рейса 1772–1775 гг. Тем временем неизбежные процессы старения привели к тому, что к 1820-м гг. значительная часть экспонатов из коллекции Традескантов попросту истлела. Хранители музея Джон Дункан, занявший этот пост в 1824 г., и его брат Филип, сменивший его в 1829 г., предприняли ряд экстренных мер, чтобы спасти коллекции от гибели. Было приобретено множество новых экспонатов. Музей носил естественнонаучный характер до тех пор, пока в середине XIX в. при Оксфордском университете было решено организовать новый музей естественной истории (ныне Оксфордский университетский Музей естествознания), в который была передана вся естественнонаучная коллекция музея Эшмолин. Лишившись наиболее важной части собрания, музей попытался найти для себя новую нишу, обратив внимание на успехи только-только зарождающейся в ту пору археологии.

Первое крупное поступление материалов подобного рода произошло еще в 1829 г., когда собрание музея Эшмолин пополнилось англосаксонскими древностями из раскопок в Кенте. В последующие десятилетия в экспозицию вошли собрания археологических материалов из раскопок на Британских островах, в Риме, многочисленные предметы старины были куплены от имени музея в Египте и на Ближнем Востоке.

В 1884 г. хранителем музея был назначен Артур Эванс (1851–1941) – в ту пору еще молодой, никому не известный ученый. С его именем связана целая эпоха в истории музея. Благодаря энергии Эванса его собрание начало ежегодно пополняться 1,5–2 тыс. новых экспонатов, происходящих преимущественно из Европы и Восточного Средиземноморья. Здание, в котором музей размещался с 1683 г., просто не могло справиться с таким притоком, и Эванс убедил власти университета отвести музею новое помещение. Выбор пал на выстроенное в 1841–1845 гг. по проекту Чарльза Роберта Кокерелла (1788–1863) неоклассическое здание на улике Бомон, где с 1845 г. размещались художественные коллекции Оксфордского университета. Переезд музея на новое место завершился в 1894 г., а в 1908 г. археологические собрания музея Эшмолин и коллекции Художественной галереи были объединены. Так родился Художественный и археологический музей Эшмолин.

Ныне в музее существует четыре отдела: западноевропейской живописи, восточного искусства, антиквариата и нумизматики. Музейное собрание отличается редкостным разнообразием: от каменных инструментов, изготовленных первобытным человеком полмиллиона лет назад, до фарфора, стекла, картин и офортов, созданных мастерами XX в. В его фондах сохраняется и небольшое количество экспонатов из коллекции Традескантов, среди которых имеется очень любопытный предмет: ритуальная мантия, принадлежавшая вождю одного их индейских племен Северной Америки, еще один экспонат – знаменитое чучело дронта. Несмотря на то что оно сильно повреждено от времени, его продолжают хранить в музее.

Музей славится богатыми коллекциями древнеегипетского искусства и итальянских рисунков периода Ренессанса, а также одним из самых прекрасных в мире собраний фарфора, майолики и керамики.

Главными сокровищами музея Эшмолин являются рисунки Микеланджело, Рафаэля и Леонардо да Винчи, картины Пьеро ди Козимо, Клода Лоррена, Джона Констебла, Пабло Пикассо, акварели и картины Тернера, а также одно из лучших собраний прерафаэлитов. Здесь можно увидеть и знаменитую картину Паоло Уччелло «Ночная охота» (1465–1470). Это одна из поздних работ художника, написанная примерно в то же время, что и часть алтарного образа из церкви Святого Духа в Урбино. Об истории ее создания ничего не удалось узнать, несмотря на все усилия исследователей. Некоторые историки искусства предполагают, что эта работа мастера иллюстрирует некое (возможно, утраченное) литературное произведение того времени.

Экспозиция отдела археологии помимо обширного собрания древностей из Египта и Нубии включает в себя самую лучшую, за пределами Греции, коллекцию памятников крито-минойской цивилизации. И это не удивительно – ведь ее первооткрывателем был не кто иной, как Артур Джон Эванс. Отправившись в 1900 г. на Крит, хранитель Оксфордского музея еще не знал, что пройдут годы – и он станет всемирно известным ученым, почетным и действительным членом всевозможных академий и обществ, имя которого на протяжении многих лет не будет сходить со страниц газет и журналов. Именно ему, Артуру Эвансу, за исключительные заслуги перед наукой получившему от английского короля титул сэра, суждено было открыть одну из величайших цивилизаций древности, названную крито-минойской.

Ко времени прибытия на Крит Эванс уже имел репутацию серьезного ученого, знатока древнеегипетской письменности. Он был человеком упорным и наделенным подлинной исследовательской страстью. В первый же день пребывания на острове он посетил развалины города Кносса и невдалеке от руин, относящихся к античному времени, увидел земляные бугры, которые, как подсказала ему интуиция археолога, таили в себе остатки каких-то древних строений.

23 марта 1900 г. Эванс приступил к раскопкам. Он сам впоследствии говорил, что не очень надеялся на крупное открытие. Однако буквально через несколько часов в раскопе появились очертания древнего здания. Двумя неделями позже изумленный Эванс стоял перед остатками строений, покрывавших площадь в два с половиной гектара.

Между тем в Лондоне Эванса ждали дела. Но результаты раскопок его так заинтересовали, что он решил вернуться через год и заняться тайной открытого им здания. Тогда он еще не представлял, что на разгадку этой тайны ему потребуется не один год, а четверть века…

Пифос с изображением осьминога. Крит. Минойский период Около 1450 г до н. э.

Вернувшись на следующий год на Крит, Эванс провел здесь почти сорок лет. Шли годы, а работам все не было конца. Сорок лет в разных местах острова – на севере, южном побережье, востоке – копал Эванс, ибо поверил, что обнаруженное им здание – не что иное, как развалины легендарного Лабиринта, дворца критского царя Миноса… Об этом он даже заявил публично. Сообщения о сенсационных раскопках на Крите появлялись во всех газетах и журналах Европы. Из непостижимых глубин тысячелетий вставала великая цивилизация – столь древняя, что уже для современников Гомера она была тысячелетней легендой. И когда Эванс по праву первооткрывателя дал этой цивилизации имя «минойская» – имя, взятое из легенды о царе Миносе, – никто не посмел его оспорить.

Сэр Артур Эванс умер в 1941 г. в возрасте девяноста лет, заслужив признательность всего человечества открытием великой цивилизации, беспримерным по своему значению…

В собрании музея Эшмолин хранится и ряд важных экспонатов, связанных с английской историей: посмертная маска Оливера Кромвеля, арабская церемониальная одежда, принадлежавшая знаменитому Лоуренсу Аравийскому, и уникальная «драгоценность Альфреда» – англосаксонское золотое украшение, изготовленное в конце IX в. Надпись на нем гласит: «AELFRED MEC HEHT GEWYRCAN» – «Альфред приказал меня сделать». По-видимому, речь здесь идет об англосаксонском короле Альфреде Великом (871–899).

Еще один интересный экспонат – скрипка, изготовленная в 1716 г. знаменитым мастером из Кремоны Антонио Страдивари. По условию прежнего владельца скрипки, пожертвовавшего ее музею Эшмолин, на ней нельзя играть ни при каких обстоятельствах. Благодаря этому скрипка до сих пор находится почти в первоначальном состоянии и считается одним из наиболее ценных инструментов Страдивари, дошедших до наших дней.

Очень любопытно собрание «колец любви», очень популярных в Англии и Франции в XV–XVII вв. Эти простые по исполнению золотые кольца служили символом и свадебным подарком. На внешней (реже – на внутренней) стороне каждого кольца выгравирована короткая надпись, выражающая чувства дарителя. На ранних кольцах надписи делались на архаичном норманно-французском языке, позже использовались латинский, французский и английский языки. Считается, что именно эти гладко отполированные кольца с лаконичными надписями, сделанными старинными шрифтами, вдохновили оксфордского профессора Дж. Р. Р. Толкиена на создание образа Единого кольца в эпопее «Властелин Колец».

Имея статус университетского, Художественный и археологический музей Эшмолин поддерживает тесные связи с факультетами и колледжами Оксфордского университета, а его собрание служит дополнительным образовательным и исследовательским ресурсом для ученых и студентов Оксфорда и других учебных заведений как в Англии, так и за границей. Одновременно он остается общедоступным музеем, привлекая посетителей со всех континентов.