Текст книги "Саммари 100 лучших книг от CrossReads"

Северное возрождение. Искусство Германии и Нидерландов XV–XVI вв.

Тем временем в странах к северу от Италии – во Франции, Германии, Нидерландах – происходят не менее значительные изменения, которые принято называть «Северным Возрождением».

Крупнейший художник, с которого следует начать рассмотрение северного искусства, – это Ян ван Эйк.

По его небольшой работе «Мадонна в церкви» становится заметно, как изменились изобразительные принципы: тонко проработаны мелкие узоры ткани, с особым вниманием прописаны детали внешности, реалистично передан свет, который золотым отблеском скользит по пространству.

Совокупность этих деталей – светотень, объёмы, фактуры, точная передача деталей – говорит о том, что искусство вышло за рамки готической традиции и шагнуло дальше.

Внимание к деталям отличает северных мастеров от итальянцев. Мир в их представлении – это единение всего сущего: людей, животных, растений, рукотворных предметов. И все составляющие мира представляют одинаковую ценность, поэтому их изображению уделяется равнозначное внимание, художники с одинаковой тщательностью прорисовывают и детали интерьера, и фигуру Богоматери, и каждый волосок на ее голове.

Одним из самых неоднозначных художников Северного Возрождения является Иероним Босх.

Бесчисленное количество персонажей, вовлеченных в сложный сюжет, – вот отличительная черта живописи Босха. Смысл его картин или символов исследователи пытаются разгадать по сей день.

Примером такой работы можно считать триптих «Сад земных наслаждений». Это складной деревянный алтарь, левая створка которого представляет собой изображение Рая, правая – Ада, а между ними располагается «сад наслаждений».

Работа пестрит героями, которые представляют причудливое, даже несуразное зрелище.

Альбрехт Дюрер был реформатором. В отличие от современников, он изучал античное и итальянское искусство и был так же озабочен поисками идеала, как и мастера того времени.

Дюрер первый реалистично изображает обнаженное тело: он ищет идеальные пропорции фигуры путем расчетов и построений и наделяет героев естественными позами.

Его внимание направлено не только на портреты, но и на изображения животного мира. С одинаковой тщательностью он вырисовывает каждую травинку, каждое перышко в крыле птицы.

«Внимательно глядя на мир, именно Дюрер одним из первых создаёт образ мира без человека, то есть пейзаж. Этому жанру суждено стать популярным в XVII веке и превратиться в важнейший в XIX. Но начало ему было положено в искусстве Северной Европы, видевшей божественное дыхание в природе», – пишет Алина Аксенова.

Академизм

Братья Аннибале и Агостино Карраччи – болонские художники, основавшие в 1582 году Академию дельи Инкамминати, – призывали считать традиции Возрождения единственным ориентиром в искусстве. Караччи выработали вектор «художественного поведения», определяющий сюжеты, формы и композиционные решения, которые отныне следовало изображать мастерам. Таким образом, произошло появление академизма – направления, основанного на канонах высоких классических идеалов.

Главные черты академической живописи:

• В основе произведения лежит контурный рисунок. Линии, очерчивающие фигуры, всегда тонкие и заметные.

• Правильная, уравновешенная композиция, тяготеющая к симметрии и вписывающаяся в правильную геометрическую фигуру.

• Цвета высветляются постепенно, от низа к верху. Нижняя часть картины темнее, чем верхняя.

• Картины создаются на мифологические или библейские сюжеты; также популярен исторический жанр, парадные портреты.

• Настроение картин торжественное, героически приподнятое, всегда есть место патетике.

Искусство стало ограничено множеством условий и правил, потому вполне закономерно, что появились мастера, которые были не согласны идти таким путем.

Барокко

Авторитет католической церкви пошатнулся в период Реформации, поэтому она прикладывала все усилия для восстановления былого статуса. Ожесточились церковные репрессии, вновь активизировалась инквизиция. Большие надежды на возвращение влияния церковь возлагала на искусство.

На фоне этих перемен в искусстве рождается новый стиль: барокко. Он распространился в большинстве стран католической Европы.

Ярчайшим представителем стиля барокко в живописи был фламандский мастер Питер Пауль Рубенс. Заказчиками Рубенса были монархи и церковь – он создал огромное количество алтарных работ, многие из которых до сих пор можно увидеть в храмах.

Черты барокко:

• Пышность, особенно заметная в архитектуре (роскошная лепнина, обилие декора).

• Повышенный драматизм, динамика и психологизм в живописи. В качестве сюжета часто взяты кульминационные моменты, которые держат зрителя в напряжении. Это чувство также передается динамичными позами, сложными ракурсами и эмоциональным выражением лица героя картины. Пример – предсмертные страдания Христа на картине Рубенса «Воздвижение креста».

• Прославление церковной и светской власти.

• Парадный и торжественный стиль. Мастера воспевают физическую мощь человека, полотна насыщены цветом.

• Гедонистическое начало. В натюрмортах выражены темы наслаждения и насыщения за счет изобилия на столе дичи, фруктов, морских гадов и многого другого.

Портреты

Портрет всё еще остается ведущим светским жанром. Вот некоторые типы портретов, которые стали важнейшими в искусстве XVII века:

1. Парадный портрет. Его задача – подчеркнуть социальный статус героя, его военные заслуги и положение в обществе.

Антонис ван Дейк – один из самых крупных портретистов XVII века, главным образом писавший парадные портреты. Они нередко были выставлены в парадных залах во дворцах и обязательно демонстрировались гостям.

2. Конный портрет. Он обращает внимание на доблести и военные успехи героя.

3. Бытовой портрет. Его задача – изобразить жизнь без идеалов, такой, какая она есть.

Рембрандт Харменс ван Рейн – голландский живописец и график. Наиболее сильными считаются созданные им портреты стариков, где всё внимание мастера приковано к лицу и рукам – двум наиболее красноречивым деталям, которые рассказывают о характере и судьбе человека.

Огромную роль в картинах Рембрандта играет свет. Мастер выделяет лишь самые главные детали, способные раскрыть образ героя, рассказать о его судьбе и передать психологизм.

4. Групповой портрет. На подобных портретах, как правило, были изображены члены общества стрелков – городской милиции, или регенты благотворительных учреждений. Картины были заказными, и на них изображали всех, кто вносил художнику плату.

Скульптура

Поскольку заказчиком для скульпторов, как и для живописцев, часто была церковь, среди барочных скульптур немало религиозных.

Джованни Лоренцо Бернини, римский скульптор XVII века, прославился множеством работ. Одна из самых знаменитых – «Экстаз святой Терезы». Тереза – испанская монахиня, которая однажды увидела во сне ангела, пронзившего её сердце золотой стрелой, отчего она испытала сладостную муку.

Мрамор в исполнении Бернини совершенно не похож на камень. Легкость и естественность, с которой он выполнил скульптуры, движение тел и складок, говорят о невероятном таланте автора. С таким же мастерством Бернини выполнил еще одну знаменитую скульптуру – «Похищение Прозерпины». Это античный миф о том, как бог подземного царства Аид, влюбившись в дочь богини плодородия Прозерпину, забрал её в свой мир. Эта работа создает впечатление, что перед нами не каменное изваяние, а живая плоть.

Классицизм

Классицизм как направление сформировался во Франции – в одной из сильнейших монархических стран Европы XVII века. Французские короли перенимали величие Римской империи, а художники прославляли монархов, опираясь на античные образцы.

Никола Пуссен – мастер, который первым сформировал концепцию классицизма. Его картина «Смерть Германика» написана на сюжет древнеримской истории времен Империи. На примере этой работы можно вывести основные принципы этого стиля:

1. Власть над эмоциями – одна из важнейших тем в искусстве классицизма.

2. Уравновешенная композиция. Все герои выстроены в одну линию на первом плане, на втором плане изображается интерьер классического здания: колоннада, арки.

3. Демонстрация лучшего. Классицизм снова возвращает в искусство поиски идеала. А идеалом считаются разум, спокойствие и достоинство. То есть все характеристики, которыми можно описать величие монарха и государства.

4. Статичность. Герои принимают спокойные позы, картина не так динамична, как было принято в искусстве барокко.

Рококо

Стиль рококо – от французского rocaille, «раковина» – буквально определяет искусство XVIII века, ведь важным декоративным элементом становится морская раковина. Узоры, напоминающие эту форму, можно увидеть в предметах мебели, декоративной лепнине, архитектуре.

Возникают новые живописные жанры:

1. Галантная сцена, где художник изображает сцену светской жизни. Объектом картины становятся праздно проводящие время на природе аристократы. Такие работы лишены сюжета, в них нет морального подтекста или конфликта.

2. Пастораль. Это пейзаж, который включает изображение крестьян, часто пастухов и пастушек, и простой деревенской архитектуры.

Портреты приобретают новое значение. Главными героинями рококо становятся женщины. В этот период они активно начинают влиять на политическую жизнь, становятся писательницами и художницами. Так, одной из самых влиятельных дам Франции была знаменитая фаворитка Людовика XV, Маркиза де Помпадур. Ее портрет, написанный Франсуа Буше, можно считать одним из главных произведений, раскрывающих эстетику рококо.

Неоклассицизм

XVIII век в истории Европы назван эпохой Просвещения. Это время стремительного развития науки и философии. Ученые углубляются в изучение истории, размышляют о том, по каким законам развивается общество и т. д. Величайшие умы начинают задаваться вопросами гражданских прав, государственного устройства, ценности религии.

Рационализм и революционные настроения снова вызвали у художников желание оглянуться на античное прошлое – Грецию, прославлявшую силу разума и идеи свободы Римской республики.

Главный представитель неоклассицизма – Жак-Луи Давид. Его картина «Клятва Горациев» – одно из самых показательных произведений для характеристики стиля.

Работа была написана за пять лет до начала Французской революции 1789 года. За этим событием, начинавшимся как путь к человеческим правам и свободам, за которым с вдохновением следил весь мир, последовал якобинский террор и захват власти Наполеоном. Такие стремительные перемены в мире – войны, революции, изменения границ – привели к иному мироощущению в Европе и новым настроениям в искусстве.

Романтизм

Борьба разума и чувства закончилась победой последнего. Чувства – это особое состояние, которое делает человека человеком, и эта идея раскрылась именно в искусстве романтизма.

Романтизм – направление, которое стало одним из важнейших в XIX столетии. Одной из причин нарастающих романтических настроений в обществе стала Французская революция 1789 года. Ситуация во Франции сильно повлияла на умонастроения художников, литераторов и философов по всей Европе. Революционные события стремительно сменились на жесткий якобинский террор 1793 г., а после на смену высоким идеям республиканских свобод пришла абсолютная власть императора.

Основные черты романтизма:

1. Люди становились свидетелями чрезвычайных исторических событий. Человек буквально существовал внутри захватывающего сюжета. Отсюда возник образ героя, который противопоставлял себя всему миру.

2. Романтиков привлекали исключительные качества людей. Французских живописцев особенно интересовали смелость, отвага, бесстрашие и готовность идти на риск.

Эжен Делакруа в картине «Свобода, ведущая народ» воспевает упомянутые выше качества.

3. Важнейшим жанром становится пейзаж. Европейские художники рассматривали природу как нечто наделенное особой силой. В эпоху романтизма созерцание природы способствовало погружению в глубины души и тайны мироздания.

Картина Теодора Жерико «Плот “Медузы”» затрагивает тему сильных чувств и исключительных событий, а также тему борьбы со стихией – одну из важнейших в романтизме.

Реализм

Обыденная реальность, изображенная во всех своих проявлениях, называется реализмом.

С конца XVIII века во Франции выставки работ художников проходили не в Академии, а в одном из залов Лувра, названном Salon carre, или просто Салон.

Для этих выставок работы тщательно отбирались жюри, а посетители могли покупать понравившиеся им картины. Так появилась салонная живопись. Искусство, оставаясь академическим, стало ориентироваться не на конкретного заказчика, а на некоего потребителя с определенным вкусом и достатком.

Но реализм пошел по другому пути: художники стали описывать ту среду, которая редко могла привлечь внимание поклонников салонной живописи или понравиться представителям аристократического общества.

Главными темами реалистов стала жизнь простых людей – крестьян, рабочих, горожан среднего достатка. Художник Гюстав Курбе считается одним из крупнейших мастеров реализма. Его картина «Похороны в Орнане» – образец направления.

На огромном полотне изображена толпа людей. Сюжет картины крайне прост и прозаичен: герои собрались на кладбище, где хоронят одного из жителей Орнана. Стоит ли говорить, что работа произвела на зрителей неизгладимое впечатление. Ничего более неинтересного и отталкивающего для французского общества, искушенного высоким искусством, нельзя было и придумать.

Импрессионизм

В 1863 и 1865 годах в Париже были впервые выставлены две крайне скандальные картины: «Завтрак на траве» и «Олимпия» Эдуарда Мане.

В картине «Завтрак на траве» две обнаженные дамы проводят время в компании мужчин. Героини – обычные женщины, раздетые в присутствии людей противоположного пола, – вызвали у зрителей возмущение. Вид обнаженных нимф и богинь никого не смущал, но теперь зрители увидели в героинях своих современниц и сочли такое изображение неподобающим.

Не менее возмутительной оказалась «Олимпия», где по-новому зазвучал один из самых традиционных живописных образов – античной Венеры. Мы помним работы Джорджоне и Тициана, да и многие другие художники изображали богиню лежащей и полностью обнаженной. Но Мане поместил женщину в узнаваемый интерьер борделя. Она лежит на белой постели, на ногах у нее модные тапочки, а смотрит она без всякой застенчивости прямо на зрителя.

Этот взгляд – бесстыдный и даже наглый, как у девушки с «Завтрака на траве», так и у самой «Олимпии» – возмущал зрителей больше всего. Всё в этих работах было неприличным. Современность оказалась в фокусе внимания – при этом без какого-либо морализаторства.

Отличительные особенности импрессионизма:

1. Импрессионисты писали только с натуры.

Академическая живопись предполагала эскиз только как подготовительный этап в создании картины. Художники-академисты писали на открытом воздухе небольшие этюды, но основную работу над картиной продолжали в студии. Импрессионисты, наоборот, желая поймать мгновение, определенное состояние природы или времени суток, просто не могли работать таким образом.

2. Поиск новых оттенков.

Тени перестали быть темными – черными, коричневыми или серыми. Импрессионисты искали совершенно разные оттенки в тенях. Такие пустые и глухие цвета, как черный и коричневый, не входили в их палитру.

Это хорошо видно в картине Клода Моне «Сорока», где голубые тени от изгороди падают на снег.

3. В композиции нет симметрии или равновесия.

Импрессионисты выбирают композицию случайно, просто потому что важнее ухватить неуловимый момент, чем выстраивать картину по академическим ненатуральным законам.

4. Сюжет картины – это краткое мгновение в потоке действий.

«Бал в Мулен де ла Галетт» Огюста Ренуара напоминает случайный кадр. Герои первого плана видны не целиком, фигуры обрезаны, позы и ракурсы не позволяют их хорошо разглядеть. У современного зрителя может сложиться впечатление, что перед нами не картина, а случайный фотоснимок.

5. Одним из самых важных объектов изображения для импрессионистов стала вода.

Вода – текучая субстанция, пребывающая в постоянном движении. Она почти не имеет собственного цвета, но при этом принимает цвет всего, что отражается в ней и, в свою очередь, бросает блики на всё, что находится рядом. Это свойство невероятно захватывало импрессионистов.

Постимпрессионизм

Под термином «постимпрессионизм» подразумевается творчество нескольких художников, на работы которых публика и критики обратили внимание через несколько лет после импрессионистов. К этим художникам относятся Поль Сезанн, Винсент Ван Гог, Поль Гоген и Анри де Тулуз-Лотрек.

Поль Сезанн двигался в противоположном направлении от импрессионистов.

Во-первых, он искал не мимолетные явления природы, а ее устойчивость. В работах художник обращал внимание на постоянные величины, монументальность за счет форм, композиции и цвета.

Во-вторых, объекты у Сезанна представляют особую конструкцию: все мазки направлены в одну сторону, создавая нужную форму, а композиция картины всегда выстроена.

В-третьих, Сезанн полагал, что предметы на картине должны напоминать простые геометрические фигуры: кубы, конусы и цилиндры. Можно сказать, что он предвосхитил принципы кубизма.

Для Ван Гога был невероятно важен цвет. Благодаря цвету и оттенкам он выражал свои чувства, то есть свое отношение к изображаемому объекту.

Например, желтый связан у художника с радостью. Знаменитые «Подсолнухи» – это картина, построенная на множестве оттенков желтого цвета.

Красный, наоборот, ассоциировался с тревогой. Красный в «Автопортрете с отрезанным ухом» заполняет практически всё пространство портрета, оставляя рефлексы на лице Ван Гога, его куртке и трубке. Все в этом портрете неспокойно, экспрессивно.

Поль Гоген, живший на Таити, также придавал краскам большое значение. И в своих работах благодаря буйству цвета он отражал другой мир – дикий, экзотический, свежий.

«Женщина, держащая плод» – символическая картина. Полуобнаженная девушка с плодом в руках ассоциируется с Евой в райском саду. Одна из главных идей Гогена – это возвращение к истокам. Он призывал забыть об академических нормах и вернуться к первозданному в искусстве. Так, считал Гоген, европейское искусство сможет переродиться.

Анри де Тулуз-Лотрек – художник, который рассказал миру о жизни французских кабаре, легко и даже карикатурно подсвечивал как привлекательное, так и отталкивающее. Он не покинул городскую среду, как это сделали Сезанн или Гоген. Наоборот, Лотрек именно в городской жизни нашел источник творчества. Он как никто другой мог изобразить неприглядную действительность, но не осудив ее, а зафиксировав необычное.

Его графика наполнена жизнью, танцем, эмоцией при минимуме цвета и действия. Афиша «Японский диван» – одна из самых известных работ Лотрека. Силуэт дамы, очертания музыкальных инструментов и рук дирижера создают невероятную динамику, несут энергию. Эти рисунки невозможно пересказать, в них нет конкретного сюжета, но при этом есть звук, движение.

Модерн

Появление модерна связано со стремительным техническим прогрессом и растущим благосостоянием общества. Люди начинают активно строить особняки, прикладное искусство развивается, художники превращаются в дизайнеров и декораторов.

Однако технический прогресс приносит тревогу и страх за будущее. Поезда, пароходы – это, несомненно, достижения научно-технической мысли, но они знаменуют окончание привычного и размеренного потока жизни.

Поэтому источником вдохновения для художников модерна стала хрупкая природа, которая противостояла развивающемуся технологическому миру.

Образ природы – это символ уязвимости. Изящное, тонкое и беззащитное служит метафорой непрочности мира. Основной мотив модерна – тонкие изогнутые линии, которые похожи на лозу или стебли растений. Эти линии также называют «удар бича» благодаря одноименной работе Германа Обриста. Его «Удар бича» – искусная вышивка со множеством линий, изогнутых и сплетенных между собой. Художники любили изображать длинные тонкие стебли и потому выбирали соответствующие цветы: лилии, маки, ирисы, нарциссы.

Часто акцент в работах делается на деталях. Например, наряд героини картины может стать самодостаточным эстетическим элементом. Этот прием превращения детали – второстепенного элемента – в эстетический центр картины использован Густавом Климтом в работе «Поцелуй».