Текст книги "Великие евреи. 100 прославленных имен"

Наталия Сац родилась 27 августа 1903 года в Иркутске в семье композитора Ильи Александровича Саца и оперной певицы Щастной Анны Михайловны. Илья Сац, отец Наталии, родился в местечке Чернобыль в еврейской семье. Его отец, Александр Миронович Сац, был присяжным поверенным. Илья вырос в Чернигове, где обучался в классической гимназии. Не доучившись, в 1890 году самостоятельно уехал в Киев, работал носильщиком, посыльным. Учился в Киевском музыкальном училище, в 1897–1899 годах – в Московской консерватории по классу виолончели. С 1906 года заведующий музыкальной частью и дирижёр МХТ. Особенной популярностью пользовалась музыка Ильи Саца к постановке «Синей птицы» М. Метерлинка. Илья Сац создал музыкальную драматургию. На музыку Саца исполнялись стихи А.Пушкина, М.Лермонтова, А.Кольцова, К.Бальмонта, А.Фета, А.Блока, Ф.Тютчева. Илья Сац умер 11 октября 1912 года.

Его дочь Наталия получила музыкальное образование – в 1917 году окончила музыкальный техникум имени A.Н. Скрябина. С 1918 года (с пятнадцатилетнего возраста) – заведующая детским сектором театрально-музыкальной секции Моссовета.

В 1918 году по инициативе Н.И. Сац создается первый театр с репертуаром для детей – Детский театр Моссовета.

С 1920 и до своего ареста в 1937 году – директор и художественный руководитель Московского театра для детей (с 1936 года он называется Центральный детский театр).

В 30-е годы Н.И. Сац приглашают ставить спектакли за рубежом. Она является первой в мире женщиной-оперным режиссёром. Большой успех имели её постановки опер «Фальстаф» (Дж. Верди) в Берлинском «Кроль-театре» (1931 год, дирижёр Отто Клемперер) и «Свадьба Фигаро» B.А. Моцарта в Аргентинском оперном «Театро колонн» (1931 год).

Осенью 1937 года года Н. И. Сац была арестована по статье «Член семьи изменника Родины» (её муж, И. Я. Вейцер, крупный советский деятель, был репрессирован). В лагерях ГУЛАГа провела пять лет, освобождена в конце 1942 года.

Поскольку разрешения поселиться в Москве не имела, Сац отправилась в Алма-Ату, где в то время в эвакуации находились многие ведущие артисты того времени. В столице Казахской ССР энергичная Наталия Сац вновь принимается за своё любимое дело, и её усилиями в 1945 году открывается первый в Казахстане Алма-Атинский театр юного зрителя, который Н. И. Сац возглавляет в течение 13 лет.

Сац окончила в 1953 году театроведческий факультет ГИТИСа.

В 1958 году Наталия Сац возвращается в Москву. Она руководит Всероссийским гастрольным театром, а затем – детским отделением Мосэстрады.

В 1964 году возглавляет организацию первого в мире детского музыкального театра. Датой рождения театра принято считать 21 ноября 1965 года, когда на сцене Театра эстрады состоялось первое представление детского музыкального театра – премьера оперы М. И. Красева «Морозко». В 1979 году театр переехал в собственное новое здание на проспекте Вернадского, спроектированное и построенное специально для него. Здание театра увенчано скульптурой Синей птицы, являющейся символом театра. В 1987 году театру присвоено почётное звание академического. В современном здании театра два зала: большой зал – на 1100 мест, с тремя сценами: одна главная и две боковых (в этом зале находится одна из достопримечательностей театра – занавес на тему оперы Н. А. Римского-Корсакова «Садко»); малый зал – на 300 мест, концертный. Театр носит имя основательницы – Н.И. Сац.

В 1976 году студия «Мелодия» выпускала пластинку с музыкальной сказкой на музыку Владимира Высоцкого по мотивам одноимённой сказки Льюиса Кэрролла. Высоцкий потратил на проект 3 года жизни. Пластинку записывали с большими перерывами потому, что Высоцкий постоянно был занят в театре, кино, давал концерты, ездил на гастроли. На художественном совете, где обсуждался выпускаемый фирмой «Мелодия» радиоспектакль «Алиса в Стране Чудес», Наталья Сац обвинила Всесоюзную студию грамзаписи в том, что она «развращает детей чудовищными песнями Высоцкого». Выход сказки был под угрозой. Высоцкий обрисовал ситуацию Белле Ахмадулиной, успев перехватить её перед отлетом за границу. В новогодней «Литературке» она из Парижа поздравила советских людей с Новым годом и с выходом альбома «Алиса в Стране Чудес». Несколько печатных слов в таком солидном издании, какой была тогда «Литературная газета», изменили жизнь. «Алиса…» вышла и повторялась потом многомиллионными тиражами.

Наталия Сац внесла большой вклад в развитие детского театра и художественного воспитания детей, создала целое направление театрального творчества для детей. Явилась инициатором и совместно с С.С. Прокофьевым создателем музыкальной сказки для симфонического оркестра «Петя и волк». Автор пьес, либретто детских опер и балетов, книг и статей по вопросам музыкального воспитания. Народная артистка СССР (1975 год). Герой Социалистического Труда (1983 год). Лауреат Государственной (1972 год), Ленинской премии (1982 год), премии Ленинского комсомола (1985 год), премии СМ СССР (1979 год). Профессор. Член Союза писателей СССР (1962 год).

Наталия Сац умерла 18 декабря 1993 года.

Похоронена в Москве на Новодевичьем кладбище.

Аркадий Райкин родился 24 октября 1911 года в Риге в еврейской семье портового бракёра строительного леса Ицика (Исаака) Давидовича Райкина и его жены домохозяйки Елизаветы Борисовны Райкиной (ур. Гуревич).

В детстве посещал хедер. Во время учёбы в школе в Рыбинске занимался в драмкружке и увлекался театром.

В начале 1922 году семья Райкиных переехала в Петроград. Мальчик пошел в 4-й класс школы и одновременно посещал драмкружок, руководителем которого одно время был Юрий Юрский, отец знаменитого Сергея Юрского. Юный Аркадий Райкин бредил театром. Продавая втихую книжки и тетрадки, доставал деньги на билеты в театр, за что часто отец ему «всыпывал» как следует. Родители будущего блестящего актера были категорически против актерской профессии сына. Конфликт был настолько серьезным, что юноше пришлось покинуть отчий дом. В 1929 году работал лаборантом на Охтинском химическом заводе.

Заработав необходимый годовой рабочий стаж, Аркадий Райкин поступил в Ленинградский техникум сценических искусств. По распределению попал в Ленинградский ТРАМ (Театр рабочей молодёжи), который вскоре был переименован в театр имени Ленинского комсомола.

Несмотря на театральное образование, подлинным призванием артиста стала эстрада. Известность пришла в Москве в ноябре 1939 года. Аркадий Райкин стал лауреатом 1-го Всесоюзного конкурса артистов эстрады, выступив с номерами «Чаплин» и «Мишка».

В 1939 году был принят в труппу Ленинградского театра эстрады и миниатюр, сначала молодой артист выступал с эстрадными номерами, а позже стал конферансье. Спустя три года Райкин становится художественным руководителем этого театра.

Во время Великой Отечественной войны Аркадий Райкин давал концерты на фронте.

После войны Райкин продолжает работу в Ленинграде в Театре миниатюр и снимается в нескольких картинах.

В это время вместе с писателем-сатириком В.С. Поляковым, созданы театральные программы «На чашку чая», «Не проходите мимо», «Откровенно говоря». Его выступления на радио и телевидении, аудио записи миниатюр пользуются огромной популярностью у публики. Особенно известны его театральные номера, где актёр, быстро меняя облик, стал мастером сценического перевоплощения, создавая целую череду образов совершенно разного характера.

В 1950 году Райкин расстается с драматургом Поляковым. Но в театре по-прежнему один за другим выходят спектакли «Человек-невидимка», «Белые ночи», «Любовь и три апельсина». В них Райкин становится намного злее как сатирик.

Первые зарубежные гастроли театра состоялись в конце 1950-х годов. Успех за рубежом был такой же триумфальный, как и на родине. Критик лондонской газеты «Таймс» писал: «Это было настоящее зрелище, подлинное открытие, такое выступление, которого мы не видели давно… У Райкина есть что-то от Чарли Чаплина, удивительная способность живо и наглядно выражать эмоции, способность создавать образы, которые не нуждаются в пояснении. Мне никогда не приходилось видеть такой игры!»

В 1965 году Райкин едет с театром на гастроли в Англию, которые проходят с большим успехом.

Во время гастролей в Одессе Райкин заметил талантливых актёров молодежного театра «Парнас-2». Он приглашает работать в свой театр одесситов Михаила Жванецкого, Романа Карцева, Виктора Ильченко и Людмилу Гвоздикову. В 1967 году Райкин взял Жванецкого в штат театра, сначала артистом, потом заведующим литературной частью. Вместе они создали несколько запоминающихся эстрадных номеров. В 1969 году в сотрудничестве с М.М. Жванецким была поставлена программа «Светофор». Но два выдающихся юмориста и сатирика недолго смогли проработать вместе. Михаил Жванецкий писал: «…я знаю только команду Ленинградского Государственного театра миниатюр под руководством… Аркадия Райкина… человек там одиннадцать-тринадцать-четырнадцать артистов, не помню. Но это действительно команда. Во главе стоял абсолютно гениальный великий игрок, и все ему подавали мячи. Потому что он был кровопийца и тиран, как художественный руководитель. Он не терпел, если кто-то играл и кто-то забивал. То есть играть – играй, но не забивай. Ты играй на меня, а я буду забивать, я знаю, как это делать».

Только 1968 году Райкину присвоили звание народного артиста СССР, после 33 лет непрерывной работы театра и самого Аркадия Райкина, после того, как его театр объездил все уголки Советского Союза.

Затем последовал нелегкий период в жизни Аркадия Райкина. Сохранились воспоминания о них. Весной 1970 года отмечалось 100-летие со дня рождения В.И. Ленина. Райкин, отталкиваясь от этой даты, решил сотворить действо особой остроты, особого накала… Артист стремительно выбегал на сцену и с ходу начинал монолог: «Остроумная манера писать состоит, между прочим, в том, что она предполагает ум также и в читателе…» В зале – звенящая тишина… А артист после секундной паузы добавляет: «Владимир Ильич Ленин. «Философские тетради»… В семидесятом, ревностным охранителям «системы» эти цитаты казались прямо-таки «контрреволюцией»… Спектакль зрители принимали восторженно… Каждый вечер стала располагаться на первых стульях комиссия… Вскоре артиста вызвали в ЦК, и там чиновник стучал по столу кулаками и советовал Райкину «поменять профессию»… У Райкина случился инфаркт, после которого он стал совершенно седым. В Москве и Ленинграде ему запретили выступать. Театр отправили на длительные гастроли в Петрозаводск. Лишь в 1971 году Райкин вернулся в Ленинград.

В 1974 году Центральное телевидение наконец обратило внимание на Райкина. С его участием начались съемки сразу двух телефильмов «Люди и манекены» (четырехсерийный фильм) и «Аркадий Райкин».

В 1980 году Райкину была присуждена Ленинская премия. В 1981 году он удостоился звания Героя Социалистического Труда.

Когда отношения Райкина с партийными властями Ленинграда стали ухудшаться, он попросил у Брежнева разрешения перебраться ему вместе с театром в Москву. В 1982 году театр Аркадия Райкина переехал в Москву и был переименован в Государственный театр миниатюр, в апреле 1987 года получил имя «Сатирикон».

Аркадий Райкин обладал блестящим талантом от природы, он был, безусловно, высоким профессионалом, что достигается огромным трудом. Главной составляющей непревзойденного артиста было личное обаяние, завораживающее любого зрителя.

Последние гастроли Аркадия Райкина состоялись в Америке.

Райкин скончался 17 декабря 1987 года.

Похоронен на Новодевичьем кладбище.

Игорь Кио родился 13 марта 1944 года в Москве. Отец – Эмиль Теодорович Ренард-Кио (Гиршфельд), мать – Евгения Васильевна Гиршфельд. В 1917 году Эмиль работал в театре миниатюр, затем перешёл в цирк Чинизелли (Польша). Цирк был его жизнью и остался ею до конца. В цирке Эмиль подрабатывал администратором, униформистом, через какое-то время вышел на манеж, показывая фокусы. Свои иллюзионистские номера Эмиль Теодорович демонстрировал шутливо, постоянно общаясь со зрителем, и привлекал к работе клоунов. После 1947 года знаменитый маг создавал целостные представления-ревю. Своими невероятными красочными и интересными номерами он покорил весь мир. Когда Эмиль Теодорович жил в Варшаве, то рядом с его домом была синагога. Молитвы в новогодние праздники сопровождались многократно повторявшимися громкими возгласами: Ткио! Ткио! Ткио! Они и послужили отцу для выбора артистической фамилии, ставшей династической.

Игорь Кио был сориентирован в профессии, что называется, с пелёнок. Впервые на арене он появился вместе с лилипутами в программах отца. А настоящий самостоятельный дебют Игоря Кио состоялся уже в 15 лет в 1959 году на арене Московского цирка, когда ему пришлось подменить заболевшего отца.

Игорь Кио с детства любил футбол. Еще мальчишкой занимался в футбольной школе под руководством знаменитого К.И. Бескова, чем очень гордился, так же как и дружбой с мэтром футбола. Константин Иванович даже не раз говорил его отцу, что из него может получиться хороший футболист, поскольку забивал Игорь больше других.

Следуя творческим заветам отца, Игорь Кио стремился придать своим выступлениям характер целостного спектакля. В быстром темпе зритель не замечает, как попавшая в клетку женщина превращается в грозного льва под куполом цирка, как распиливается девушка, а видит лишь отдельно болтающуюся голову и ноги, утки появляются из пустой ёмкости, женщина проходит сквозь стекло, манекенщицы в доли секунды меняют одежду, а вместо женщины падают хлопья пепла. Игорь Кио первым создал в цирке профессиональный балет, состоящий из 18 человек.

В Советском Союзе спрос на Кио был настолько велик, что в течение 30 лет своей работы ему приходилось давать по 500–600 представлений в год. В СССР цирк посещали более 50 млн. человек ежегодно. На представлениях Игоря Кио никогда не было пустых мест. Многие иллюзионные номера, созданные Эмилем Теодоровичем, ставшие непревзойденными шедеврами мирового искусства, вошли и в репертуар Игоря Кио. Это и знаменитые «Сжигание женщины», и «Превращение женщины во льва», и «Распиливание женщины». Им выпущен целый ряд принципиально новых номеров, среди которых: «Моды», «Аквариум», «Рояль в воздухе», «Ящик Гудини», «Появление медвежонка» и другие.

В 1977 году в Ленинграде состоялась премьера программы «Избранное-77», в которую входили номера из классического репертуара прошлых лет и новые программы Игоря Кио. А уже через несколько лет появился иллюзионный аттракцион «Раз-два-три», который был создан Игорем Кио совместно с О. Левицким.

Работа Игоря Кио никогда не ограничивалась только цирком. Он выступал во Дворцах спорта и театрах во многих городах страны.

В 1985 году Кио была поставлена программа в Театре эстрады (авторы О. Левицкий и Б. Пургалин) под названием «Без иллюзий», в которой принимали участие эстрадные артисты.

Игоря Кио справедливо называют «загадкой ХХ века», «королем волшебников». Он побывал с гастролями в Японии в 1965 году, в США в 1967–1968 годах, совместно с Ю.Никулиным, в Бельгии, Франции в 1969–1970 годах, а также в Турции, Югославии, Германии и многих других странах.

В 1989 году Игорь Кио ушел из Союзгосцирка и создал фирму «Шоу-иллюзион Игоря Кио», которая занимается организацией не только собственных гастролей, но и выступлений других коллективов.

В начале 1990-х годов в Кремлевском дворце съездов была представлена программа «В 6 часов вечера после зимы», в которой участвовало много артистов эстрады. А в 1995 году на сцене Театра эстрады шла программа «Волшебник XX века», поставленная Игорем Кио совместно с А. Аркановым.

Кио – единственный иллюзионист в мире, удостоенный международной премии «Оскар», которая вручается по решению Общества журналистов и критиков Бельгии Королевским цирком Брюсселя. В 1999 году Игорь Кио был избран почётным академиком Национальной академии циркового искусства России. В 2003 году ему было присвоено звание народного артиста РФ.

Игорь Эмильевич скончался 30 августа 2006 года.

Похоронен рядом с могилой отца на Новодевичьем кладбище.

Леонид Осипович Утёсов (Лазарь (Лейзер) Иосифович Вайсбейн) родился 21 марта 1895 года в Одессе в многодетной еврейской семье мелкого коммерсанта Осипа (Иосифа) Калмановича Вайсбейна и Малки Моисеевны.

Леонид учился в Одессе в коммерческом училище, откуда в 1909 году был отчислен за плохую успеваемость и низкую дисциплину. После непродолжительной работы в бродячем цирке (в качестве гимнаста) вернулся в Одессу, где учился играть на скрипке. В 1912 году устроился в Кременчугский театр миниатюр и взял сценический псевдоним Утесов. Как рассказывал Леонид Осипович: «… я решил взять себе такую фамилию, какой никогда ещё ни у кого не было, то есть просто изобрести новую. Естественно, что все мои мысли вертелись около возвышенности… Утёсов? – мелькнуло у меня в голове… Да, да! Утёсов! Именно Утёсов!»

В 1913 году поступил в одесскую труппу Розанова, до революции играл в ряде театров.

В 1917 году Утёсов победил в конкурсе куплетистов в Гомеле и поехал в Москву, где выступал в столичном саду «Эрмитаж». 26 октября 1898 года в театре «Эрмитаж» премьерой спектакля «Царь Федор Иоаннович» был открыт Московский художественный общедоступный театр под руководством Станиславского и Немировича-Данченко. На этой же сцене состоялись премьеры пьес Чехова «Чайка» и «Дядя Ваня». Здесь ставились оперные спектакли труппы Мамонтова, в качестве дирижера Русской частной оперы дебютировал Рахманинов. Проходили бенефисы Шаляпина, пели Собинов, Нежданова, Вяльцева, Вавич.

Здесь гастролировали Сара Бернар, Эрнесто Росси, Густаво Сальвинии. Тут выступала выдающаяся русская балерина Анна Павлова.

В 1919 году Утёсов впервые снялся в кино. В 1921—28 годах играл в таких театрах, как Театр революционной сатиры (Москва), Театр музыкальной комедии, Палас-театр, Свободный театр (Ленинград), «Маринэ» (в Риге). В 1925 году снялся в двух фильмах.

В 1928 году, будучи в турпоездке с семьей в Париже, Утёсов услышал американский джаз-оркестр Теда Льюиса, который поразил его тем, что потом сам Утёсов называл «театрализацией».

По возвращении в Ленинград он создал собственный «Теа-джаз», первое выступление которого состоялось 8 марта 1929 года на сцене ленинградского Малого оперного театра.

Успех был значительным, и с этого момента Утёсов стал руководителем (первый год вместе с трубачом Яковом Скоморовским) джаз-оркестра. Тогда коллектив Утёсова исполнял западные шлягеры и специально написанные инструментальные композиции и песни, которые постепенно заняли основное место в программах оркестра. Это был совершенно новый для эстрады того периода жанр. Утесов совмещал дирижирование с конферансом, танцами, пением, игрой на скрипке, чтением стихов. Разыгрывались разнообразные сценки между музыкантами и дирижером. Все выступление было режиссерски объединено, начиная со знакомства с публикой и кончая прощальной песней «Пока», для трансляции которой использовались киноэкран и репродукторы, установленные на фасаде концертного здания.

Большую роль в становлении Утёсова как музыканта и артиста сыграла его личная и творческая дружба с композитором Дунаевским, написавшим для «Теа-джаза», в частности, джазовые «рапсодии» – обработки русских, украинских и еврейских (на идиш) песен, а также немало песен на стихи современных советских поэтов. В начале 1930-х годов поэт-песенник Лебедев-Кумач по просьбе Утесова написал новые тексты для песен. Вторая программа оркестра «Джаз на повороте» (1930 год) состояла из оркестровых фантазий на темы народных песен и четырех рапсодий, написанных Дунаевским, – «Русской», «Украинской», «Еврейской» и «Советской». По-новому зазвучали популярные мелодии «Во субботу день ненастный», «Виют витры» и другие. В дальнейшем Утесов часто включал в свои программы джазовые интерпретации мелодий народов СССР, объясняя это так: «Если у американского джаза негритянский фольклор, то почему у нас не может быть грузинского, армянского или украинского?»

В 1933 году в репертуаре коллектива появляется пьеса «Музыкальный магазин». В одной из сцен оркестр пародировал механизированный, бездушный джаз, исполняя переложенные Дунаевским в ритме фокстрота арию индийского гостя из «Садко» Римского-Корсакова, «Сердце красавицы» из «Риголетто» Верди и некоторые темы из «Евгения Онегина» Чайковского.

Следующая программы оркестра – «Кармен и другие» – продолжала успешные интерпретации джазом классической музыки. В ней комически обыгрывались эпизоды известной оперы музыкой Бизе.

В 1934 году вышел на экраны кинофильм «Весёлые ребята» с Утёсовым в главной роли и с участием его оркестра (музыку к картине писал Дунаевский, тексты песен – Лебедев-Кумач). Песни обрели большую популярность. Проходивший в Лондоне конгресс мира и дружбы с СССР (1937 год) заканчивался под «Марш веселых ребят».

В 1937 году джаз-оркестр Утесова представил программу в двух отделениях «Песни моей Родины». В первую часть вошли песни о гражданской войне («Тачанка», «Полюшко»), вторую составили лирические и комедийные песни. Программа шла несколько лет, вплоть до начала Великой Отечественной войны.

В 1938 году Утесов в качестве художественного руководителя выпустил спектакль «Два корабля», в котором прозвучали песни «Варяг», «Раскинулось море широко», «Моряки», «Краснофлотский марш», «Баллада о неизвестном моряке».

В 1939 году написал свою первую книгу «Записки актера».

Играл, пел и дирижировал оркестром в киноконцерте «Пароход», который по праву считается прообразом современных видеоклипов.

В 1941 году оркестр Утесова репетировал новую программу «Напевая, шутя и играя» в московском «Эрмитаже».

Началась война. Оркестр в короткий срок создает первую военную программу «Бей врага!», в которой наряду с уже известными песнями звучат новые произведения: «И не раз и не два мы врага учили», «Партизан Мороз-ко», «Привет морскому ветру». За первый год войны оркестр дал свыше 200 концертов на заводах, кораблях, в действующей армии на Калининском фронте, постоянно включая в программу новые песни: «Жди меня», «В землянке», «Темная ночь», «Одессит Мишка», сатирические антифашистские частушки «Гадам нет пощады!» Неоднократно во время таких поездок оркестр попадал в опасные ситуации, под бомбёжки.

В июне 1942 года Леониду Утесову было присвоено звание заслуженного артиста РСФСР

Вторая программа военных лет явилась откликом на начало серьезных успехов Красной армии. В нее были включены песни: «Прощание», «Пароход», «Десять дочерей», «Два друга», «Песенка военных корреспондентов», «О чем ты тоскуешь, товарищ моряк?»

В 1944 году оркестр представил новую джаз-фантазию «Салют», в которой прозвучали отрывки из симфонических произведений, свыше двадцати старых и новых песен, лирические и сатирические интермедии.

9 мая 1945 года при огромном стечении народа Утесов выступил с оркестром на открытой эстраде на площади Свердлова в Москве.

К 800-летию Москвы в 1947 году утесовский коллектив подготовил оркестровую фантазию «Москва», в финале которой впервые исполнялась песня Дунаевского «Дорогие мои москвичи!» Дочь Утесова, Эдит Леонидовна, которая с 1936 года была солисткой его оркестра, в дуэте с мужем режиссёром Альбертом Гендельштейном исполняла эту песню.

В 1952 году появилась программа «Музыка толстых», центральное место в которой занимала сатира на международные темы. 25-летие коллектива (1954 год) было отмечено эстрадным спектаклем «Серебряная свадьба», в котором среди прочих Утесов исполнил одно из последних произведений Дунаевского «Я песне отдал все сполна». Песня вошла в фильм «Веселые звезды».

В марте 1960 года в Московском театре эстрады была представлена программа «Тридцать лет спустя». В ней, наряду с обычным репертуаром, оркестр исполнил сложные классические произведения – марш Прокофьева из оперы «Любовь к трем апельсинам» и пьесу Дебюсси Reverie. Отличие от западного, якобы чисто танцевального джаза, подчеркивалось пародийным номером «Эволюция западного танца».

В 1965 году Леониду Утесову было присвоено звание народного артиста СССР. Он стал первым артистом эстрады, удостоенным этого звания.

В последние годы Леонид Осипович с оркестром не выступал (кроме единичных случаев, когда он исполнял по 1–2 песни). Утесов написал еще одну книгу «Спасибо, сердце!», руководил оркестром, много снимался на телевидении. В декабре 1981 года состоялось последнее выступление Утесова. Леонид Осипович говорил: «Я пою не голосом – я пою сердцем!»

Леонид Утёсов скончался 9 марта 1982 года в Москве.

Похоронен на столичном Новодевичьем кладбище.