Текст книги "Саммари 100 лучших книг от CrossReads"

Древний Рим

Цивилизация Древнего Рима делится на три периода:

• до 510 г. – Царский период,

• до 30 г. – Республика,

• до 476 г. – Империя.

Алина Аксенова выделяет основные черты римского менталитета, обусловленные их культурной жизнью:

1. Римляне были прагматиками (они занимались возведением государства, созданием законов, военными завоеваниями, а также строительством дорог и водопроводов).

2. Римляне ценили комфорт (военные лагеря отличались удобством, а для мирного времени активно строились жилые виллы и возводились акведуки).

3. Римляне совершили настоящий прорыв в архитектуре (изобрели бетон, строили арки, длинные мосты и многоэтажные дома).

Скульптура

Традиции скульптуры римляне позаимствовали у ближайших соседей – греков и этрусков. Но в отличие от древнегреческой эмоциональности и идеалистичности, римляне обращали внимание на точное изображение внешности. В галерее римских портретов вы не найдете скульптуры с одинаковым выражением лица – все они неповторимы. Причем порой портреты могут показаться чересчур натуралистичными – они сохраняют все черты лица, подчеркивая как достоинства, так и недостатки.

Но всё меняется с началом периода Империи. Новое время поставило новые цели, а именно – создать безупречный образ римского императора.

Пример: статуя Мрака Кокцея Нервы.

Император сидит на троне с жезлом в руке, верхняя часть тела обнажена, что уподобляет его Зевсу или Юпитеру.

Однако стоит заметить, что в каком бы образе ни был представлен император – в виде жреца, бога или воина – фигуры скульптур не сильно отличались друг от друга. Главным отличием оставалось лицо – ему уделялось особое внимание, значение портретного сходства не ослабевало, несмотря на меняющиеся художественные тенденции.

Живопись

Поскольку римляне с особой заботой относились к личному комфорту, на землях, полученных в награду за военные походы, они строили виллы, оснащенные всеми удобствами и архитектурными новшествами: канализацией, горячей водой, застекленными окнами. Такие виллы часто возводились на берегу моря. Вернувшийся с военной службы или уставший от городской суеты римлянин приезжал в загородный дом, чтобы насладиться пейзажами и отдохнуть в располагающей обстановке. Отсюда следует, что и убранству дома уделяли пристальное внимание. В комнатах можно было увидеть не только красивую и удобную мебель, но и великолепный живописный декор. Во времена империи оформление богатых домов было настоящим искусством.

Пример: виллы в Помпеях, Геркулануме и Стабиях.

Декоративно-прикладное искусство

Благодаря вниманию, с которым римляне относились к своему жилищу, внутреннее убранство представляет значительный интерес для исследователей.

Мебель и кухонная утварь могут многое рассказать о своих владельцах. А по тому, как изысканно выглядели предметы интерьера, можно сделать вывод, что римляне ценили внешний вид предметов больше, чем их утилитарность.

Например, небольшие круглые столики с высокими бортиками служили своеобразной витриной, на которую можно было выставить дорогую посуду из серебра и продемонстрировать гостям вкус и уровень достатка. Каждая деталь – ручки, ножки, дверцы – имели свой образ, представлялись в виде человеческих лиц, цветов, рыб и многого другого.

Византия

В 395 году Римская империя раскололась на две части – Западную и Восточную, которую принято называть Византией. Ее столица Константинополь стала центром развития христианской культуры.

Византия унаследовала и частично продолжила богатые традиции римского искусства. Западная часть была захвачена варварами, которые обладали своей самобытной культурой, сильно отличающейся от античности. При этом как на Западе, так и на Востоке, искусство было религиозно ориентированным. Византийское искусство знакомо многим по иконам, мозаикам и фрескам. В то время как западное искусство известно предметами быта и архитектурой.

На развитие искусства средневековой Европы оказали влияние три явления: традиции античности, языческие обычаи, характерные для каждой отдельной территории, и христианство.

У византийского искусства есть несколько отличительных особенностей:

1. Живописцы активно обращались к символам – передаче смысла через образы.

Изобразить бога, веру, святость – невероятно сложная задача для художника. Донести идею, связанную с такими понятиями, можно только посредством символов.

2. Переосмысление языческих образов.

Христианство отвергало старые религии, но заимствовало образы из языческого искусства. Например, атрибуты богов приобрели новое значение. Так, символы бога Диониса – вино, виноград, лоза – стали ассоциироваться с кровью Христа и христианством.

3. На первом плане живопись, а не скульптура.

Статуи в христианстве были связаны с поклонением идолам, поэтому византийские мастера были сосредоточены на живописных образах. В них не было реалистичности, объема и проработки деталей, поскольку изображалось божественное, а не земное. Художники стремились говорить о возвышенном, поэтому отказались от материальной характеристики предметов, а в изображении героев не акцентировали внимание на телесном.

Живопись

Когда христианство было провозглашено единственной религией Римской империи, искусство перестало быть запретным и доступным только посвященным.

Храм – важнейшая архитектурная форма эпохи Средневековья – стал местом, где прихожане могли любоваться мозаиками и фресками. Эти два вида монументальной живописи стали неотъемлемой частью внутреннего храмового убранства.

Мозаика – изображение, сделанное из квадратных камешков и цветного стекла, смальты. Стеклянную массу смешивали с цветным пигментом и после застывания разрезали на кусочки квадратной формы. Из них выкладывались изображения любого масштаба.

Фреска – вид живописи по сырой штукатурке водорастворимой краской.

В храме всё имеет смысл и символику, а оформление строго упорядочено (согласно высшему порядку Царствия Небесного).

Пример: мозаика из церкви Святого Виталия в Равенне – одна из самых древних и знаменитых – отлично демонстрирует особенности нового художественного языка.

Основные черты, которые характеризуют мозаичное искусство:

• Всё, что напоминает о земном мире, исчезает. Художник повествует не о земном пространстве и времени, а о небесном.

• В мире, который мы видим на мозаиках, не существует зла, смерти или тьмы. Главное – это свет и вечность.

• У фигур и предметов нет объема, поскольку для его изображения нужна тень. Но тени (тьме) нет места в небесном мире.

• Материал, из которого сделана мозаика, создает эффект свечения, поскольку золотые кусочки смальты хорошо отражают свет. Блики от горящих в храме свечей скользили по поверхности золотого мозаичного изображения, придавая ему таинственность и настраивая зрителя на мистический лад.

Византийским иконам свойственна аскетичность. Им характерны удлиненные фигуры, строгость, худоба и сдержанность. Лица тоже выглядят вытянутыми, они лишены эмоциональности, на них не видно признаков возраста. Всё объясняется тем, что христианские образы говорят не о радости земного бытия, а о стойкости верующего.

Книжное искусство

Возникновение книжной миниатюры связано с переходом европейской цивилизации от папирусного свитка к кодексу – сшитым между собой тонким страницами пергамена, выделанной телячьей кожи. Кодекс представляет собой ту форму, которую унаследовали современные книги.

Книжное оформление было стилистически очень ярким на севере Европы, особенно в Ирландии и скандинавских странах.

Пример: «Келлское Евангелие» VIII века, в иллюстрациях к которому мы видим переплетающиеся растительные и животные мотивы.

Изображение миниатюр строится из уже знакомых принципов: симметричная композиция, зависимость персонажей от их места в иерархии, отсутствие объема. Западноевропейские рисунки проще в своем воплощении и скромнее византийских. В них нет богатства красок, тонких деталей и изысканности.

Романский стиль в западной Европе, XI–XII вв.

С начала X века стали возникать большие стили изобразительного искусства. Основные границы королевств – будущих государств Франции, Германии, Швейцарии и др. – обозначились и перестали меняться. Помимо того что стали возникать университеты, спокойная обстановка в Европе позволила начать обширное строительство храмов. Рыцари отправились в Крестовые походы, а паломники – путешествовать по святым местам.

Этот исторический фон поспособствовал развитию романского стиля. Его название связано с обращением к римской архитектуре и инженерии. Главным фокусом формирования нового стиля стал храм. Он не только выполнял роль крепости и спасал жителей во время нападений на город, но и очищал их душу от грехов. Поэтому внешне храмы были крепкими и неприступными, а интерьер способствовал наставлению на праведный путь.

Скульптура и рельеф в храме

Самые примечательные образцы романского стиля в скульптуре можно найти на фасадах романских церквей, особенно во Франции.

Изображения несли повествовательную функцию. Все детали, которые можно было заметить на рельефах и скульптурах, были призваны уточнить обстоятельство сюжета, необходимые для рассказа.

Одна из важнейших характеристик романского изображения – наглядность и понятность. Это связано с тем, что в период иконоборчества, пытаясь отстоять право на использование изображений, церковь в Западной Европе назвала рельеф и живопись «Библией для неграмотных» и тем самым обозначила функциональный смысл храмового искусства.

Пример: Гильдесгеймские врата.

Фрески

Герои фресковых изображений ведут себя так же, как и в скульптуре.

• Художник не мыслит в трехмерном пространстве, он выдвигает все фигуры на первый план.

• Фигуры грубы в исполнении. Порой сложно различить, женщина перед нами или мужчина, здание или предмет мебели. Образы наивны, просты, условны и схематичны.

• Позы застывшие, руки, как правило, большого размера, так как их жесты в сюжете имеют важное значение.

Пример: Христос Пантократор из церкви в Тауле.

Книжное искусство

Вслед за фресками и рельефами к повествовательности стремится и книжная миниатюра. Образ зверя не ушел из искусства, но трансформировался. В виде хищников и причудливых зверей теперь изображаются дьявол, в пасти которого оказываются грешники после смерти, а также его спутники (и другие отрицательные персонажи).

Пример: Винчестерская Псалтырь.

Готика

Знания о мире расширялись: европейские города стали стремительно расти, развивались торговля и наука. Крестовые походы и глобальное насаждение христианской религии укрепляли положение церкви. Поэтому готический стиль, несмотря на развитие светской жизни, нес религиозный характер. Произведения искусства иллюстрировали библейские сюжеты, художественный посыл был обращен в сторону веры.

Готическое искусство в основном проявило себя в архитектуре. В результате новых инженерных приемов были разработаны элементы построек, которые помогли уйти от романской тяжеловесности в сторону легких, изящных, устремленных вверх конструкций. Первый готический собор появился в середине XIII века.

Собор больше не выполняет роль крепости. Теперь он поражает разнообразием резных деталей, а также обилием света и пространства внутри.

Скульптура

Продолжая византийские традиции, готические мастера создают скульптуры с невыразительными фигурами, которые говорят о торжестве духа над телом. Одухотворенность передается через взгляд, в самих лицах нет ничего индивидуального: мужская и женская внешность андрогинна и различается лишь наличием или отсутствием бороды, а также прической.

Пример: статуя Святой Модесты.

Одежда на теле Модесты смотрится гораздо реалистичнее, чем на ранних работах. А ее лицо говорит о скромности и смирении.

Яркие эмоции считались признаком страстей и в основном выставляли героя в негативном свете. Мастера четко делили мир на черное и белое – подчеркивали достоинства и противопоставляли им недостатки. Поэтому человеческие эмоции использовались в основном для изображения какого-либо поучительного сюжета.

Живопись

Живопись развивалась в книжной миниатюре. Вот основные черты готической иллюстрации:

• Интерес к окружающему миру (через обилие деталей) и к индивидуальным особенностям во внешности человека. Одежда и прически персонажей отличаются, но лица – нет.

• Разнообразие ракурсов. Герои могут быть повернуты к нам лицом, стоять в профиль или спиной.

• Тщательно проработанные детали фона и расположение объектов на нескольких планах. Хотя художники еще не знают прямой перспективы, подробности обстановки говорят о понимании глубины картины.

• Появление протопейзажа. Это предшественник привычного нам пейзажа, то есть изображение природы или архитектуры, но более простым и схематичным способом.

Проторенессанс, или Предвозрождение

В отличие от других европейских стран, где царила изящная готика, Италия проходила свой путь развития под влиянием политики и культуры Византии.

В Италии возникает Проторенессанс – так называемый переходный период от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения. Это время, когда был намечен новый курс развития европейской цивилизации, связанный с осмыслением главной роли человека в мире. В этот период пробуждается интерес к земной жизни, уходит византийская условность, а божественные герои приобретают человеческие черты.

Живопись

Важнейшую роль в живописи проторенессанса сыграл Джотто ди Бандоне – мастер, который первым начал менять византийский канон.

Божественные герои проторенессанса начинают испытывать человеческие эмоции.

Пример: полиптих «Благовещение».

Мария, узнав от Гавриила благую весть о будущем рождении Иисуса, в смущении отклоняется от архангела. Это человеческая реакция на неожиданную и важную новость. И хотя на лице Марии эмоции не отражены, ее жесты естественны и правдоподобны.

Джотто создает в своих фресках уходящее вглубь пространство. Пока рано говорить о принципах прямой перспективы, но мастер уже дает понять, что видит божественный мир продолжением земного. Об этом «переселении» небесного на землю говорит также фон на его фресках: золотой Джотто заменяет на синий.

Раннее Возрождение

У Италии, в отличие от Франции, Германии и других стран, было преимущество в виде богатой истории Римской империи и Древней Греции. К их традициям можно было обратиться для достижения новых культурных целей. Так появился термин «Возрождение» – то есть возвращение к культурному прошлому.

Важнейшим открытием итальянцев стало изобретение прямой перспективы. Открытие перспективы принадлежит архитектору Филиппо Брунеллески, автору купола собора Санта-Мария-дель-Фьоре во Флоренции. Именно он придумал систему расчетов и построений, позволяющую изобразить трехмерное пространство так, как его видит человеческий глаз. Возникновение перспективы ознаменовало новый взгляд на мироздание.

Живопись

Портрет – это новый светский жанр, сформировавшийся в XV веке и продолжающий жить и по сей день.

Характеристики итальянских портретов:

• Первые портреты были профильными. Их важная особенность – четкий контур, очерчивающий лицо и фигуру, в которых чувствуется полная неподвижность.

• Работы красочные и выразительные.

• Герои спокойны, выглядят величественно.

• Лицо, фигура и детали одежды освещены равномерно и ярко. Ярким светом залит и пейзаж.

• Мастер точно фиксирует внешность и подробно прорабатывает детали одежды, не упускает никаких нюансов прически и украшений.

В XV веке художники расширяют возможности и обращаются к светским сюжетам. Одним из самых известных представителей искусства раннего возрождения является Сандро Боттичелли.

Цвета в его картинах яркие, художник не использует плавных переходов, из-за чего колорит многих работ кажется пестрым. Для Боттичелли было важнее работать с фигурой, пропорциями, перспективой и сложными ракурсами.

Пример: «Рождение Венеры».

Боттичелли ввел в европейское искусство новый образ – Венеру. К средневековому символу женственности и красоты, который олицетворяла Богоматерь, прибавился античный образ богини любви.

На картинах раннего возрождения можно увидеть избыток фигур, предметов и деталей. Это связано с тем, что художники наконец получили возможность изображать всё что угодно. Им был интересен мир в любых проявлениях, они практически стремились объять необъятное.

Скульптура

Скульптура повторяет те же тенденции, что и живопись. Мастера по-прежнему оформляют врата храмов, изображения на них всё так же библейские, но меняется сам подход. Появляются множество фигур, и детализированный фон, и пространство, построенное по законам прямой перспективы.

Для создания скульптуры используется новый материал: более пластичная и податливая бронза.

Работы скульпторов раннего возрождения говорят о желании художников рассуждать о независимом, свободном человеке. Темы гармонии человека в мире, поиск идеальной красоты станут главными в искусстве последующей эпохи – Высокого Возрождения.

Высокое возрождение

Высокое Возрождение – это очень короткий промежуток времени, всего около 25 лет. Однако именно об этом периоде мы наслышаны больше всего, художников этой эпохи знаем наизусть и можем по памяти назвать их величайшие произведения искусства. Всё потому что Высокое Возрождение совершило прорыв в науке и культуре и утвердило новые идеалы.

В XVI веке итальянцы начинают использовать вместо тяжелой темперы масляную краску – прозрачную, с мягкой текстурой и послушную в использовании. Появилась возможность работать с оттенками цвета более тонко.

Европейское Возрождение, затронувшее два столетия, XV и XVI, радикально изменило искусство. Оно теперь не только церковное, но и светское.

Пройдемся кратко по творчеству главных представителей эпохи Высокого Возрождения и начнем с флорентийской школы живописи.

Первооткрывателем среди художников стал Леонардо да Винчи.

Знание законов физики позволило да Винчи совершать открытия, которые наполнили его картины воздухом и теплотой, а также сделали цвета и фигуры в картине согласованными, то есть связанными между собой.

Леонардо был настоящим новатором в искусстве. Вот несколько приемов, которые мастер начал применять в работе:

1. Сфумато – концентрированный воздух, который как бы обволакивает все предметы на картине и делает все контуры и переходы цвета плавными и мягкими. Сфумато исключает резкость в передаче образа и контуров фигуры. Это открытие было реализовано в картине «Мона Лиза».

2. Геометрическая композиция. Леонардо утверждал, что важно вписывать фигуры на картине в правильную геометрическую форму – круг, треугольник или пирамиду. Этот прием воплощен в картине «Мадонна в скалах» – фигуры на ней расположены в самом пейзаже и удалены от зрителя по-разному.

3. Разнообразие жестов и поз. Жесты утрачивают средневековую условность. Теперь они способствуют интеллектуальной работе зрителя, вовлекают его в действие картины. Пример такой работы – «Тайная вечеря». Перед зрителем изображен момент, когда Иисус сообщает о предательстве одного из учеников. Каждый апостол по-своему реагирует на эту новость. Леонардо попытался в фигурах, лицах, позах героев показать, как каждый из них воспринял слова Христа. При этом апостолы разделены на четыре группы, в каждой из которых свое настроение.

Другой представитель эпохи – Рафаэль Санти – не совершил сенсационных открытий, однако его работы можно считать истинным воплощением идеалов Возрождения. В них выражены торжество мудрости, интеллекта и рациональности.

Все эти понятия отражены во фреске «Афинская школа» – самой узнаваемой работе Санти. Художник объединяет персонажей – ученых и философов разных школ и поколений – в группы. Санти предлагает зрителю различные вариации рассмотрения композиции. От юноши, который будто только что вбежал в изображение, наш взгляд перемещается вправо, к другим героям. Фигуры, сгруппированные отдельно друг от друга, динамикой поз задают вектор движения. При этом они не выглядят разобщенно, а создают единое пространство, в котором царят знание и философия. Смысл картины – поиск истины, ведь даже в многообразии мнений и направлений каждый зритель найдет свою.

Микеланджело Буонарроти – художник, в работах которого звучит гражданский пафос и героическая лиричность.

Микеланджело создал пятиметровую статую обнаженного Давида для собора во Флоренции. Давид как библейский герой-освободитель стал символом свободной и независимой Флорентийской республики. Он воплотил собой образ человеческого величия. Эта идея передана за счет совершенного во всех отношениях тела, а также выразительного и грозного взгляда.

Второй важнейшей работой Микеланджело была роспись потолка Сикстинской капеллы. Это цикл фресок, созданный в 1508–1512 годах. Росписи поражают не только масштабностью, но и искусностью выполнения. Все фигуры проработаны цветом, они четкие и яркие, и разглядывать их можно до бесконечности.

Джорджо да Кастельфранко, известный как Джорджоне, является представителем венецианской школы живописи. Ее отличительной особенностью является влияние византийского канона – отсюда обилие света и золота на картинах.

Представителям венецианской школы, в отличие от флорентийской, было важно органично, естественно встроить героев в пейзаж. Работа Джорджоне «Спящая Венера» – это демонстрация смелости и широты взглядов жизнелюбивых венецианских мастеров. Так в искусстве Возрождения появляется образ богини, лишенной мифологических черт. Венера на картине Джорджоне – это обыкновенная женщина, которая поражает зрителя красотой обнаженного тела. Сюжет отсутствует, Джорджоне обращает внимание не на важность происходящего, а на чувства, которые вызывает созданный им образ.

Тициан прожил почти сто лет и застал переход от Высокого Возрождения к позднему. Он первым стал писать в новых разновидностях портретного жанра:

• Парадный портрет иностранного короля

• Конный парадный портрет

• Психологический портрет

• Групповой портрет

«Венера Урбинская» – картина Тициана, которая напоминает Венеру Джорджоне. Однако в интерпретации Тициана она более соблазнительна.

Венера помещена в интерьер палаццо: она лежит на белоснежных простынях и мягких подушках, держит в руке цветы, ее глаза (в отличие от Спящей Венеры) открыты и смотрят прямо на зрителя.

Поздние работы Тициана показывают кризис Возрождения. Оптимистические настроения и убежденность в совершенстве человека сменились тревогой и осознанием зыбкости жизни. Искусство тоже стало меняться. Появляется новое течение маньеризм, которое воплотило собой утрату ренессансной гармонии.

В картине Тициана «Коронование тернием» создается ощущение движения и волнения. Мрачный колорит придает трагизма, а «копья палачей, направленные в разные стороны, превращают порядок Высокого Возрождения в хаос заката эпохи».